Trabajo práctico final Ensayo sobre la imagen - UPfido.palermo.edu/servicios_dyc///blog/docentes/trabajos/19229... · 4 INTRODUCCIÓN Y BIOGRAFÍA Para la realización de este trabajo

Trabajo práctico final

Ensayo sobre la imagen

Melanie Lubinski

Taller de reflexión artística I

Cátedra Noriega, Jorge

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ÍNDICE

Página 3: Curriculum

Página 4: Introducción y biografía

Página 4,5,6,7,8: Entrevista

Página 9,10: Ensayo sobre la imagen

Página 11: Conclusión

Página 12,13,14,15: Anexo

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INTRODUCCIÓN Y BIOGRAFÍA

Para la realización de este trabajo práctico final decidí trabajar con el pintor Santiago

Aldabalde, quien nace en Montevideo, Uruguay, el 29 de noviembre de 1973. Sus

inicios como pintor autodidacta, le permitieron generar sus primeros trabajos, libre de

los efectos de la formación académica, así como de las convenciones formales del arte,

desarrollando una técnica muy personal y un idioma abstracto lleno de fuerza gestual

y expresividad desinhibida. Concurre al taller del maestro Nelson Ramos, donde

encuentra el ámbito ideal para el desarrollo de nuevas técnicas que se incorporan a sus

obras, iniciando una actividad sistemática de investigación dentro del arte abstracto

informal. Ha realizado varias exposiciones individuales y colectivas en Uruguay y en

el exterior.

Su obra se encuentra en colecciones de Uruguay, Argentina, Estados Unidos, Canadá,

Francia, China, Australia, España y Malasia y en exposición permanente en galerías

de Uruguay y Argentina.

ENTREVISTA

¿Cómo fue que te involucraste con el arte? Tengo entendido que fue de adulto

y empezó siendo como un hobbie..

Hace 10 años, tenía 30, se me ocurrió un día ponerme a pintar, arranqué

grande y además nunca tuve ningún tipo de facilidad ni para la pintura ni para

el arte. Siempre tuve como un impulso por hacer cosas creativas, cosas que me

llamaban la atención, desde escribir en una revista hasta diseñar un mueble

para mi casa.

Cuando miro hacia atrás me doy cuenta que si hubiera tenido, éste es un tema

que tendríamos que reempenzarlo a nivel de educación, si vos tenés una

aproximación al arte distinta a la que tuviste, yo la aproximación que tenía era

con las proyecciones en la asignatura dibujo en el liceo o copia natural, era

para matarse. Esas cosas te expulsan de las vinculaciones. A su vez, mi familia

no era una familia vinculada al arte entonces como que nunca tuve de repente

una formación, una instancia de decir voy a ir a un taller de cerámica y

arranco, hay veces que necesitas un disparador. Cada uno tiene como un perfil

desde chico, ya sea por el teatro, la música. Mirando para atrás, estuve durante

mucho tiempo haciendo diferentes actividades recreativas hasta capaz que

artística en algún costado, pero nunca me había dado cuenta, aunque en

realidad lo estaba haciendo, pero no me daba cuenta que necesitaba canalizar

determinadas iniciativas. Siempre me interesó el tema estético y me gustaba

mucho la fotografía. Y un día, a los 30 años, me fui a Mosca, le pedí a un

amigo que lo conozco desde los 3 años, que de casualidad es director de una

galería de arte, que me acompañara a Mosca a comprar algunos materiales que

tenía ganas de pintar algo. Siempre tenemos la anécdota, que la persona que

nos atendió, como embromamos en el mundo del arte, que nos reímos mucho

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con la expresión de “yo también pinto”, generalmente estás en una galería y se

te acerca una señora y te dice la famosa frase, que nos lleva a que todos nos

creemos un poco artistas. Y en el fondo lo somos. Bueno, volviendo un poco

al tema de Mosca, le dije a la vendedora que quería unos oleos y un cartón y

algunos lienzos para pintar en mi casa, la vendedora me decía que ella pintaba

con yerba y me contaba un poco de sus anécdotas. Hasta el día de hoy nos

acordamos con mi amigo de aquella señora que usaba yerba, y nos reímos de

cómo yo hoy en día hago como una especie de collage con diferentes

materiales, no yerba precisamente pero hago uso de materiales no

convencionales, y fui asesorado por la chica de Mosca.

Me puse a pintar y todo lo que tenía en la cabeza, esas ideas, no sabía como

llevarlas a la hoja o al lienzo, me era muy difícil, no tenía las herramientas, era

un desastre realmente. Te frustrás, tenés una idea y no tenés el talento para

llevarlo a la práctica. Al tiempo le encontré como una cosa que fue lo que

empecé haciendo que eran como unos grafirmos, empecé a rayar el óleo, viste

como con unas puntas de metal, a generar una cosa media geriogrífica, bien

una especie de grafismo, medio como obsesivo, rayaba y rayaba.. y así salió la

serie que se llama “tu versión de la historia”. Y arranqué con eso, y así si me

empezó a convencer a mi porque si no te gusta es muy difícil avanzar. Le fui

encontrando la vuelta, la repetición, el laburo, la práctica hace a la conseción

de la obra, tiene mucho que ver, es como todo, como en el fútbol, si vos sos

muy talentoso pero no tenés el entrenamiento, la práctica, no llegás a nada, en

este caso no tenía ni el talento ni la práctica, entonces tenía que por lo menos

hacer la repetición y generar alguna cosa interesante. En la medida que vos

seguís investigando acerca de la técnica y todo, que para mi fue bastante

complicado porque nunca había ido a un taller, que para mi es otra de las

charlas que están buenas, me parece importante que la gente se vincule con el

arte primero sin ir a ningún taller, porque los talleres en definitiva te están

estructurando, te están dando como un trillo por el que vos tenés que caminar.

Yo empecé a ir al taller que fui al de Nelson Ramos que era de lo mejor que

había acá, fue un artista fantástico, un tipo muy especial, yo te diría uno de los

artistas más importantes en los últimos 30, 40 años en Uruguay, con trabajos

geniales, una obra super prolífica y una trayectoria como artista sumamente

sólida y a su vez tenía un taller donde le daba bola a un montón de gente que

de repente no era intersante para él lo que esas personas hacían.

Yo cuando llegué al taller, le llevé unas cosas que había hecho, y me dijo que

estaba bueno lo que hacía, que me faltaba un montón pero que tenía “huella

digital”. Lo que pasa hoy con el arte es que es tan abierto y hay tanta

información que mucha gente arranca imitando o copiando a otros artistas,

mucha gente que toma otros trabajos como inspiración y arrancás a partir de lo

que eso te inspira. Yo había empezado al revés, frustrándome con algo que yo

quería hacer, entonces el me explicó que veía que yo tenía algo propio que

después en el futuro podía estar muy bueno, bueno o ser una porquería pero

tenía algo personal que estaba bueno que trabajara desde eso. Estuve en el

taller un año y pico, después dejé y luego falleció Nelson. Él me ayudó mucho

a ordenar mis ideas y a ver cómo puedo ir llevando a cabo mi trabajo. Me dio

certa convalidación, un tipo de ese nivel, que me diga seguí viniendo me

insentivó a seguir por ese camino, estaba bueno porque tenía una convicción

como artista y como maestro muy sólida. Hay veces que necesitas ciertas

reafirmaciones, más cuando recién estás empezando. Lo mismo con la primera

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muestra que hice, que fue en la ciudad vieja, hice la muestra porque mi amigo

director de la galería me dijo que iba a estar bueno mostrar lo que hacía, y

bueno, fue la familia más que nada y amigos, porque nadie me conocía

practicamente, y estuvo bueno, me sentí cómodo, fue un artista plástico

uruguayo, Fito Sayago, con mucha trayectoria quien vive de sus pinturas, y le

gustó una obra, me felicitó, y le dijo a mi amigo que me dijera que vaya para

la galería y todas ese tipo de cosas te dejan contento. Imaginate, yo estaba

jugando y me invitaron a una galería, así es que se te van dando situaciones,

yo llevé después algunas cosas mías a la galería y empecé a vender.

¿De qué corriente artística te consideras parte?

Sinceramente, lo que yo hago, alguien que entiende sobre arte te dirá que es

expresionismo abstracto, yo en realidad tengo ganas de pintar algo y lo hago,

por ejemplo, si mañana termino pintando paisajes de campo, no creo pero uno

nunca sabe, es decir, yo como artista no me encasillo. A mi la figura humana,

los paisajes, nunca me interesaron, me interesa generar a través de la obra

aportes nuevos y no representar la realidad a través de la misma. Hay algo que

si me interesa mucho y me gusta y siento que me ha en cierta forma

contaminado positivamente es la generación del 60´en el Uruguay, lo que hoy

se conoce como arte moderno y contemporáneo, donde hubo grandes artistas y

fue una época parecida al informalismo europeo, una cosa sumamente creativa

y hay artistas fantásticos donde estaba por ejemplo Jorge Paez, el hermano de

Carlos Paez Vilaró, Nelson Ramos vino un poquito después, y todos ellos

hicieron cosas interesantísimas. Si te fijas en Uruguay se estaba haciendo

prácticamente lo mismo que en Europa la vanguardia europea, grandes artistas,

nivel mundial de verdad.

¿Cuáles son los artistas que más te ayudan a inspirarte a la hora de hacer una

obra?

Como te estaba diciendo, yo no me inspiro en ningún artista, no va por ahí y

tampoco tengo una cosa así de inspiración, es más que nada lo que en el

momento tengo ganas de hacer y para que lado quiero ir, lo siento como una

necesidad, tengo ganas de pintar y lo hago, de repente la inspiración en mi

pasa, de repente cuando yo estoy de viaje por trabajo, mi otro trabajo, la

fabrica textil. Estoy en China, por ejemplo de un aeropuerto a una ciudad, dos

horas y media de auto entonces me pongo música y me genera esa cosa de ver

pasar la ciudad como una película, si logras concentrarte es increíble, capaz es

un raye mío, en un lugar que nunca estuviste, o quizá ya fuiste pero estás

aislado del ruido de la ciudad y vas escuchando otra cosa, y me da la

impresión de que fuese pasando todo en cámara lenta, capaz no como

inspiración pero es el hecho de estar tranquilo y salir de la cotidianidad,

cuando no estás dedicado cien porciento a la pintura, que eso es otra cosa que

esta bueno capaz. Yo tengo varios amigos que se dedican a la pintura al cien

porciento y sueñan con tener mi realidad, que pinto cuando me vienen ganas

de realmente ponerme a pintar, puede pasar mucho tiempo que esté ocupado

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en otros asuntos y no pinte, que por un lado estoy como medio presionado,

pero por el otro tengo mucho menos tiempo para investigar.

¿Cuánto tiempo le dedicás a tu vida artística?

Bueno, varía mucho en mi caso, ahora por ejemplo hace como seis meses que

no pinto, y ya como que siento la necesidad de hacerlo. Estuve con un montón

de cosas de mi otro trabajo, fueron seis meses súper intensos. Yo lo que hago

en general es tipo a las diez de la noche me pongo un poco de música y me

pongo a pintar y me puedo quedar dos o tres horas pintando, me iba a dormir

tarde sin importar la hora en la que me tenía que levantar, una vez que me

engancho, es difícil parar. Es muy intermitente, de repente me tomaba una

semana o dos únicamente para pintar, y fines de semana completos, un poco

por necesidad, y a veces me pongo una fecha de una muestra como para

obligarme de cierto tiempo dedicarle a la pintura que es lo que realmente me

apasiona porque sino el día a día me come. Desde el punto de vista del arte

profundo yo nunca voy a ser un artista full time, salvo cuando tenga una edad

determinada, pero tampoco es tan fácil con el tipo de pintura que yo hago

explotar a los 70 años por ejemplo, entonces lo que está bueno es hacer un

pacto entre el día a día, el espacio que ocupa el arte, poder equilibrar.

¿Qué sentís cuando vendés un cuadro y te desprendes de el?

No, en realidad yo no tengo una cosa así de apropiación, que me haga sentir

que se me va el cuadro. Es una mezcla de cosas, por un lado decís, hay obras

que yo no las vendo porque me gustan y me las quedo, ya que no tengo

necesidad económica de venderlas, pero hay otras que me da mucha

satisfacción venderlas ya que es un sentimiento muy grande que me vengan a

comprar un cuadro y les guste la obra que yo hice, y sabes que se la llevan

para colgar en sus casas, es un sentimiento muy profundo.

¿Cuáles son los colores que usas con más frecuencia en tus obras? Colores

cálidos, fríos, etc?

Si vos miras las obras, hay como un hilo conductor, en general son colores

cálidos, apastelados y me gusta mucho trabajar con los ocres, beige, y les

pongo ese azul cobalto, generando como algo con arte concreto, que cada vez

me llama más la atención, y agregando elementos geométricos sobre algo más

informal. Al tener una superficie tan rugosa, al colocarle esos elementos

concretos generan una tensión y un color que después se difuminan y me

parece que quedan buenos.

¿Cuánto tiempo aproximadamente te lleva realizar una obra?

La serie tu versión de la historia que la hice durante muchos años la tengo

súper dominada, si me pongo en un día a pintar logro terminar un cuadro de

1x60. Por el tipo de técnica no lo puedo dejar secar mucho, puedo usar

algunos retardadores algo de eso, pero si lo dejas secar mucho ya no puedo

hacer eso que tanto me gusta de pintar arriba capas de óleos, que al rayar

aparecen diferentes tipos de cosas, entonces te diría que en dos o tres días lo

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tengo que resolver. Los de la serie vía pública, de repente lo arranco hoy y lo

termino dentro de seis meses porque lo agarré cinco veces, lo laburo, lo dejo,

lo vuelvo a agarrar, le pego algo arriba, es mucho más evolutiva, mucho

working progress.

¿Tenés alguna obra de todas las que hiciste con la que más te identificaste,

disfrutaste más al hacerla o al verla terminada?

La verdad que no, hay dos o tres obras de cada serie que he hecho con las que

me quedo, pero no una en específico. Una vez me llamaron para un evento que

era el arte vinculado con la marca de whisky famous grouse, en general es una

relación bastante promiscua en mi opinión, porque utilizan al arte para

promover un producto y al fin y al cabo el arte no les importa mucho que

digamos, y ese es el final de la historia, pero bueno, me invitaron y tenía que

hacer una obra destinada a famous grouse, y yo hice una obra que me encanto

que no la tengo porque la tuve que desarmar que era, una caja chata y le puse

panes de pasto de jardín, y unos led formando una pista de aterrizaje roja y

conseguí una perdiz embalsamada, como la de famous grouse, no sabes lo que

me divertí haciendo la obra, lo que fue conseguir todos los elementos, le hice

poner una forma especial y quedaba como que venía aterrizando, la pinche en

la tierra. Decía si bebe no conduzca, y fue un éxito esa obra por los diferentes

materiales que tenía y la forma en la que estaba construida, pero se me secaba

el pasto y la perdiz ya no era nada agradable, entonces la tuve que desarmar,

tengo fotos pero me hubiese gustado quedármela.

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Análisis sobre la imagen

Obra seleccionada:

Preguntas de auto reflexión

¿De qúe estilo es la pintura? ¿Alguna corriente en específico?

¿A qué pintor me hace alusión dicha obra?

¿Qué me inspira?

A pesar de tener una forma irregular, como la mayoría de las obras de la serie Via

Pública, es básicamente horizontal y sus elementos principales son un color verde en

diferentes tonos, brumoso y sucio, que se despliega de forma irregular por toda la

superficie. En este caso, la superficie de dicha obra atrapa nuestra atención y nos

obliga a recorrer con nuestra mirada esta rica geografía de color y texturas. Por lo que

puedo ver, el artista articula en sus composiciones, hay una relación dialéctica entre lo

efímero y lo concreto, entre figuras geométricas y el espacio, y trabajando siempre las

diferentes texturas sobre el afiche recogido en, como así se llama la serie, la vía

pública.

En mi opinión, y mismo hablando con el artista, no creo creo que sus obras me lleven

a un movimiento de arte específico. Según mi punto de vista, tal como se puede

observar en la obra, podría relacionarse con el expresionismo abstracto, debido a que

las obras reflejan una gran cantidad de sentimientos. Dicho movimiento nace

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en EE.UU. Se fusiona la abstracción con el surrealsmo, experimentan con nuevas

técnicas y practican un arte marcadamente individualizado en el que prima la

expresión de la personalidad del artista. La época de mayor auge de este movimiento

coincide con el momento en que el arte americano logra alcanzar su propia identidad

y desvincularse de la influencia del arte europeo. La presencia de importantes artistas

de las vanguardias europeas en NY tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial.

En el expresionismo abstracto se pueden distinguir dos grandes vías: la gestual o

pintura de acción y la pintura de superficie-color. También está vinculado con el

cubismo, ya que apreciamos figuras geométricas en practicamente todas sus obras, en

este caso en color azul, contrarrestando con el fondo, se destacan esas figuras.

La obra me inspira un gran movimiento, ya que se visualiza cómo está pintado con

oleo sobre diferentes capas, y al ser hecha la obra sobre un afiche urbano, me genera

cierto ruido. Creo que al no estructurarnos en un paisaje o en algo concreto, nos deja a

nosotros la libertad de interpretar la obra, en lo que va a influir mucho la situación

emocional de la persona al momento de verla, entre otras.

Se puede vincular al artista estudiado con Antoni Tàpies, quien fue un pintor, escultor

y teórico del arte español. Fallecido en el 2012, quien fue uno de los principales

exponentes a nivel mundial del informalismo, considerado como uno de los más

destacado artistas españoles del siglo XX. De formación autodidacta, Tàpies creó un

estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinaban la

tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo,

dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado

sentido espiritual dado por el artista a su obra, donde el soporte material trasciende su

estado para significar un profundo análisis de la condición humana. Así como Tàpies

se situó dentro de la denominada “pintura matérica”, también conocida como “art

brut”, también lo vemos en las obras de Aldabalde, caracterizadas por la mixtificación

técnica y el empleo de materiales heterogéneos, muchas veces de desecho o de

recliclaje, mezclados con los materiales tradicionales del arte buscando un nuevo

lenguaje de expresión artística.

Antoni Tàpies - Color terrós sobre fons groguenc

Antoni Tàpies

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CONCLUSIÓN

Según mi punto de vista, en todo lo que abarca el proceso de la realización del trabajo,

ya sea la investigación previa como también el escribir e ir dándole coherencia al

mismo, me permitió involucrarme más con el arte en general y más detalladamente en

los movimientos mencionados en el ensayo sobre la imagen.

Personalmente, a la hora de elegir un artista con quien trabajar, se me ocurrió optar

por un uruguayo, ya que soy de allí, y así me permita conocer más en profundidad

sobre el arte en mi país, que anterorimente desconocía.

En lo personal, creo que la consigna de tomar un artista que no sea de los más

conocidos para analizar, fue algo muy positivo ya que nos permite saber y conocer

que hay cientas de personas con un potencial inmenso y unas cualidades

extraordinarias y no se dan a conocer en la sociedad.

Por último, creo que el hecho de haberme podido vincular con el artista, tenido la

posibilidad de hacer la entrevista personalmente y conocer su atellier fue un privilegio

ya que me permitió conocer su persona y me ayudó mucho a la hora de recopilar toda

la información adquirida para comenzar a escribir.

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ANEXO

Críticas sobre el artista

Es muy difícil en la pintura tener un lenguaje propio, Santiago Aldabalde ya lo

encontró. Eso de cierta tranquilidad al pintor, pues le da una marca, un sello

inconfundible. Tiene casi siempre una doble lectura, en la primera mirada aparece el

color, una segunda lectura más instimista nos revela las texturas, donde el pintor juega

con su nuevo instrumento expresivo.

Aldabalde buscó, el color y la textura son los que nos dan vía libre a la magia y la

imaginación para que el espectador complete esa comunicación tan especial.

Gino Bidart

De pronto una mirada constelar, una suma de símbolos que disemina el viento. Viajan

donde el color; donde celebran la vida los primarios. Asisten a la fiesta. Se sientan a

la mesa del rojo y el azul, beben del amarillo. A la mañana siguiente día planean el

regreso. Más ya se reconocen el semblante en las alas. Igual que las bandurrias se

regresan los símbolos chorreando su alegría.

Vuelven donde Santiago; luthier de geometrías, alfarero sagaz de las texturas,

alquimista obstinado. Y hallan perpetuidad.

Enrique Souza

El trabajo de Santiago Aldabalde muestra una suerte de ready made urbano,

desencriptando la información de los afiches callejeros, los utiliza como auténticos

materiales para reconocer el cruce de la información en la historia inmediata y

mediata. Aldabalde trabaja sobre las capas de la memoria urbana, investigando el

proceso de los pegatineros, aborda la materialidad y la composición del papel,

escudriña la ciudad, viendo la oportunidad de apropiarse de su materia prima. Luego

sigue el proceso de transformarlo en obra de arte, opera invirtiendo el contenido del

afiche y expande una capa pictórica que trabaja rigurosamente en búsqueda de nuevos

sentidos para la imagen. Así el color se transforma en un sobreviviente de la

información procesada una y otra vez. Entre claro oscuros el artista declara un

conflicto que opera con la velocidad del tiempo, la captura de la información en el

afiche y la reconfiguración de la imagen plástica en un contexto diferente, el reverso

que ocultaba una lectura posible, se presenta como una cadena de estímulos. El

“décollage”, aquella práctica que implicaba arrancar del espacio público los afiches

para convertirlos en obra y que fuera iniciada a finales de los años cuarenta, cobrando

más fuerza en los años sesenta hasta nuestros días tiene el eco de lo efímero, de la

lentitud y desgaste que sobre el texto y la pulpa del papel hace el tiempo, presentifica

la finitud constante del material. Contra este efecto Aldabalde agrega un nuevo

dispositivo de conservación, cada pieza tiene un contenedor de madera y de vidrio,

que se contrapone a la liviandad del papel y que funciona a modo de cápsula

contenedora, generando un equilibrio vital para la obra, dando la imagen de objeto

arqueológico.

Jacqueline Lacasa

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Algunas de sus obras:

“Tu versión de la historia”

El observador tiende a buscar un mensaje escondido, encriptado en los

grafismos, hay una búsqueda deliberada, una necesidad de encontrar.

La serie tu versión de la historia presenta un conjunto de pinturas texturadas, lienzos y

cartones determinados por la improvisación y la emoción, con secuencias de símbolos

semiconscientes y referencias caligráficas, dentro de la estructuración de un

entramado deliberado y el meticuloso manejo de los tonos y el contraste. El color

aparece como elemento dominante en las composiciones, alcanzando un delicado

equilibrio, suboridnando las formas y las líneas a la espontaneidad del pincel y las

puntas de metal que graban el óleo formando infinitos planos y mensajes, reflejando

en cada trabajo un único e irrepetible momento del alma. Las texturas son realzadas

por la aplicación de fuertes empastes que fluyen entre los grafismos y la creación de

signos hipergráficos, en la composición de una pintura profunda, de vibrante fuerza

expresiva puesta al servicio del mensaje.

Chipre

Deep red

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“Vía pública”

Cortezas Urbanas.

Un auto se detiene. De él sale rápidamente el artista, camina unos metros,

llega a una pared sobre la que hay pegada una cantidad importante de afiches

que se acumularon, uno sobre otro, formando una capa compacta sobre un

muro. Rápidamente los arranca, los contempla un momento, los enrolla, los

mete dentro la valija del auto y continúa su marca.

Este pequeño evento casi anodino no debe ser interpretado como una acción o

performance realizada por el artista Santiago Aldabalde.

Sonic

Obra conjunta con Santiago Velzaco

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Noticia en el diario “EL OBSERVADOR”

Contacto: [email protected]