IMPRESIONISMO Y POSTIMPRESIONISMO
Feb 01, 2016
IMPRESIONISMO Y POSTIMPRESIONISMO
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Trabajo práctico Nº3.
CAVALLIN, Iohanna V. PRATO, Fernando.
Historia del Arte II
Docente: Carranza, A.
Tecnicatura en Diseño Gráfico. Escuela Superior de Bellas Artes “Emiliano Gómez Clara”.
Octubre de 2015
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PINTURA PRERRAFAELISTA
La evolución de la pintura moderna a lo largo del Siglo XIX supone una superposición de tendencias y estilos que van complicando progresivamente la aspereza artística del momento. Así, junto a la evolución variada del romanticismo, y de las maravillosas tendencias surgidas del realismo, se desarrolla también una corriente esteticista, a veces intelectual y a veces simbólica que también da pie a numerosas variantes desde el Prerrafaelismo inglés hasta las más variadas representaciones del simbolismo.
Los Prerrafaelistas ingleses son un grupo de jóvenes artistas idealistas e innovadores que pretendieron reformar el panorama artístico inglés alejándose de la Academia Real de Londres, producto de la Industrialización de Inglaterra. Creían en la capacidad personal de los artistas para escoger sus propias ideas y técnicas pictóricas. El nombre se debe a que siguen la línea de amparar su obra en la influencia de artistas anteriores al Clasicismo pleno que representa Rafael Sanzio. Bajo la influencia del Romanticismo, rechazaban las convenciones artísticas del Renacimiento e intentaban recuperar los valores artísticos de la Edad Media los cuales les fascinaban y ya se habían perdido en épocas posteriores.
En sus comienzos, forman un grupo de siete pintores entre los que se destacan William H. Hunt (1827-‐1910), Dante Gabriel Rossetti (1828-‐1882), John E. Millais (1829-‐1896), Edward Burne-‐Jones. Luego poco a poco se fueron adhiriendo otros artistas como James Collinson (1825-‐1881), un autor de género pretendiente de la hermana de Rossetti, Thomas Woolner (1825-‐1892) que opinaba que los principios prerrafaelistas también podían aplicarse a la escultura.
Buscaron en ocasiones el tema literario, dan a sus obras una gran calidad técnica, y una mayor altura intelectual. Su pintura por esto se convierte en un movimiento esteticista que también gozó de un enorme favor popular, sobre todo en el momento en el que el escritor y critico de arte Ruskin los defiende como ejemplo a seguir de la pintura moderna. Ruskin apostó a favor de los prerrafaelistas y fue desde entonces cuando surgieron a la fama y comenzaron los encargos, también comenzaron los imitadores de este estilo como Brett.
La pintura prerrafaelista se caracteriza por sus colores puros sin mezcla, colores brillantes, la representación meticulosa, en el detalle minucioso y una captación de la luz totalmente nítida y natural. Una pincelada descriptiva de líneas precisas y un tono general delicado y elegante. Trabajaban al aire libre y sobre los temas que trataban.
The Holy Family James Collinson, 1878.
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Los ideales del grupo fueron documentados por Rossetti, quien era el que llevaba un registro escrito de las pautas del grupo y pueden resumirse en cuatro apartados:
-‐ Expresar ideas auténticas. -‐ Estudiar atentamente la naturaleza para saber cómo expresar la idea. -‐ Simpatizar con lo inmediato, con lo serio y con lo que se siente de corazón en
el arte previo. -‐ Hacer siempre buenos cuadros y esculturas buscando la perfección en todo
momento.
Los Prerrafaelistas se preocuparon por los desórdenes sociales del país y centraron sus obras en cuestiones sociales y políticas de la ciudad industrial. También buscaron su inspiración en leyendas medievales y temas históricos. En sus primeros momentos creyeron que medievalismo y realismo eran compatibles, pero en años posteriores el movimiento terminó por escindirse en dos direcciones: La corriente realista fue encabezada por Hunts y Millaus y el medievalismo por Rossetti, Brunes-‐Jones y Morris. Nunca hicieron una ruptura absoluta, sino que ambas tenían las mismas creencias acerca del arte y se oponían al ideal de materialismo realista asociado a Coubert y el Impresionismo.
En 1849 los Prerrafaelistas realizaron su primer muestra de lienzos cosechando
muy buenas críticas que alababan su estilo de medioevo con obras como “Rienzi jura obtener justicia por la muerte de su hermano menor”, de Williams Hunt, que fue pintada en el sitio donde sucedió y con luz natural. (Izq.)
Otra de las pinturas expuestas en la muestra fue “La juventud de la Virgen María”, de Rossetti, llena de simbolismos que muestran a Santa Ana observar a su hija María como borda un lirio en una banderola carmesí. (Der.)
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“La Bella Isolda” (Morris , 1858) refiere a la naturalidad que representaban los artistas prerrafaelistas, intentando captar cada detalle desde cerca, el objetivo era se auténtico. Pintaban al aire libre en lugar de recurrir a la memoria era fundamental para liberar de la mente esquemas preestablecidos y verificarlo a partir del motivo representado. Quizá el factor mas importante en la preferencia por la pintura al aire libre fue el deseo de captar el color tal cual aparecía en la naturaleza, llevándolos a distinguir entre los colores “absolutos” (color pigmento, sin influencia de otro color) y los colores “aparentes” (aquellos que se regulan al ser vistos en conjunto).
Rechazaron la estetización del contorno mediante estrategias en la pintura. Aislaban los detalles naturales, toda la pintura tiene un enfoque homogéneo (primer plano absoluto, sensación de tridimensionalidad creada por los contrastes en la temperatura del color) y un equilibrio entre los elementos figurativos y los paisajísticos. La imagen de la izquierda, “The Last of England” / “Adiós Inglaterra” (Brown, 1855) es un claro ejemplo. (Izq.)
En 1850, la Hermandad prerrafaelista se convirtió en el centro de discusión tras
entrar en polémica por los comentarios negativos acerca de la obra de Millais, “Cristo en la casa de sus padres”. Considerada un blasfemo por parte de los críticos. Se atacó su
medievalismo por atrasado y su detallismo excesivo y fue tildado de antiestético y ofensivo a la vista. A causa de esta polémica, sumada a los ataques públicos por parte del presidente de la Academia, Sir Charles Lock Eastlake y de otros factores, la hermandad comenzó a disolverse aunque sus principios seguirían siendo influyentes en las generaciones posteriores.
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MOVIMIENTO PICTÓRICO IMPRESIONISTA
El movimiento impresionista pictórico surgió en Francia, más precisamente en París, en la segunda mitad del siglo XIX y luego se expandió a otros países europeos. Este movimiento surge como un modo de romper con los convencionalismos de la época, y de este modo dar paso a lo natural y espontáneo a través de rápidas pinceladas, preocupándose menos de los detalles que del efecto general del conjunto, el objetivo era conseguir una representación del mundo espontánea y directa.
Las características de la pintura impresionista son:
-‐ Los impresionistas se centran en el intento de reproducir fielmente las apariencias.
-‐ Con el fin de estudiar los distintos matices de la atmósfera que envolvía los motivos, era típico de los impresionistas el realizar distintas versiones de un mismo motivo en distintos momentos del día, y bajo distintas condiciones de iluminación y atmosféricas.
La Catedral de Ruan fue llevada a cabo por Claude Monet entre 1892 y 1894. Se trata de una serie de 31 lienzos que muestran la fachada de la gótica Catedral de Nuestra Señora se de Ruan, Francia, a lo largo del día y en distintas condiciones meteorológicas.
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-‐ Debido a la influencia de la fotografía y del grabado japonés, el Impresionismo busca captar en las obras la temporalidad, la apariencia fugaz del fenómeno que quieren representar. Ya se trate de un caminante, de un campo de amapolas o de la atmósfera cambiante frente a la fachada de una catedral, lo fundamental es lo que el artista percibe y cómo se siente frente a lo que percibe. En consecuencia, el Impresionismo deja de lado el enfoque tradicional que exigía al artista contar una historia o transmitir un mensaje de tipo moral.
-‐ Una exigencia adicional de este afán por captar instantáneamente momentos
fugaces de motivos cotidianos era la de pintar «au plain air»», al aire libre. Los pintores impresionistas no dudaban en aprovechar los avances tecnológicos del momento que facilitaban el transporte por ferrocarril con localidades de la campiña francesa cercanas a París, y ubicaban sus caballetes al aire libre para ejecutar allí sus obras. A esto ayudó también la invención en la década de 1840 de los tubos metálicos de pintura.
EUGÈNE BOUDIN: "Muelle en Deauville" -‐ 1869 -‐ óleo sobre lienzo, 23 -‐ 32 cm. -‐ Paris, Musée d'Orsay -‐
Boudin fue uno de los primeros paisajistas franceses aficionados al trabajo "au plen air", y está ampliamente considerado como una de las mayores influencias para los primeros pintores impresionistas. Cuando se estableció en Saint-‐Siméon en 1862, muchos jóvenes pintores se influenciaron con sus obras, fundándose un grupo, la llamada "Escuela de Saint-‐Siméon", que es uno de los orígenes del impresionismo
LAUDE MONET – “Poplars au bord de l'Epte, (álamos al borde del Epte, vista de la marisma)” -‐ 1891 – óleo sobre lienzo, 88-‐ 93 cm. -‐ USA, colección privada –
Claude Monet es el pintor impresionista por excelencia, y su mayor cota lírica la alcanza en este cuadro extrañamente irresistible. La composición posee la extraña belleza de un haiku japonés, asimétrica y conmovedora, mientras las hojas de los álamos se desdoblan en una gama de rojos y púrpuras, concluyendo en un azul que haría enrojecer de envidia a Yves Klein. Es, en definitiva, Monet en su máximo esplendor, aquel artista que “quisiera pintar como el pájaro canta”, y que, en obras como esta, lo consigue.
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-‐ Otro rasgo muy típico de los impresionistas: el estudio de la luz en sus reflejos sobre el agua.
-‐ Quizá el rasgo técnico más destacado y característico del Impresionismo sea la pincelada breve y gruesa, ejecutada de forma rápida sobre el lienzo. De esta forma, el artista podía captar y resaltar la esencia y la apariencia del motivo más que sus detalles. Además empleaban lo que se denomina pincelada descriptiva: el uso de una pincelada cuidadosamente aplicada para ser máximamente eficaz en la descripción. Combinaban el uso de pinceladas largas y empastadas con pinceladas cortas y menos empastadas, más adecuadas para crear la sensación de profundidad.
-‐ En relación con el tratamiento del color, los impresionistas evitaban la mezcla de colores en la paleta, aplicando colores primarios o secundarios directamente sobre el lienzo, yuxtaponiendo pinceladas. De esta manera se conseguía una mayor luminosidad y brillantez en la obra, ya que la mezcla de colores es de tipo óptico, por
ALFRED SISLEY: "L'inondation à Port-‐Marly", 1876 -‐ Paris, Musée d'Orsay -‐ óleo sobre lienzo – Sisley pintó varios lienzos representando la crecida del Sena en Port-‐Marly, pero las dos composiciones más destacadas son aquellas que recogen la inundación ante la tienda de un comerciante de vinos de la Rue de Paris. Es posible sugerir un nexo de unión entre estas pinturas y la agitada biografía de su autor: tal vez Sisley veía las inundaciones en la plácida localidad de Port-‐Marly como un reflejo de su propia vida accidentada, desbordada, tras unos acontecimientos tan imprevisibles e inevitables como la crecida de un río
CLAUDE MONET – "Impresión, salida de sol" (1873) -‐ Paris, Musée Marmottan -‐ “El papel sin pintar de las paredes está mejor terminado que esta marina” escribió un agudo crítico de la época sobre este lienzo, expuesto en la primera exposición impresionista de 1877. No se trató de una crítica aislada, sino que es tan solo un ejemplo de cómo los críticos de la época reaccionaron ante esta pintura, y por extensión, ante la pintura impresionista (movimiento que, a la larga, debería su nombre a esta marina) No resulta sorprendente, pues, que nadie ofreciera los 1,000 francos que Monet pedía por esta pintura.
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tener lugar en la retina del espectador. De este modo, renuncian a la modulación tonal tradicional.
-‐ Los pintores impresionistas, por lo general, evitaban oscurecer los colores mezclándolos con el negro. Cuando necesitaban pintar sombras, recurrían a la mezcla o yuxtaposición de colores complementarios. Evitaban las sombras negras; incluso en ellas había color. También empleaban el recurso de evitar al máximo la presencia de sombras pintando, por ejemplo, en las horas centrales del día (sombras más cortas) o con luz frontal sobre los personajes (para que las sombras queden detrás de ellos).
CAMILLE PISSARRO: "Le Boulevard Montmartre, effet de nuit (El Boulevard Montmartre de noche)", 1897 -‐ óleo sobre lienzo, 53.3 x 64.8 cm -‐ Londres, National Gallery -‐ Aunque Pissarro es más conocido por sus paisajes rurales, creó un gran número de escenas urbanas de París de gran calidad. En 1897 alquiló un estudio en el Boulevard Montmartre y representó esta vía a distintas horas del día, siendo esta la única vista nocturna de la noche. "El Boulevard Montmartre de noche" es una sensacional pintura impresionista, aunque Pissarro nunca la expusiera en público en vida.
PIERRE-‐AUGUSTE RENOIR: "Los paraguas", 1881-‐86 -‐ óleo sobre lienzo, 180 -‐ 114 cm. -‐ Londres, National Gallery -‐ "Alrededor de 1883, una ruptura ocurrió en mi obra. Había llegado al final del impresionismo, a la conclusión de que no sabía dibujar o pintar. En una palabra, estaba en un punto muerto". "Los paraguas" es una obra compleja en la que podemos hallar a su autor en dos etapas distintas de su producción artística. Mientras que el dibujo preciso de la mujer de la izquierda es claramente pertenciente al periodo impresionista, varias de las figuras de la parte derecha se situarían en un periodo posterior, muy influenciado por Ingres, comenzado en 1883
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-‐ Para conseguir obras más luminosas, los impresionistas evitaban las imprimaciones con tonos oscuros (como tradicionalmente se hacía) y las sustituían por preparaciones del lienzo con colores claros. Así los colores eran más luminosos.
-‐ En sus obras con frecuencia utilizaban encuadres inusuales y composiciones asimétricas, desplazando el punto de interés hacia los bordes de la obra. En ocasiones, por lo tanto, se sustituye el punto de vista frontal por puntos de vista más altos o más bajos.
-‐ La pintura impresionista propone nuevos cauces de expresión artística que exigían la ampliación de los temas representados en las obras. Para los impresionistas el motivo era secundario en relación con el protagonismo fundamental que cobraba la plasmación de la luz sobre el lienzo. Por esta razón, ya no se habla tanto de tema como de motivo.
-‐ Con los impresionistas el paisaje deja de ser un género menor. En el paisaje es donde los pintores impresionistas tienen más posibilidad de investigar nuevos
Parte superior imprimada, parte inferior sin imprimar.
CLAUDE MONET – “Poplars au bord de l'Epte, (álamos al borde del Epte, vista de la marisma)” -‐ 1891 – óleo sobre lienzo, 88-‐ 93 cm. -‐ USA, colección privada – Claude Monet es el pintor impresionista por antonomasia, y su mayor cota lírica la alcanza en este cuadro extrañamente irresistible. La composición posee la extraña belleza de un haiku japonés, asimétrica y conmovedora, mientras las hojas de los álamos se desdoblan en una gama de rojos y púrpuras, concluyendo en un azul que haría enrojecer de envidia a Yves Klein. Es, en definitiva, Monet en su máximo esplendor, aquel artista que “quisiera pintar como el pájaro canta”, y que, en obras como esta, lo consigue.
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efectos ópticos para captar sobre el lienzo la luz que impregna y dota de carácter a la atmósfera de cada momento.
-‐ Los impresionistas investigaron las variaciones en la luminosidad del cielo, de las nubes, en condiciones de sol radiante, de lluvia, de viento, de niebla., plasmaron en sus obras el agua, en marinas, ríos, inundaciones, estanques repletos de nenúfares. Analizaron, tratando de reproducirlo, el reflejo de la luz sobre el agua.
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Sisley, Moret-‐sur-‐Loing in Morning Sun 1888
BERTHE MORISOT – “Día de verano", 1879 -‐ Londres, National Gallery -‐ óleo sobre lienzo, 45-‐75 cm. -‐ Nieta de Fragonard, el famoso pintor clásico francés, y criada en el seno de una familia acomodada, Morisot fue un miembro activo del grupo impresionista, e incluso Manet alabó su estilo ágil y suelto. En sus últimas obras, la influencia de Renoir es muy clara
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-‐ Pintaron jardines, árboles, flores, praderas, campos de amapolas. -‐ Estudiaron el efecto de la luz sobre distintas superficies, como la nieve, o el suelo mojado en un día de lluvia.
-‐ Paseantes ociosos y despreocupados, paseando o merendando en el campo en un día de descanso. El desarrollo económico posibilitó la existencia de la burguesía y de una creciente clase media que podía permitirse semejantes lujos que no estaban al alcance de la gran mayoría de la población.
-‐ Como observadores atentos de su época, los impresionistas retrataban escenas cotidianas propias de la vida moderna: Estaciones de ferrocarril repletas de humo y vapor de las locomotoras. Bulevares, calles con el bullicio y la animación propios de la gran ciudad que era París. Escenas de interior de cafés y locales de variedades, en el circo, bailarinas de ballet, con gente descansando, aburriéndose o divirtiéndose. -‐ Hay que observar que los impresionistas plasmaban la realidad que observaban con una intención muy distinta a la que movía a los pintores realistas. Los impresionistas no tenían ánimo de denunciar situaciones de injusticia social ni buscaban cambiar la sociedad con sus obras.
MARY CASSATT: "Verano", 1894 -‐ óleo sobre lienzo, 100.7-‐81.3 cm. -‐ Terra Foundation for American Art, Chicago -‐ Mary Cassatt nació en Pennsylvania, pero vivió gran parte de si vida en Francia, donde fue invitada por Edgar Degas a exponer sus obras junto a los impresionistas franceses. Sus lienzos pintados en la década de 1890 son los más interesantes de su carrera, y cuando el grupo de los impresionistas se dispersó, Cassatt se mantuvo en contacto con varios de ellos, enriqueciendo su talento artístico hasta llegar a ser un modelo para los jóvenes pintores americanos
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MOVIMIENTO ESCULTORICO IMPRESIONISTA Los logros conseguidos por los pintores impresionistas fueron llevados a la escultura por Auguste Rodin (1.840-‐1.917).
Rodin supera el academicismo y refleja el interés por captar el movimiento y la luz que consideraba fundamentales para obtener profundidad en la escultura. En 1.875 realizó la escultura, titulada “La edad del Bronce”, obra que causó gran polémica ya que se acusó a Rodin de no haber hecho el vaciado de una escultura de arcilla, sino de un modelo real, debido a la perfección que alcanzó. Gracias a sus amigos, como Degás, logró salir triunfal de este trance. Tras esto, sus esculturas toman dos caminos:
-‐ la escultura alimentaria: decorativa y para vivir;
-‐ las esculturas transgresoras: que rompían con la tradición academicista.
En las esculturas transgresoras
intentó plasmar en los volú-‐ menes las vibraciones lumínicas por medio de superficies rugosas y de multiplicación de ángulos. Los temas de Rodin difieren mucho de los impresionistas, ya que intentó reflejar
en sus obras las pasiones y los dramas humanos. Los inacabados son otro aspecto característico de su obra, por influencia de las últimas esculturas de Miguel Ángel. Rodin dejaba conscientemente inconclusas algunas partes de la escultura, de este modo, las figuras parecían surgir del mismo bloque. En ocasiones omitía parte de la escultura como la cabeza o las extremidades,
“La edad del Bronce”, Rodin.
“Los burgueses de Calais”, Rodin.
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probablemente influido por la estatuaria clásica. Entre sus obras transgresoras destacan Los burgueses de Calais (1.884), de carácter narrativo.
“El Beso”, de Rodín, destaca una cualidad muy interesante: la multiplicidad de puntos de vista para observar la obra. Esto tiene una clara influencia de Bernini (der.).
En cuanto a Camille Claudell, discípula de Rodín, destacan los bustos que realiza de personas anónimas, con rasgos muy realistas, y los bustos que realiza de familiares, destacando el de su hermano, caracterizado como un joven romano. Lo más destacable de estas representaciones es la fuerza y la expresión (abajo der). La obra de la escultora, a pesar de ser muy cercana a la de su maestro, tiene su toque personal y femenino, sin ser nunca una copia de su mentor. “Cloto”, Camille Claudel.
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POSTIMPRESIONISMO Posterior al Impresionismo, desde finales del siglo XIX, hasta principios del XX
surge un movimiento al que Roger Fry llamó Postimpresionismo, que engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del Impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este.
Los pintores Postimpresionistas continuaron con la utilización de colores vivos -‐
se convierte en el principal valor expresivo, aplicando los colores tal cual salen del tubo y en grandes superficies-‐, la aplicación de la pintura de manera compacta, haciendo pinceladas distinguibles y basándose en temas de la vida real pero esta vez reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una realidad más subjetiva del mundo.
Lo más importante de este movimiento con respecto a la actualidad es que abre
camino hacia la renovación pictórica que trajeron los nuevos movimientos artísticos de vanguardia: el Fauvismo, Cubismo o Expresionismo, estos movimientos no se podrían entender si no nos referimos con anterioridad al Postimpresionismo.
Las características más importantes de la técnica postimpresionista son las
siguientes:
-‐ Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.
-‐ Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).
-‐ Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne).
-‐ Se elimina la perspectiva en profundidad, se descompone la corporeidad de los objetos a elementos geométricos básicos; se crea la teoría científica de los colores denominada cromoluminarismo.
-‐ Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.
-‐ Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
-‐ Utilización de colores puros con gran carga emotiva (Van Gogh) y modulados (Gauguin).
-‐ Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (Van Gogh).
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-‐ Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-‐Lautrec).
-‐ Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de
las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).
Entre los grandes pintores del Postimpresionismo se encuentra Paul Gauguin, quien nació en París en 1848 y falleció a causa de Sífilis en Atuona, Polinesia francesa en 1903. A lis 3 años de edad huyó con sus
padres a Lima, Perú tras el Golpe de Estado de Napoleón III (1851), a los 23 años regresóa a París y encontró trabajo como agente de Bolsa. Empezó a desarrollar un fuerte interés por el arte que lo llevó a tomar clases de pintura. Era un época en la que ganaba dinero, coleccionaba obras impresionistas, se casó, tuvo cinco hijos y llevaba una agradable vida burguesa. Pero en 1883, con 35 años, su obsesivo interés por la pintura le lleva a abandonar su trabajo. En 1885 deja a su mujer e hijos con su familia política en Copenhague para dedicarse al arte en exclusiva.
El estilo de Gauguin se caracteriza por que él llamaba “simbolismo sintético”,
caracterizado, desde el punto de vista formal, por:
-‐ La simplificación de formas, combinada con grandes superficies de color plano.
-‐ Un uso no convencional y simbólico del color, que utilizaba en sus tonos más brillantes y puros
-‐ Uso de la composición influido por un fuerte sentido ornamental.
El afán de simplificación es evidente: no hay sombras, y las grandes zonas de color intenso están perfiladas por un borde negro. Esto junto con la alteración deliberada de la escala naturalista define el “primitivismo”, la sencillez rústica y supersticiosa que pretende transmitir Gauguin con su obra.
La visión después del sermón Paul Gauguin (1888)
La eliminación que hace Gauguin de la perspectiva clásica se traduce, en términos de color, en la elimi-nación de la modulación tonal. Además las áreas de color están delimitadas por gruesos trazos negros.
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Las composiciones tienen “Corte fotográfico” o tambien llamado “desbor-‐damiento del primer plano”, que consiste en elegir un punto de vista que predomina sobre todo y realizar el corte de manera que se consiga un espacio abierto hacia el espectador.
Notamos el uso experimental del color, el colorido
vivo y alegre caracteriza la escena, utilizando el color como un reclamo al igual que la belleza de la joven que ofrece la fruta. La perspectiva está muy bien conseguida en todos sus planos, aunque denota una nueva visión de la pintura tanto por el tema como por el color.
Uso de la Teatralidad, en la obra aparecen
dos tahitianas desnudas, con la mirada fija hacia el espectador, en una actitud muy provocativa. Tras ellas vemos un paisaje esquemático y sin profundidad que da la sensación de un decorado teatral. Resulta interesante destacar cómo el pintor está iniciando una esquematización de las figuras que anticipa quizás el cubismo de Picasso, como observamos en el brazo de la muchacha de la derecha o en la mano de la de la izquierda. El colorido es algo más oscuro que en obras anteriores.
Y el oro de sus cuerpos Fecha:1901
Museo: Museo de Orsay. Material: Oleo sobre lienzo
¿Adonde vas?, Ea haere ia oe? Fecha:1893
Museo: Museo del Hermitage Características:91 x 71 cm. Material: Oleo sobre lienzo
Bodegón con retrato de Charles Laval Paul Gauguin (1886)
La pincelada está ejecutada a base de pequeñas pinceladas de raíz impresionista, lo
mismo que el uso del color (contraste de complementarios). Pero hay un cierto
distanciamiento de este estilo por el efecto ornamental que Gauguin imprime a la
pintura.
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Referente a la escultura Postimpresionista, encontramos a George Minne, un escultor e ilustrador belga. Nació en 1866 y falleció en 1941. Su modelo a seguir fue Rodí, aunque intentó no umitar su fuerza plástica. Entra en sintonía con ciertos artistas del Expresionismo alemán.
A partir de 1895 desarrolló uno de sus
asuntos artísticos más característicos: las figuras de adolescentes desnudos, introvertidos, arrodillados, con la cabeza inclinada, frágiles y aislados del mundo. Sus obras tienen un gran sentido emocional. Manifiesta un severo rechazo al pathos barroco, trata de personajes introvertidos y ensimismados. Henry van de Velde difundió el trabajo de Minne en los ambientes modernistas.
Hombre con un Waterskin
Fechado: 1897
Material: Escayola
Pietà
Fechado: 1938
Material: Brons
Dimensiones:
53.0 cm x 62.0 cm x 41.0 cm "Madre sufriendo por su hijo muerto / Mother grieving over her Dead Child" Fechado: 1986 Material: yeso Dimensiones: Yeso, 15,9 x 46,1 x 28,2 cm
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La ARQUITECTURA DEL SIGLO XIX
La revolución industrial va a ser el agente que fomente los principales cambios en la arquitectura y el urbanismo que van a tener lugar durante la segunda mitad del siglo XIX, ya que surgirán nuevas necesidades que fomentarán el uso de nuevos materiales y la construcción de nuevas tipologías arquitectónicas como estaciones de ferrocarril, palacios de exposiciones, mercados, viaductos, teatros, edificios administrativos como ministerios, diputaciones, ayuntamientos, bibliotecas, academias, galerías comerciales, etc.
Todos estos edificios se van a construir siguiendo distintas propuestas
arquitectónicas: Por un lado tenemos los HISTORICISMOS. El historicismo es esa tendencia
arquitectónica que aparece ya a finales del XVIII y que intenta recuperar formas arquitectónicas de otras civilizaciones o antiguas, creando nuevos estilos a los que se llamará “neos”. Entre estos nuevos estilos o “neos” están:
-‐ El “neogótico”, que se dio
sobre todo en la primera mitad del siglo XIX con el romanticismo. Un ejemplo es el "Parlamento de Londres" de Charles Barry. En este edificio hay una mezcla de planteamientos clasicistas, por ejemplo, la simetría, la regularidad de la planta, junto con una decoración gótica, que fue realizada por Pugin. Existe una tendencia a la horizontalidad, pero como contrapunto las torres, de formas y alturas diversas, y los pináculos o remates en forma de agujas, insisten en lo vertical. Se dice que estos elementos verticales lo que intentan es dar un toque más pintoresco y variado al edificio. Otros ejemplos de neogótico son: el Ayuntamiento de Munich, la Catedral de la Almudena de Madrid.
Parlamento de Londres
Ayuntamiento de Munich
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-‐ El “neoindio”, que se dio sobre todo en Inglaterra, siendo uno de los edificios más representativos el Pabellón Real de Brighton, cuyo autor fue J. Nash, y en el que se pueden apreciar las cúpulas bulbosas típicamente orientales, los minaretes o torres circulares, columnas clásicas, etc. Se añaden también materiales modernos como vigas y barandillas de hierro colado.
-‐ El “neoárabe” y “neomudéjar”, que se dio sobre todo en España y que se manifestó en la utilización del ladrillo y la decoración con cerámica vidriada. Se aplicó mucho a plazas de toros o sinagogas. El grupo más abundante de obras neomudéjares están en Madrid. El estilo ofrecía la ventaja de que los materiales de partida resultaban más baratos (ladrillo). Se hicieron numerosas iglesias neomudéjares, como la Iglesia de San Fermín de los Navarros (foto), la iglesia de la Paloma, la obra más importante de Lorenzo Álvarez (1848-‐1901), la iglesia de San Vicente de Paúl (foto), construida a partir de 1901 por Juan Bautista Lorenzo. Como edificios no religiosos el neomudéjar se vio en edificios residenciales, hoteles, palacetes, etc., ejemplo de lo cual es el Hotel Laredo.
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-‐ El “neochino”, que también se vio mucho en Inglaterra desde fechas muy
temprana, a modo de pequeños pabellones (kioskos o pagodas) que se instalaban en los jardines.
-‐ El “neobarroco”, fue uno de los estilos
arquitectónicoshistoricistastardíos de finales del siglo XIX, sobre todo a partir de1880, que coexistió y sustituyó a laarquitectura neorrenacentista. Es una corriente principalmente europea, aunque luego se expandió y pueden verse ejemplos en todos los lugares del mundo, y que no siempre es fácil distinguir entre los muchos estilos academicistas, historicistas y eclécticas del cambio de siglo. El estilo neobarroco se utilizó especialmente para el diseño de nuevos y grandiosos edificios oficiales, en general civiles, como palacios, edificios de gobierno y tribunales, así como los nuevos teatros, ya que elBarroco había contribuido al florecimiento de las artes escenográficas.
La continuidad de todos estos estilos recuperados principalmente de la edad media, dará lugar a lo que se conoce como ECLECTICISMO, que consiste en la mezcla de elementos procedentes de culturas y etapas diferentes en un mismo edificio. El eclecticismo va a surgir alrededor de 1870 en las viviendas burguesas que se construían en las nuevas zonas resultado de los ensanches de las ciudades, también en palacetes en el centro de la ciudad. Además de retomar elementos góticos, clásicos, orientales, etc., también va a hacer uso de los nuevos materiales propios de la revolución industrial: el hierro, el cristal y el hormigón.
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Catedral de la Almudena de Madrid, proyectada en 1881 por Francisco de Cubasque levanta un gran templo gótico sobre una cripta de concepción románica, al tiempo que concibe la fachada principal junto con sus torres con soluciones arquitectónicas y estéticas .completamente diferentes.
Catedral de Salta, Argentina
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La ARQUITECTURA INDUSTRIAL, es la que emplea los citados materiales fruto del desarrollo tecnológicos: hierro, hormigón armado, cristal, materiales de fundición, etc. Es propia de la segunda mitad del XIX y tuvo un gran desarrollo a pesar de que había arquitectos que eran totalmente reticentes a que estos materiales entraran a formar parte de la arquitectura.
El empleo de los nuevos materiales arquitectónicos se difundió a través de las
EXPOSICIONES UNIVERSALES. Las Exposiciones Universales eran los eventos que organizaban los distintos estados para mostrar los avances de la ciencia y de la técnica, de la industrial, propios de su país.
En un principio tenían carácter nacional paro desde 1851 se internacionalizan y se hacen periódicas. El país impulsor de las exposiciones nacionales fue Francia que inauguró la primera en 1789 en el Campo de Marte; mientras que el impulsor de las exposiciones con carácter internacional fue Londres, que realizó la primera en 1851. Para albergar los stand de los distintos países con sus innovaciones tecnológicas se diseñó un edificio muy emblemático y original: el Palacio de Cristal. La segunda exposición internacional fue la de Nueva York en 1853.
Se podría decir que fue Patxon, con su
Palacio de Cristal (Londres) realizado en 1851 para la 1ª Exposición Universal de Londres, quien inició la tendencia a usar los nuevos materiales para la arquitectura. El diseñó un edificio que medía 70.000 metros cuadrados, que tenía una clara influencia de la arquitectura de los invernaderos ya que, sobre una planta de tipo tradicional, proyectó un envoltorio a base de tirantes de hierro y de placas de cristal (300.000 cristales) que tenía la ventaja de que era prefabricado, es decir, que podía desmontarse sin destruirse. De este modo conseguía un edificio diáfano, lleno de luz natural. En su interior hay cierta influencia de la arquitectura religiosa porque poseía una especie de tribunas o pasillos abalconados para establecer recorridos.
A finales del siglo XIX, y también para la
exposición universal de París de 1889, se creó otras de las obras emblemáticas típicas de la arquitectura industrial: La torre Eiffel, que celebraba el centenario de la Revolución Francesa. Era una muestra de la nueva arquitectura en la que se unían arte y técnica. Su autor fue Gustav Eiffel, un ingeniero que era experto en la construcción de puentes, estaciones de ferrocarril y otros edificios de hierro, y que había participado en la Exposición de París de 1867 construyendo la Galería de Máquinas. La Torre Eiffel estaba
The Crystal Palace – Joseph Paxton 1851, Londres
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realizada en hierro. Tenía 300 metros de altura y se usaron 18038 piezas diferentes que se ensamblaron con siete millones de remates. Para fijar los cuatro pilares se utilizó un sistema de prensa hidráulica que se usaba ya en la construcción de puentes. Se tardó dos años en construirla interviniendo 250 obreros. Fue una obra muy polémica desde el principio. Se aseguró que se desmantelaría, se la tachó de monstruosa y antiestética por parecer más una fábrica que un monumento, incluso en 1886 se hizo un concurso cuyo objetivo era embellecerla intentando sustituir los pies de la torre por elefantes metálicos, lo cual no se llevó a cabo. Hoy, sin embargo, no solo es una construcción totalmente aceptada, sino que es el monumento más emblemático de París.
En España las
estructuras de hierro se empezaron a aplicar en primer lugar en las estaciones de ferrocarril, ejemplo de lo cual será la Estación de Atocha. Fue una obra de Alberto Palacio, que era arquitecto e ingeniero. Tendrá una cubierta a modo de casco de nave invertida, a modo de bóveda de hierro y cristal, con una amplitud de arco de 157 metros, lo cual superaba todas las realizadas hasta ahora .
Torre Eiffel – Gustave Eiffel & cia 1887-‐1889
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En España, uno de los ejemplos más emblemáticos de este tipo de arquitectura industrial es El Palacio de Cristal del Retiro. Fue realizado por Velázquez Bosco, tomando como ejemplo los Palacios que se proyectaban para albergar las exposiciones universales. Presentó el proyecto en un momento en que el gobierno español quería revivir el imperio colonial lo cual fue aprovechado para albergar en él dos exposiciones: una de minerales y otra de plantas. Se construye en 1887. Se utilizaron como materiales el hierro y el cristal para la cubierta, sobre un espacio permanente realizado en piedra y ladrillo. Posee una planta con tres cuerpos absidiales poligonales de 8 lados, una cúpula de 4 paños en el centro donde se cruzan los arcos. Fue la primera vez que se usaron en España el hierro y el cristal para realizar un edificio no industrial.
Otros ejemplos importantes de arquitectura en hierro y cristal son: -‐ La biblioteca de Santa Genoveva
de París, por Henri Labrouste, 1840. Fue el primer edificio público que se proyecto con los nuevos materiales. De planta longitudinal, la bóveda de cristal era sostenida por arcos de hierro que iban a caer sobre columnas también de hierro. La levedad de esta cubierta permitía abrir grandes ventanales laterales permitiendo la iluminación natural
-‐ El Mercado de Les Halles, de
París, por Victor Baltard
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ART NOUVEAU El art nouveau es un estilo nacido a finales del siglo XIX, este es un estilo rebuscado, móvil, con un dinamismo espiral, amante del arabesco fantástico y cuyo mayor mérito consiste en haber adecuado los productos artísticos a la vida moderna y los objetos artísticos modernos al gusto artístico. El modernismo puso fin a los eclecticismo s reinantes y a los academicismos en boga. En arquitectura, construye (por el empleo de diseños atrevidos y de materiales nuevos como el cemento armado) el punto de partida del quehacer contemporáneo. Destaca su influencia en las artes industriales y decorativas, donde se acusa el empleo de temas flora-‐ les y de la fauna acuática. LA SECESSION
Viena era la capital del Imperio austro húngaro y una de las grandes potencia europeas. Vivía en un mundo de tradiciones, sin embargo, aparece un grupo de arquitectos que intentaba romper con lo establecido, fundando el movimiento de Secession. Ellos se encargarán de las exposiciones de arte secesionista en las que destacó la labor de Klimt y Moser. Estos arquitectos tienen relaciones con el modernismo francés y con el Arts an d Crafts con la idea de la obra completa y bien hecha. LA ESCUELA DE GLASGOW Mackintosh (Foto der.)
Mackintosh quien creó la Escuela de Glasgow cuyo nuevo edificio lo hizo el propio ganando un concurso. Años más tarde se amplia, creando una biblioteca. Los elementos de la portada
Ornamentos Art Nouveau
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se articulan de modo abstracto, pero sin recurrir a los historicismos, inventándose un propio lenguaje muy peculiar. La fachada es de granito, su portada está en el centro pero sin simetría, pues hay distinto número de ventanas a sus lados y la propia portada es asimétrica y abstracta, con lo que Mackintosh jugaba con el balance. Sin embargo, había referencias al pasado escocés, como el uso del ladrillo y la piedra y la forma de castillo antiguo, con su torreón. En el interior destaca el diseño de Mackintosh, que influirá en los movimientos posteriores.
Después del éxito de la Escuela de Glasgow, Mackintosh recibe de encargos de casas, u na de las cuales, la más interesante, la Hill House alrededor de 1901, estará formada por formas que lo harán muy abstracta, aunque usará elementos de influencia bernácula, como las torres de esquina, forma en L, chimeneas, etc.
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