canon figura humana - el retrato

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Universidad Estatal de Bolívar FACULTAD DE CIENCIAS DE LA EDUCACIÓN

BELLAS ARTES

Módulo de PinturaMódulo de PinturaMódulo de PinturaMódulo de Pintura Sexto CicloSexto CicloSexto CicloSexto Ciclo

El Retrato, el Desnudo e Interiores con Figura Desnuda

Msc. Víctor Aranda Núñez

2010 – 2011

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1. INTRODUCCIÓN

Se dice que el retrato se ha utilizado en la historia del hombre como símbolo del poder, enseñando a la sociedad la riqueza y la posición social del sujeto retratado. Pero el mundo del retrato en la pintura es mucho más amplio ya que es una de las formas de expresión artística más popular y perdurable.

La pintura del retrato utiliza todas sus modalidades; retratos al óleo, retratos en acuarelas, retratos al temple, retratos al fresco, retratos en acrílico....

Existe un retrato genérico junto al individualista o realista. También un retrato psicológico que enfoca una luz sobre la psiquis de los autores, y que centra la preocupación del pintor sobre el carácter del sujeto. La belleza, el heroísmo, la sensualidad, la profundidad y el enigma son estigmas de la personalidad del sujeto que el pintor trata de descifrar, revelándonos también a veces aspectos de su alma menos conocidos, tanto del modelo como del mismo pintor.

Para que la obra sea vigorosa y vital es necesario que el artista haga conciencia y lucha por lograr el dominio de cada uno de los géneros y luego habrá tiempo para hacer y deshacer de las técnicas artísticas; mientras se curse un proceso académico el estudiante debe a normas y principios que ayudan a estructurar una obra de arte.

Pero hay que entender que el conocimiento de las leyes artísticas y un mero conocimiento artesanal del oficio no son suficientes para producir una obra de arte.

Muchas veces se manifiesta la idea en estado no receptivo y vacío, otras surge en partes que se encadenan y constituyen y en otras se concretan durante el sueño o por ley de asociación. En toda idea existe un germen de la naturaleza; aun las pinturas más abstractas tienen sus raíces en la vida natural. El auto expresión del artista está basado por encima de todo, en sus experiencias de lo visto y sentido.

2. OBJETIVO GENERAL

Proporcionar a los educandos una guía de trabajo con orientaciones teóricas, pedagógicas y didácticas como estructurar el dibujo del retrato y el desnudo femenino para la ejecución de la pintura, que le permita desarrollar la mediación del interaprendizaje con capacidad de análisis para llegar al dominio de los procesos artísticos.

3. METODOLOGÍA

El módulo está organizado de tal manera que el estudiante pueda acceder con facilidad a su contenido teórico practico, para ello se lo ha estructurado por unidades con ejes temáticos y subtemas en orden secuencial; cada eje temático está fundamentado teóricamente de manera sintética y reforzado con gráficos para llegar a la praxis de manera objetiva.

Todo proceso artístico es una auto-competición permanente en la que se conjugan una suma de conocimientos teóricos o prácticos. Pero ni este módulo, ni el conjunto de cuanta bibliografía consulte bastarán para enseñar las técnicas de pintura o dibujo y suplir el

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propio trabajo que debe desplegar Usted durante el proceso de aprendizaje para llegar al dominio de la técnica.

Desde esta panorámica, es fundamental saber que cada artista debe esforzarse al máximo en este proceso de formación para construir su propio conocimiento que le permitirá establecer el significado y ejercer el control de las técnicas pictóricas, por lo que este módulo es apenas una aproximación a una forma de resolución de estos géneros de la pintura.

En las jornadas de trabajo presencial se procederá a analizar los principios fundamentales de los géneros: El retrato y el desnudo al óleo.

Se formará un verdadero taller de arte donde et actor principal será Usted.

Se partirá de una estructuración del dibujo aplicando los cánones de belleza aprendidos con anterioridad.

El estilo o técnica de pintar será elegida por el educando.

Luego de cada jornada de trabajo el estudiante realizará trabajos autónomos para complementar el trabajo de aula.

Cada tema abordado estará respaldado por diapositivas que orientan didácticamente el proceso pictórico de cada género pictórico.

4. COMPETENCIAS GENERALES

� Capacidad de análisis y síntesis. � Conocimientos generales básicos. � Solidez en los conocimientos de la profesión. � Habilidades procesar y analizar información desde diferentes fuentes. � Capacidad de crítica y autocrítica. � Reconocimiento a la diversidad y multiculturalidad. � Capacidad para aplicar la teoría a la práctica. � Capacidad de generar nuevas ideas (creatividad). � Desarrollo de la sensibilidad estética para crear obras artísticas. � Habilidad para trabajar de forma autónoma.

COMPETENCIAS ESPECÍFICAS:

� Aplica los principios fundamentales de teoría del color y la composición. � Demuestra capacidad para dibujar y pintar. � Aplica procesos sistemáticos en el desarrollo de la pintura de retratos y el desnudo. � Realiza cuadros al oleo con calidad técnica y estética.

� Valora a la pintura al óleo como una técnica de gran valor artístico.

� Realiza retratos y estudios de la figura al desnudo con gran sentido de la estética

PRIMERA UNIDAD

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PRIMER ENCUENTRO

GENERALIDADES

EL RETRATO

I. PRESENTACIÓN:

Muchos artistas han dedicado un buen tramo de su tiempo al estudio del retrato, y ello se debe a la enorme fascinación que provoca el rostro humano, a su infinita diversidad y a su facultad de expresar los más sutiles matices emocionales. El retrato es un reto importante para todo artista, pues es un género donde no basta con lograr el parecido, sino, debe captar el destello único de la personalidad (el estado psicológico).

Una misma cara puede variar radicalmente con un leve giro de la cabeza, un pequeño cambio en las facciones o la dirección de la incidencia de la luz, puede cambiar el contenido emocional del retrato. Al igual que muchos dibujantes de todos los tiempos, es su reto descubrir que hay pocas cosas tan emocionantes como ver surgir del papel la expresión viva de una persona.

Para hacer un retrato, es importante memorizar el esquema propuesto en la mayoría de libros y textos, el "óvalo renacentista", así como la ubicación de las líneas auxiliares, con el fin de adaptarlo luego a cualquier rostro que se desee dibujar mediante ligeros cambios en las proporciones.

Para el efecto en las pocas líneas de esta unidad encontrará algunos aspectos sobresalientes que le ayudarán a establecer la Forma, proporciones y aspectos cromáticos que le servirán para guiarse por sencillos esquemas, para encajar en él los rasgos faciales, en base a las características de los rostros, o sea en base a la forma de los rostros, tipos de frente, tipos de nariz, mentón, boca, ojos, orejas, cejas, etc. y dar a éstos volumen mediante el juego de luces y sombras, considerando tanto rostros masculinos como femeninos y desde distintos ángulos: de frente, de perfil, de medio perfil y desde arriba.

De nada serviría abundar con fabulosas teorías si no asumimos con responsabilidad el reto de trabajar venciendo las limitaciones propias de todo proceso, por lo tanto invito a que asumamos nuestro rol sin evasivas.

Adelante compañeros

OBJETIVOS ESPECÍFICOS

Conocer, valorar y aplicar los principios de proporción del rostro humano.

Distribuir con acierto las facciones del rostro.

Caracterizar al modelo

Valorar los resultados a nivel grupal.

EL RETRATO

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Este es uno de los géneros más difíciles de la pintura, porque en él ha de intervenir un conocimiento de la psicología humana, la anatomía y las cualidades del modelo.

Se dice que el retrato se ha utilizado en la historia del hombre como símbolo del poder, enseñando a la sociedad la riqueza y la posición social del sujeto retratado. Pero el mundo del retrato en la pintura es mucho más amplio ya que es una de las formas de expresión artística más popular y perdurable.

La pintura del retrato utiliza todas las técnicas y estilos; retratos al óleo, retratos en acuarelas, retratos al temple, retratos al fresco, retratos en acrílico.... Existe el retrato corporativo, familiar e individual. También un retrato psicológico que enfoca la psiquis de los autores, o sea el pintor hace énfasis sobre el carácter del sujeto, la belleza, el heroísmo, la sensualidad, la profundidad y el enigma aspectos que el pintor trata de plasmar.

La pose debe ser estudiada realizando varios apuntes a lápiz hasta encontrar la más expresiva y la mejor posición de cabeza y hombros; en estos bocetos es conveniente indicar, sumariamente, las masas de luz y sombra.

El artista debe hablar al modelo, interesarle en algo o hacer que otra persona le distraiga para que se olvide de que es el actor de la representación y así manifieste una expresión natural y vital.

El tamaño del lienzo para emprender el retrato debe ser pequeño en las primeras obras; los números 8 y 10 de figura (46x38 cm. y 55x46 cm.) son buenos para medios bustos; cuando se tengan que ver más cuerpo y las manos utilícese el número 20 (73x60 cm.); los formatos citados son los mejores para acostumbrarse a desenvolver este género y los más adecuados para las proporciones de la vivienda moderna. Muchas obras de grandes maestros han sido resueltas en estos tamaños y aún en otros más pequeños; la importancia de un cuadro no depende de sus medidas.

LAS PROPORCIONES Y DIVISIÓN

En el retrato es factor importante conocer los aspectos más fundamentales sobre la estructura ósea, las proporciones, la división del rostro y la ubicación de las facciones, considerando el ángulo de inclinación y movimiento o dirección del rostro.

Los gráficos nos dan una idea concreta sobre este importante acápite

Tipos de rostros

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Uno de los aspectos importantes es la observación, el artista debe aprender a capturar en síntesis la estructura base de la forma del rostro para caracterizar en primera instancia el parecido del retratado.

Tipos de nariz

La nariz es una de las partes del rostro que determina los rasgos ineludibles del parecido en el retrato.

Tipos de orejas.

CUADRADO

CUADRADO

CUADRADO

FORMAS DE ROSTROS

ÓVALO NORMAL PUNTIAGUDO CUADRADO

RECTILINEA

ENCORVADA

CÓNCAVA

AGUILEÑA

RESPINGADA

HORIZONTAL

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Los artistas no deben restar importancia a las orejas, puesto que la interpretación de éstas da carácter, y es un distintivo muy importante.

Por ello debe dibujarlo considerando todo el contexto para que no desentone con el rostro.

Tipos de frente.

Tipos de mentón

Tipos de boca

La boca es uno de los detalles muy importante que permiten establecer el semblante del retratado, pues de la estructura y forma dependen

Rectilínea Cóncava Convexa Prominente Hacia atrás

SALIENTE ENTRANTE PUNTEAGUDO DERECHO

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los estados de ánimo para capturar el aspecto psicológico del retratado.

PEINADO

El peinado del cabello es determinante en el parecido, por ello debemos identificar forma, dirección y color para plasmar la característica fundamental del retratado.

Formas de peinado masculino Formas de peinado femenino

Rostros de ancianos

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Los rostros de los ancianos son fáciles de representar por las líneas muy marcadas que acentúan las facciones del rostro.

EL RETRATO

EL BOCETO

El boceto es una fase muy importante y aconsejable realizarlo con mucho detenimiento y observancia, puesto que de un buen dibujo dependerá una buena pintura, lógicamente dependiendo del ejecutante.

Para transportar el boceto al lienzo, después de haber sido

acabado satisfactoriamente, se puede hacer mediante la cuadricula.

Observación importante: No se debe utilizar papel carbón porque es un producto químico que puede causar efectos posteriores

Traspaso del dibujo al lienzo. Para pasar el dibujo al lienzo manche las líneas del boceto en la parte posterior con un lápiz 8B efecto que hace las veces de papel carbón.

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Una vez que ha manchado las líneas por la parte posterior

Coloque el boceto sobre el lienzo y repase las líneas con un lápiz duro para que las líneas manchadas al lado adverso del boceto se transfieran al lienzo. A continuación con una aguada de siena repase el dibujo para fijarlo en el lienzo.

SEGUNDO ENCUENTRO

FASE PICTÓRICA DEL RETRATO

Fase 1.

La paleta del retrato puede ser la elemental, en los primeros ensayos utilícense solamente tres o cuatro colores; a éstos puede ser agregado el color básico del fondo o del traje. Más tarde se podrá enriquecer la cromática con colores cálidos y fríos.

En los comienzos es conveniente que el lienzo sea suave y de tejido uniforme; el lienzo puede ser blanco o suavizado por una ligera capa grisácea. Una vez establecida la forma esencial, pintar él fondo pues así se relacionan mejor los tonos y se establece bien el color de la carne; si el fondo se deja para el final, pueden producirse efectos de color erróneos inesperados.

Fase 2.

Cuando se haya cubierto aquél serán encajadas las áreas más oscuras de la sombra. En esta etapa la pintura puede ser ejecutada en monocromo manchando las sombras netas con un color pardo cálido, luego los valores intermedios y, finalmente, los claros, o por colores claros y adelgazados por la esencia; cualquiera que sea el modelo, entórnense los ojos y resuélvanse las grandes masas, sin prestar atención alguna al detalle; el efecto debe ser amplio. En el curso de esta fase de la pintura no se impacienten; una de las mayores dificultades para el principiante es la ansiedad por expresarlo todo rápidamente.

Indíquese solamente lo principal y déjese, para otras etapas, el desarrollo del cuadro. Búsquese, tan sólo, una aproximación del tono, del color y de las formas generales del modelo; si las masas son correctas, ya ofrecerán una impresión del parecido.

Para juzgar bien las relaciones de tono y color se irá cubriendo todo el lienzo rápidamente y sin dejar que el fondo o el traje queden pintados en parte.

Algunos artistas consideran que el marco es una parte integrante del cuadro y ejecutan la obra colocando aquél sobre el lienzo en el caballete; otros lo van situando en el curso de la ejecución para

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ver el efecto que se produce enmarcando; esto puede ser interesante, pero no es absolutamente necesario.

En cambio sí será muy conveniente estudiar con atención el proceso de los valores; una mirada al espejo, de vez en cuando, es de gran interés; la imagen invertida y reducida determina una visión nueva de la obra, puesto que la vista acostumbrada a ver las formas desde un punto de vista normal, termina por no darse cuenta de las incorrecciones en los valores.

Fase 3.

Después de que haya secado la pintura básica rásquese ligeramente la superficie con la espátula para eliminar los gruesos de pintura o pinceladas que puedan ser ostensibles en las etapas siguientes y para dejar una superficie de lienzo sobre la que sea agradable pintar.

En esta etapa de la pintura que, generalmente, es realizada por un largo y continuado esfuerzo, el cerebro y los ojos fatigados no están en condiciones de juzgar; déjese el análisis para el día siguiente.

Fase 4.

Cuando ya ha sido cubierta toda la superficie del lienzo se ha de extremar la atención en las etapas siguientes puesto que en éstas son más sutiles las diferencias. Ahora se dibujan más netamente la nariz, los ojos, la boca y los rasgos principales para definir mejor la forma principal. La cabeza tiene protuberancias importantes que son útiles como puntos de referencia en la construcción. Un ojo no es, corrientemente, igual al otro; cada uno de ellos puede tener una característica definida. Los ojos pueden y deben ser ligeramente exagerados en tamaño y algo separados de la nariz; el blanco de éstos ha de ser mantenido en el tono general de la carne; los puntos de brillo deben ser pequeños pues así serán más brillantes; cuando son grandes anulan la vida de la mirada.

La boca está raras veces en línea paralela con los ojos y la base de la nariz. Un retrato no depende tan sólo de la exactitud en la representación de ciertos rasgos sino del carácter de la cabeza y de la relación de ésta con él cuerpo; si la unión de aquélla con los hombros y el largo del cuello no están bien puede quedar anulado el parecido. No traten de pintar todas las pequeñas arrugas en su forma y color exactos; entornen los ojos, trabajen ampliamente y eliminen todo detalle que no sea necesario y que no tenga una finalidad constructiva.

Defínanse los tonos intermedios y háganse éstos más oscuros y extensivos; los contornos de la cabeza deben ser bien fusionados con el fondo y éste y el traje pintados unificados

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con el resto; váyase llevando todo por partes, pero viendo en conjunto, y no se trate de terminar ninguna para mantener, así, el interés, en las sesiones sucesivas.

Cuando esté la cabeza casi terminada y el resto muy avanzado resuélvanse las manos. Éstas son muy importantes porque revelan tanto el carácter del modelo como la cara y aun, a veces, son de resolución más difícil que ésta, pues en ella no varían las facciones si no se mueve toda la cabeza mientras que en una mano puede ser cambiado todo su aspecto por el simple movimiento de uno de los dedos.

Obsérvese que el traje manifiesta una caída sobre el modelo completamente diferente a la que tendría sobre un maniquí y que en aquélla y en la posición del cuerpo siempre hay algo de la vida y el carácter del retratado. El traje se resuelve sencillamente por un tono general y ligeros accidentes de luz y sombra. Toda la concentración del efecto debe ser en la cabeza y en las manos.

Por último resuelva las luces altas y los acentos más oscuros, factores importantes en la expresión de la forma.

Un nuevo examen, al día siguiente, con mente y visión descansadas y sin prejuicios, puede mostrar incorrecciones y errores y aun el fracaso de la obra. Esto no debe desalentar; los fracasos enseñan mucho más que los pequeños éxitos; estos últimos sirven, generalmente, para creerse ya dotado de un dominio o para suponer muy fácil lo que, realmente, es tan difícil.

Ejemplos de retratos:

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SEGUNDO EJEMPLO:

Paso 1

Realización del boceto

El boceto es el estudio primario en donde debe capturar la estructura y el parecido mediante líneas magistrales.

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Paso 2.

Se dibujan las formas más pequeñas, con líneas más oscuras, encima del dibujo del paso primero.

El pincel define las distintas formas de las cejas, ojos, mejillas, nariz, boca, mandíbula, barbilla y oreja así como las líneas del cabello.

Paso 3.

En esta fase del retrato, lo más importante es establecer las amplias áreas de luz y de sombra.

Ahora con un pincel se pinta simultáneamente con la mezcla para la luz en la frente, la nariz y la mejilla; mientras que con el otro pincel se pinta, con la mezcla de sombra, las cuencas de los ojos, las mejillas, el labio superior y la barbilla.

Ambas tonalidades son una mezcla de amarillo ocre, rojo cadmio y azul cobalto, con más blanco en las zonas de luz.

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Paso 4. Se pinta libremente alrededor de la cabeza una tonalidad de fondo con azul cobalto, amarillo ocre y blanco. Hasta aquí se ha realizado todo el trabajo con pinceles de cerda. Ahora con pinceles de marta planos y redondos se reconstruye el contorno de la cabeza con oscuros trazos de siena oscuro, azul de ultramar, amarillo ocre y blanco. Podéis ver los trazos rizados y las líneas pintadas en los ojos y en la oreja, alrededor del borde exterior de la ceja, mejilla, mandíbula y barbilla; y en las zonas de sombra debajo de las mejillas, nariz, labio inferior y mandíbula. Se pinta el pelo con trazos libres de azul cobalto, pardo oscuro y blanco empleando la oscura mezcla utilizada para la cabeza.

Paso 5.

Se pinta la tonalidad de fondo en los bordes de la tela. Luego los mismos pinceles de pelo suave se utilizan para reforzar los con-trastes de la cara, con la primera mezcla utilizada para la piel. Se pintan trazos más claros en el centro de la frente, la nariz, alrededor de las cuencas de los ojos y la boca, en el borde de la oreja y en el cuello. Se vuelven a pintar las sombras de las cuencas de los ojos, nariz, labios, mejillas y barbilla con una mezcla más oscura que la que utilizamos para la piel.

Luego se mezclan suavemente las luces y las sombras entre sí.

Se pinta el cabello con trazos más precisos de azul cobalto, pardo oscuro y blanco. Se

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usa la misma mezcla para el cuello de la camisa.

Paso 6.

Con la tonalidad de fondo se pintan los bordes exteriores y se aclara la parte frontal de la cara con más amarillo ocre y blanco para reforzar el contraste entre el fondo pálido y las tonalidades más oscuras de la piel. Debido a que se pinta la ceja, mejilla, mandíbula y barbilla con la tonalidad de fondo, el contorno de la cara se vuelve más redondo y suave. Con las tonalidades más pálidas de la piel se pintan los bordes de la cara.

Al observar el rostro entero, se puede ver otros toques de luz que dan más luminosidad: matices de tonalidad pálida en la piel de encima de las cejas, y alrededor de las cuencas de los ojos; toques de color en las mejillas; pálidos trazos en las sombras para hacerlas parecer más transparentes.

Observe cómo los trazos en las mejillas y la frente se curvan alrededor de estas formas huesudas. Son estos últimos matices, casi invisibles, los que dan vitalidad al retrato. Por cierto, la chaqueta está pintada con la misma mezcla que se empleó para el pelo, mientras que se pinta la corbata con amarillo cadmio además de un toque de azul cobalto y pardo oscuro, aclarado con blanco.

TERCER EJEMPLO

EL RETRATO HIPERREALISTA

Se trata de unos rostros que rondan bastante la perfección, por cuanto todos los elementos están perfectamente ubicados, sin desviaciones notorias en ellos ni signo alguno que pueda afearlo.

Esos ojos "que nos pueden hablar", es decir: ESA MIRADA tan importante al dibujar cualquier retrato...De hecho, si conseguimos plasmar bien la mirada en un retrato, tenemos un 80% de éxito casi asegurado.

A la mirada le sigue en importancia en un retrato LA BOCA, que aunque menos importante que los ojos, también juega un gran papel al trabajar en esta técnica.

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Los labios suelen ser difíciles de dibujar por alguien que empieza a trabajar retratos, pues se tiene tendencia a "dibujarlos" por medio de líneas bien marcadas. Ya aprenderás que los labios deben "aparecer" en base a unas buenas sombras y volúmenes, pero nunca dibujándolos directamente. Le sigue en importancia a un retrato, LA NARIZ, el sombreado y las luces generales del rostro, y finalmente el pelo.

Boceto

Un boceto por lo general es el esquema o proyecto en el que se diseña una obra de arte. Su objetivo es representar ideas o conceptos constituyéndose en la etapa previa a una obra artística.

Fases siguientes:

Se inicia pintando el fondo con azul ultramar y azul cian, agrisado en algunas zonas con un pequeño toque de naranja, calentándolo con toques de carmín (se entiende que llevan su correspondiente cantidad de blanco).

Se continúa con la chaqueta y el pelo, en la que se utiliza sienas, ocres para las luces, sombras (tostada y natural) para las sombras, enfriadas con azul y calentadas con carmín y naranjas.

Para las carnes se utiliza ocre, carmín, con azul y sombra (natural - tostada) para oscurecer y enfriar; y toque Camín, naranja u ocre para calentar. Casi todas las mezclas llevaran azul en mayor o menor grado para armonizar con el fondo.

Para el vestido se aplica una capa muy clara con blanco + un toque de amarillo indio + un toque de ocre. Para degradar hacia la sombra se va añadiendo a la mezcla un toque de violeta y progresivamente un poco de azul.

Comienza pintando las flores rojas y apuntando con grises azulados y violáceos muy claros los contornos y sombras de las flores blancas. Mancha también las manos y demás elementos.

Matiza el cielo introduciendo matices violetas y luces rosáceas y calientes con un toque de carmín y naranja y oscureciendo con ultramar y sombra (+ toque carmín para calentar). Una vez aplicado los colores se los funde.

Construya la chaqueta precisando los colores definitivos, fundiendo los tonos y poniendo atención en las arrugas.

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Concéntrese a fondo en los dos retratos buscando con precisión los colores, fundiendo los matices, suavizando o endureciendo contornos, trabajando en húmedo hasta que queden casi listos.

Las flores blancas se realizan utilizando grises claros y muy claros para las sombras, matizados hacia el violeta o hacia el azul dependiendo del reflejo. Para las luces: blanco puro para las altas luces matizado en algunos lugares con un pequeñísimo toque de amarillo para hacerlas calientes o de azul para hacerlas frías, por último resalte ciertas sombras y luces para enfatizar la calidad de la obra.

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TERCER ENCUENTRO

EL AUTORETRATO

BOCETO

De igual forma como en el retrato el boceto es es una etapa muy importante, por lo que es aconsejable lo realice muy conciensudamente mediante un constante proceso de observación.

Es recomendable se ubique frente al espejo y observe el ángulo más apropiado, luego entornando los ojos observe cada detalle de sus facciones, empezando por la forma general del rostro, la dirección de su cabello, la inclinación de sus cejas, la forma de sus ojos, la forma de su nariz, la estructura de sus labios, su mentón y en fin cada aspecto importante de su rostro.

Para transportar el boceto al lienzo siga el mismo procedimiento aplicado al retrato.

CUARTO ENCUENTRO

AUTORRETRATO FASE PICTÓRICA

Autorretrato, representación del propio artista realizada por él mismo que por su frecuencia se puede considerar como un género dentro del arte.

El autorretrato evolucionó de forma significativa en el norte de Italia a finales del renacimiento. Esta forma de expresión se extendió gracias al desarrollo del concepto humanista del individuo y a la aparición de nuevas técnicas pictóricas, como la pintura al óleo, la perspectiva y los avances en el campo de las ciencias naturales. El artista toma conciencia de su arte y reivindica la singularidad de su obra. El autorretrato consolida la presencia del artista en el desarrollo cultural.

Para pintar un buen autorretrato es necesario disponer de un espejo lo suficientemente grande para que se pueda observar cada detalle con facilidad.

Las fases del proceso del autorretrato se sujetan al mismo procedimiento que el retrato.

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Ubique el espejo en el lugar más apropiado y empiece a marcar las líneas básicas del dibujo, luego vaya pintando cada una de las zonas de tal forma que desde el inicio tenga una armonía cromática todo el conjunto de la obra.

Delimite las sombras y los contrastes más relevantes, sin perder la visión global del colorido de toda la superficie.

Finalmente incursione en cada detalle del rostro y la camisa, acentúe las luces y sombras del rostro para lograr más realismo en su retrato.

SEGUNDA UNIDAD:

QUINTO ENCUENTRO

“EL DESNUDO”

PRESENTACIÓN:

El dibujo, base de la pintura

Ya no debe resultar nuevo para nadie saber que detrás de todas las artes está el dibujo y su dominio. Gracias al dibujo el pintor puede desarrollar su obra y el escultor alcanzar los volúmenes que persigue.

El dibujo, en síntesis, como ya sabemos, consiste en representar gráficamente y mediante un solo color los dos aspectos que toda imagen presenta: la forma y el volumen.

La figura humana, por otra parte, es la representación más genuina y universal de toda la historia de la pintura y la maestría de los grandes genios queda bien patente en toda su obra.

Se ha elegido un cuadro clásico de una revista de arte muy importante para realizar esta explicación didáctica de este género de la pintura.

Al margen de su cualidad pictórica, de su cromatismo, desde el análisis estricto del dibujo hemos de entender todos los aspectos de la obra: formales, tonales, compositivos, de

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perspectiva, superposición de figuras, claroscuro, etc. Todos son elementos que resuelve el dibujo.

El estudio de este género es fundamental, pues mmuchos artistas han dedicado gran parte de su vida al estudio de la figura humana, debido a la enorme fascinación por la belleza de las formas femeninas, constituyéndose en un reto importante.

Para el efecto en las pocas líneas de esta unidad encontrará algunos aspectos sobresalientes que le ayudarán a establecer las proporciones de la forma, su composición y aspectos cromáticos que le servirán para guiarse por esquemas, ya que no se cuenta con una modelo que nos facilite un proceso académico real.

Ciertamente resulta inoficioso abundar con frases y teorías si no abordamos con responsabilidad el propio trabajo que cada estudiante debe asumir, lo que a la vez ayudará a vencer las limitaciones de no contar con una modelo.

II. OBJETIVOS ESPECÍFICOS

Conocer, valorar y aplicar los principios de proporción de la figura humana. Componer y distribuir con acierto los elementos que integrarán la composición. Resolver los problemas cromáticos con acierto. Valorar los resultados a nivel grupal.

LA FIGURA HUMANA “EL DESNUDO”

Para iniciar la pintura del desnudo al óleo quiero empezar ilustrando en esta página a uno de los grandes clásicos de la pintura universal como es Velázquez, donde se puede en síntesis ver algunos detalles sobre la calidad cromática y estética de la Venus del Espejo. LA BELLEZA DEL COLOR

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Aplicar las normas de los clásicos ciertamente no es una fórmula matemática, ni una camisa de fuerza, pero si un apoyo que ayuda muchísimo al conocimiento de algunos secretos para plasmar proporcionalmente una figura en cualquier pose o circunstancia.

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Antes de entrar en materia de estudio a continuación se detallan algunos aspectos importantes sobre el taller, la ejecución del dibujo y su transportación al lienzo, así como la cromática.

Para la pintura de la figura humana es conveniente disponer en el estudio de una plataforma de madera que sea sólida y segura.

Otro elemento importante del estudio es un biombo que se coloca detrás del modelo y en ocasiones es utilizado como fondo o para colgar de él algunas telas a este mismo fin.

El fondo es un complemento importante, por ello es conveniente utilizar telas con pliegues, así el conjunto parecerá más vital e interesante.

En la pintura de la figura es esencial contar con espacio suficiente para trabajar.

Seleccionar una buena pose.

Analizar con anterioridad lo que quiero concebir o sea primero la idea luego la plasmación de esta idea.

Pero ni la más hermosa pose, ni la elegancia estética de la modelo suplirán la idea y el trabajo que Usted debe asumir con responsabilidad y abnegación. Este género requiere de mucha observación y de horas y horas de trabajo.

EL DESNUDO ACADÉMICO LA BELLEZA ANATÓMICA

Tal vez haya sido éste el tema más polémico, controvertido y discutido de la historia de la pintura. Hoy en día a nadie en su sano juicio se le ocurriría escandalizarse por la contemplación de un cuerpo humano desnudo. No tendría sentido sentirse ofendido, impactado o herido en la sensibilidad por ver a los seres humanos tal y como son, sin ropas ni otros aditamentos. Otra cosa distinta sería la contemplación tendenciosa, pecaminosa o concupiscente de estos cuerpos, en este caso estaríamos ante una previa malicia, obsesión sexual o prejuicio injustificado por parte del contemplador.

En el mundo del arte ha sido constante la búsqueda de la belleza del cuerpo humano, sobre todo femenino, dada la supremacía de pintores varones. Pero las trabas para pintar este tema han sido innumerables. La iglesia católica siempre ha considerado el desnudo como algo tabú, inductor de bajas pasiones, objeto de vergüenza y fuente primera de pecado y apartamiento del evangelio. No digamos la religión islámica, que prohíbe la representación de personas y animales, desnudos o vestidos. Muchos pintores han sufrido persecuciones y procesos judiciales por pintar desnudos (Goya). En ciertas épocas hubo más permisividad, por ejemplo en el Renacimiento, cuando se admiraba a griegos y romanos y se copiaban sus desnudos. Pero siempre había que buscar una excusa para representar un cuerpo desnudo: o era una diosa antigua como Venus o Afrodita (diosas de la belleza carnal), o era Diana (otra diosa) saliendo del baño o era una dama a quien se le caía la ropa inadvertidamente, etc. El primero que se atrevió a pintar un desnudo sin excusas fue Goya con su famosa “Maja Desnuda” y ese atrevimiento le costó un proceso de la Inquisición.

En muchas pinturas murales se representaban desnudos en escenas que así lo exigían (Adán y Eva, los pecadores en el infierno, etc) pero “casualmente” siempre había una ramita, hojas, telas que cubrían los atributos sexuales.

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Tal vez por estas prohibiciones y persecuciones como por la indudable atracción que ejerce sobre nosotros la contemplación de un bello cuerpo, hemos de admitir que resulta un tema artístico sumamente interesante y sugerente, que exacerba nuestra imaginación y cultiva nuestro sentido estético.

Aunque aquí abogamos por la total libertad del artista creador, siempre es más agradable la representación hecha con sensibilidad y buen gusto que la realizada de manera basta y soez.

Contempla estos desnudos y deléitate con ellos, ya pasó la Inquisición y la censura y nuestras mentes son más libres, abiertas y sinceras que las de nuestros antepasados.

No hay en ellos pecado, sino belleza, y nunca debemos sentir vergüenza por admirar la belleza (Dios la creó).

COMO EMPEZAR

Boceto

Como pueden darse cuenta, en todos los géneros de la pintura el boceto juega un papel preponderante, ya que es la anticipación de cómo quedará su obra acabada.

Antes de empezar nuestro trabajo, es preferible pintar la tela o soporte con un color plano y adecuado al tema, para sobre él iniciar el dibujo. De esta manera, cuando sea la hora de empezar a manchar ya partimos de un color inicial que nos sirve de cojín, pues las telas blancas o la ausencia total de color resultan un tanto violentas.

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SEXTO ENCUENTRO

FASE PICTÓRICA

1º FASE

Empezaremos a manchar la figura en la parte correspondiente a la luz, con un color tipo "carne" que nos despejará de entrada el primer volumen.

De paso aplicaremos un ligero toque de color rosado a la parte de la cara correspondiente a la mejilla.

Sólo con esto ya nos parecerá que nuestra modelo empieza a tomar vida. Es un momento verdaderamente emocionante.

2º FASE

De modo parecido manchamos ahora las partes de sombra con un tono marrón oscuro y completamos el volumen con un poco de naranja en el muslo y en el pecho izquierdo.

A continuación manchamos también la melena de la modelo con un color azul prusia y marrón, consiguiendo casi un color negro.

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3º FASE

Aquí, en este estado, manchamos con rapidez y soltura todo el entorno de la figura: grises azulados y violáceos, grises verdosos más oscuros, carmín para el cojín, la parte superior del tema y algunos rizos del busto griego, situado en la parte inferior derecha.

El color gris de tubo y el blanco nos prestan los mejores brillos y sombras para la sábana.

Con algunos toques aquí y allá ultimamos lo que es el fondo de nuestra obra.

4º. FASE

Este es un estado en que nos comprometemos con el color, cuya intensidad incrementamos por todo el cuerpo de la mujer.

Se trata de unir los colores iniciales con otros nuevos que los enriquezcan y modulen. Estamos realmente pintando, en un momento algo más comprometido y totalmente excitante.

Ponemos en acción colores ocres, carmines y marrones que iluminan piernas, brazos, tórax y cara.

Efectuamos algunos toques mínimos de rosa, azul y verde claro en puntos como dedos y el costado izquierdo, donde

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rebota la luz de la sábana, etc. Esto nos deparará la emoción necesaria para seguir adelante hacia un nuevo paso.

5. FASE

Vamos ahora a dar cuerpo nunca mejor empleada la frase, tratando de armonizar los colores, difuminándolos, uniendo varios entre sí, suavizando contrastes, todo de forma bastante frenética, recorriendo todo el cuadro, actuando sobre todo el conjunto a la vez.

Aplicamos nuevas luces a la sábana, oscurecemos el brazo en que se apoya la cabeza, a la vez que; intensificamos su parte más luminosa así como los pechos, el hombro y el bajo vientre, marcando sus: paletillas. Tras dar un nuevo brillo al pelo, haremos: una pequeña pausa que nos permitirá descansar y observar nuestra obra desde una cierta distancia. Un buen momento para el análisis.

6º FASE

El análisis nos invita a efectuar algunas correcciones, sobre todo en el rostro de la joven. Así situamos los ojos en mejor paralelo, perfeccionamos la boca y la nariz, buscando un mayor parecido con nuestra bella modelo. Incremen-tamos el color de los elementos circundantes con más toques de violeta y azul, y con brillos más precisos de blanco casi puro para los dobleces de la sábana. Limpiamos la zona entre la cara y el pecho, aplicando a éstos un poco más de naranja. Proseguimos con un pequeño brillo para el olvidado cojín y un suave brillo azul-rosa pálido para el contorno izquierdo, donde reberbera la luz del sofá.

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SÉPTIMO ENCUENTRO

INTERIORES CON FIGURA INCORPORADA

UBICACIÓN DE LA LÍNEA DE HORIZONTE Y BOCETO

Para la resolución de este tema cada estudiante contará con una ilustración de un interior.

Deberá graficar en el lienzo el estudio del interior.

Una vez que ha logrado establecer todas las líneas de la composición, proceda a incorporar la figura en el lienzo, y por último borre las líneas auxiliares hasta que quede definida la estructura definitiva de la composición.

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OCTAVO ENCUENTRO

FASE PICTÓRICA

Una vez realizado el boceto proceda a ejecutar la fase pictórica utilizado su propio método de trabajo hasta conseguir estéticamente la obra pictórica.

En todo proceso sea educativo o artístico: "Hay leyes, proporciones, nociones de luz y sombra, de perspectiva, que es necesario saber para poder pintar; si no se poseen estos conocimientos, uno está metido siempre en una lucha estéril y no logra jamás plasmar una obra de gran valor".

No es por demás un consejo, pinte de arriba abajo, matice los planos con pinceladas sueltas, teniendo en cuenta cuatro factores básicos:

1. Pintar sin miedo, no hay para que cohibirse, si sale mal no importa siga adelante.

2. Diversificar el color. Aprenda a percibir que las superficies no son zonas muertas.

3. Cuidar la dirección de la pincelada que no se vuelva monótona.

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NOVENO ENCUENTRO

LA FIGURA EXPRESIONISTA

BOCETO

Realice el estudio de la figura minuciosamente, luego observe unos diez minutos la pose de la modelo y mire el apunte entornando los ojos el dibujo realizado.

Establezca las proporciones máximas de la figura, en cuanto a largo y ancho.

Aplique leves insinuaciones de sombras en las zonas más oscuras.

Finalmente rehaga el dibujo con trazo enérgico, continuado, seguro, afirmando la construcción, según puede usted ver en la figura.

Si ha realizado el boceto en papel proceda a pasar al lienzo con el procedimiento conocido.

DÉCIMO ENCUENTRO

FASE PICTÓRICA

SEGUNDA FASE:

CONSTRUCCIÓN CON COLORES BÁSICOS

Trate de utilizar una paleta restringida: tan sólo cinco colores básicos, de momento: blanco, negro, siena tostada, ocre amarillo y tierra sombra tos tada. La segunda fase empieza con un manchado genérico básico de la figura.

Una gama limitada y perfecta para pintar grises, para seguir trabajando la forma, sin sentir todavía la preocupación del color.

Preferentemente utilice pinceles anchos, manchando rapidísimamente la tela, empezando por el fondo, siguiendo con la figura, el ropaje, la parte inferior del cuadro.

Trabajando en el fondo la pintura es más bien delgada tratando de conservar el trazo lineal afirmando la construcción, el volumen y la composición tonal.

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TERCERA FASE:

ESTUDIO DE VALORACIÓN Y VOLUMEN CON COLORES BÁSICOS

Como puede usted ver en esta figura todavía sigue trabajando con los colores básicos de su paleta, todavía sigue pintando con mezclas de ocres y grises, con la única preocupación, todavía, de llegar a una construcción sólida, del todo afirmada, absolutamente segura.

CUARTA FASE:

ESTUDIO GENERAL DEL COLOR

Es hora de enriquecer la cromática, pero observe que a pesar de existir ya una resolución más cromática, dotándole de fuerza expresiva mediante un contraste acentuado de luces y sombras. El fondo es más oscuro ahora, al igual que las partes más en sombra de la figura (brazos, cabeza, pierna derecha).

QUINTA FASE:

AJUSTE DEL COLOR Y ACABADO

Para llegar a este estado final de la figura debe poner en práctica su sistema de dejar y volver a tomar, de hacer y rehacer los detalles hasta que se sienta satisfecho. Compare esta figura con la anterior, y vea en primer lugar el estudio de color realizado en todo el cuadro —ahora sí, con todos los matices, con todas las transparencias y detalles.

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Ejemplos de Desnudo expresionista

BIBLIOGRAFÍA

Bogis Lióm, Técnicas del Óleo, L.E.D.A. Las Ediciones de Arte, Barcelona

Colección Leonardo, Pintemos los Desnudos, Vinciana Editora, Italia

Emilio Freixas, Dibujando la Figura Femenina, Sucesor de Meseguer, Editor, Barcelona

José Parramón, El Paisaje al Óleo, Parramón Ediciones, Barcelona 1990

José Parramón, Curso Completo de Pintura, Parramón Ediciones, Barcelona 1994

Juan Comamala, Pintando al Óleo, Ediciones CEAC, Barcelona

U. Benedicts, Perspectiva para Artistas, L.E.D.A. Las Ediciones de Arte, Barcelona

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ÍNDICE Pág.

INTRODUCCIÓN………………………………………………………………….. 1

PRIMERA UNIDAD ………………………………………………………………..

Generalidades………………………………………………………………………… 3

El retrato……………………………………………………………………………… 3

Las proporciones y división………………………………………………………….. 4

Tipos de rostros……………………………………………………………………… 5

Tipos de nariz………………………………………………………………………… 5

Tipos de orejas. ……………………………………………………………………… 6

Tipos de frente…………………………………………..…………………………… 6

Tipos de mentón……………………………………………………………………… 6

Tipos de boca………………………………………………………………………… 7

Formas de peinado masculino y femenino............................………………………… 7

Rostros de ancianos ………………………………………………………………….. 8

El Retrato boceto…………………………………………………………………….. 8

Fase pictórica del retrato…………………………………………………………….. 9

El autorretrato………………………………………………………………………… 18

Boceto………………………………………………………………………………… 18

Fase pictórica del retrato……………………………………………………………... 18

SEGUNDA UNIDAD: ………………………………………………………………

El Desnudo…………………………………………………………………………... 19

El desnudo académico la belleza anatómica…………………………………………. 22

Como empezar boceto…………………….………………………………………… 23

Fase pictórica…………………………………………………………………………. 24

Interiores con figura incorporada…………………………………………………….. 27

Ubicación de la línea de horizonte y boceto…………………………………………. 27

Fase pictórica…………………………………………………………………………. 28

El desnudo expresivo………………………………………………………………… 29

Boceto………………………………………………………………………………… 29

Fase pictórica…………………………………………………………………………. 29

BIBLIOGRAFÍA 31

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