96 GRILLE DE LECTURE Le passage des primitifs à la Renaissance€¦ · Title: Microsoft Word - 96 GRILLE DE LECTURE Le passage des primitifs à la Renaissance Author: martini_l Created

GRILLE DE LECTURE

LE PASSAGE DES PRIMITIFS À LA RENAISSANCE

Dossier réalisé par le service des publics

Cette grille de lecture de tableau va vous permettre de faire comprendre à vos élèves, par un travail personnel, l’évolution de l’Art avec l’arrivée de la Renaissance. Pour la période des Primitifs ils étudieront Le mariage mystique de sainte Catherine entre saint Jean-Baptiste et saint Dominique de Niccolo di Tommaso, situé dans la salle des Primitifs au second étage du musée. Pour la période de la Renaissance ils étudieront La Vierge à l’Enfant soutenu par un ange de Sandro Botticelli, situé dans la salle des peintures de la Renaissance au second étage. Les grilles ci-dessous vont leur permettre de décrypter ces œuvres pas à pas. Pour une visite plus agréable pour tous, divisez votre groupe en deux afin que les élèves soient moins nombreux devant les œuvres. L’ordre n’est pas important pour compléter leurs grilles car c’est en comparant les deux œuvres à la fin qu’ils comprendront l’évolution. Des fiches explicatives pour chaque œuvre leur permettront ensuite de comprendre le contexte historique et de donner des réponses aux questions posées par la description. Pour des raisons de protection des œuvres nous vous demandons de veiller à ce que les élèves ne s’appuient pas contre les murs pour écrire et qu’ils n’utilisent exclusivement qu’un crayon à papier. Il est possible en revanche de les faire asseoir par terre devant l’œuvre. Merci !

Ce qui est représenté Description 1ère œuvre Description 2nde œuvre

L’œuvre :

- Le titre : - L’artiste : - L’époque : - Support et technique picturale : - Forme du panneau :

La scène :

- Décrire ce qui se passe dans ce tableau : - Est-ce un sujet religieux, profane, historique ou mythologique :

Les personnages :

- Combien de personnages : - Description physique des personnages : sexe, âge, taille, couleur de peau, de cheveux… - La position de leurs corps : - Vers où regardent-ils ? - Les expressions du visage : rire, cri, larmes, mépris… - Description des vêtements : leurs couleurs, leurs drapés (sont-ils très marqués, très nombreux ou inexistants) - Lequel vous semble le plus important et pourquoi ?

L’entourage :

- Le décor : intérieur ou extérieur, réaliste ou abstrait, paysage ou architecture, description du ciel et du sol,… - Les objets : posés et/ ou tenus par les personnages - Les animaux :

Appréciation personnelle :

Quel est votre ressenti devant cette œuvre ? Comment la trouvez-vous ?

Comment est-ce représenté ? Description 1ère œuvre Description 2nde œuvre

L’image - Nature de l’image : Dessin, peinture, sculpture, collage, installation, BD,…

La composition :

- La dimension de l’œuvre : monumentale ou miniature - En suivant les lignes imaginaires formées par les personnages ou le décor de ce tableau, quelle forme générale peut-on tracer ? (composition triangulaire, pyramidale, circulaire… on ne parle pas du cadre ici) - Aspect général : équilibré, symétrique, désordonné, instable,… - Y-a-t-il des zones plus chargées que d’autres ? Des zones vides ? - Combien de plans y-a-t-il ? - La perspective : y-a-t-il un sentiment de profondeur ? - Cadre : est-ce qu’il y a des choses hors-champs ? - Cadrage : vue d’ensemble, plan moyen, plan rapproché,… - Point de vue : est-on face aux personnages, en-dessous d’eux ou au-dessus ?

La forme et la couleur :

- Le dessin : net, flou, les traits de contour sont-ils visibles ou estompés,… - Les proportions : sont-elles respectées ? ou les corps sont-ils déformés ou exagérés ? - Nommer les différentes couleurs : - Application de la couleur : est-elle appliquée par aplats, petits points, hachures, dégradés… ? - Les couleurs vous semblent-elles irréelles ou naturelles ?

La lumière :

- Source de lumière naturelle (soleil) ou artificielle (bougie, lampe,…) : - Position de la source de lumière : visible ou hors-cadre ; la lumière provient de la gauche, de la droite, du haut, du bas,… - Contraste : l’ombre est-elle très marquée par rapport aux parties éclairées ?

Quelles sont les différences les plus importantes entre ces deux œuvres :

Le Mariage mystique de sainte Catherine entre saint Jean-Baptiste et saint Dominique

Niccolò di Tommaso

MFA 852.1.727

Second niveau, salle Peintures des Primitifs

Les peintres Primitifs

Le mariage mystique de sainte Catherine entre saint Jean-Baptiste et saint Dominique,

Niccolo di Tommaso La période La période des Primitifs se situe entre le XIIIème et le XIVème siècle en Italie, nous sommes à la fin du Moyen âge. Au Moyen âge, les peintres travaillent pour de riches seigneurs et principalement pour l’Eglise, alors très puissante. C’est pour cela que la majorité des œuvres de cette époque sont religieuses. Les peintres du Moyen âge sont des artisans, le travail est long et cher, ils doivent donc respecter les demandes précises de l’Eglise pour pouvoir peindre et vivre de leur métier. Les Primitifs sont les premiers peintres qui vont faire évoluer la manière de peindre les images. Cette évolution se fera progressivement. Les peintures que vous pouvez voir dans cette salle étaient destinées à orner les édifices religieux et étaient généralement réalisées pour s’intégrer facilement dans l’architecture existante (c’est le cas pour ce panneau dont la forme rappelle l’architecture de l’église), ce qui explique les formes de cadre originales. Pourquoi l’Eglise commande-t-elle ces œuvres ? L’Eglise commande ces œuvres non seulement pour décorer les églises mais surtout pour instruire le peuple. Imaginez-vous au Moyen âge, ne sachant ni lire, ni écrire… ces œuvres sont comme des livres d’images ou des bandes dessinées, elles sont là pour vous enseigner les histoires de la Bible. A ce moment de l’art, l’important n’est pas de représenter les choses et les personnages en étant fidèle au réel, mais comme l’Eglise veut que le peuple les voie : divins et puissants, n’appartenant pas à notre monde terrestre. Il faut donc des codes de dessin et des choses simples que tout le monde puisse comprendre. Les codes de peinture Si le fond d’or permet de mieux distinguer les décors dans les églises naturellement sombres, son caractère précieux accentue également la divinité et le caractère sacré des personnages, en les plaçant dans un cadre presque irréel, distinct de tout espace-temps identifiable. Le fond d’or rappelle que Dieu est lumière. Si les personnages sont aussi figés c’est pour mieux mettre de la distance entre eux et le monde des hommes. Les personnages devaient être facilement identifiables. Pour les distinguer, on avait pris l’habitude de les représenter avec des tenues toujours identiques (regardez toutes les Vierges autour de vous, elles sont revêtues au moins de bleu et parfois aussi de rouge, on reconnait ainsi toujours ce personnage et saint Jean-Baptiste porte toujours un manteau de poils de chameau comme il l’est dit dans un évangile). Mais aussi avec des symboles, généralement des objets, liés à leur histoire ou à leur rôle (saint Dominique avec la fleur de lys ; sainte Catherine avec le livre car elle était réputée pour être très érudite, mais aussi

avec une bague que lui passe le Christ comme symbole de leur engagement mystique / spirituel ; et enfin Jésus avec son oiseau qui est un chardonneret, qui renvoie à la couronne d’épines). Tout a une explication, rien n’est simplement décoratif. La taille des personnages est inégale car un personnage plus grand que les autres sera toujours identifié comme le plus important. La technique de peinture des Primitifs C’est une technique particulière. Le support utilisé est le bois qu’il faut d’abord préparer méticuleusement. La peinture appelée a tempera est composée de pigments naturels (poudre que le peindre obtient en broyant des choses naturelles : coquillages, pierre,…), d’eau et d’œuf. Elle sèche très rapidement ce qui rend le travail compliqué. Si vous regardez bien le vêtement de la Vierge vous verrez des hachures. Pour faire un dégradé de couleur avec cette peinture, le peintre a préparé plusieurs tons de rouge qu’il a ensuite appliqués en hachures l’une après l’autre. Cette technique assez compliquée ne permet pas d’avoir des rendus de matière extraordinaires.

Support en bois

Toile noyée

Première couche de gesso

Gesso sottile et dessin préparatoire

au fusain

Incision des contours principaux et application du bol

d’Arménie

Application de la feuille d’or

Application de la peinture a tempera

sur les drapés et sous couche de

« terre verte » sur les chaires

Application de la

tempera par hachures

Décoration des auréoles à la pointe

de fer ou aux poinçons

Détail : reproduction tête de l’Enfant Jésus dans Le mariage mystique de sainte Catherine entre saint Jean-Baptiste et saint Dominique de Niccolo di Tommaso

La Vierge et l’Enfant soutenu par un ange,

Alessandro di Mariano di Filipepi, dit Sandro Botticelli

MFA 852.1.595

Second niveau, salle Peintures de la Renaissance

Les peintres de la Renaissance

La Vierge à l’Enfant soutenu par un ange, Alessandro di Mariano di Filipepi, dit Sandro Botticelli

La période La Renaissance naît et se développe à Florence au XVe siècle. Alors qu’au Moyen âge tout était dirigé par la religion, la Renaissance se présente comme l’appropriation du monde par l’Homme, désormais on ne s’intéresse plus seulement au monde divin mais aussi à l’homme sur terre. C’est une période historique très importante : la redécouverte des textes de l’Antiquité (des philosophes, des mathématiciens, l’Antiquité était très riche en connaissances), l’invention de l’imprimerie (ce qui permet de diffuser plus facilement les textes qui jusqu’à présent étaient recopiés à la main), l’ouverture vers le monde (par exemple la découverte de l’Amérique par Christophe Colomb). Toutes les matières vont se développer et s’enrichir : la médecine, les mathématiques, le commerce,… Pour les artistes c’est un enrichissement personnel, beaucoup ne seront plus de simples peintres mais des mathématiciens, des érudits, des philosophes… Forcément cela se ressent dans la peinture : si on apprend comment est fait le corps humain alors on pourra bien mieux le dessiner. Grâce à la connaissance des mathématiques on va comprendre comment créer une perspective parfaite. L’observation de la nature et de ses détails, de l’être humain, de son corps et de ses gestes donne envie de les reproduire fidèlement. Les changements visibles dans le tableau de Botticelli La Vierge Marie est ici représentée debout, en pied et de profil. Elle n’est plus assise sur un trône comme une reine, ce qui mettait de la distance entre nous. Elle ne nous regarde même pas, elle ne cherche qu’à apporter son amour de mère à son enfant. L’enfant Jésus ne s’occupe pas plus du spectateur, son regard est dirigé vers sa mère. Nous voyons donc que, par rapport aux Primitifs, les peintres du début de la Renaissance s’attachent davantage à retranscrire les sentiments humains en jouant sur l’expressivité du visage. Les personnages ne sont plus figés mais témoignent d’une réelle humanité. Ils ne sont plus au-dessus de nous dans un monde divin mais sur terre avec nous. Ainsi, l’enfant n’est plus un adulte en miniature, mais est un véritable bébé. Nous voyons qu’il est lourd, et un ange adolescent, reconnaissable à ses ailes en plumes de paon rehaussées d’or, est venu le soutenir. La construction n’est plus tout à fait pyramidale mais presque ovale : ils sont désormais dans une sorte de cocon et non plus présentés dans une forme de piédestal. Le décor en fond est tout à fait novateur et quelque peu énigmatique. Ici, pas de fond d’or ni de paysage comme dans les autres tableaux de la salle, mais un jardin muré, généralement associé à la pureté, la virginité de Marie. Le livre posé sur une table derrière l’ange, s’il témoigne d’une maîtrise encore imparfaite de la perspective, est cependant assez moderne.

La guirlande placée au-dessus de la Vierge est, elle aussi, tout à fait originale. En fait, il semblerait que cette guirlande soit inspirée de celles représentées sur les sarcophages de l’Antiquité romaine, faites de fruits et de fleurs. Ce détail n’en est donc pas un puisqu’il montre l’intérêt que portent les hommes de la Renaissance, les humanistes, à l’Antiquité. La technique de peinture Si ici nous sommes toujours sur de la tempera nous pouvons voir que la manière de peindre a tout de même évolué. Le travail des détails, notamment la fluidité des drapés et la transparence des tissus, témoigne de cette évolution. Les artistes comme Botticelli cherchent à rendre leurs œuvres plus proches de la réalité : cela passe par les expressions du visage comme par le traitement du drapé, ce que ne cherchaient pas à faire les peintres du Moyen âge, ils suivaient la manière de peindre qui leur avait été enseignée par leur maître et à leur tour la transmettaient à leurs élèves.