UNIVERSIDAD TÉCNICA PARTICULAR DE LOJA La Universidad Católica de Loja ÁREA TÉCNICA TITULO DE LICENCIADO EN ARTE Y DISEÑO Elementos precolombinos aplicados a ilustración grafica Doncella Jama TRABAJO DE TITULACIÓN AUTOR: Segarra Castillo, Marjhori Tatiana DIRECTOR: Bermeo León, Carlos Byron LOJA-ECUADOR 2018
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UNIVERSIDAD TÉCNICA PARTICULAR DE LOJA
La Universidad Católica de Loja
ÁREA TÉCNICA
TITULO DE LICENCIADO EN ARTE Y DISEÑO
Elementos precolombinos aplicados a ilustración grafica Doncella Jama
TRABAJO DE TITULACIÓN
AUTOR: Segarra Castillo, Marjhori Tatiana
DIRECTOR: Bermeo León, Carlos Byron
LOJA-ECUADOR
2018
Esta versión digital, ha sido acreditada bajo la licencia Creative Commons 4.0, CC BY-NY-SA: Reconocimiento-No comercial-Compartir igual; la cual permite copiar, distribuir y comunicar públicamente la obra, mientras se reconozca la autoría original, no se utilice con fines comerciales y se permiten obras derivadas, siempre que mantenga la misma licencia al ser divulgada. http://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0/deed.es
Figura 2. Libro de los muertos Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Libro_de_los_muertos#Creaci.C3.B3n_de_un_Libro_de_los_muertos (2012) Elaboración: https://es.wikipedia.org/wiki/Libro_de_los_muertos#Creaci.
Estos manuscritos, además de ser un medio de registro que evidencia el estado instructivo de
las culturas, en la que la gráfica ilustrativa mantiene registro de estas, conservaban en sí una
serie de elementos muy necesarios para su producción: eran elaborados de papiro, pergamino
o papel. Además, tenían uso en algunas culturas antiguas que también formaron parte de la
Edad Media, se cita como ejemplo los manuscritos iluminados. En estos documentos se
evidencia cómo el texto era complementado mediante una decoración gráfica, esto se cree
que era utilizado para reforzar visualmente el contenido, estos manuscritos eran desarrollados
a mano por amanuenses. Los más conocidos son el de Kells (manuscrito celta del siglo IX) y
el de Durrow (manuscrito celta del siglo VII), cuyo contenido era orientado hacia los registros
religiosos, el autor de los mismos era el artista que se encargaba de realizar el registro de
miniaturas, se dedicaba especialmente a los capitulares desde las iniciales y decoraba los
bordes, con oro y plata, estás contenían una gráfica ornamentada con diseños
bidimensionales. Las imágenes ilustradas, enseñaban el evangelio, ya que el pueblo vivía en
completo analfabetismo a excepción de algunas clases privilegiadas. (Meggs, 1991). Es así
que podemos exponer que el objetivo de la gráfica ilustrativa tanto en los manuscritos egipcios
como los iluminados son el de reforzar el texto, educar a quien no sabía leer, ya sea para
demostrar poder, autoridad o con fines religiosos.
Entonces, se podría sugerir que los eventos transcurridos en el periodo histórico descrito han
llevado al ser humano a conocer un uso didáctico de enseñanza usando como medio la gráfica
ilustrativa, cuya aplicación ha variado y evolucionado. Es así que queda en evidencia que el
progreso ilustrativo se ha convertido en un medio importante para la práctica educativa y
comunicativa.
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Figura 3. Libro de Kells (El folio 27º contiene los cuatro símbolos evangélicos.) Fuente: http://arte.laguia2000.com/pintura/libro-de-kells(2013) Elaboración: http://arte.laguia2000.com
El proceso ilustrativo de los manuscritos cambia en el transcurso histórico, ya que este, se
podría decir, llega a combinarse con la aparición de nuevas técnicas que permiten una visión
diferente. Tenemos entonces la aparición del libro tipográfico impreso, esto con la inclusión
de elementos como la xilografía y la imprenta, no obstante, se puede mencionar que los
medios utilizados permitirían una mayor cantidad de ejemplares por las varias necesidades.
Sin embargo, no se puede separar la importancia del manejo de las técnicas manuales que
acompañan estos nuevos avances.
Ya con la aparición de la xilografía (técnica de impresión con plancha de madera), estas
variantes como medio para la impresión en la reproducción de imágenes permitió realizar
algunas de las primeras impresiones ilustradas que fueron hechas en gran número. Tenemos
por ejemplo aquellas que se orientaron a los juegos de naipes, los cuales incluían imágenes
alusivas a temas jerárquicos, entre otros. Otro caso que se presenta en la reproducción es la
de libros ilustrados. Uno de los artistas que se dedicó a la ilustración en este tipo de técnica
fue Durero, quien cultivó la xilografía y el grabado en hueco. Una de sus principales obras fue
Apocalipsis, en la que demostró una riqueza gráfica, plasmando sus habilidades con el dibujo.
Una vez llegado a este esplendor, la xilografía comienza a decaer, decadencia que durará
Luego, ya en 1430, aparecieron los primeros libros impresos bajo este procedimiento,
realizados en Holanda y Alemania. Se trataban de vidas de santos, el arte del bien morir,
astronomía, etc. El género que más provecho obtuvo fue la “Biblia de los pobres”, empleada
en la predicación y que, por estar dirigida a las masas analfabetas, otorgaba gran
protagonismo a las ilustraciones. (Meggs, 1991).
Figura 4. Los cuatro jinetes del apocalipsis, perteneciente a la serie de grabados Apocalipsis (1498) Fuente: https://scielo.conicyt.cl/scielo.php? script=sci_arttext&pid=S0718-22012013000100011 (2013) Elaboración: Durero.
Complementando esta información, otro sistema de impresión que tuvo un gran aporte en este
tipo de producción, es la del alemán Johannes Gutenberg, quien contribuyó de forma decisiva
a la aceptación del libro impreso como sustituto del libro manuscrito. Su proceso se trataba
de una impresión a base de tipos móviles intercambiables y reutilizables, trazándose una línea
divisoria que habrá de ser definitiva entre la cultura manuscrita y la cultura impresa. (Satué,
2010). Así se pueden evidenciar los avances técnicos, cuyo propósito es el facilitar el estilo
de vida.
Gracias a la creación de estos medios técnicos, los libros eran más accesibles al pueblo, por
lo que crece el interés de las personas por aprender, por lo tanto, tenían gran demanda de
producción, lo que los llevó a mejorar sus trabajos ilustrativos. Podríamos decir que, en este
punto, la ilustración era de uso exclusivo para ilustrar libros, se la había usado como un medio
visual importante de instrucción. Los cambios realizados en el transcurso del tiempo son
Se podría pensar en sugerir que el siglo XX fue una época de muchos cambios: la aparición
del término “diseño gráfico”, nuevas tendencias artísticas, tecnológicas y la creación de
escuelas de diseño, le dan un gran cambio al uso de la ilustración. La aparición de nuevas
técnicas y materiales artísticos que se fueron adaptando a una propuesta que presenta un
tinte más comercial, es entonces usado como medio publicitario; el desarrollo del cartel se
extiende a etiquetas adhesivas, postales, estampillas, folletos de publicidad, los carteles
tienen contenido de heraldos públicos con reseñas e ilustraciones de apologías políticas y en
la moda como portadas de revista. (Luna, 2006)
Los hechos sucedidos en el transcurso del tiempo han llevado a entender a la ilustración como
un recurso de consumo humano, debido a que la imagen es una fuente que trasmite el
mensaje de forma impactante. Se puede citar varios ejemplos de este proceso, en la siguiente
imagen se puede apreciar esas connotaciones a las que se quiere referir sobre el cambio en
el que la ilustración se representa de manera comercial.
Figura 6. Cartel publicitario coca cola Fuente: http://www.taringa.net/posts/imagenes/17053291/Publicidades-antiguas-de-Coca-Cola.html(2014) Elaboración: http://www.taringa.net
Los continuos avances con la inclusión de herramientas tecnológicas en el paso de un siglo a
otro, representan momentos importantes en las variaciones que se vendrían en la parte
ilustrativa, la aparición de nuevas tecnologías revolucionaría los medios publicitarios como es
el caso del ámbito digital, un medio que hasta nuestros días ha ido mejorando, dejando de
lado las antiguas técnicas de la ilustración tradicional.
Esto lleva a construir el criterio de que, en efecto, la esencia de la característica principal de
la ilustración no se pierde sino más bien se mantiene en su inmediato y fuerte impacto visual
que, a lo largo del tiempo, ha evolucionado tanto gráficamente como técnicamente,
Otro de los cartelistas populares de la época fue Toulouse Lautrec, considerado el creador del
cartel moderno ya que introdujo aspectos que influyeron en la publicidad posterior. Sus
carteles se basaban en figuras simbólicas y simplificadas, modelos dinámicos podían formar
imágenes que expresan detalles y conceptos de la época, el impacto cromático que consigue
con el uso de colores vivos y planos, además de las direcciones fotográficas que marcan sus
trabajos y los hacen característicos (Luna, 2006). Su trabajo evidenciado en los carteles
trabaja la imagen mediante el estudio de transmitir el momento, dándole al observador el
mensaje.
Figura 8. Litografía color 1891- Cartel para el Moulin Rouge de París. Fuente: http://www.eltallerdejazmin.com (2012) Elaboración: Henri de Toulouse-Lautrec
Estas producciones de cartelismo comparten ciertos elementos y visiones, pero también cada
autor es reconocible de manera independiente con tal solo mirar sus trabajos. Los carteles de
estos dos artistas evidencian un estilo que buscaba darle más importancia a la ilustración
dejando al texto como un medio explicativo, su trabajo se basaba en la figuración humana y
la composición de estas en la construcción del mensaje, el cual se complementaba con
colores brillantes y una tipografía sencilla, los carteles de estos dos exponentes instauraron
un modelo para todos los carteles modernos, que fueron seguidos en diferentes estilos a
posterior en el recurso de la utilización de este medio.
A diferencia del estilo de Lautrec y Cheret, los exponentes del Art Nouveau elaboraron
carteles con grandes cambios: “elaboraban figuras estilizadas y extravagantes, usando líneas
de formas estiradas que fluyen distinguidamente” (Luna, 2006, pág. 17). Dentro de esta
corriente, uno de los artistas que se destaca en cuanto a un estilo diferente es Alphonse
Mucha, sus carteles en base a la técnica de la litografía muestran una revolución en el medio
artístico, provocando mucha admiración del público, su estilo se volvió una nueva forma de
expresión y un elemento publicitario clave en su época.
Figura 9. Cartel litográfico con la actriz Sarah Bernhardt en el papel protagonista de Gismonda. Fuente: https://arte.laguia2000.com/pintura/gismonda-de-alfons-mucha(2016) Elaboración: Alphonse Mucha
El estilo de Mucha y el Art Nouveau se mantuvo un poco más de tiempo en el siglo XX, pero
debido a eventos ocurridos en esta época el cartelismo sufrió un cambio radical. Según Luna
(2006), “los comienzos de la Primera Guerra Mundial dieron paso a que el cartel pase a ser
un instrumento de propaganda y reclutamiento militar” (p.18). Por lo tanto, el arte del cartel se
vio afectado, los elementos a destacar debían ser orientados hacía el texto y el mensaje.
El cartelismo pasó de ser una actividad propia de pintores a ser obra de diseñadores gráficos,
de manera que el cartel dejaba de considerarse un producto artístico para convertirse en un
medio técnico comunicativo, no obstante, este estilo no tendría una continuidad a largo plazo.
Ya en las primeras décadas del siglo XX la estética de los diferentes estilos artísticos dominó.
Las vanguardias influyeron enormemente al cartelismo con sus composiciones, las cuales son
incluidas en los carteles de esa época, creando un nuevo cambio en el arte y diseño. Por
ejemplo, “el período constructivista en Rusia que incluye carteles promocionando películas en
blanco y negro con imágenes flotantes y titulares que operan en planos ilógicos, fragmentos
de fotografía son combinados con pesados gráficos que explotan en la página” (Chwast, 2005)
Existía un predominio de la tridimensionalidad y las líneas inclinadas, también poseían
motivos abstractos, utilizaban formas geométricas y lineales, los elementos ilustrativos de este
tipo de estilos son más impactantes que los de los primeros cartelistas.
Figura 10. Bajo Fuego Naval, 1928 Fuente: https://sites.google.com/site/historiadeldisenografico1/el-siglo-xx/raices (2010) Elaboración: Georgy y Vladimir Stenberg
Figura 13: Publicidad de Fanta Fuente: https://lasblogenpunto.blogspot.com/2008/11/la-nueva-imagen-de-fanta-world-explosin.html(2008) Elaboración: https://lasblogenpunto.blogspot.com
1.4.3. Ilustración científica
La ilustración científica fue, durante muchos años, el soporte que nos permitía visualizar lo
que la teoría y la experiencia describían únicamente con palabras. El objetivo de este tipo de
ilustración es mostrar información detallada y precisa, un dibujo con el propósito de reafirmar
visualmente los textos de investigación de varias disciplinas como: Astronomía, Arqueología,
Medicina, Odontología, Botánica, Zoología, Microbiología, entre otras.
Figura 14: Ilustración científica Fuente: https://anediseno.wordpress.com/2012/08/22/generos-de-ilustracion/ (2012) Elaboración: https://anediseno.wordpress.com
La ilustración como recurso gráfico busca llamar la atención del espectador creando una
riqueza de ideas para un público determinado; cuenta con gran variedad de tipos, funciones
y técnicas, estas que, en muchas de los casos, brindan a las propuestas mayor riqueza y valor
cuando su uso se realiza de manera ejemplar.
1.5. Técnicas de ilustración
Sobre las técnicas y su aplicación, los registros que se han observado en cuanto a estas, no
permitían la reproducción en grandes cantidades. No fue sino hasta la inclusión de nuevas
herramientas técnicas que hicieron posible una reproducción masiva, como la xilografía. Estas
variantes técnicas hicieron denotar la importancia de la reproducción en grandes cantidades,
puesto que, ante un medio manual, la aparición de medios impresos y la era digital, era
necesario adaptarse al uso de las mismas.
Actualmente, esto no ha determinado que aquellas técnicas anteriores al uso tecnológico no
sean utilizadas. Hoy en día, existen varias técnicas tradicionales que los ilustradores
contemporáneos usan en su trabajo, combinándolas con técnicas digitales, logrando así
propuestas que mantienen latente, en algunos casos, los procesos de registro. Se debe
considerar que, en este mismo proceso, existe una cierta clasificación al momento de enunciar
el medio por el cual fueron producidas. A continuación, se enuncian algunas de las técnicas
que se mantienen latentes como medios artísticos.
1.5.1. Técnicas plásticas.
Todo ilustrador necesita dominar el dibujo, que es la base de cualquier ilustración.
Normalmente, se realiza a lápiz y de forma manual. En la antigüedad las ilustraciones eran
hechas totalmente a mano, haciendo uso de material primitivo como la piedra, la madera, el
papiro o tintas naturales sacadas de plantas; sin embargo, en la actualidad, se suele trabajar
directamente con el ordenador. Cada tipo de ilustración requiere un estilo de dibujo diferente.
Las técnicas artísticas tradicionales se usan debido a la riqueza plástica que los materiales le
permiten plasmar al ilustrador. El ilustrador plasma sus ideas a través de estas técnicas; los
inicios se dan por medio de bocetaje, hasta llegar al final utilizando una técnica propia y, en el
caso de ser digital, se realiza la digitalización con las herramientas necesarias para la posterior
edición.
Debido a la destreza técnica que tienen algunos ilustradores en el manejo de estos materiales,
las preferencias se dan por: la textura, color, las transparencias que estas dejan al hacer un
trazo; buscando siempre el realce que el material puede aportar. Se debe considerar,
igualmente, que estos métodos tienen un tiempo extenso, largo y muy detallado. Por enunciar
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algunas de estas técnicas, a continuación, se hablará de las que se utilizan dadas estas
características mencionadas.
• Lápices de color
Los lápices de color son una de las técnicas favoritas de los ilustradores debido a su fácil
manejo. Están hechos a base de cera o aceite, conteniendo proporciones variables de
pigmentos, aditivos y aglutinantes. En este tipo de material se puede conseguir una gama
infinita de colores, que se pueden encontrar de forma enumerada, además de pertenecer a
diferentes marcas de fábrica. Debido a su diseño cilíndrico y ligero, el lápiz de color es de fácil
manejo para crear gran detalle. Se utiliza para pequeños formatos, en los que se trabaja en
capas para conseguir el color deseado. En internet se puede encontrar una gran variedad de
gráficas y estilos realizadas con este material.
Figura 15: Mérida película Valiente de Disney – lápices de colores. Fuente: http://artefeed.com/fantasticos-dibujos-a-lapiz-de-dino-tomic/ (2015) Elaboración: Dino Tomic
• Acuarelas
La acuarela es una técnica usada desde la antigüedad. Es un tipo de pintura en la que los
pigmentos finalmente molidos se aglutinan con goma arábiga, al diluirlos con agua dan
transparencias en las que el color se trabaja por capas de tonos claros, conservando el blanco
del papel, a tonos oscuros. Es una de las técnicas más utilizadas por los ilustradores ya que
dejan tonalidades, transparencia y colores brillantes diferentes a otras técnicas. Las acuarelas
son de fácil uso porque no necesitan muchos utensilios, además de ser compatibles con otras
Figura 19. Mark Ryden Fuente: http://culturainquieta.com/es/arte/pintura/item/1424-las-inquietantes-ninas-de-mark-ryden.html(2016) Elaboración: Mark Ryden
Al observar los ejemplos, es claro que la estilización brinda un toque personal a la ilustración,
ya sea alargándolas, ensanchándolas o encogiéndolas. Se las puede diferenciar creando
ideas nuevas en la que se pueden apoyar.
Al hablar de estilización femenina, podemos mencionar, adicionalmente, un referente sobre el
cual se pretende construir un argumento en lo técnico y estético para la posterior aplicación,
se trata de Alberto Vargas, cuyo estilo característico es el Pin Up sobre el cual brevemente se
mencionará su trabajo.
1.7. Alberto Vargas: chicas pin up estilización de la figura
Alberto Vargas es un ilustrador peruano reconocido, del siglo XX. Era un autodidacto y tenía
un talento natural para el retrato y el dibujo, el cual lo llevó al éxito merecido en los Estados
Unidos. Ganó fama por sus ilustraciones, su principal fuente de inspiración siempre fueron las
mujeres norteamericanas.
Su trabajo ilustrativo consta en la muestra de mujeres bellas y estilizadas de proporciones
idealizadas: grandes pechos, amplias caderas, piernas largas, desnudas, semidesnudas o
vestidas elegantemente. En la figura resalta lo sensual y lo erótico, sus rostros con abundante
maquillaje de tez suave y labios carnosos las vuelven seductoras. Con el apoyo de técnicas
artísticas, como la acuarela y aerógrafo, se pueden observar la belleza de las hermosas
actrices de la época. Las ilustraciones de Vargas poseen colores vivos y pasteles que
representa la delicadeza y sensualidad de la mujer.
Sus ilustraciones fueron adaptadas para adornar aviones de la Segunda Guerra Mundial. El
objetivo era alegrar a los soldados durante la guerra. Es así que podemos darnos cuenta de
la importancia de la figura femenina en un concepto machista y político. La mujer siempre ha
sido un medio de marketing, porque acapara las miradas tanto de hombres y mujeres.
Alberto Vargas estiliza la figura de la mujer con el fin de que estas tenga las proporciones
perfectas, realizando adaptaciones propias de la época, buscando evocar la feminidad y
sensualidad de las modelos que son parte de sus obras.
Figura 20: Alberto Vargas Fuente: https://www.etsy.com/es/listing/179013458/67-60-tempranos-raros-vintage-vargas?ref=related-1(2017) Elaboración: Alberto Vargas
Entrando entonces en un medio de dirección, a la estilización se la puede definir como el
concepto decorativo de figuras y objetos, incluyendo la descomposición de la línea, forma y
relaciones de espacio y color, en el que el estilizar reduce la percepción visual. Para efectos
de la producción de esta investigación se referencia bajo los distintos grados y efectos que
resaltan los rasgos esenciales de la figura femenina, ya que estas forman parte del proceso
creativo de la propuesta ilustrativa.
La ilustración ha sido y será un medio en el cual se ven archivados eventos transcurridos en
el tiempo. Nos deja huella de lo que nuestros antecesores pensaban o vivían, la técnica y los
medios pueden variar, pero la imagen ilustrativa será unos de los elementos gráficos más
usados, ya que forma parte de nuestro pensamiento humano como protesta o enseñanza.
Se entiende que la ilustración ha formado parte esencial de la expresión de épocas pasadas
y actuales, así como sus recursos gráficos. En este capítulo se mencionó cómo se produce la
estilización de la mujer, la que, en los dos últimos siglos, se ha tomado como un recurso
grafico visual para llamar la atención del espectador, usando sus propios estilos, ya sea figuras
deformes, o mujeres esbeltas y realistas.
Todo lo mencionado en este apartado tiene el propósito de argumentar desde qué punto de
vista se pretende direccionar el contenido. Se menciona el contexto histórico, definición,
técnicas y estilización femenina como parte de la ilustración, los cuales se convierten en temas
importantes para poder llevar a cabo su aplicación.
Es necesario manifestar que el conocimiento que abarca lo aquí expuesto refiere un interés
en aplicar las técnicas adecuadas en estilo, a la vez sean el nicho por el cual se puedan
construir nuevas referencias y tendencias, que lleven nuevos enfoques de cómo entender la
ilustración y la proyección de experimentar constantemente en este campo, que es tan amplio,
en lo técnico y conceptual.
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CAPÍTULO II
CULTURA JAMA COAQUE
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Los entornos históricos han contado a través de diferentes épocas las características propias
de cada manifestación cultural. Existen una serie de elementos que pueden funcionar como
referentes, este es el caso de varios puntos de partida procedentes de la cultura ecuatoriana,
éstos se deben elegir considerando aquellos a los cuales se les atribuye un mayor interés
dentro de una prospectiva personal, ya que no se puede medir qué cultura pesa más al
momento de construir argumentos, o quizás entrar en el plano de la valoración de todas las
culturas ecuatorianas. Para ello, fue necesario recurrir a elementos como: figura, formas y
elementos simbólicos. Una vez apoyados en los datos históricos, que gracias a expediciones
y hallazgos arqueológicos se han puesto en evidencia, procede indagar las habilidades de las
culturas precolombinas. En relación con este interés se toma como referencia a la cultura
Jama Coaque, considerada una de las culturas más importantes del período precolombino
ecuatoriano, específicamente, por sus piezas de cerámica, en las cuales se pueden evidenciar
las destrezas que poseían, acompañadas de toda una simbología que describe la esencia de
esta cultura.
Al analizar a esta cultura, como proceso de investigación, se ha considerado necesario realizar
un esquema de identificación histórico y formal que recurra en la evidencia de las principales
características de valor, así como su ubicación, cronología, población y características del
trabajo artístico y técnico que estos realizaban en sus cerámicas. Además de la necesidad de
elaborar un registro personal de la descripción de algunas de las piezas de cerámica para
establecer parámetros de apropiación en la utilización de la estructura formal. Se desarrolla
entonces un breve recorrido por los aspectos que proporcionan especificidad entorno a la
investigación de la cultura Jama Coaque.
Elementos de referencia de la Cultura Jama Coaque
Gracias a las excavaciones arqueológicas y las múltiples investigaciones es que, hoy en día,
podemos resolver varias dudas sobre las distintas culturas precolombinas, y con base en esto,
lo que concierne como entorno dentro de la cultura Jama Coque de la cual se recopilan datos
relevantes en el siguiente apartado.
La cultura Jama Coaque fue descubierta en los años 60, en la zona arqueológica hoy conocida
como San Isidro, esta se encontraba ubicada en la región litoral del Ecuador, al norte de la
provincia de Manabí, entre Bahía de Caráquez y el Cabo de San Francisco, rodeada de
terrenos montañosos con densa vegetación (Guamán, 2015). Es importante recalcar el
terreno en el que ésta se encontraba, al respecto los arqueólogos Juan Salvat y Eduardo
Crespo (1988) mencionan:
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Que para llegar a su ubicación se determina que es dificultoso su arribo por
el ondulado terreno y no se cuenta con una buena vialidad, sólo es apta la
navegación que para su llegada se encuentra a pocos kilómetros. Contiene
una influencia en la vegetación y en el paisaje. La costa entre el cabo de
San Francisco y Atacames es montañosa y está surcada por una serie de
pequeños riachuelos. La tierra fértil se presta para los cultivos tropicales y
para la ganadería (p. 240).
Figura 21: Ubicación mapa del Ecuador de la cultura Jama Coaque Fuente: http://historiaprecolombinaecuatoriana.blogspot.com/2012/06/cultura-jama-coaque.html(2012) Elaboración: http://historiaprecolombinaecuatoriana.blogspot.com
En cuanto a su estadía en estas tierras no se conoce exactamente la fecha en la que estos la
habitaron, pero se han planteado dos etapas: Jama Coaque I, periodo desarrollo regional (500
a.C.-500 d.C.), y Jama-Coaque II, periodo de integración (500 d.C.- 1.534 d.C.). En la primera
etapa, los señoríos de esta fase tuvieron estrechas relaciones con Bahía y La Tolita, aunque
mantuvieron un estilo artístico bien definido, que refleja su fuerza cultural (Guamán, 2015).
Ciertos vestigios dan muestra de la organización que esta cultura poseía. Estas ventajas están
dadas por las condiciones climáticas y su ubicación. No obstante, estas mismas condiciones
llegan a ser un detonante de la perdida de muchos de estos registros de cómo eran social y
Figura 24: Cerámica Jama Coaque Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino” biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
En Jama-Coaque hay una distribución mucho más uniforme de las figurillas masculinas y
femeninas. Cada uno de los sexos presenta poses representadas que los distinguen, por
ejemplo, sus partes sexuales. Aunque, también, se lo puede ver en su ropa. De esta manera,
las figurillas Jama-Coaque nos presentan guerreros, músicos y danzantes (Guamán, 2015).
Algunas de las características principales de estas figurillas recaen en resaltar los elementos
de relieve que forman parte de su composición, y que, en conjunto a la forma y figura humana,
se complementan en piezas que eran adosadas a las vasijas y trípodes. Los elementos
escultóricos de estas figurillas antropomorfas muestran una riqueza de aplicaciones plásticas
e intensa policromía denotando su elaboración muy compleja.
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Figura 25: Cerámica Jama Coaque Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino” biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
El uso compositivo de las piezas de esta cultura es la representación humana y su relación
con los enseres o herramientas, en los cuales es notoria la importancia del tratamiento de la
figurilla, característica distintiva de la fabricación de cerámicas. Los objetos de esta cultura
son un gran material visual, nos muestran la vida cotidiana de la población de esa época,
convirtiéndose en uno de los muchos argumentos por los cuales ha sido considerada como
una de las principales culturas cerámicas del período precolombino.
Análisis de 5 figuras cerámicas de la Cultura Jama Coaque
En este apartado se analizarán 5 figuras cerámicas de la Cultura Jama Coaque. El
procedimiento que se utilizará para este análisis es de tipo formal, es decir, determinar
mediante la descripción de los elementos compositivos las formas básicas que los componen.
Esto se da porque no se entrará en detalle o simbolismos implícitos u ocultos tras el aparente
naturalismo de una obra. La descripción será formal, la cual analizará la obra dentro del campo
estilístico formal, apelando a la información elemental que pueden ofrecernos los sentidos. Se
adentra el estudio en poder definir cómo cada elemento tiene su significación y variable, pero
es evidente que, al estudiar aspectos gráficos compositivos y formales de los objetos de
alguna cultura, como una herramienta para la interpretación de contenidos, es más complejo,
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sin embargo, es necesario establecer pautas convenientes para trabajar con símbolos o
piezas arqueológicas que pueden ser usadas en el recurso compositivo ya sea en el diseño o
en lo artístico.
La selección de estas piezas parte de la admiración hacía la riqueza iconográfica que
contienen bajo la composición de elementos simbólicos, decoración y atuendos,
específicamente, por lo fascinantes de las piezas cerámicas de los personajes que se
transforman en un ser fantástico. Son piezas que se dividen, según sus rasgos, en masculinas
y femeninas. Sus características físicas nos transportan a un mundo lleno de fantasía en la
que estamos rodeados de una cultura llena de reyes y princesas, debido al uso exagerado de
joyas y tocados que forman parte importante de esta cultura; estas piezas cuentan con un
gran material visual que, al descomponerlas, pueden formar parte de grandes ideas.
La descripción formal del material de análisis tendrá relación con el libro del cual fueron
tomadas las imágenes, mismas que son parte del museo o colección de procedencia, y que,
en conjunto, se pretende generar una descripción de la pieza organizada mediante tablas y
celdas.
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Análisis figurilla 1
Análisis Formal
Clasificación de la pieza: Figurilla
Material: Cerámica, arcilla
Ubicación original: Litoral ecuatoriano.
Ubicación actual: Museo Alabado
Quito
Año: Se desconoce
Época: Desarrollo Regional
Cultura: Jama Coaque
Dimensiones: 71 x 34 cm
Posición: Frontal
Figura 26 : Gurrero representación Cerámica Jama Coaque Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino” - Biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
Figurilla antropomorfa de contextura robusta, sexo masculino, composición simétrica. La
posición de su cuerpo no es totalmente erguida; muestra un poco de movimiento en sus
brazos; rostro bien definido; ojos en forma de grano de café, una boca entre abierta y una
nariz arremangada. Es una figura decorada con representación de joyas de gran tamaño, su
color terracota y estado aceptable, aunque muestre algunos quebrantados. Su estructura es
muy resistente.
Esta escultura presenta un estatus social en ella el guerrero se muestra como un personaje
importante de la cultura, ya que en su cabeza lleva una corona de gran tamaño que,
probablemente, representa superioridad.
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Análisis figurilla 2
Análisis Formal
Clasificación de la pieza: Figurilla
Material: Cerámica, arcilla
Ubicación original: Litoral ecuatoriano.
Ubicación actual: Museo Alabado Quito
Año: Se desconoce
Época: Desarrollo Regional
Cultura: Jama Coaque
Dimensiones: 27,1 cm x 20,5 cm
Posición: Frontal
Figura 27: Novia representación-Cerámica Jama Coaque Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”- Biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
Esta figurilla antropomorfa de contextura robusta; sexo femenino y composición simétrica,
presentar una posición sentada erguida de su cuerpo. La figurilla presenta el busto aventajado;
el rostro bien definido; los ojos en forma de “D”, la boca entre abierta, la nariz arremangada y
el ombligo prominente. Es una figura decorada con la representación de joyas de gran tamaño.
Posee un color terracota, ocre y verde. Se puede definir su estado como en “perfectas
condiciones”. Su estructura es muy resistente.
Representa la jerarquía del matrimonio y, al igual que en nuestros días, la novia es el centro
de atención del evento. Una mujer joven que exhibe sus atributos femeninos.
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Análisis figurilla 3
Análisis Formal
Clasificación de la pieza: Figurilla
Material: Cerámica, arcilla
Ubicación original: Litoral ecuatoriano.
Ubicación actual: Museo Alabado Quito
Año: Se desconoce
Época: Desarrollo Regional
Cultura: Jama Coaque
Dimensiones: 27,1 cm x 20,5 cm
Posición: Frontal
Figura 28: Inmutable representación- Cerámica Jama Coaque Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino” - Biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
Esta figurilla antropomorfa es de contextura robusta, sexo masculino; su composición es
simétrica. La posición de su cuerpo es totalmente erguida; muestra un poco de movimiento
en sus brazos sosteniendo un cetro. Tiene rostro bien definido; ojos en forma de “D” y una
nariz respingada. La figura está decorada con la representación de joyas de gran tamaño. Su
color es terracota, azul y amarillo. El estado aceptable y su estructura es muy resistente.
Su postura, el cetro y sus joyas de gran tamaño representan el poder, se evidencia a un
personaje importante dentro de esta cultura.
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Análisis figurilla 4
Análisis formal
Clasificación de la pieza: Figurilla
Material: Cerámica, arcilla
Ubicación original: Litoral ecuatoriano.
Ubicación actual: Museo Banco
Central
Año: Se desconoce
Época: Desarrollo Regional
Cultura: Jama Coaque
Dimensiones: 47.5cm x 29.3cm
Posición: Frontal
Figura 29: Pictogramas representación-Cerámica Jama Coaque Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino” - Biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
Esta figurilla antropomorfa es de contextura robusta, sexo femenino y su composición es
simétrica; la posición de su cuerpo es de pie erguida, con sus palmas hacia afuera; busto
prominente, rostro bien definido; ojos en forma de “D”, una boca entre abierta, una nariz
arremangada y brazos con pictogramas esgrafiados. Su color es terracota, amarillo y verde.
El estado es aceptable. Su estructura es resistente.
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Análisis figurilla 5
Análisis formal
Clasificación de la pieza: Figurilla
Material: Cerámica, arcilla
Ubicación original: Litoral ecuatoriano.
Ubicación actual: Museo Banco
Central del Ecuador- Guayaquil
Año: Se desconoce
Época: Desarrollo Regional
Cultura: Jama Coaque
Dimensiones: 20.5 cm x 35 cm
Posición: Frontal
Figura 30: Ataviado I, representación- Cerámica Jama Coaque Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino” - Biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
Esta figurilla antropomorfa es de contextura robusta, sexo femenino y de composición
simétrica; a posición de su cuerpo es de pie erguida; esta adosada a vasija y posee un rostro
bien definido; ojos en forma de “D”, una boca entre abierta y una nariz arremangada. La figura
está llena de elementos decorativos. Su color es terracota, amarillo y verde. El estado es
aceptable. Su estructura es resistente.
Dentro del conjunto de análisis, se han identificado posiciones corporales de los personajes
representados, tanto de mujeres como de hombres. Las figuras analizadas son de tipo
antropomorfo con atuendos vistosos y poseen una simetría en toda la figura. Sus rostros son
de contextura gruesa con ojos grandes en forma de grano de café o de “D”, una boca
entreabierta de variados tamaños. En su elaboración destaca la pulcritud, pulido y
composición. Las figuras geométricas que dominan estas composiciones escultóricas son el
círculo y el cuadrado presentes en los arreglos de joyas y tatuajes de las figurillas, por ejemplo,
51
la corona semicircular de la imagen 26 y 28 la relación de radiación de la forma y la simetría
son la que resaltan la pieza.
Estas piezas representan personajes muy ataviados, lo que puede sugerir que la cultura Jama
Coaque se preocupaban por la apariencia personal. Sus grandes coronas, collares y aretes
de las figuras es un claro ejemplo de la importancia que estos tenían.
En su largo período la cultura Jama Coaque muestra los progresos que han tenido, revelando
así sus habilidades con la cerámica, superando a sus ancestros en técnica y estética,
haciendo uso del molde con tanta sofisticación y el detalle de su trabajo, creando piezas
únicas para la época en las que fueron elaboradas. Esto gracias a las representaciones
cerámicas encontradas y que esta cultura fabricó. Es por ello que, hoy en día, tenemos un
registro gráfico visual que refleja ciertos elementos de la vida de esta cultura.
Siendo una de las culturas más apreciables de la costa ecuatoriana, la cultura Jama Coaque
aún aguarda por aquellos que busquen entrañar en sus raíces con el fin de transmitir tal
riqueza propia que se encuentra inmersa en sus piezas debido a la iconografía que estas
poseen. Hoy en día, a través del arte y el diseño, se posee una serie de herramientas que
potencian los mecanismos necesarios para socializar culturalmente la historia que Ecuador
tiene a fin llevar estas apropiaciones de las piezas escultórica hacia un medio que mantenga
latente la identidad de las culturas originarias, que las propuestas evoquen originalidad a
través de la ilustración y así llenar campos que han sido ocupados lentamente por la influencia
de corrientes externas que se han colocado como moda actual.
Apropiación de forma y figura Jama Coaque
Para poder definir este tema, debemos tener en claro ¿qué es apropiación? En el diccionario
esta palabra se refiere a la acción y resultado de tomar para sí alguna cosa haciéndose dueño
de ella, se podría decir que es robar algo. Pero en nuestro medio artístico el significado
cambia, se la define como una reutilización, como una estrategia de creación, como la
combinación de lo antiguo con lo nuevo para así crear imágenes con base en las prácticas
contemporáneas.
En el medio artístico se da a conocer como apropiacionismo un movimiento que se originó en
el siglo XX con el nacimiento de las vanguardias, los cubistas, dadaístas, surrealistas, el pop
art, utilizan este medio para re-contextualizar trabajos anteriores, se hace por lo general de
52
obras icónicas, ya que el público tiene más familiaridad con ese tipo de piezas, a este tipo de
movimiento no se lo considera un plagio porque ofrece una proyección diferente y creativa.
Figura 31: Las meninas de Velásquez – las meninas de Picasso Fuente: http://fahrenheitmagazine.com/arte/apropiacionismo-el-arte-de-apropiarse-la-idea-de-otro/(2016) Elaboración: http://fahrenheitmagazine.com
Una práctica frecuente en la creación artística es la búsqueda de modelos en el pasado, y a
partir de eso crear una imagen que choque con el presente, de tal manera que se crea una
mutación brusca en los elementos gráficos apropiados, para luego situarlos en oposición
categórica con las costumbres del momento y por ese medio provocar en el espectador una
nostalgia gráfica.
La apropiación de elementos precolombinos se presenta en gran parte de nuestra sociedad.
Para los creativos es una forma de dar a conocer parte de nuestro patrimonio, dado que las
culturas precolombinas poseen rasgos gráficos únicos y son fuente de inspiración para la
creación de ideas innovadoras. Tomando como punto de partida a la re-contextualización o
reinterpretación de la forma y figura se pueden dar similitudes al relacionarlos con otro tipo de
culturas.
Al mencionar la cultura Jama Coaque, esta presenta una simbología e iconografía muy rica
en cuanto a los procesos necesarios para ejercer una apropiación. Los detalles evidenciados
en las figuras mantienen una infinidad de variantes, es por eso que, en su uso, actualmente,
se tiene ya gran cantidad de producción tanto en el diseño como en el arte.
En el Ecuador es una fuente de inspiración para muchos. La forma y figura de la cultura Jama
Coaque está basada en geometría como el círculo, la línea, los cuadrados, y las espirales,
asimismo, se fundamenta en la figura orgánica como la humana, la flora y la fauna. Este tipo
de sus representaciones cerámicas –como los rollos, sellos y figurillas– en la que detallan su
forma de vida.
Se podría sugerir que esta cultura cuenta con una excelente calidad plástica, así como en la
resolución técnica, es por eso que el tema ha sido abordado desde la referencia de estas
figuras cerámicas buscando generar argumentos creativos en la obtención de características
relacionadas con su arte compositivo, que se deriva en lo decorativo y extravagante.
Podemos definir a la cultura Jama Coaque como un foco importante del arte del antiguo de
Ecuador. Es por eso que algunos artistas y diseñadores consideran a la cultura jama Coaque
como la fuente de elementos compositivos para sus propuestas, medios suficientes para
tomar referir esta cultura como inspiración.
Una vez descritas las características de esta cultura se toma como modelo la belleza y
feminidad que reflejan ciertas figuras, en sus formas, en sus joyas y su extravagancia, en la
que se valora también su simbología, representada en sus figuras geométricas.
Posteriormente, se pretende hacer uso de estos recursos en una proyección de ilustración.
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CAPÍTULO III
PROPUESTA ARTÍSTICA
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Definidos los elementos contextuales sobre la construcción de las bases y argumentos
emprendidos desde el punto de vista teórico, se decide en este apartado de la investigación
abordar la planificación y desarrollo en el cómo se ha llevado a cabo el proceso de ilustración.
Los diferentes avances del proyecto, los principales momentos que han sido planteados para
fortalecer los objetivos establecidos, todos estos con la importancia que recae en la
construcción de los personajes para presentar la propuesta creativa.
Será importante mencionar de forma extensa el énfasis al proceso de experimentación con
diferentes técnicas artísticas, el uso de los elementos de las culturas prehispánicas, procesos
compositivos, junto a los diferentes estudios que nos han permitido consolidar el presente
estilo y técnicas implementadas.
Las aplicaciones de los elementos de esta obra se basaron en la experimentación realizada
en el transcurso de la carrera de arte y diseño, iniciando con las interrogantes, ¿cómo es la
figura femenina? ¿Cómo ha sido empleada en el medio pictórico?, que razones han sido
atrayentes? Desde los inicios en la carrera universitaria el entorno del trabajo hacía la figura
femenina han sido abordados desde la sensualidad y delicadeza, además de propuestas que
llevan cierto interés por los elementos geométricos encontrados en la iconografía y símbolos
de las culturas prehispánicas, es así como el uso de material reciclable ha permitido encontrar
una composición interesante para elaborar de ilustraciones.
Estudios precedentes mantenían la idea de realizar una figura estilizada que se
complementará con figuras geométricas, entrando en lo gestual, entendiendo esto como la
composición múltiple de formas circulares, cuadradas etc. Estos conocimientos previos, junto
con el interés por el pasado y los elementos simbólicos de las culturas prehispánicas, han
abordo una idea contemporánea en el que se pretende retomar el factor de referencia cultural
al presentar una muestra que lleve un sello personal sobre la interpretación de esta identidad.
Cabe destacar que esta obra se basa en una propuesta de figuras netamente femeninas ya
que se intenta reflejar la ternura, belleza y sutileza femenina que son parte del concepto de
espíritu que le intenta plasmar a la producción como un recurso netamente personal.
Tratando además de buscar el esteticismo y la sensualidad sin llegar al erotismo. La temática
nace a partir del interés por las culturas precolombinas, debido a los elementos simbólicos
que estas poseen.
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El Ecuador es un país que cuenta con una riqueza prehispánica, la cual ha sido explotada en
varias formas ya sea en el diseño o en el arte, es por eso, que los esfuerzos van dirigidos
hacía una de las culturas cuya iconografía y simbología son las más aplicadas en el campo
de la ilustración y la gráfica, hablamos entonces de “Jama Coaque”. El interés personal es la
base de inspiración atrayente en esta cultura precolombina, elementos que impresionan de
su alfarería, vasijas, cantaros vasos, etc., pero sobre todo las representaciones de templos y
figuras zoomorfas y estatuillas humanas que usan joyas y adornos corporales como: orejeras,
narigueras, manillas, fabricadas en oro y otros metales, que conjugan el interés por la
apariencia y la buena presencia.
3.1. Bocetos
En todo proyecto artístico es necesaria la realización de estudios previos, a estos se los
conoce con el nombre de bocetos, en estos reposan, a manera de registros, las diferentes
prácticas compositivas sobre una temática específica, las cuales pueden estar organizadas
en forma de cuaderno de trabajo, de estudio, bitácora, etc., aquí se detallan estudios que
permiten enlazar y ordenar ideas de lo que se quiere proponer, para efectos de esta se usan
los bocetos, que se enlistan en las diferentes composiciones y prácticas realizadas durante el
proceso creativo, constan por ejemplo del registro que fusiona las ideas para la construcción
de los procesos de la propuesta final. Para el desarrollo de los mismos se hizo uso de
materiales como; papel, cartulinas, acuarela, lápiz, rapidógrafos y lápices de color, buscando
el dominio técnico.
Dando inicio con las prácticas, podemos hacer alusión a la importancia que se dio al estudio
de la figura y rostro femenino, con el fin en cierto modo, de representar a la mujer y construir
una muestra que logre captar la atención del público.
En los primeros bocetos se contempló a los rostros femeninos como recurso compositivo,
basándonos en la estilización experimentando al punto de conseguir un estilo particular y
personal, en esta práctica se buscaba destacar sus ojos grandes y peinados llenos de un
aspecto caricaturesco simplificando sus formas. En cierto modo estas gráficas tomaron un
lineamiento hacía la realización de la ilustración en la parte de los tocados y rasgos faciales.
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Boceto elaborado a lápiz sobre papel; en el que se contempla un rostro caricaturesco, destaca su peinado geométrico semicircular.
Figura 34: Boceto inicial Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Boceto elaborado con rapidógrafo sobre papel; cuyo rostro contiene un aspecto infantil, en la que lleva un tocado y tatuajes marcados en su rostro, de técnica lineal en la que simplifica las formas.
Figura 35: Boceto inicial Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
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Boceto a lápiz sobre papel; contiene una estilización alargada en su
rostro, con grandes ojos en la que inyecta inocencia en el dibujo,
resalta un tocado aplicado sobre su cabeza.
Figura 36: boceto Inicial Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Parte de los estudios recaen en la atracción por los elementos geométricos, han sido también
una búsqueda constante de los múltiples estudios sobre la producción de ilustraciones, así es
el caso que se adquirió varias muestras de cómo se llegó a construir éstos, evidenciados en
una serie de imágenes que van describiendo la continua búsqueda de la construcción de este
tipo de figuras, las cuales se irán mencionando más adelante.
62
Boceto a rapidógrafo sobre cartulina; contiene elementos circulares
fusionados con formas irregulares, en radiación.
Figura 37: Boceto Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Boceto mixto acuarela y rapidógrafo sobre cartulina; elementos
semicirculares y geométricos fusionados con formas irregulares en
radiación, fondo degradado en acuarela en colores pastel.
Figura 38: Boceto Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
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En el pasar de las múltiples prácticas relacionadas con elementos geométricos sobre el rostro
femenino, se persigue dar el protagonismo al combinarlos técnicamente, los resultados
obtenidos crean ilusiones muy atractivas, en estos primeros acercamientos también es
importante denotar que, en lo que refiere al peso visual de la imagen, el tema del cabello llega
a ser determinante al combinar una serie de variaciones geométricas al aplicar relaciones de
negativo y positivo.
Boceto en lápices de color y rapidógrafo sobre cartulina; esta imagen
muestra un rostro estilizado alargado, cuyo peinado posee elementos
lineales que provocan ilusión óptica.
Figura 39: Boceto Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Boceto en esferográfico blanco sobre cartulina linotex; contiene dos figuras
femeninas de perfil, elementos semicirculares que en un punto se unen,
creando una agradable ilusión óptica.
Figura 40: Boceto Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
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Esta experimentación ha permitido descubrir el manejo compositivo y técnico en la evolución
de la propuesta. Esto llevó a otro alcance en el cual se experimentó con diferentes materiales
artísticos, los cuales son tan extensos que es necesario indagar y recorrer entre ellos para
complementar la propuesta, como para mencionar algunos materiales de estas prácticas
tenemos: lápices de color, acrílico, tinta china, rapidógrafos y material reciclable como:
cartulina, botones, madera o recortes de CD, etc., en los resultados obtenidos se puede hacer
evidente las múltiples lecturas que con ayuda de los materiales se logra conseguir, los
siguientes experimentos corresponden a la inclusión del manejo de materiales.
Lápices de color, marcadores, y rapidógrafo sobre cartulina
ingres; imagen de tipo caricaturesco en la que se relaciona
Llegado el momento dentro del proceso de experimentación, el siguiente paso es la
producción, a partir de los resultados obtenidos, y así generar una colección de imágenes; en
la siguiente muestra se pone de manifiesto el dibujo femenino que, en conjunto con los
elementos geométricos, muestra la resultante de la aplicación de estos recursos; esta muestra
se denominó “Representación de la personalidad con figuras geométricas” en la cual aparecen
rostros de mujeres con elementos que complementan parte de su entorno, convirtiendo la
muestra en un espacio hacía el arte contemporáneo, cuya composición se inscribe dentro de
las características de la simetría; así mismo se plasman rostros sin expresión con una
estilización deforme y grandes ojos, lo que se debe resaltar de este trabajo son la formas que
se encuentran sobre sus cabezas, en las que resaltan la línea, el cuadrado, el círculo, el
triángulo y el color, en esta muestra se aplicaron diferentes materiales reciclables
conjuntamente con técnicas artísticas. Cada forma, línea y color dice algo de lo que en
realidad se quiere interpretar, que es la fluidez y la dificultad que muchas veces giran en torno
a sentimientos y dudas.
Lápices de color, collage sobre cartulina y mdf; los recursos
usados en este trabajo son poco convencionales una combinación
de técnicas, un collage muy elaborado con recortes de cartulina
de variados colores y botones de diferentes modelos se fusionan
para crear un entorno alegre y lleno de vida.
Figura 44: Obra artística “Representación de la personalidad con figuras geométricas” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
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Lápices de color, collage sobre cartulina y mdf; aquí se puede apreciar recortes de cd aplicados al collage, crea una ilusión óptica de estar atrapada.
Figura 45: Obra artística “Representación de la personalidad con figuras geométricas” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Sin embargo, al incluir elementos culturales, estos traen consigo un punto que mantiene el
hecho creativo y artístico desde cómo abordar esta temática. Utilizar adicionalmente los
recursos simbólicos presentes que son propios de la cultura Jama Coaque, da inicio una
nueva arista, cabe mencionar que cambia la intención del concepto, mas no así los recursos
creativos y técnicos usados en las anteriores propuestas.
A partir de aquí se puede evidenciar que los elementos precolombinos fusionados con la figura
femenina serán el eje en la composición, rodeada así mismo de las formas de la mujer con
características alargadas y de contextura delgada, acompañada de joyería, obteniendo una
mezcla de técnicas variadas.
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Lápices de color sobre cartulina; en esta imagen muestra a una
fémina con apliques decorativos en algunas partes de su cuerpo, de expresión seria en la que hace referencia a una princesa, su mirada resalta a la imagen, provocando ternura.
Las varias producciones han permitido construir un acercamiento a lo que se intenta llegar
en la construcción de la propuesta de ilustración, las pruebas han sido satisfactoriamente
analizadas en la aplicación del uso de variadas técnicas, de estos resultados obtenidos es
importante mencionar que los recursos, en un inicio, fueron basados en varias referencias
culturales, uno de estas que han formado parte del proceso creativo haciendo uso de las
culturas prehispánicas ha sido la cultura La Tolita, cuyas figuras humanas destacan de forma
realista diferentes etapas de la vida cotidiana y sobre todo el trabajo específico y técnico en
la elaboración de máscaras brazaletes, anillos, colgantes, piezas que usaban como materia
prima el oro, plata y platino.
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Figura 51: Escultura antropomorfa Tumaco-Tolita Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino” biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
Cada paso ha contado en el acercamiento de la propuesta en su proceso de estilizar la figura
femenina alargando sus proporciones, en la que se toma como referencia algunos elementos
decorativos y simbólicos de la cultura Tolita(Figura 51), en el transcurso de estas pruebas se
aplicaron diferentes técnicas artísticas dando prioridad a los lápices de color, esto por cuanto
al aplicarlos se puede observar en la figura un resultado que permite señalar su intensidad en
la utilización del color sobre el rostro dándole un toque especial a la ilustración; en la parte de
la cabellera se utilizó el collage favoreciendo notablemente al dibujo (figura 52); además de
una práctica en negativo (figura 53), existieron dificultades en el uso del material, sin embargo
los resultados se pudieron corregir con la práctica.
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Lápices de color y collage sobre cartulina: el uso de
elementos de la naturaleza como son las ramas
sobrepuestas en su cabeza que forman parte de su
cabellera, hace notar que los recursos pictóricos
pueden variar.
Figura 52: Experimentación tecnicas artisticas y compositiva Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Lapicero blanco y lápices de color sobre cartulina;
las diferentes tonalidades resaltan a la figura, su
composición de rigidez, su estilización y sus
elementos decorativos muestra a una mujer
elegante y vanidosa.
Figura 53: Experimentación y composición Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
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En contexto las prácticas enunciadas anteriormente son un proceso de bocetaje que sirven
como recurso de construcción para elaboración de las ilustraciones finales, es así que
podemos definir que la destreza que aporta al proyecto son los lápices de color y el collage,
es notorio el largo recorrido que se ha seguido para llegar a concretar la técnica y la unificación
del proceso creativo para consolidar las ideas al plasmar una representación propia y original,
justificado desde el uso del gráfico hasta los rotuladores junto con los diversos materiales
reciclados.
3.2. Pruebas composición artística
Para el desarrollo de estas composiciones artísticas, el énfasis de los factores estudiados
sobre la figura femenina se desprenderá en torno a las referencias de los elementos
compositivos de la cultura Jama Coaque.
En la siguiente composición (figura 54) se toma como base la figurilla, en la que se extrae
elementos decorativos como su velo, manillas y collares, se realizó un boceto aplicando estos
elementos a la imagen de la mujer, de modo que se vea ataviada y elegante apropiándose de
estos recursos, estos fueron ubicados de modo que se relacionen entre sí, los elementos
geométricos como los círculos y cuadrados que son los que dominan la figurilla forman parte
del decorado de su traje, podemos notar una similitud en la estructura.
Tinta, acrílico dorado sobre cartulina; esta imagen muestra, una comparación referencial de la pieza
cerámica, en la que se ve plasmada la estilización alargada de la figura, dando dinamismo al dibujo.
Figura 54: Prueba compositiva Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
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Otra prueba compositiva similar a la antepuesta, en la que también se extraen las formas de
joyas como su tocado, aretes, collar y elementos geometricos, es la variante del proceso
creativo que se complementa con recursos gráficos de algunos sellos y cilindros relacionados
con la cultura Jama Coaque, estas formas tomaron parte del decorado en los fondos.
Figura 55: Sello y rollo Jama Coaque Fuente: http://abakmatematicamaya.blogspot.com/2012/03/bak-matematica-maya-2012-jama-coaque.html Elaboracion: http://abakmatematicamaya.blogspot.com
El factor simbólico de rollos y sellos pertenecientes a esta cultura entran como recursos
gráficos buscando evidenciarlos como medios decorativos, así como también agregar
referencias hacía la identidad de la propuesta de trabajo ilustrativo.
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Elaborada en lapices de color, acrilico, aserrín sobre
cartulina; En esta imagen crea una relación con elementos
abstraidos de algunos sellos y rollos cuya interpretación se
asemeja a las figurillas antes estudiadas
Figura 56: Prueba compositiva Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
A partir de este momento la figura femenina cambia sus proporciones, ya que en los bocetos
anteriores se presentan las formas más alargadas y delgadas, en esta nueva composición se
relacionan con las figurillas estudiadas, acercándonos un poco hacia las piezas de referencia,
cuyas características son de rasgos robustos y gruesos. Así se denota como la estilización
femenina cambia sus proporciones, creando una relación entre la figurilla y la imagen.
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Acuarela, rapidógrafos y acrílico dorado sobre cartulina, la técnica que se muestra es una combinación de tramas en tinta, con acuarela, su composición es céntrica en la que se muestra elementos decorativos que realzan la figura femenina.
Acuarela, rapidógrafo y acrílico dorado sobre cartulina; la técnica en acuarela crea una suavidad en el dibujo conjuntamente con el delineado, los elementos que contiene se asemejan a la figura que se encuentra la derecha (imagen abajo) como sus ojos sus joyas su torso desnudo y una elegancia que expresa a través de su posición corporal.
Comparación referencial de la pieza cerámica, en la que vemos diferentes tipos de composición corporal, y técnicas artísticas variadas, elementos decorativos Basadas en la pieza
Figura 57: Prueba compositiva Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
La siguiente obra se mueve en torno a la figurilla de la que se extrae elementos faciales y
corporales como se muestra en la representación, su contorno facial y grandes ojos han sido
referencia para la elaboración de esta propuesta, así como la idea de la figura femenina con
rasgos corpulentos, aunque manteniendo la delicadeza y sensualidad realizadas en los
anteriores procesos.
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Elaborado a lápiz sobre papel; figura femenina muestra
relación compositiva con la figura de abajo.
Elaborado a lápiz sobre papel; figura femenina muestra
relación compositiva con la figura abajo, cuya pose
corporal muestra dinamismo en la imagen.
Comparación referencial de la pieza cerámica, en la que vemos diferentes tipos de composición corporal, y técnicas artísticas variadas, elementos decorativos Basadas en la pieza.
Figura 58: Pruebas compositivas Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
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Las proporciones encontradas en este proceso ilustrativo, nos muestran a los ilustradores
Elena y Ryden (estilización femenina), las estilizaciones femeninas que se ven en sus trabajos
hicieron referenciar la propuesta constructiva, este estudio previo ha llevado a aplicarla en las
siguientes figurillas la referencia de 4 cabezas.
Figurilla Jama Coaque; En esta imagen señala las
proporciones del canon cuya medición se basa en cabezas.
Elaborado a lápiz sobre papel; esta imagen muestra las
proporciones aplicadas al estudio ilustrativo.
Figura 59: Boceto Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Aquí se proyecta utilizar y establecer el parámetro necesario para implementarlo en un
personaje femenino, así también incluir características de vestimenta que varían con
diferentes atuendos, los cuales se combinaron en el transcurso de la experimentación.
Con todo el proceso alcanzado, el objetivo puntual se acerca más al de poder presentar un
personaje en el que se conjuguen todas estas características de estudio y de experimentación
buscando impulsar la gráfica de los recursos culturales precolombinos del Ecuador.
3.3. El personaje: Doncella Jama
Este personaje ha pasado por una serie de estudios en conjunto con los procesos creativos,
intentando presentar la relación de los rasgos característicos de los personajes Jama Coaque
estudiados con la ilustración del personaje, Doncella Jama.
1
2
3
4
1
2
3
4
80
Doncella Jama muestra a un personaje con un aire juvenil, en el que se ve reflejada la
sensualidad de la mujer cuyos movimientos corporales le dan un toque de elegancia, su
mirada seductora nos invita a que nos adentremos en su mundo, en el cual se ve reflejada
por sus grandes tocados y vistosa joyería que nos transporta hacia al pasado en el que aún
gobernaban reyes y princesas.
En la simbología Jama Coaque describe sus referencias que los ataviados, mientras más
complejos, más hermosos. Cuando estos son llevados al tema de la ilustración al personaje
se le aplica elementos de joyería y recursos decorativos que dan un toque estético a los
personajes.
Se hicieron varios bocetos, el rostro abordó múltiples ideas, mismas que durante el proceso
de experimentación, mantuvieron una línea en cuyas características se buscaba resaltarlo con
la aplicación de grandes ojos, contrastados por bocas y narices pequeñas, con elegantes y
extravagantes peinados.
Boceto realizado en lápices de color sobre cartulina; muestra un estudio realizado a la estilizacion del rostro en la que se aplica elementos decorativos como su gran tocado y tatuajes.
Figura 60: Boceto estudio de rostro Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
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Los resultados bajo el registro del boceto permitieron encontrar un tipo facial acorde con los
elementos obtenidos del análisis de las figurillas, en las que sus rostros son grotescos y
anchos, propios de la cultura Jama Coaque, como podemos notar en la imágenes (figura 61)
los ojos resaltan del resto de su cara tanto en el boceto como en la figurilla, la estilización
realizada en estos se basa en la referencia de la estatuilla, se hizo uso de este recurso ya que
se considera estos rasgos como recurso figurativo y que conjuntamente con una nariz y boca
pequeña, con una sutileza de expresión, van creando una ilusión de inocencia, se ha tomado
como referencia estos rasgos ya que permiten identificar el trabajo ilustrativo, así también el
crear un nuevo estilo.
Rapidógrafo sobre papel ;En este boceto se observa algunas similitudes con respecto a la pieza cerámica.
Figura 61: Boceto estudio de rostro Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Se determinó que en el estudio del cuerpo era necesario trabajar con una contextura más
robusta y ensanchada, así mismo el cuerpo femenino de este personaje posee unas curvas
bien definidas y pronunciadas, busto grande, piernas y caderas anchas, con variados
movimientos corporales, los cuales le dan un toque de sensualidad a la ilustración del
personaje, se construye con estos argumentos la Doncella Jama, manteniendo las delicadas
curvas de la mujer encontrando un punto elevado de la ilustración para representar
sensualidad, belleza, delicadeza, ternura, deseo, etc. Es así que, el recurrir como referencia
a la imagen de la mujer, produce en los ilustradores o artistas un sinfín de sentimientos que
forman parte del proceso creativo para acercarse más a la definición de un propio estilo.
82
Lápiz sobre papel; boceto de dibujo lineal, dibujo femenino en el que se muestra una figura ensanchada.
Figura 62: Boceto final Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Lápiz sobre papel; muestra a una mujer muy ataviada en la que resalta un gran tocado, y sinuosas curvas.
Figura 63: Boceto Final Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
83
Esta protagonista cuenta con diferentes atuendos, que le dan presencia y galanura, en la que
se muestran diferentes facetas de su vida, que se vieron reflejadas en las figurillas estudiadas,
en cuya vestimenta resaltan faldas y vestidos largos, taparrabos y torsos desnudos en algunos
casos, en las que al plasmarlas en la ilustración creamos un estilo moderno y juvenil,
manteniendo, en cierto modo, la similitud de figurilla e ilustración.
A este personaje se le aplicó elementos decorativos encontrados en el análisis formal del
estudio, podemos puntualizar, en este punto, como uno de los ejes complementarios en el
proceso ilustrativo, ya que en la manera de plasmarlos nos permite demostrar el alcance como
han sido estudiados al referir la cultura Jama Coaque, utilizando así mismo los grandes
tocados, simbología, joyas, vestuario. Se delimitaron estos elementos precolombinos según
el proceso de composición y de acuerdo a la aplicación para la ilustración. La aplicación de
figuras está dada desde los círculos como uno de los elementos geométricos más usado por
esta cultura, seguidamente de formas regulares e irregulares presentes en las figurillas que
aparecen como decorativos. El decorado de estas ilustraciones refuerza al personaje, remite
simbólicamente lujo y la ostentación de esta cultura, marcan el poder y la jerarquía que ellos
establecían.
El registrar e identificar algunas de las figurillas ha permitido crear ilustración basados en
algunos de sus elementos iconográficos obtenidos de la investigación, El proceso de
integración y adaptación permitió enriquecer conocimientos y absorber valores visuales de la
escultura Jama Coaque.
3.4. Presentación Doncella Jama
La Doncella jama describe a un personaje femenino que nos transporta en el tiempo, muestra
a un personaje ataviado de joyas y grandes tocados, como una princesa o diosa, cargada de
joyas elaboradas de oro y piedras preciosas, con las que se engalana; ataviada con diferentes
atuendos mostrando así su estatus social representando el poder, fuerza y dominio que
establecía sobre su pueblo; que de cierto modo la cultura Jama Coaque resalta en sus
figurillas. Esta mujer de aspecto juvenil y curvas pronunciadas y pequeños movimientos
corporales representa: sensualidad, vanidad, belleza, su aspecto mostrado en su rostro y sus
desproporcionados ojos trasmiten ese toque de ternura que atrae al mirarla; los colores y los
fondos complementan al personaje formando parte esencial de estas ilustraciones, del
decorado aumentando la vanidad de estos personajes. La luna la protege y el sol la baña y
resguarda a la misma creando calidez y acogida.
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Todos estamos relacionados con un pasado que marca nuestro presente, esto se plasma en
Doncella Jama en la que presenta graficas contemporáneas fusionadas con elementos
culturales Jama Coaque. El originar este tipo de ilustraciones permitió convertir un tipo de
cultura, en la que al combinarlos con arte contemporáneo crea una expresión gráfica cultural
llamativa. Una fusión entre lo ancestral y lo actual. Estas ilustraciones realizadas reflejan la
perfección y la belleza femenina, la carencia de alegría en sus rostros, rasgo que se observa
en las figuras de las culturas estudiadas, todo ello representa, en cierta medida, rasgos
propios del carácter y espíritu personal. Se basa en la interpretación contemporánea en la que
tomamos de referencia modelos femeninos en los que logramos transferir esa memoria
histórica con identidad cultural. Cuya estética surge de un antiguo régimen de sensibilidad
caracterizado por la percepción y las emociones, una elegancia ancestral con un gesto irónico,
en la que con estas imágenes retomamos la imaginación de pueblos ancestrales y la
reconocemos como parte fundamental de nuestro pasado y la traemos al presente,
apropiándonos de sus signos y símbolos, creando una expresión gráfica en la que fortalece
la identidad cultural permitiendo conocer los rasgos de la esta cultura.
Una vez culminado el proceso de ilustración de la Doncella Jama, se presenta la muestra
gráfica que lleva consigo una serie de combinaciones que parten de la experimentación del
material, la estilización de la figura femenina, la relación con la cultura complementadas en
una propuesta de cartel donde la implementación del recurso digital juega como complemento
en darle una frescura en los procesos de la ilustración.