Espa ñol V El 2 de marzo 2015
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Espa ñol V
El 2 de marzo 2015
Capítulo 2
El Arte famoso Los estilos y ejemplos
Cubismo Surrealismo
3. ESTAR + Past Participles Using past participles as adjectives
Many adjectives in Spanish are actually past participles… De Realidades 3 Página 79
3 Páginas 62-63
A Ver si recuerdas... El arte y los artistas Color y luz Opiniones Concordancia y comparación de adjetivos
Mas vocabulario páginas 64-65
En el teatro En el concierto
Joan Miró Autorretrato
Carlos Enriquez Paisaje criollo
Diego Rivera Emiliano Zapata
Oswaldo Guayasamín La madre y el niño
Diego Velázquez Las Meninas
Salvador Dalí La persistencia de la memoria
Remedios Vivaro Still life reviving
David Alfaro Siqueiros Del porfirisimo
Francisco de Goya Duquesa de Alba
Salvador Dalí Naturaleza muerta, viva
Fernando Botero Naturaleza muerta con sopa verde
...de Realidades 3 Día 3 el arte... 1. Los artistas Capíutlo 2 Preparación para la prueba
Los artistas Realidades 3
Salvador Dalí
La Guerra Civil de España
Fernando Botera
Diego Rivera
María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga
Joan Miró
Alonso Fernandez
¡Goya!
Frida Kahlo
Velázque
Apellido_____________________________________
Salvador Dalí
Joan Miró
Diego Rivera
Remedios Varo
Frida Kahlo
Francisco de Goya
Fernando Botero
Alfonso fernandez
¡ Estudien Uds.-los artistas !
Surrealism
Surrealism is a cultural movement that began in the early 1920s, and is best known for its visual artworks and writings.
Surrealist works feature the element of surprise, unexpected juxtapositions and non sequitur; however, many Surrealist artists and writers regard their work as an expression of the philosophical movement first and foremost, with the works being an artefact. Leader André Breton was explicit in his assertion that Surrealism was above all a revolutionary movement.
Surrealism developed out of the Dada activities during World War I and the most important center of the movement was Paris. From the 1920s onward, the movement spread around the globe, eventually affecting the visual arts, literature, film, and music of many countries and languages, as well as political thought and practice, philosophy, and social theory.
Surrealismo
Retrato en "Vertumnus" (Verano) del emperador Rodolfo II realizado por Giuseppe Arcimboldo. Todos los frutos y flores representados en el cuadro eran propios de la estación del verano en el siglo
XVI. Algunos surrealistas vieron en él a un precursor.
El surrealismo (en francés: surréalisme; sur ['sobre, por encima'] más réalisme ['realismo']) es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton.[1]
Origen del términoLos términos surrealismo y surrealista proceden de Guillaume Apollinaire, quien los acuñó en 1917. En el programa de mano que escribió para el musical Parade (mayo de 1917) afirma que sus autores han conseguido:
una alianza entre la pintura y la danza, entre las artes plásticas y las miméticas, que es el heraldo de un arte más amplio aún por venir. (...) Esta nueva alianza (...) ha dado lugar, en Parade a una especie de surrealismo, que considero el punto de partida para toda una serie de manifestaciones del Espíritu Nuevo que se está haciendo sentir hoy y que sin duda atraerá a nuestras mejores mentes. Podemos esperar que
provoque cambios profundos en nuestras artes y costumbres a través de la alegría universal, pues es sencillamente natural, después de todo, que éstas lleven el mismo paso que el progreso científico e industrial.
La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias (drama surrealista), en junio de 1917, para referirse a la reproducción creativa de un objeto, que lo transforma y enriquece. Como escribe Apollinaire en el prefacio al drama:
Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha creado, inconscientemente, el surrealismo... Después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna.
PrecedentesLos surrealistas señalaron como precedentes de la empresa surrealista a varios pensadores y artistas, como el pensador presocrático Heráclito, el Marqués de Sade y Charles Fourier, entre otros. En la pintura, el precedente más notable es Hieronymus Bosch "el
Bosco", que en los siglos XV y XVI creó obras como "El jardín de las delicias" o "El carro de heno". El surrealismo retoma estos elementos y ofrece una formulación sistemática de los mismos. Sin embargo su precedente más inmediato es el dadaísmo, corriente de la que retoma diferentes aspectos.
Primeros pasosLa primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vache y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.En el año 1924 Breton escribe el primer Manifiesto Surrealista y en este incluye lo siguiente:Indica muy mala fe discutirnos el derecho a emplear la palabra surrealismo, en el sentido particular que nosotros le damos, ya que nadie puede dudar de que esta palabra no tuvo fortuna, antes de que nosotros
nos sirviéramos de ella. Voy a definirla de una vez para siempre:Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral."Filosofía: "El surrealismo se basa en la creencia de una realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo, y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos, y a sustituirlos por la resolución de los principales problemas de la vida.Han hecho profesión de fe de Surrealismo Absoluto, los siguientes señores: Aragon, Baron, Boiffard, Breton, Carrive, Crevel, Delteil, Desnos, Eluard, Gerard, Limbour, Malkine, Morise, Naville, Noll, Peret, Picon, Soupault, Vitrac."
Tal fue la definición del término dada por los propios Breton y Soupault en el primer Manifiesto Surrealista fechado en 1924. Surgió por tanto como un movimiento poético, en el que pintura y escultura
se conciben como consecuencias plásticas de la poesía.
En El surrealismo y la pintura, de 1928, Breton expone la psicología surrealista: el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas. El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija como método el automatismo, recogiendo en buena medida el testigo de las prácticas mediúmnicas espiritistas, aunque cambiando radicalmente su interpretación: lo que habla a través del médium no son los espíritus, sino el inconsciente.
Durante unas sesiones febriles de automatismo, Breton y Soupault escriben Los Campos Magnéticos, primera muestra de las posibilidades de la escritura automática, que publican en 1921. Más adelante Breton publica Pez soluble. Dice así el final del séptimo cuento:"Heme aquí, en los corredores del palacio en que todos están dormidos. ¿Acaso el verde de la tristeza y de la herrumbre no es la canción de las sirenas?"
Alonso fernandez
REFERENCIAS BIOGRAFICASArtista visual chileno, grabador y pintor. Inició sus estudios artísticos en 1987 en el taller de dibujo y pintura del profesor César Osorio de la Universidad de Chile en Santiago. Aprendió técnicas de grabado al intaglio, litografía, fotograbado y serigrafía en el Taller 99 de Santiago. En 1993 participó en e
lTaller Internacional del Tamarind Institute de la Universidad de Nuevo México (Aburquerque) Estados Unidos y fue invitado por el Departamento de Grabado de la Facultad de Bellas Artes de la misma casa de estudios donde integró el Programa de Entrenamiento en Litografía hasta el año 1995Las técnicas utilizadas en distintas etapas creativas partieron por el grabado, continuando con la pintura y luego una combinación de ambas, logrando efectos de gran expresividad, como tintas sobre planchas de zinc y de cobre, raspando, martillando y taladrando el soporte.Para Alfonso Fernández su búsqueda estética lo ha conducido al dominio de la técnica hasta configurar una personalidad pictórica propia, observándose una suerte de complementación entre la gráfica del grabado y el color del pigmento, en busca de una armonía entre ambas. Su
oficio ha estado marcado por una actitud rupturista e inquieta que lo identifica con una personalidad en extremo exigente.En el 2000 fue invitado a trabajar con el artista visual Sam Gilliam, en Washington, D.C. Estados Unidos. Durante una estadía en el Zygote Press en Cleveland, Ohio, tomó contacto con sus pares, contrastando tendencias.
Carlos Enriquez
Carlos Enríquez,
el controvertido artista cubano del pincel
Por Noel Martínez
Considerado como uno de los mejores artistas de la plástica cubana de la primera mitad del pasado siglo, Carlos Enríquez fue sin duda un rebelde del pincel.
Nacido el 3 de agosto de 1900 en la localidad de Zulueta, en la antigua provincia de Las Villas, se destacó como nadie de su tiempo en llevar al lienzo la belleza del cuerpo femenino, razón por la que fue criticado y reprimido por una burguesía conspicua e hipócrita.
Pintor de grandes cualidades naturales, Carlos Enríquez recibió un solo entrenamiento académico, en un breve curso en la Pensnsylvania Academy, regresando a Cuba en 1925 acompañado
por Alice Neel, con quien se casó.
Dos años después de retornar, dos de sus desnudos femeninos fueron retirados de la Exposición de Arte Nuevo bajo la acusación de “ un realismo exagerado ”, represión que se repite poco después y que lo empuja a salir de nuevo hacia el extranjero.
Europa y su influencia en la obra pictórica de Carlos Enríquez
En la búsqueda de nuevos horizontes creativos, Carlos Enríquez viajó a España y Francia, países donde la proximidad a las vanguardias influyó de manera positiva en su obra.
Acerca de esa etapa en el Viejo Continente, el famoso novelista Alejo Carpentier aseguró que le despojó de toda su potencialidad de escándalo y según los críticos fue ese el momento artístico donde
Carlos Enríquez pintó sus mejores cuadros, entre ellos Primavera bacteriológica, Crimen en el aire con Guardia Civil y su Virgen del Cobre, obra donde el tópico afrocubano asume un sincretismo religioso, símbolo del mestizaje antillano que se contrapone a la imagen tradicional de la Patrona de Cuba, dado por el cristianismo.
De regreso a La Habana en 1934, la represión vuelve a sacar su mano oscura e impide una exposición de las obras en su etapa europea.
El romancero guajiro de Carlos EnríquezRadicado definitivamente en Cuba, en 1935 Carlos Enríquez comienza a definir sus nuevas orientaciones plásticas, las que apuntaron al mundo rural de los cubanos, etapa que identificó como“ el romancero guajiro ”.Sin abandonar el erotismo y la anatomía femenina, sus cuadros recogen las leyendas del campo, la imagen de héroes y
bandidos, el recuerdo de los patriotas y una fina denuncia social.En esa época vieron la luz obras antológicas de la plástica criolla: Rey de los Campos de Cuba, Las bañistas de la laguna, El rapto de las mulatas, Campesinos felices, Dos Ríos y Combate, imágenes que lo ubican a la vanguardia del modernismo cubano.Ciento un año después de su nacimiento, ocurrido el 3 de agosto de 1 900, hoy sus cuadros forman parte de la memoria histórica de la nación, recordando desde las paredes del Museo Nacional de Bellas Artes el triste pasado de Cuba.
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Oswaldo Guayasamín
Oswaldo Guayasamín (6 de julio de 1919 en Quito; 10 de marzo de 1999 en Baltimore) fue un destacado pintor ecuatoriano.
BiografíaEl padre de Oswaldo Guayasamín era un indígena de ascendencia kichwa y su madre (Dolores Calero) era mestiza. Su padre (José Miguel Guayasamín) trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero. Oswaldo fue el primero de diez hijos.Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Es la época de la "guerra de los cuatro días", un levantamiento cívico militar, en contra del gobierno de Arroyo del Río. Durante una manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que más tarde
inspirará su obra "Los niños muertos", marca su visión de la gente y de la sociedad. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura.En 1942 expone por primera vez a la edad de 23 años en una sala particular de Quito y provoca un escándalo. La crítica considera esta muestra como un enfrentamiento con la exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes. Nelson Rockefeller , impresionado por la obra, compra varios cuadros y ayuda a Guayasamín en el futuro. Entre 1942 y 1943 permanece seis meses en EEUU. Con el dinero ganado, viaja a México, en donde conoce al maestro Orozco, quien acepta a Guayasamín como asistente.También entabla amistad con Pablo Neruda y un año después viaja por diversos países de América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que, desde entonces, aparece siempre en sus obras. En sus pinturas posteriores figurativas trata temas sociales, actuó simplificando las formas. Obtuvo en su juventud todos los Premios Nacionales y fue acreedor, a los 36 años, del Gran Premio en la III Bienal Hispanoamericana de Arte,
que se llevó a cabo en 1955 en Barcelona [ 1 ] y más tarde del Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.Es elegido presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana en 1971 . Sus obras han sido expuestas en las mejores galerías del mundo: Venezuela, Francia, México, Cuba, Italia, España, EE. UU., Brasil, Colombia, Unión Soviética, China, entre otros. En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de los pueblos.En 1978 es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y un año después, miembro de honor de la Academia de Artes de Italia.En 1982 se inaugura en el Aeropuerto de Barajas un mural de 120 metros pintado por Guayasamín. Ese gran mural, elaborado con acrílicos y polvo de mármol, está dividido en dos partes: una de ellas dedicada a España y la otra a Hispanoamérica.El 28 de octubre de 1992 recibe el título de Doctor Honoris Causa por parte de la Facultad de Arquitectura y Artes de la Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña (UNPHU).
Sus últimas exposiciones las inauguró personalmente en el Museo del Palacio de Luxemburgo, París y en el Museo Palais de Glace en Buenos Aires, en 1995 . Logró exponer en museos de la totalidad de las capitales de América, y muchos países de Europa, como en San Petersburgo (Hermitage), Moscú, Praga, Roma, Madrid, Barcelona y Varsovia.Realizó unas 48 exposiciones individuales y su producción fue muy fructífera en pinturas de caballete, murales, esculturas y monumentos. Tiene murales en Quito (Palacios de Gobierno y Legislativo, Universidad Central, Consejo Provincial); Madrid (Aeropuerto de Barajas); París (Sede de UNESCO); Sao Paulo (Parlamento Latinoamericano en el Memorial de América Latina); Caracas (Centro Simón Bolívar). Entre sus monumentos se destacan "A la Patria Joven" (Guayaquil, Ecuador); "A La Resistencia" (Rumiñahui) en Quito.Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en este monstruoso Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las
guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas.Guayasamín fue amigo personal de importantes personajes del mundo, y ha retratado a algunos de ellos, como Fidel Castro y Raúl Castro, François y Danielle Mitterrand, Gabriel García Márquez, Rigoberta Menchú, el rey Juan Carlos de España, la princesa Carolina de Mónaco, entre otros.Recibió varias condecoraciones oficiales y doctorados Honoris Causa de universidades de América y Europa. En 1992 recibe el premio Eugenio Espejo, máximo galardón cultural que otorga el gobierno de Ecuador.A partir de 1995 inició en Quito su obra más importante, el espacio arquitectónico denominado "La Capilla del Hombre", a la cuál le dedica todo su esfuerzo. Falleció el 10 de marzo de 1999, en Baltimore (Estados Unidos), aún sin ver finalizado este proyecto.Ese mismo año se reconoció su labor, de forma póstuma, con: el reconocimiento como "Pintor de Iberoamérica", el Premio Internacional José Martí.[2] .
Resumen de su obra pictóricaHuacayñan:: Es la primera gran serie pictórica o etapa. Es una palabra kichwa que significa “El Camino del Llanto”. Es una serie de 103 cuadros pintados después de recorrer durante 2 años por toda Latinoamérica.La Edad de la Ira: Esta es la segunda gran serie pictórica o etapa. La temática fundamental de esta serie son las guerras y la violencia, lo que el hombre hace en contra del hombreMientras vivo siempre te recuerdo: es la tercera gran serie o etapa, también conocida como “La Edad de la Ternura”, es una serie que Guayasamín dedica a su madre y las madres del mundo; y en cuyos cuadros podemos apreciar colores más vivos que reflejan el amor y la ternura entre madres e hijos, y la inocencia de los niños.
Salvador Dalí
Woman with fruit by Fernando Botero in Hay Market - Bamberg
META ARTISTAS a continuar……
María de los Remedios Varo y UrandoMaría de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga
(n. 16 de diciembre de 1908 en Anglès (Gerona), España — 8 de octubre de 1963 en Ciudad de México) más
conocida como Remedios Varo, fue una pintora surrealista hispano-mexicana.
BiografíaNacida el 16 de diciembre de 1908 en Anglès (Gerona), España. Mostró desde pequeña una natural inclinación e interés por la pintura. Alentada por su padre ingresó en 1924, a la edad de 15 años, a la Academia de San Fernando en Madrid. Al final de sus estudios, contrajo matrimonio con uno de sus compañeros de estudios, Gerardo Lizárraga, con quien parte a París, Francia, donde residirá durante un
año.[2] A su retorno en 1932, se establece en Barcelona, donde ejerce en compañía de su esposo el oficio de dibujante publicitario.En 1935 se separó de su primer esposo,[3] y conoce al pintor Esteban Francés, quien la introduce al círculo surrealista de André Breton. Una vez familiarizada con el movimiento surrealista, se integra al grupo Logicofobista, que pretendía representar los estados mentales internos del alma, utilizando formas sugerentes de tales estados. Durante su colaboración con este grupo, Remedios Varo pinta L´Agent Double, obra que ya anticipa su estilo reconocido posteriormente.
Durante la guerra civil española, Remedios Varo queda del lado republicano. También durante este período y en buena medida gracias a su activo soporte a los antifascistas, conoce al poeta Benjamín
Péret, con quien establece una relación amorosa, y parte por segunda vez a París, ciudad donde residirá hasta la invasión nazi.[4]
En 1941 la pintora y el poeta abandonan la Francia ocupada y emigran a México, país donde gracias a la política del presidente Lázaro Cárdenas de acogida de refugiados políticos, son rápidamente naturalizados y autorizados a desarrollar una actividad laboral.
En 1947 Remedios se separa de Benjamín Péret, quien retorna al París ya liberado para entonces. Gracias a sus contactos anteriores y sus actividades en México, Remedios parte ese año a Venezuela, como integrante de una expedición científica del Instituto Francés de América Latina. Estando en Venezuela, además de su trabajo de ilustradora entomológica, la pintora pudo
continuar enviando carteles publicitarios para Bayer, así como trabajar un corto lapso para el instituto de malariología venezolano.[5]
En el año de 1949 regresa a México, donde continuará con su labor de ilustradora publicitaria. Hasta que en 1952 contrae segundas nupcias con el político austríaco Walter Gruen, con quien permaneció hasta el final de sus días.[4]
Fue Gruen quien convence a Remedios Varo de abandonar sus labores comerciales, para consagrarse totalmente a la pintura.En 1955, la pintora presenta al público sus trabajos en una primera exposición colectiva, en la galería Diana de la Ciudad de México, seguida al año siguiente de una exposición individual.[6]
Durante su estancia en México, la pintora conoció personalmente a artistas como Frida
Kahlo y Diego Rivera, pero estableció nexos de amistad más fuertes con otros intelectuales en el exilio, en particular la también pintora surrealista Leonora Carrington.[7]
Falleció de un paro cardíaco el 8 de octubre de 1963 en Ciudad de México.Su obraLa obra de la pintora es vasta y compleja, ameritando un análisis más profundo que el que puede darse en este espacio.Empero, puede mencionarse que la obra de Remedios Varo posee un estilo característico y fácilmente reconocible. En su obra aparecen con frecuencia figuras humanas estilizadas realizando tareas simbólicas, en las cuales se tienen a la vez elementos oníricos y arquetípicos. Su obra entera está teñida de una atmósfera de misticismo, pero plasmado en las figuras representativas del mundo secular moderno.
Su pintura está puntualizada por un marcado interés por la iconografía científica. De allí que en tiempos recientes, las obras de la pintora sean retomadas cada vez con más frecuencia en la literatura de divulgación.
Lista de trabajos representativos
1935 El Tejido de los Sueños 1942 Gruta Mágica 1947 Paludismo (Libélula) 1947 El Hombre de la Guadaña (Muerte
en el Mercado) 1947 La Batalla 1947 Insomnia 1947 Amibiasis o los Vegetales 1955 Ciencia inútil o el Alquimista 1955 Ermitaño meditando 1955 La Revelación o el Relojero 1955 Trasmundo 1955 El Flautista
1955 El Paraíso de los Gatos 1956 A la felicidad de las damas 1957 Creación de las aves 1957 Modista 1957 Caminos tortuosos 1957 Reflejo Lunar 1957 El Gato Helecho 1958 Papilla estelar 1959 Exploración de las fuentes del río
Orinoco 1959 Catedral Vegetal 1959 Encuentro 1960 Mujer saliendo del psicoanalista 1960 Visita al cirujano plástico 1960 Hacia la torre 1961 Vampiro 1961 Tejiendo el manto terrestre 1962 Vampiros Vegetarianos 1962 Fenómeno de ingravidez 1962 Tránsito espiral
1963 Naturaleza Muerta Resucitando
Juicio de IntestadoEn el año 2000, Walter Gruen donó su colección de obras de Remedios Varo al Museo de Arte Moderno de México. La mayoría de estas obras fueron legalmente compradas a coleccionistas privados que a su vez las habían adquirido legalmente en galerías. Fueron declaradas monumento artístico mexicano el 26 de diciembre de 2001.Por medio de un extraño movimiento judicial, avalado por las jueces María Margarita Gallegos López y Rebeca Pujol Rosas, en ese año la española Beatriz María Varo Jiménez, sobrina y también pintora, es declarada por el Juzgado Décimo Tercero de lo Familiar en el Distrito Federal de México como única y universal albacea de la sucesión de bienes de su tía Remedios Varo.
En marzo de 2005 el Instituto Nacional de Bellas Artes apela el dictamen, el cual se suspende temporalmente en lo que instancias judiciales más competentes revisan el extraño caso.Cabe señalar que, en vida, la pintora vendió o regaló la mayoría de sus obras, aduciendo que lo que más le importaba era el proceso creativo, no las obras en sí; las cuales, al dejar de pertenecerle, dejaron también, de acuerdo a la ley, de ser parte de su herencia.
Remedios Varo
Useless Science or the Alchemist, 1955
BornDecember 16, 1908Anglès, Girona
Died October 8, 1963 (aged 54)
Nationality Spanish
Field Painting
Movement Surrealism
Remedios Varo Uranga (December 16, 1908 – October 8, 1963) was a Spanish-Mexican, para-surrealist painter and anarchist. She was born María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga in Anglès, a small town in the province of Girona, Spain in 1908. In 1924 she studied at the Academia de San Fernando de Madrid. During the Spanish Civil War she fled to Paris where she was greatly influenced by the surrealist movement. She met her second husband (the first was the painter Gerardo Lizarraga, whom, as was discovered after her death, she never divorced), the French surrealist poet Benjamin Péret in Barcelona. There she was a member of the art group Logicophobiste. They were
introduced through a mutual friendship with the Surrealist artist Oscar Dominguez.Due to her Republican ties, her 1937 move to Paris with Péret ensured that she would never be able to return to Franco's Spain. She was forced into exile from Paris during the Nazi occupation of France and moved to Mexico City at the end of 1941. She initially considered Mexico a temporary haven, but would remain in Latin America for the rest of her life.In Mexico, she met native artists such as Frida Kahlo and Diego Rivera, but her strongest ties were to other exiles and expatriates, notably the English painter Leonora Carrington and the French pilot and adventurer, Jean Nicolle. Her third, and last, important relationship was to
Walter Gruen, an Austrian who had endured concentration camps before escaping Europe. Gruen believed fiercely in Varo, and he gave her the support that allowed her to fully concentrate on her painting.After 1949 Varo developed her mature style, which remains beautifully enigmatic and instantly recognizable. She often worked in oil on masonite panels she prepared herself. Although her colors have the blended resonance of the oil medium, her brushwork often involved many fine strokes of paint laid closely together - a technique more reminiscent of egg tempera. She died at the height of her career from a heart-attack in Mexico City in 1963.Her work continues to achieve successful retrospectives at major sites in Mexico
and the United States. Currently, the ownership of 39 of her paintings, first loaned and then given by Gruen to Mexico City's Museum of Modern Art in 1999 is in dispute. Varo's niece Beatriz Varo Jimenez of Valencia, Spain, claims Gruen had no rights to those works. Gruen, now 91, claims he inherited no works from Varo, who died intestate. Varo never divorced the husband she married in Spain in 1930: a court denied Gruen's request in 1992 to be given inheritance rights as the artist's common-law husband. He and his wife, Alexandra, whom he married in 1965, acquired all the paintings given to the museum on the open market after Varo's death and are therefore his to give. He said he gave the only painting in Varo's studio at the time of her death, "Still Life
Reviving," to the artist's mother. The work was auctioned at Sotheby's New York in 1994 for $574,000.Early lifeVaro’s father, Rodrigo Varo y Zajalvo, was an intellectual man who had a strong influence on his daughter’s artistic development. Varo would copy the blueprints he brought home from his job in construction and he helped her further develop her technical drawing abilities. He encouraged independent thought and supplemented her education with science and adventure books, notable the novels of Alexandre Dumas, Jules Verne, and Edgar Allan Poe. As she grew older he provided her with text on mysticism and philosophy. Varo’s mother, Ignacia Uranga Bergareche, was born to Basque
parents in Argentina. She was a devout Catholic and commended herself to the patron saint of Angles, the Virgin of Los Remedios, promising to name her first daughter after the saint.The Varo family left Anglès in 1913 when Varo was only 5. Varo spent her childhood experiencing different places and cultures. From Anglès the family moved to Cadiz where he father was appointed the king of Spain’s economic affairs representative in Morocco. The family then moved to Larache, a town in northern Morocco and finally settled in Madrid in 1917. Those first few years of her life left an impression on her that would later show up in motifs like machinery, furnishing, artifacts, and Romanesque and Gothic architecture unique to Anglès.
Varo was given the basic education deemed proper for young ladies of a good upbringing at a convent school - an experience that fostered her rebellious tendencies. Varo took a critical view of religion and rejected the religious ideology of her childhood education and instead clung to the liberal and universalist ideas that her father instilled in her.[edit] Formative YearsThe very first works of Varo’s, a self-portrait and several portraits of family members, date to 1923 when she was studying for a baccalaureate at the School of Arts and Crafts. In 1924 she enrolled in the San Fernando Fine Arts Academy in Madrid, the alma mater of Salvador Dali and other renowned artists.
Varo got her diploma as a drawing teacher in 1930. While in Madrid, Varo had her initial introduction to Surrealism through lectures, exhibitions, films and theater. She was a regular visitor to the Prado Museum and took particular interest in the paintings of Hieronymus Bosch, most notably The Garden of Earthly Delights.In 1930 Varo married fellow painter and former schoolmate, Gerardo Lizarraga. The couple moved to Paris immediately after their wedding and remained there for a year.[edit] Career BeginningsAfter spending a year in Paris, Varo moved to Barcelona and formed her first artistic circle of friends, which included Josep-Lluis Florit, Oscar Dominguez and
Esteban Frances. Varo soon separated from her husband and shared a studio with Frances in a neighborhood filled with young avant-garde artists. The summer of 1935 marked Varo’s formal invitation into Surrealism when French surrealist Marcel Jean arrived in Barcelona. That same year along with Jean and his artist friends, Dominguez and Frances, Varo created a surrealist game that was meant to explore the subconscious association of participants by pairing different images at random. These associations were called cadavres exquis, meaning exquisite corpses, and perfectly illustrated the principle Andre Breton wrote in his Surrealist manifestos. Varo soon joined a collective of artists and writers, called the Logicofobistas, who had an interest in Surrealism and
wanted to unite art together with metaphysics while resisting logic and reason. Varo exhibited with this group in 1936 at the Galeria Catalonia although she recognized they were not pure Surrealists.When the Spanish Civil War began the French Surrealist poet, Benjamin Peret, came to Barcelona to support the anti-Franco cause and met Varo. It was the beginning of an intensely romantic relationship that was recorded in the many letters declaring his love and publications dedicated to Varo. In 1937, Peret moved back to France and Varo followed.Career
Europe
Varo shared a studio in Paris with Benjamin Peret and Esteban Frances. It was through Peret that she met Andre Breton and the Surrealist circle, which included Leonora Carrington, Dora Maar, Roberto Matta and Max Ernst among others. Shortly after arriving in France, Varo took part in the International Surrealist exhibition in Paris and Amsterdam in 1938. She drew vignettes for the Dictionnaire abrege du surrealisme and the magazines Trajectoire du Reve, Visage du Monde and Minotaure featured her work. In late 1938 she participated in a collaborative series, Jeu de dessin communiqué (The Game of Communicated Drawings), of works with Breton and Peret. The series was much like a game. It began with an initial drawing, which was shown to
someone for 3 seconds, and then that person tried to recreate what they had been shown. The cycle continued with their drawing and so on. Apparently, this led to very interesting psychological implications that Varo later used in her paintings many times.The Surrealist Circle fell apart when WWII broke out and Hitler’s troups invaded Paris. Varo was imprisoned but there is no information as to where or for how long because she refused to speak about the experience. On November 20, 1941 Varo, along with Peret and Rubinstein, boarded the Serpa Pinto in Marseilles to flee war-torn Europe and find refuge in Mexico.
Mexico
Varo’s imagination flourished while living in Mexico City, this resulted in a series of disturbing and puzzling paintings. The work she produced earned her recognition as one of the greatest painters in Mexico during the twentieth century. Varo was soon a part of an artistic circle of European refugees that included Leonora Carrington and Kati Horna who became close friends of Varo. Carrington and Varo read and discussed books on alchemy, witchcraft, magic, mythology, and Kabbalah. They also shared their dreams and discovered their new home together. The collaboration between these two first resulted in two plays, but became more evident in their paintings as they addressed similar concepts.
Major influences
Artistic influences
Renaissance art inspired harmony, tonal nuances, unity, and narrative structure in Varo’s paintings. The allegorical nature of much of Varo's work especially recalls the paintings of Hieronymus Bosch, and some critics, such as Dean Swinford, have described her art as "postmodern allegory," much in the tradition of Irrealism.Varo was also influenced by styles as diverse as those of Francisco Goya, El Greco, Picasso, and Braque. While André Breton was a formative influence
in her understanding of Surrealism, some of her paintings bear an uncanny resemblance to the Surrealist creations of the modern Greek-born Italian painter Giorgio de Chirico.In Mexico, she was influenced by pre-Columbian art.Varo's painting The Lovers served as inspiration for some of the images used by Madonna in the music video for her 1995 single "Bedtime Story".
Philosophical influences
Varo was influenced by a wide range of mystic and hermetic traditions, both Western and non-Western. She turned with equal interest to the ideas of C. G. Jung as to the theories of G. I. Gurdjieff, P. D. Ouspensky, Meister Eckhart, and the Sufis, and was as fascinated with the
legend of the Holy Grail as with sacred geometry, alchemy and the I-Ching. In 1938 and 1939 Varo joined her closest companions Frances, Roberto Matta, and Gordon Onslow Ford in exploring the fourth dimension, basing much of their studies off of Ouspensky’s book Tertium Oganum. The books Illustrated Anthology of Sorcery, Magic, and Alchemy by Grillot de Givry and The History of Magic and the Occult by Kurt Seligmann were highly valued in Breton’s Surrealist circle. She saw in each of these an avenue to self-knowledge and the transformation of consciousness.Interpretations to her body of workThe male surrealists almost never saw their female counterparts as capable
artists; therefore, the female surrealists were forced to find ways of working within the restrictions of the surrealist misconceived definition of woman, while still trying to refute it. Varo does this through her images of women in confined spaces.Later in her career, Varo’s characters developed into her emblematic androgynous figures with heart-shaped faces, large and lonely eyes, and the aquiline noses that mimic her own features. The sense of isolation was achieved again and again as Varo secluded her characters in one environment or another, conveying an extraordinarily powerful message to those who paid attention long enough to notice it. Her use of seemingly autobiographical characters—confined
and held captive by forces unknown—could be seen as exposing the dynamic of superiority that is inherent in male surrealist’s misuse of women as muses. It could be interpreted that her paintings are responses to the marginalization of women; portrayals of the characteristic misogynist treatment of women artists by the male surrealists by likening her characters and chimerical figures to prisoners.Varo’s legacyWhen Remedios Varo died of a heart attack in Mexico City in 1963, the art world lamented their loss in her sudden death. Her mature paintings, fraught with arguably feminist meaning, are predominantly from the last few years of her life. Varo’s partner for the last 15
years of her life, Walter Gruen, dedicated his life to cataloguing her work and ensuring her legacy. The paintings of androgynous characters that share Varo’s facial features, mythical creatures, the misty swirls and eerie distortions of perspective are characteristic of Varo’s unique brand of surrealism. Varo has painted images of isolated, androgynous, auto-biographical figures to highlight the captivity of the true woman. While her paintings have been interpreted as more surrealist canvases that are the product of her passion for mysticism and alchemy, or as auto-biographical narratives, her work carries implications far more significant.
Castrovalva
Antoní Gaudí
This is a Catalan name. The first family name is Gaudí and the second is Cornet.
Antoni Gaudí
Born25 June 1852
Reus, Catalonia, Spain [1] [2]
Died10 June 1926 (aged 73)
Barcelona, Catalonia, Spain
Buildings Sagrada Família, Casa Milà, Casa Batlló
Projects Park Güell, Colònia Güell
Antoni Gaudí i Cornet (Catalan pronunciation: [ənˈtɔni ɣəwˈði]; 25 June 1852–10 June 1926) was a Spanish Catalan architect and figurehead of Catalan Modernism. Gaudí's works reflect his highly individual and distinctive style and are largely concentrated in the Catalan capital of Barcelona, notably his magnum opus, the Sagrada Família.
Much of Gaudí's work was marked by his big passions in life: architecture, nature, religion.[3] Gaudí studied every detail of his creations, integrating into his architecture a series of crafts in which he
was skilled: ceramics, stained glass, wrought ironwork forging and carpentry. He introduced new techniques in the treatment of materials, such as trencadís, made of waste ceramic pieces.
After a few years under the influence of neo-Gothic art and Oriental techniques, Gaudí became part of the Catalan Modernista movement which was reaching its peak in the late 19th and early 20th centuries. His work transcended mainstream Modernisme, culminating in an organic style inspired by nature. Gaudí rarely drew detailed plans of his works, instead preferring to create them as three-dimensional scale models and molding the details as he was conceiving them.
Gaudí’s work enjoys widespread international appeal and many studies are devoted to understanding his architecture. Today, his work finds admirers among architects and the general public alike. His masterpiece, the still-uncompleted Sagrada Família, is one of the most visited monuments in Spain.[4] Between 1984 and 2005, seven of his works were declared World Heritage Sites by UNESCO. Gaudí’s Roman Catholic faith intensified during his life and religious images permeate his work. This earned him the nickname "God's Architect"[5] and led to calls for his beatification.[6][7][8]
Antoni GaudíDe Wikipedia, la enciclopedia libre
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Antoni Gaudí i Cornet
Gaudí fotografiado por Pablo Audouard (1878).
Información personal
Nacimiento 25 de junio de 1852Riudoms o Reus, España
Defunción 10 de junio de 1926(73 años)
Barcelona, España
Carrera profesional
Obras representativas[mostrar]
Proyectos representativos
Hotel Atracción (Manhattan, Nueva York) (no construido)
Firma de Antoni Gaudí i Cornet
Antoni Gaudí i Cornet (Riudoms o Reus,[1] 25 de junio de 1852 – Barcelona, 10 de junio de 1926) fue un arquitecto español, máximo representante del modernismo catalán.Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando instrucciones a sus colaboradores sobre lo que tenían que hacer.Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto a las soluciones estructurales como las funcionales y decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos
artesanales que dominaba él mismo a la perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de cerámica de desecho.Después de unos inicios influenciado por el arte neogótico, así como ciertas tendencias orientalizantes, Gaudí desembocó en el modernismo en su época de mayor efervescencia, entre finales del siglo XIX y principios del XX. Sin embargo, el arquitecto reusense fue más allá del modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observación de la naturaleza, fruto del cual fue su utilización de formas geométricas regladas, como el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide.La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la búsqueda de nuevas soluciones estructurales, que logró después de toda una vida dedicada al análisis de la estructura óptima del edificio,
integrado en su entorno y siendo una síntesis de todas las artes y oficios. Mediante el estudio y la práctica de nuevas y originales soluciones, la obra de Gaudí culminará en un estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada por estilos anteriores, generando una obra arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la tradición y la innovación. Asimismo, toda su obra está marcada por las que fueron sus cuatro grandes pasiones en la vida: la arquitectura, la naturaleza, la religión y el amor a Cataluña.[2]
La obra de Gaudí ha alcanzado con el transcurso del tiempo una amplia difusión internacional, siendo innumerables los estudios dedicados a su forma de entender la arquitectura. Hoy día es admirado tanto por profesionales como por el público en general: la Sagrada Familia es actualmente uno de los monumentos más visitados de España.[3] Entre 1984 y 2005 siete de sus obras han sido consideradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.
”La belleza es el resplandor de la verdad, y como que el arte es belleza, sin verdad no hay arte”.
Antoni Gaudí.[4]
Biografía
El Mas de la Calderera, casa familiar de los Gaudí en Riudoms.
Nacimiento, infancia y estudios
Antoni Gaudí nació en 1852, hijo del industrial calderero Francesc Gaudí i Serra (1813-1906) y de Antònia Cornet i Bertran (1819-1876). Era el menor de cinco hermanos, de los que sólo
llegaron a edad adulta tres: Rosa (1844-1879), Francesc (1851-1876) y Antoni. Los orígenes familiares de Gaudí se remontan al sur de Francia, en Auvernia, desde donde uno de sus antepasados, Joan Gaudí, vendedor ambulante, pasó a Cataluña en el siglo XVII; el apellido en su origen podría ser Gaudy o Gaudin.[5]
Francesc Gaudí
Francesc Gaudí i Serra
Rosa Serra
Antoni Gaudí i Cornet
Anton Cornet
Antònia Cornet i Bertran
Maria Bertran
Se desconoce el lugar exacto del nacimiento de Gaudí, ya que no se conserva ningún documento que lo especifique, existiendo una controversia entre Reus y Riudoms (dos municipios vecinos y colindantes de la comarca del Baix Camp) sobre la localidad natalicia del arquitecto. Aun
así, en la mayoría de documentos de Gaudí, tanto de su época de estudiante como en los de su época profesional, figura como nacido en Reus. Sin embargo, el propio Gaudí manifestó en diversas ocasiones que era de Riudoms, lugar de origen de su familia paterna.[6] Lo que sí es seguro es que fue bautizado en la iglesia prioral de Sant Pere Apòstol de Reus el día después de su nacimiento. El nombre que consta en su partida de bautismo es Antoni Plàcid Guillem Gaudí i Cornet.[7]
Fuese como fuese, Gaudí sintió un gran aprecio por su tierra natal, lo que evidenciaba en su gran mediterraneísmo, hecho que influyó notablemente en su arquitectura: Gaudí decía que los pueblos mediterráneos tienen un sentido innato del arte y el diseño, que son creativos y originales, mientras que los pueblos nórdicos son más técnicos y repetitivos. En palabras del propio Gaudí:”Nosotros poseemos la imagen. La fantasía viene de los fantasmas. La fantasía es de la gente del Norte. Nosotros somos concretos. La
imagen es del Mediterráneo. Orestes sabe adónde va, mientras que Hamlet divaga perdido entre dudas”.[8]
Gaudí (al fondo) con su padre (centro), su sobrina Rosa y el doctor Santaló en una visita a Montserrat (1904).
La estancia en su tierra natal le sirvió asimismo para conocer y estudiar profundamente la naturaleza, sobre todo durante sus estancias veraniegas en el Mas de la Calderera, la casa de los Gaudí en Riudoms. Le gustaba el contacto con la naturaleza, por lo que posteriormente se hizo miembro del Centro Excursionista de
Cataluña (1879), entidad con la que realizó numerosos viajes por toda Cataluña y el sur de Francia. También practicó durante un tiempo la equitación, y hasta su vejez caminaba unos diez kilómetros diarios.[9]
El pequeño Gaudí era de naturaleza enfermiza, y padeció reumatismo desde niño, lo que le transmitió un carácter un tanto retraído y reservado.[10] Quizá por eso, de mayor se convirtió en vegetariano [ 11 ] [12] y en partidario de las teorías higienistas del doctor Kneipp.[13] Debido a estas creencias –y por motivos religiosos–, en ocasiones se entregaba a severos ayunos, tanto que en ocasiones ponía en peligro su propia vida, como en 1894, año en que cayó gravemente enfermo a causa de un prolongado ayuno.[14]
Realizó sus primeros estudios en el parvulario del maestro Francesc Berenguer, padre del que sería uno de sus principales colaboradores, y luego pasó a los Escolapios de Reus; destacó en dibujo, colaborando con el semanario El Arlequín.[15] También trabajó durante un tiempo
como aprendiz en la fábrica textil “Vapor Nou” de Reus. En 1868 se trasladó a Barcelona para cursar enseñanza media en el Convento del Carmen de la ciudad condal. En su adolescencia estuvo cercano al socialismo utópico, realizando junto con dos compañeros de estudios, Eduard Toda i Güell y Josep Ribera i Sans, un proyecto de restauración para el Monasterio de Poblet que lo convertiría en un falansterio utópico-social.[16]
Entre 1875 y 1878 realizó el servicio militar en el Arma de Infantería en Barcelona, siendo destinado a Administración Militar. Pasó la mayor parte del tiempo rebajado de servicio a causa de su salud, por lo que pudo continuar con los estudios. Gracias a ello no tuvo que entrar en combate, pues coincidió en esas fechas con la Tercera Guerra Carlista.[17] En 1876 tuvo lugar el triste suceso de la muerte de su madre, a los 57 años, así como la de su hermano Francesc a los 25, médico recién titulado que no llegó a ejercer.
Cursó arquitectura en la Escuela de la Llotja y en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, donde se graduó en 1878. Junto a las asignaturas de arquitectura asistió a clases de francés y cursó algunas asignaturas de Historia, Economía, Filosofía y Estética. Su expediente académico fue regular, con algún que otro suspenso; Gaudí se preocupaba más de sus propios intereses que de las asignaturas oficiales.[18] Elies Rogent, director de la Escuela de Arquitectura de Barcelona, dijo en el momento de otorgarle el título:”Hemos dado el título a un loco o a un genio, el tiempo lo dirá”.[19]
Para pagarse la carrera, Gaudí trabajó como delineante para diversos arquitectos y constructores, como Leandre Serrallach, Joan Martorell, Emili Sala Cortés, Francisco de Paula del Villar y Lozano y Josep Fontserè.[20] Quizá por eso, al recibir el título, Gaudí, con su irónico sentido del humor, comentó a su amigo el escultor Llorenç Matamala:”Llorenç, dicen que ya soy arquitecto”.[21]
JOAN MIRÓ" This is a Catalan name. The first family name is Miró and the second is Ferrà.
Joan Miró
Joan Miró, photo by Carl Van Vechten, June 1935
JOAN
Miró
(Catalan pronunciation: [ʒuˈam miˈɾo]) (April 20, 1893 – December 25, 1983) was a Catalan painter, sculptor, and ceramicist born in Barcelona. A museum dedicated to his work, the Fundació Joan Miró, was established in his birth city in 1975.Earning international acclaim, his work has been interpreted as Surrealism, a sandbox for the subconscious mind, a re-creation of the childlike, and a manifestation of Catalan pride. In numerous interviews dating from the 1930s onwards, Miró expressed contempt for conventional painting methods as a way of supporting bourgeois society, and famously declared an "assassination of painting" in favour of upsetting the visual elements of established painting.[1]
Biography
Born to the families of a goldsmith and a cabinet-maker, he grew up in the Barri Gòtic neighborhood of Barcelona.[2] His father was Miquel Miró Adzerias and his mother was Dolores Ferrà.[3] He began drawing classes at the age of seven at a private school at Carrer del Regomir 13, a medieval mansion. In 1907 he enrolled at the fine art academy at La Llotja, to the dismay of his father. He studied at the Cercle Artístic de Sant Lluc [4] and he had his first solo show in 1918 at the Dalmau Gallery, where his work was ridiculed and defaced.[5] Inspired by Cubist and surrealist exhibitions from abroad, Miró was drawn towards the arts community that was gathering in Montparnasse and in 1920 moved to Paris, but continued to spend his summers in Catalonia.[2]
Career
The Farm, 1921–1922, National Gallery of Art, Washington, DC.
Miró initially went to business school as well as art school. He began his working career when he was a teenager as a clerk, although he abandoned the business world completely for art after suffering a nervous breakdown.[6] His early art, like that of the similarly influenced Fauves and Cubists exhibited in Barcelona, was inspired by Vincent Van Gogh and Paul Cézanne. The resemblance of Miró's work to that of the
intermediate generation of the avant-garde has led scholars to dub this period his Catalan Fauvist period.[7]
A few years after Miró’s 1918 Barcelona solo exhibition, he settled in Paris where he finished a number of paintings that he had begun on his parents’ farm in Mont-roig del Camp. One such painting, The Farm, showed a transition to a more individual style of painting and certain nationalistic qualities. Ernest Hemingway, who later purchased the piece, compared the artistic accomplishment to James Joyce’s Ulysses and described it by saying, “It has in it all that you feel about Spain when you are there and all that you feel when you are away and cannot go there. No one else has been able to paint these two very opposing things.”[8] Miró annually returned to Mont-roig and developed a symbolism and nationalism that would stick with him throughout his career. Catalan Landscape (The Hunter) and the Tilled Field, two of Miró’s first works classified as Surrealist, employ the symbolic language that was to dominate the art of the next decade.In 1924, Miró joined the Surrealist group. The already symbolic and poetic nature of Miró’s work, as well as the dualities and contradictions inherent to it, fit well within the context of dream-like automatism espoused by the group. Much of Miró’s work lost the cluttered chaotic lack of focus that had defined his work thus far, and he experimented with collage and the process of painting within his work so as to reject the framing that traditional painting provided. This antagonistic attitude towards painting manifested itself when Miró referred to his work in 1924 ambiguously as “x” in a letter to poet friend Michel Leiris.[9] The paintings that came out of this period were eventually dubbed Miró’s dream paintings.
Joan Miró, The Tilled Field, (1923–1924), Solomon R. Guggenheim Museum. This early painting, a complex arrangement of objects and figures, was Miró's first Surrealist masterpiece.
Miró did not completely abandon subject matter. Despite the Surrealist automatic techniques that he employed extensively in the 1920s, sketches show that his work was often the result of a methodical process. Miró’s work rarely dipped into non-objectivity, maintaining a symbolic, schematic language. This was perhaps most prominent in the repeated Head of a Catalan Peasant series of 1924 to 1925. In 1926, he collaborated with Max Ernst on designs for ballet impresario Sergei Diaghilev. With Miró's help, Ernst pioneered the technique of grattage, in which he troweled pigment onto his canvases. Miró returned to a more representational form of painting with The Dutch Interiors of 1928. Crafted after works by Hendrik Martenszoon Sorgh and Jan Steen seen as postcard reproductions, the paintings reveal the influence of a trip to Holland taken by the artist. These paintings share more in common with Tilled Field or Harlequin’s Carnival than with the minimalistic dream paintings produced a few years earlier.Miró married Pilar Juncosa in Palma (Majorca) on October 12, 1929; their daughter Dolores was born July 17, 1931. In 1931, Pierre Matisse opened an art gallery in New York City. The Pierre Matisse Gallery (which existed until Matisse's death in 1989) became an influential part of the Modern art movement in America. From the outset Matisse represented Joan Miró and introduced his work to the United States market by frequently exhibiting Miró's work in New York. Until the outbreak of the Spanish Civil War, Miró habitually returned to Spain in the summers. Once the war began, he was unable to return home. Unlike many of his surrealist contemporaries, Miró had previously preferred to stay away from explicitly political commentary in his work. Though a sense of (Catalan) nationalism pervaded his earliest surreal landscapes and Head of a Catalan Peasant, it wasn’t until Spain’s Republican government commissioned him to paint the mural, The Reaper, for the Spanish Republican Pavilion at the 1937 Paris Exhibition, that Miró’s work took on a politically charged meaning.
In 1939, with Germany’s invasion of France looming, Miró relocated to Varengeville in Normandy, and on May 20 of the following year, as Germans invaded Paris, he narrowly fled to Spain (now controlled by Francisco Franco) for the duration of the Vichy Regime’s rule. In Varengeville, Palma, and Mont-roig, between 1940 and 1941, Miró created the twenty-three gouache series Constellations. Revolving around celestial symbolism, Constellations earned the artist praise from André Breton, who seventeen years later wrote a series of poems, named after and inspired by Miró's series.[16] Features of this work revealed a shifting focus to the subjects of women, birds, and the moon, which would dominate his iconography for much of the rest of his career.
Joan Miró, Blue I, Blue II, and Blue III, 1961, triptych in October 2010, Centre Pompidou-Metz museum, Metz, France.[17]
Shuzo Takiguchi published the first monograph on Miró in 1940. In 1948–49 Miró lived in Barcelona and made frequent visits to Paris to work on printing techniques at the Mourlot Studios and the Atelier Lacourière. He developed a close relationship with Fernand Mourlot and that resulted in the production of over one thousand different lithographic editions.In 1959, André Breton asked Miró to represent Spain in The Homage to Surrealism exhibition alongside Enrique Tábara, Salvador Dalí, and Eugenio Granell. Miró created a series of sculptures and ceramics for the
garden of the Maeght Foundation in Saint-Paul-de-Vence, France, which was completed in 1964.
In 1974, Miró created a tapestry for the World Trade Center in New York City. He had initially refused to do a tapestry, then he learned the craft and produced several. His World Trade Center Tapestry was displayed for many years at the World Trade Center building.[18] It was one of the most expensive works of art lost during the September 11 attacks. In 1981, Miró's The Sun, the Moon and One Star—later renamed Miró's Chicago—was unveiled. This large, mixed media sculpture is situated outdoors in the downtown Loop area of Chicago, across the street from another large public sculpture, the Chicago Picasso. Miró had created a bronze model of The Sun, the Moon and One Star in 1967. The maquette now resides in the Milwaukee Art Museum.
Late life and death
In 1979 Miró received a doctorate honoris causa from the University of Barcelona. Miró, who suffered from heart disease,[20] died in his home in Palma (Majorca) on December 25, 1983.[21]
Works
Early Fauvist
His early modernist works include Portrait of Vincent Nubiola (1917), Siurana - the Path, Nord-Sud (1917) and Painting of Toledo. These works show the influence of Cézanne, and fill the canvas with a colorful surface and a more painterly treatment than the hard-edge style of most of his later works. In Nord-Sud, the literary newspaper of that name appears in the still life, a compositional device common in cubist compositions, but also a reference to the literary and avant-garde interests of the painter.[22]
Magical Realism
Starting in 1920, Miró developed a very precise style, picking out every element in isolation and detail and arranging them in deliberate composition. These works, including House with Palm tree (1918), Nude with a Mirror (1919), and The Table - Still Life with Rabbit (1920), show the clear influence of Cubism, although in a restrained way, being applied to only a proportion of the subject. For example, The Farmers Wife (1922–23), is realistic, but some are stylized or deformed, such as the treatment of the woman's feet, which are enlarged and flattened.[23]
The culmination of this style was The Farm (1921–22). The rural Catalan scene it depicts is augmented by an avant-garde French newspaper in the center, showing Miró sees this work transformed by the Modernist theories he had been exposed to in Paris. The concentration on each element as equally important was a key step towards generating a pictorial sign for each element. The background is rendered in flat or patterned in simple areas, highlighting the separation of figure and ground, which would become important in his mature style. Miró made many attempts to promote this work, but his surrealist colleagues found it too realistic and apparently conventional, and so he soon turned to a more explicitly surrealist approach.[24]
Early Surrealism
From the summer of 1923 in Mont-roig, Miró began a key set of paintings where abstracted pictorial signs, rather than the realistic representations used in The Farm, are predominant. In The Tilled Field, Catalan Landscape (The Hunter) and Pastoral (1923–24), these flat shapes and lines (mostly black or strongly coloured) suggest the subjects, sometimes quite cryptically. For Catalan Landscape (The Hunter), Miró represents the hunter with a combination of signs: a triangle for the head, curved lines for the moustache, angular lines for the body. So encoded is this work that at a later time Miró provided a precise explanation of the signs used.[25]
Surrealist Pictorial Language
Through the mid-1920s Miró developed the pictorial sign language which would be central throughout the rest of his career. In Harlequin's Carnival (1924–25), there is a clear continuation of the line begun with The Tilled Field. But in subsequent works, such as The Happiness of Loving My Brunette (1925) and Painting (Fratellini) (1927), there are far fewer foreground figures, and those that remain are simplified.Soon after Miró also began his Spanish Dancer series of works. These simple collages, were like a conceptual counterpoint to his paintings. In Spanish Dancer (1928) he combines a cork, a feather and a hatpin onto a blank sheet of paper.
Dona i Ocell, 1982, Barcelona, Spain
Livres d'Artiste
Miró created over 250 illustrated books.[26] These were known as "Livres d' Artiste." One such work was published in 1974, at the urging of the widow of the French poet Robert Desnos, titled "Les pénalités de l'enfer ou les nouvelles Hébrides" (The Penalties of Hell or The New Hebrides). It was a set of 25 lithographs, five in black, and the others in colors.In 2006 the book was displayed in “Joan Miró, Illustrated Books” at the Vero Beach Museum of Art. One critic said it is “an especially powerful set, not only for the rich imagery but also for the story behind the book's creation. The lithographs are long, narrow verticals, and while they feature Miró's familiar shapes, there's an unusual emphasis on texture." The critic continued, “I was instantly attracted to these four prints, to an emotional lushness, that's in contrast with the cool surfaces of so much of Miró's work. Their poignancy is even greater, I think, when you read how they came to be. The artist met and became friends with Desnos, perhaps the most beloved and influential surrealist writer, in 1925, and before long, they made plans to collaborate on a livre d'artiste. Those plans were put on hold because of the Spanish civil war and World War II. Desnos' bold criticism of the latter led to his imprisonment in Auschwitz, and he died at age 45 shortly after his release in 1945. Nearly three decades later, at the suggestion of Desnos' widow, Miró set out to illustrate the poet's manuscript. It was his first work in prose, which was written in Morocco in 1922 but remained unpublished until this posthumous collaboration. “
The Fundació Joan Miró Museum in Montjuïc, Barcelona
Pájaro lunar (Moon Bird), 1966, Reina Sofia Museum, Madrid
Styles and DevelopmentIn Paris, under the influence of poets and writers, he developed his unique style: organic forms and flattened picture planes drawn with a sharp line. Generally thought of as a Surrealist because of his interest in automatism and the use of sexual symbols (for example, ovoids with wavy lines emanating from them), Miró's style was influenced in varying degrees by Surrealism and Dada,[6] yet he rejected membership in any artistic movement in the interwar European years. André Breton described him as "the most Surrealist of us all." Miró confessed to creating one of his most famous works, Harlequin's Carnival, under similar circumstances:
"How did I think up my drawings and my ideas for painting? Well I'd come home to my Paris studio in Rue Blomet at night, I'd go to bed, and sometimes I hadn't any supper. I saw things, and I jotted them down in a notebook. I saw shapes on the ceiling..."[27]
Miró's surrealist origins evolved out of "repression" much like all Spanish surrealist and magic realist work, especially because of his Catalan ethnicity, which was subject to special persecution by the Franco regime. Also, Joan Miró was well aware of Haitian Voodoo art and Cuban Santería religion through his travels before going into exile. This led to his signature style of art making.[citation needed]
Experimental style
Joan Miró was among the first artists to develop automatic drawing as a way to undo previous established techniques in painting, and thus, with André Masson, represented the beginning of Surrealism as an art movement.[by whom?] However, Miró chose not to become an official member of the Surrealists in order to be free to experiment with other artistic styles without compromising his position within the group. He pursued his own interests in the art world, ranging from automatic drawing and surrealism, to expressionism, Lyrical Abstraction, and Color Field painting. Four-dimensional painting was a theoretical type of painting Miró proposed in which painting would transcend its two-dimensionality and even the three-dimensionality of sculpture.
Miró's oft-quoted interest in the assassination of painting is derived from a dislike of bourgeois art, which he believed was used as a way to promote propaganda and cultural identity among the wealthy. Specifically, Miró responded to Cubism in this way, which by the time of his quote had become an established art form in France. He is quoted as saying "I will break their guitar," referring to Picasso's paintings, with the intent to attack the popularity and appropriation of Picasso's art by politics.
"The spectacle of the sky overwhelms me. I'm overwhelmed when I see, in an immense sky, the crescent of the moon, or the sun. There, in my pictures, tiny forms in huge empty spaces. Empty spaces, empty horizons, empty plains - everything which is bare has always greatly impressed me." - Joan Miró, 1958, quoted in Twentieth-Century Artists on Art.
In an interview with biographer Walter Erben, Miró expressed his dislike for art critics, saying, they "are more concerned with being philosophers than anything else. They form a preconceived opinion, then they look at the work of art. Painting merely serves as a cloak in which to wrap their emaciated philosophical systems."[citation needed]
In the final decades of his life Miró accelerated his work in different media, producing hundreds of ceramics, including the Wall of the Moon and Wall of the Sun at the UNESCO building in Paris. He also made temporary window paintings (on glass) for an exhibit. In the last years of his life Miró wrote his most radical and least known ideas, exploring the possibilities of gas sculpture and four-dimensional painting.
ExhibitionsThroughout the 1960s, Miró was a featured artist in many salon shows assembled by the Maeght Foundation that also included works by Marc Chagall, Giacometti, Brach, Cesar, Ubac, and Tal-Coat.The large retrospectives devoted to Miró in his old age in towns such as New York (1972), London (1972), Saint-Paul-de-Vence (1973) and Paris (1974) were a good indication of the international acclaim that had grown steadily over the previous half-century; further major retrospectives took place posthumously. Political changes in his native country led in 1978 to the first full exhibition of his painting and graphic work, at the Museo Español de Arte Contemporáneo in Madrid. In 1993, the year of the hundredth anniversary of his birth, several exhibitions were held, among which the most prominent were those held in the Fundació Pilar i Joan Miró, Barcelona, the Museum of Modern Art, New York, the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, and the Galerie Lelong, Paris.[29] In 2011, another retrospective was mounted by the Tate Modern, London, and travelled to Fundació Joan Miró and the National Gallery of Art, Washington, D.C.
Fin Miró
Realidades 3
Capítulo 2El arte:
El artela estatuadibujarpintarel pintorla pinturael cuadro
colores y luz
amarillo, -aanaranjado, ‘-aazulblanco, -aclaro, -agrismarrónmorado, -anegro, -aoscuro, -apastelrojo, -arosado, -averdevivo, -a
descripciones
aburridobonitocomplicadodivertidoexagerado
fascinantefeohorribleinteresantemejormodernorealistasencilloseriotriste
Materiales
El oroEl papelLa piedraEl plásticoLa plata
Opiniones
A mí tambiénTampocoCreo que...Estoy- no estoy de acuerdo
Me parece que...No estoy seguro...Para miPara ti para vos¿Qué te parece?
Comparaciones
Mas.....queMenos........queTan.....como
Adjectives agree in gender and in number with the nouns they describe
Una estatua modernaUn cuadro moderno
Exceptions
Un dibujo realistaUna pintora surrrealista
Palabras Importantes
La naturaleza muertaSentadaParadoEl muralEl pincelLa Palata
FondoPrimer planoLa pinturaEl autorretratoEscultorEscultoraRepresentarRepresentaExpresar
SentimientosAlegríaCeramica
Many adjectives in Spanish are past participlesTo form a past participle you add - ADO to the regular -AR verbs and you add -IDO to the regular -ER and -IR verbs.
Decorar decoradoConocer conocidoPreferir preferido
The past participle is often used with ESTAR to describe conditions that are the result of a previous action. In these cases the past participle agrees with the subject.
El pintor está sentado. Las paredes estaban pintadas.
Irregular past participles
Abrir abierto
Romper Roto
Poner puesto
Hacer hecho
Decir dicho
Ver visto
Resolver resuelto
Morir muerto
Escribir escrito
Volver vuelto
Realidades 3 SER y ESTAR los usos
Use SER
To describe permanent characteristics of objects and people
Esta canción es muy original.
To indicate origin, nationality or profession
María es escritora. Es de Madrid.
To indicate when and where something takes place. El concierto es el viernes. Es en el teatro.
To indicate possession
La guitarra es de Elisa.
Use ESTAR To describe temporary characteristics, emotional
states, or conditions.
El teatro está cerrado a esta hora.
Los actores están muy nerviosos.
To indicate location
El conjunto está en el escenario.
To form the progressive tense El bailarín está interpretando a Cabral.
Some adjectives have different meaning depending on whether they are used with ESTAR or with SER
La bailarina es bonita.La bailarina está muy bonita hoy.
El cómico es aburrido.
El cómico está aburrido.
El cantante es rico.El postre está rico.
El micrófono
La trompeta
Ritmo
ritmo
El Aplauso
El escenario
La poeta
Pretérito vs. Imperfecto ...using them together
Este fin de semana tomé una clase de ceramica. Cuando era niño, tomaba clases de escultura.
Using the preterite to tell about past actions that are complete
Use the imperfect to tell about habitual actions that happened in the past
Cuando era niño, las clases empezaban a las 5 de la tarde.
Cultura
Cultura en repaso-
ARTISTAS LATINOAMERICANOSRealidades 3 página 71
Carlos Enriquez
Carlos
Enríquez, el controvertido artista cubano del pincel
Por Noel Martínez
Considerado como uno de los mejores artistas de la plástica cubana de la primera mitad del pasado siglo, Carlos Enríquez fue sin duda un rebelde del pincel.
Nacido el 3 de agosto de 1900 en la localidad de Zulueta, en la antigua provincia de Las Villas, se destacó como nadie de su tiempo en llevar al lienzo la belleza del cuerpo femenino, razón por la que fue criticado y reprimido por una burguesía conspicua e hipócrita.
Pintor de grandes cualidades naturales, Carlos Enríquez recibió un solo entrenamiento académico, en un breve curso en la Pensnsylvania Academy, regresando a Cuba en 1925 acompañado
por Alice Neel, con quien se casó.
Dos años después de retornar, dos de sus desnudos femeninos fueron retirados de la Exposición de Arte Nuevo bajo la acusación de “ un realismo exagerado ”, represión que se repite poco después y que lo empuja a salir de nuevo hacia el extranjero.
Europa y su influencia en la obra pictórica de Carlos Enríquez
En la búsqueda de nuevos horizontes creativos, Carlos Enríquez viajó a España y Francia, países donde la proximidad a las vanguardias influyó de manera positiva en su obra.
Acerca de esa etapa en el Viejo Continente, el famoso novelista Alejo Carpentier aseguró que le despojó de toda su potencialidad de escándalo y según los críticos fue ese el momento artístico donde
Carlos Enríquez pintó sus mejores cuadros, entre ellos Primavera bacteriológica, Crimen en el aire con Guardia Civil y su Virgen del Cobre, obra donde el tópico afrocubano asume un sincretismo religioso, símbolo del mestizaje antillano que se contrapone a la imagen tradicional de la Patrona de Cuba, dado por el cristianismo.
De regreso a La Habana en 1934, la represión vuelve a sacar su mano oscura e impide una exposición de las obras en su etapa europea.
El romancero guajiro de Carlos EnríquezRadicado definitivamente en Cuba, en 1935 Carlos Enríquez comienza a definir sus nuevas orientaciones plásticas, las que apuntaron al mundo rural de los cubanos, etapa que identificó como“ el romancero guajiro ”.Sin abandonar el erotismo y la anatomía femenina, sus cuadros recogen las leyendas del campo, la imagen de héroes y
bandidos, el recuerdo de los patriotas y una fina denuncia social.En esa época vieron la luz obras antológicas de la plástica criolla: Rey de los Campos de Cuba, Las bañistas de la laguna, El rapto de las mulatas, Campesinos felices, Dos Ríos y Combate, imágenes que lo ubican a la vanguardia del modernismo cubano.Ciento un año después de su nacimiento, ocurrido el 3 de agosto de 1 900, hoy sus cuadros forman parte de la memoria histórica de la nación, recordando desde las paredes del Museo Nacional de Bellas Artes el triste pasado de Cuba.
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Oswaldo Guayasamín
Oswaldo Guayasamín (6 de julio de 1919 en Quito; 10 de marzo de 1999 en Baltimore) fue un destacado pintor ecuatoriano.
BiografíaEl padre de Oswaldo Guayasamín era un indígena de ascendencia kichwa y su madre (Dolores Calero) era mestiza. Su padre (José Miguel Guayasamín) trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero. Oswaldo fue el primero de diez hijos.Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Es la época de la "guerra de los cuatro días", un levantamiento cívico militar, en contra del gobierno de Arroyo del Río. Durante una manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que más tarde
inspirará su obra "Los niños muertos", marca su visión de la gente y de la sociedad. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura.En 1942 expone por primera vez a la edad de 23 años en una sala particular de Quito y provoca un escándalo. La crítica considera esta muestra como un enfrentamiento con la exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes. Nelson Rockefeller , impresionado por la obra, compra varios cuadros y ayuda a Guayasamín en el futuro. Entre 1942 y 1943 permanece seis meses en EEUU. Con el dinero ganado, viaja a México, en donde conoce al maestro Orozco, quien acepta a Guayasamín como asistente.También entabla amistad con Pablo Neruda y un año después viaja por diversos países de América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que, desde entonces, aparece siempre en sus obras. En sus pinturas posteriores figurativas trata temas sociales, actuó simplificando las formas. Obtuvo en su juventud todos los Premios Nacionales y fue acreedor, a los 36 años, del Gran Premio en la III Bienal Hispanoamericana de Arte,
que se llevó a cabo en 1955 en Barcelona [ 1 ] y más tarde del Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.Es elegido presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana en 1971 . Sus obras han sido expuestas en las mejores galerías del mundo: Venezuela, Francia, México, Cuba, Italia, España, EE. UU., Brasil, Colombia, Unión Soviética, China, entre otros. En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de los pueblos.En 1978 es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y un año después, miembro de honor de la Academia de Artes de Italia.En 1982 se inaugura en el Aeropuerto de Barajas un mural de 120 metros pintado por Guayasamín. Ese gran mural, elaborado con acrílicos y polvo de mármol, está dividido en dos partes: una de ellas dedicada a España y la otra a Hispanoamérica.El 28 de octubre de 1992 recibe el título de Doctor Honoris Causa por parte de la Facultad de Arquitectura y Artes de la Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña (UNPHU).
Sus últimas exposiciones las inauguró personalmente en el Museo del Palacio de Luxemburgo, París y en el Museo Palais de Glace en Buenos Aires, en 1995 . Logró exponer en museos de la totalidad de las capitales de América, y muchos países de Europa, como en San Petersburgo (Hermitage), Moscú, Praga, Roma, Madrid, Barcelona y Varsovia.Realizó unas 48 exposiciones individuales y su producción fue muy fructífera en pinturas de caballete, murales, esculturas y monumentos. Tiene murales en Quito (Palacios de Gobierno y Legislativo, Universidad Central, Consejo Provincial); Madrid (Aeropuerto de Barajas); París (Sede de UNESCO); Sao Paulo (Parlamento Latinoamericano en el Memorial de América Latina); Caracas (Centro Simón Bolívar). Entre sus monumentos se destacan "A la Patria Joven" (Guayaquil, Ecuador); "A La Resistencia" (Rumiñahui) en Quito.Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en este monstruoso Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las
guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas.Guayasamín fue amigo personal de importantes personajes del mundo, y ha retratado a algunos de ellos, como Fidel Castro y Raúl Castro, François y Danielle Mitterrand, Gabriel García Márquez, Rigoberta Menchú, el rey Juan Carlos de España, la princesa Carolina de Mónaco, entre otros.Recibió varias condecoraciones oficiales y doctorados Honoris Causa de universidades de América y Europa. En 1992 recibe el premio Eugenio Espejo, máximo galardón cultural que otorga el gobierno de Ecuador.A partir de 1995 inició en Quito su obra más importante, el espacio arquitectónico denominado "La Capilla del Hombre", a la cuál le dedica todo su esfuerzo. Falleció el 10 de marzo de 1999, en Baltimore (Estados Unidos), aún sin ver finalizado este proyecto.Ese mismo año se reconoció su labor, de forma póstuma, con: el reconocimiento como "Pintor de Iberoamérica", el Premio Internacional José Martí.[2] .
Resumen de su obra pictóricaHuacayñan:: Es la primera gran serie pictórica o etapa. Es una palabra kichwa que significa “El Camino del Llanto”. Es una serie de 103 cuadros pintados después de recorrer durante 2 años por toda Latinoamérica.La Edad de la Ira: Esta es la segunda gran serie pictórica o etapa. La temática fundamental de esta serie son las guerras y la violencia, lo que el hombre hace en contra del hombreMientras vivo siempre te recuerdo: es la tercera gran serie o etapa, también conocida como “La Edad de la Ternura”, es una serie que Guayasamín dedica a su madre y las madres del mundo; y en cuyos cuadros podemos apreciar colores más vivos que reflejan el amor y la ternura entre madres e hijos, y la inocencia de los niños.
Diego Rivera
Diego Rivera en 1932.
Nombre completo
Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez
Nacimiento 8 de diciembre de 1886Guanajuato
Fallecimiento 24 de noviembre de 1957 (70 años)Ciudad de México
Nacionalidad mexicana
Área Pintor, muralista
Diego María Rivera (Guanajuato, 8 de diciembre de 1886 — Ciudad de México, 24 de noviembre de 1957)[1] fue un destacado muralista mexicano de ideología comunista, famoso por plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos. Fue creador de diversos murales en distintos puntos del centro histórico de la Ciudad de México, así como en la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo,[2] y en otras ciudades mexicanas como Cuernavaca y Acapulco, así también algunas otras del extranjero como San Francisco, Detroit y Nueva York.
Biografía
Mural en Acapulco, realizado por Diego Rivera.
Primeros años y vida en MéxicoSu padre fue Diego Rivera y su madre María del Pilar Barrientos,[3] nació el 8 de diciembre de 1886 en la ciudad de Guanajuato, al año y medio de nacido moriría su hermano gemelo Carlos María.[3] [1] [4] Diego fue registrado bajo el nombre de Diego María Rivera y bautizado como Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez.[3] A partir de 1896 comenzó a tomar clases nocturnas en la Academia de San Carlos de la capital mexicana, donde conoció al célebre paisajista José María Velasco. En 1905 recibió una pensión del Secretario de Educación, Justo Sierra y en 1907 recibió otra del entonces gobernador de Veracruz, Teodoro A. Dehesa Méndez, que le permite viajar a España a hacer estudios de obras como las de Goya, El Greco y Brueghel;[5] e ingresar al taller de Eduardo Chicharro en Madrid.En 1909 se trasladó a París donde conoció a Angelina Petrovna Belova, mejor conocida como Angelina Beloff, pintora Rusa con quien inició una corta relación amorosa. A diferencia de José Clemente Orozco, que fue un artista afiliado al Ejército Constitucionalista, específicamente con el general Álvaro Obregón y de David Alfaro Siqueiros, que era oficial de alto rango, Diego Rivera no tuvo una participación directa en el conflicto político y militar de la Revolución Mexicana.[cita requerida]
A partir de entonces y hasta mediados 1916 alternó su residencia entre México, Ecuador, Bolivia, Argentina, España y Francia, país en el cual tuvo los primeros contactos con los artistas de Montparnasse. Tuvo acercamientos con Alfonso Reyes Ochoa, Pablo Picasso y Ramón María del Valle-Inclán y en general con aquellos que participaron en las nuevas corrientes que en Europa existían como el cubismo. Ese mismo año, en París, nació su primer hijo llamado Diego, fruto de su unión con la pintora Angelina Beloff; sin embargo, el niño murió al año siguiente. En 1917, influido por las pinturas de Paul Cézanne, se introdujo en el postimpresionismo, logrando
captar la atención con sus acabados y vivos colores, a diferencia de otros muralistas mexicanos que aún no cobraban popularidad.
Mural de Rivera mostrando la vida de los aztecas en el mercado de Tlatelolco. Palacio Nacional de Ciudad de México.
En 1919 nació una hija con Marievna Vorobieva-Stebelska, Marika Rivera y Vorobieva, a la que nunca reconocería pero sí sostendría económicamente. Hacia el año de 1920, y gracias al entonces embajador de México en Francia, Alberto J. Pani, Rivera abandonó el país y emprendió un viaje a Italia, donde comenzó el estudio del arte renacentista. Cuando Álvaro Obregón designó a José Vasconcelos como secretario de educación, Diego Rivera regresó a México para participar en las campañas emprendidas por Vasconcelos y en las cuales participó también con los muralistas mexicanos José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo, así como con el artista francés Jean Charlot.
En enero de 1922, comenzó a pintar su primer mural, en el Anfiteatro Simón Bolívar de la escuela Preparatoria Nacional. La pintura de Rivera comienza a convertirse en un factor considerable y de influencia para el Movimiento Muralista Mexicano y Latinoamericano. En diciembre de ese mismo año se casó con Guadalupe Marín, también conocida como la "Gata Marín", quien le fue presentada por Julio Torri mientras hacía el mural del Anfiteatro Bolívar en la Universidad Nacional.[7] Era una indígena mexicana de piel morena, larga cabellera negra y ojos verdes.Con ella tuvo dos hijas: Lupe, nacida en 1925 y Ruth, nacida en 1926. En septiembre de 1922 inició el fresco en la Secretaría de Educación Pública. Se convirtió también en el co-fundador de la Unión de Pintores, Escultores y Artistas Gráficos Revolucionarios. Para ese mismo año, se da uno de los acontecimientos que marcaría gran parte de la vida de Diego, su anexión al Partido Comunista Mexicano, uno de los grandes factores influyentes dentro de su pintura. También se le otorgaron los permisos necesarios para comenzar con las pinturas y murales del Palacio de Cortés en Cuernavaca y en la Escuela Nacional de Agricultura, en Chapingo, así como en el Palacio Nacional de la Ciudad de México, donde de 1929 a 1935 creó un ciclo narrativo sobre la historia del país desde los tiempos de los aztecas hasta el siglo XX.
[editar] Vida en el extranjero
Diego Rivera con Frida Kahlo, su tercera esposa.
El hombre en el cruce de caminos (1934).
Hacia 1927, Rivera fue invitado a los festejos de los primeros diez años de la Revolución de Octubre en la Unión Soviética, por lo que parte hacia la Ciudad Rusa de Moscú. Tras su divorcio con Guadalupe Marín en 1928, contrajo terceras nupcias con la pintora Frida Kahlo en el año de 1929. Igualmente, este mismo año, fue expulsado del Partido Comunista Mexicano. Hacia 1930, fue invitado a los Estados Unidos para la realización de diversas obras, donde su temática comunista desataría importantes contradicciones, críticas y fricciones con los propietarios, el gobierno y la prensa estadounidense.Las más destacadas pinturas de Rivera en aquel país se encuentran en el San Francisco Art Institute -Escuela de Arte de San Francisco- así como en el Instituto de Artes de Detroit.Hacia 1933, se da uno de los sucesos más controvertidos en su vida. Cuando el industrial John D. Rockefeller Jr. contrata a Rivera para pintar un mural en el vestíbulo de entrada o "lobby" del edificio RCA en la ciudad de Nueva York. Este era el edificio principal de un conjunto de construcciones que se habría de denominar como Rockefeller Center.
El edificio, situado en Fifth Avenue, una de las avenidas más famosas, se posicionaba como uno de los emblemas más importantes del capitalismo. Diego Rivera, diseñó para esta ocasión, el mural denominado El hombre en el cruce de caminos o El hombre controlador del universo. Pero cuando Rivera se encontraba a punto de completarlo, incluyó un retrato de Lenin. La reacción de la prensa y la controversia que suscitó el retrato de Lenin, fue inmediata y vocífera.Rockefeller, vio el retrato como insulto personal y mandó cubrir el mural y más tarde ordenó que fuera destruido. Rivera poco después regresó a México en 1934, donde pintó el mismo mural El hombre en el cruce de caminos" en el tercer piso del Palacio de Bellas Artes de México.[8]
Monumento a Diego Rivera en la Plaza de San Jacinto en San Ángel.
Sepulcro de Diego Rivera en la Rotonda de las Personas Ilustres.
En 1936 solicita al presidente Lázaro Cárdenas del Río, el asilo político de León Trotsky en México que se concreta el año siguiente, recibiéndolo en la Casa Azul de Frida Kahlo. Para 1940 ya se había distanciado del célebre disidente ruso y se había divorciado de Frida Kahlo, volviéndose a casar con ella a finales de ese año. En 1943 fue miembro fundador de El Colegio Nacional.[9]
Hacia 1946, pintó una de sus obras más importantes, Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central en el entonces recién construido Hotel del Prado de la Ciudad de México. También integra junto con José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, la comisión de Pintura Mural del Instituto Nacional de Bellas Artes.[8]
En 1950 ilustró Canto General de Pablo Neruda y ganó el Premio Nacional de Ciencias y Artes de México.[10] En 1952 realizó el mural denominado "La Universidad, la familia mexicana, la paz y la juventud deportista" del Estadio Olímpico Universitario (UNAM), en la ciudad de México y en 1955 ante la muerte de Frida Kahlo en junio del año anterior, se casó con Emma Hurtado y viajó a la Unión Soviética para ser intervenido quirúrgicamente. Falleció el 24 de noviembre de 1957 en San Ángel, Ciudad de México en su casa estudio, actualmente conocida como Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo y sus restos fueron colocados en la Rotonda de las Personas Ilustres, contraviniendo su última voluntad.[11] En el Mural que se encuentra en el cubo de las escaleras del Palacio Nacional, Diego Rivera pintó a sus esposas y amigos. Cristina Kahlo, hermana menor de Frida -y aparentemente amante de Diego- se encuentra pintada a un lado de Frida Kahlo. Igualmente hizo una pintura de su gran amiga María Cecilia Armida Baz (Machila) a quien le decía Machilxóchitl.En 1953 el muralista Diego Rivera creó una de sus más grandes obras, se encuentra en el Teatro de los Insurgentes[12] en la Ciudad de México, dicha obra tiene un gran significado histórico, cada una de las imágenes representan parte de la historia de México. El mural esta hecho de teselas de vidrio esmaltadas sobre placas de la marca Mosaicos Venecianos,[13] la colocación estuvo a cargo del maestro Luigi Scodeller.En un primer plano encontramos el teatro, representado por el antifaz y las manos en mitones, con el día y la noche como símbolo de la dualidad. Detrás de este símbolo se encuentra un escenario donde al centro se representa a Mario Moreno Cantinflas, un comediante popular mexicano, éste personaje se encuentra recibiendo dinero de las clases pudientes de la
sociedad mexicana representadas por capitalistas, militares, el clérigo y una cortesana, y repartiéndolo a los pobres que se encuentran de su lado izquierdo representando a las clases desprotegidas. Detrás de dicho escenario se encuentra la antigua Basílica de Guadalupe.De lado izquierdo del mural se encuentra en repetidas ocasiones las imágenes de Maximiliano y Carlota, y junto a ellos personajes de la historia mexicana como Benito Juárez, el cura Miguel Hidalgo, José María Morelos y Pavón, Hernán Cortes, y Juan Ruiz de Alarcón, dichos personajes se encuentran mezclados con personajes típicos de las pastorelas mexicanas como los son el Diablo y el Arcángel. Del lado izquierdo en la parte baja se encuentran las imágenes de músicos populares representantes de la cultura mexicana y una pareja bailando el jarabe tapatío. Del lado contrario, se encuentra una mezcla de escenas de la revolución mexicana y de la época prehispánica, representadas por músicos, sacerdotes y un jaguar. Sin duda es una de las obras más representativas de la historia de México, y del arte del muralista Diego Rivera.
Coyoacán, México, 1907-id., 1954) Pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.
Frida KahloA los dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. Contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera, sus obras más
valoradas: Henry Ford Hospital, cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora. También son muy apreciados sus autorretratos, así mismo de compleja interpretación: Autorretrato con monos, Las dos Fridas.
Cuando André Breton conoció la obra de Frida Kahlo dijo que era una surrealista espontánea y la invitó a exponer en Nueva York y París, ciudad esta última en la que no tuvo una gran acogida. Nunca se sintió cerca del surrealismo, y al final de sus días decidió que esa tendencia no se correspondía con su creación artística.
Autorretrato de Frida KahloEn su búsqueda de las raíces estéticas de México, Frida Kahlo realizó espléndidos retratos de niños y obras inspiradas en la iconografía mexicana anterior a la conquista, pero son las telas que se centran en ella misma y en su azarosa vida las que la han convertido en una figura destacada de la pintura mexicana del siglo XX.
Alfonso Fernande
Alfonso Fernández en Galería de Arte Patricia Ready / Homenaje a la FamiliaLa nueva obra que nos trae Alfonso Fernández traza un camino ya iniciado que apunta hacia la introspección y la intimidad, la cual va más allá de la superficie. Esta renovada óptica surge a partir de un gran mural que el artista elaboró en gres cerámico y fierro, cuyo tema es la familia. Desde entonces, su investigación amplió su espectro hacia la escultura, en forma simultánea a las disciplinas tradicionales.Pintura, pastel, acrílico y óleo sobre tela, dibujo al carbón sobre papel en formato grande y mediano, esculturas en gres cerámico y metal, abordan este ámbito vinculado a la energía y calidez del hogar. También nos presenta una
serie de grabados realizados con punta seca junto a dibujos con tinta china, acuarela, grafito, carbón, pastel y acrílico en pequeño formato, que se constituyen en los estudios acerca del homenaje a la familia, completando así los distintos pasos que originaron este tema relacionado con los afectos y el espacio interior.Figuras entrelazadas que afloran de lo subjetivo y paisajes que aluden al entorno que le rodea, son parte de este nuevo modo de expresión que el artista desarrolla.
El libro sobre su obra y parte de esta muestra se exhibirá también en la Universidad de San Louis, Missouri y la Universidad de Kentucky, Lexington, EE.UU. Además Alfonso Fernández realizará una pasantía como artista en residencia en estas dos instituciones, a contar de la última semana de Enero del año 2006, participando del segundo
semestre académico norteamericano.Textos libro Alfonso FernándezAlfonso Fernández A. : Vivencias e imágenes.En el taller es donde se arma todo.
Alfonso Fernández no tiene tan claro como se da este proceso, pero es una mezcla entre sus vivencias, lo que ve en la calle y la manera como se conecta emocionalmente con ciertas imágenes que le resultan significativas. Ahí es donde surge el código de entrada de las figuras, que toman forma y adquieren sentido en su obra. Porque aquello que fluye en su trabajo artístico, recrea una experiencia vivida. De ahí que, cuando se observan las obras del artista, se percibe que detrás de cada imagen hay una verdad en la que, como espectadores, nos sentimos capturados.
Alfonso fernandez
REFERENCIAS BIOGRAFICASArtista visual chileno, grabador y pintor. Inició sus estudios artísticos en 1987 en el taller de dibujo y pintura del profesor César Osorio de la Universidad de Chile en Santiago. Aprendió técnicas de grabado al intaglio, litografía, fotograbado y serigrafía en el Taller 99 de Santiago. En 1993 participó en e lTaller Internacional del Tamarind Institute de la Universidad de Nuevo México (Aburquerque) Estados Unidos y fue invitado por el Departamento de Grabado de la Facultad de Bellas Artes de la misma casa de estudios donde integró el Programa de Entrenamiento en Litografía hasta el año 1995Las técnicas utilizadas en distintas etapas creativas partieron por el grabado, continuando con la pintura y luego una combinación de ambas, logrando efectos de gran expresividad, como tintas sobre planchas de zinc y
de cobre, raspando, martillando y taladrando el soporte.Para Alfonso Fernández su búsqueda estética lo ha conducido al dominio de la técnica hasta configurar una personalidad pictórica propia, observándose una suerte de complementación entre la gráfica del grabado y el color del pigmento, en busca de una armonía entre ambas. Su oficio ha estado marcado por una actitud rupturista e inquieta que lo identifica con una personalidad en extremo exigente.En el 2000 fue invitado a trabajar con el artista visual Sam Gilliam, en Washington, D.C. Estados Unidos. Durante una estadía en el Zygote Press en Cleveland, Ohio, tomó contacto con sus pares, contrastando tendencias.
Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (1599-1660)
Diego Velázquez
Velázquez se autorretrató en 1656 en su cuadro más emblemático, Las Meninas. Se representó pintando. En las mangas de su vestido y en su mano derecha se aprecia su estilo final rápido y abocetado. En su paleta distinguimos los pocos colores que utilizaba en sus pinturas. La cruz de la Orden de Santiago que lleva en su pecho fue añadida al cuadro posteriormente.
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, hacia el 5 de junio de 1599 [ 1 ] – Madrid, 6 de agosto de 1660), conocido como Diego
Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.Pasó sus primeros años en Sevilla, donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista, por influencia de Caravaggio y sus seguidores. A los 24 años se trasladó a Madrid, donde fue nombrado pintor del rey Felipe IV y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores de la corte. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo consistía en pintar retratos del rey y de su familia, así como otros cuadros destinados a decorar las mansiones reales. La presencia en la corte le permitió estudiar la colección real de pintura que, junto con las enseñanzas de su primer viaje a Italia, donde conoció tanto la pintura antigua como la que se hacía en su tiempo, fueron influencias determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas. En su madurez, a partir de 1631, pintó de esta forma grandes obras como La rendición de Breda. En su última década su estilo se hizo más esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este periodo se inauguró con el Retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia, y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las Meninas y Las hilanderas.Su catálogo consta de unas 120 o 125 obras. El reconocimiento como pintor universal se produjo tardíamente, hacia 1850.[2] Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con los pintores impresionistas franceses, para los que fue un referente. Manet se sintió maravillado con su pintura y lo calificó como «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido». La parte fundamental de sus cuadros que integraban la colección real se conserva en el Museo del Prado en Madrid.
Francisco de Goya
.
Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, provincia de Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828),[1] fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito estilístico del barroco tardío y las estampas devotas, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. El magisterio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de
corte lo imponía Mengs, y el pintor español más reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.
Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.Gran popularidad tiene su Maja desnuda, en parte favorecida por la polémica generada en torno a la identidad de la bella retratada. De comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués. Al final del conflicto hispano-francés pinta dos grandes cuadros a propósito de los sucesos del levantamiento del dos de mayo de 1808, que sientan un precedente tanto estético como temático para el cuadro de historia, que no solo comenta sucesos próximos a la realidad que vive el artista, sino que alcanza un mensaje universal.
Pero su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo), las Pinturas negras. En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX.
Joan Miró
TAREA
Capítulo 2
¡Estudien Uds.!
Mini-lección 12-15 minutos en casa Home Journal!Estudien Uds.-los artistas
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