Magisteruppsats Sällsynta maktpositioner inom amerikansk film: döden och den långa tagningen En auteuranalys av Alfonso Cuarón och Alejandro G. Iñárritu Rare power positions in American film: death and the long take An auteur analysis of Alfonso Cuarón and Alejandro G. Iñárritu Författare: Daniel Lopez Nelson Handledare: Mariah Larsson Examinator: Tommy Gustafsson Termin: VT2017 Ämne: Filmvetenskap Nivå: Magister Kurskod: 4FV01E
54
Embed
Sällsynta maktpositioner inom amerikansk film: döden och den …lnu.diva-portal.org/smash/get/diva2:1118582/FULLTEXT01.pdf · 2017-06-30 · 7.1 Sólo con tu pareja (Älska mig
This document is posted to help you gain knowledge. Please leave a comment to let me know what you think about it! Share it to your friends and learn new things together.
Transcript
Magisteruppsats
Sällsynta maktpositioner inom
amerikansk film: döden och den långa
tagningen En auteuranalys av Alfonso Cuarón
och Alejandro G. Iñárritu
Rare power positions in American film:
death and the long take An auteur analysis of Alfonso Cuarón
and Alejandro G. Iñárritu
Författare: Daniel Lopez Nelson
Handledare: Mariah Larsson
Examinator: Tommy Gustafsson
Termin: VT2017
Ämne: Filmvetenskap
Nivå: Magister
Kurskod: 4FV01E
Abstract
This essay examines and analyzes specially selected films of directors Alfonso Cuarón
and Alejandro González Iñárritu, through an auteur-theory perspective. The aim of the
essay is to illustrate the current power position of the directors within American film
and examine the cinematic language of Cuarón’s Sólo con tu pareja, Harry Potter and
the Prisoner of Azkaban, Gravity, and Iñárritu’s Amores Perros, Biutiful, The Revenant.
7.1 Sólo con tu pareja (Älska mig till döds, 1991) 17
7.2 Harry Potter and the Prisoner of Azkaban (Harry Potter och Fången från
Azkaban, 2004) 19
7.3 Gravity (2013) 23
7.4 Amores Perros (Älskade hundar, 2000) 25
7.5 Biutiful (2010) 28
7.6 The Revenant (2015) 32
8. Slutdiskussion och slutsats 35
8.1 Alfonso Cuarón 36
8.2 Alejandro G. Iñárritu 38
9. Käll- och litteraturförteckning 41
1
1. Inledning
När Orson Welles regisserade Citizen Kane (1941) valde den unga långfilmsdebutanten att
inte konstruera filmklippningen och bildernas komposition utifrån en klassisk filmmall,
istället bestämde sig regissören för att vara mer öppen till hur han skulle bemöta
filmberättandet. Det öppna tillvägagångsättet resulterade i en film med en annorlunda och
unik stil, som skiljde sig från normen i amerikanskt filmskapande.1 Sjuttiosex år efter Citizen
Kane har en stor mängd av filmskapare med en kreativ visuell stil varit verksamma inom den
amerikanska filmen, filmskapare som exempelvis Ang Lee, Stanley Kubrick, Oliver Stone,
Martin Scorsese.2 Under den senaste Oscarsgalan (2017) vann Barry Jenkins semi-
självbiografiska film Moonlight (2016) kategorin bästa film.3 Filmen innehöll en kreativ
visuell gestaltning, där traditionella regler som exempelvis 180-gradersreglen utmanades. Det
ska understrykas att en film som innehåller en kreativ visuell stil inte är en synonym för en
bra film, utan snarare ett av många sätt att bemöta konstruktionen av filmberättandet på.
Den amerikanska filmforskaren David Bordwell påstår i The way Hollywood tells it att
nästan samtliga amerikanska filmer som är skapade för den kommersiella stormarknaden är
konstruerade utifrån samma traditionella filmestetiska mall, där särskilda principer bestämmer
kamerapositioner- och rörelser.4 Exempel på nya filmer som tycks förhålla till denna
traditionella filmmall är Suicide Squad (2016), The Jungle Book (2016) och Rogue One: A
Star Wars Story (2016), alla skapade med en budget på minst 100 miljoner dollar.5 När en stor
filmbudget fastställs för en amerikansk filmproduktion minimeras i de flesta fallen regissörens
kontroll över filmen, bl.a. på grund av att en större budget ökar riskerna av en eventuell
ekonomisk förlust. En regissör som pendlar mellan filmproduktioner med stora och små
budgets är Danny Boyle. Regissören förklarar hur budgeten för hans långfilm Slumdog
Millionaire (2008) ansågs vara liten och gav honom därmed friheten av vara mer
experimentell i sitt filmskapande.6
Detta forskningsarbete har för avsikt att diskutera och undersöka två filmskapare som
lyckats skapa särskilda kreativa maktpositioner inom ramen för amerikanska filmer med en
budget över 100 miljoner dollar. Filmskaparna är Alejandro G. Iñárritu och Alfonso Cuarón.
1 Bordwell, David, The way Hollywood tells it [Elektronisk resurs], Berkeley: University of California Press,
2006, s. 173. 2 Bordwell, 2006, s. 173-174. 3 ”Moonlight”, IMDb, uppslagspost hämtad från http://www.imdb.com/title/tt4975722/awards, (2017-05-07). 4 Bordwell, 2006, s. 180. 5 “2016 Domestic Grosses”, Box Office Mojo, uppslagspost hämtad från
http://www.boxofficemojo.com/yearly/chart/?yr=2016&p=.htm, (2017-05-07). 6 Bordwell, David & Thompson, Kristin, Film art: an introduction [Elektronisk resurs], 10., omarb. uppl. New
skapas tillsammans med regissörens tekniska färdigheter och personliga stil.15 Det inre lagret
ska kunna fastställa om regissören är en tekniker (yttre lager), en stilist (mitten-lager) eller en
auteur (inre lager). För att erhålla titeln som auteur anser Sarris att en regissör måste skapa
filmer med en djupare mening, en djupare tematik, men samtidigt också uppfylla kriterier som
tekniker och stilist.16
I analysen kommer Christine Etherington-Wrights och Ruth Doughtys auteurdiagram att
användas. Diagrammet kan ses som en mer funktionell version av Sarris cirkelmodell, som
förtydligar cirkelns funktion och tillåter en betydligt mer detaljrik analys. Auteurdiagrammet
är modernt och av denna anledning blir användningen av det mer befogad. Sarris cirkelmodell
utvecklades under 60–talet och kan av den anledningen ha förlorat lite av sin funktion i en
mer modern filmkontext. Etherington-Wright och Doughty problematiserar Sarris auteurteori
genom att föra resonemanget att en färdigställd film är en konstruktion skapad av flera olika
kreatörer, som exempelvis består av fotografer, ljussättare, skådespelare, scenografer,
kostymörer, designers av visuella effekter och kompositörer. I många fall ignoreras dessa
kreatörer i en traditionell auteurteoretisk diskussion och istället faller all uppmärksamhet på
regissörens yrkesroll. Detta moderna förhållningssätt till auteurteorin, som avromantiserar
regissörens avgörande roll inom filmproduktion, kan tyckas skapa en mer bred och
heltäckande analys. Förhållningssättet hjälper forskningsarbetet att undvika analysresultat
som minimaliserar andra filmkreatörers inverkan i filmproduktionen, vilka kan uppstå genom
Sarris modell.
Etherington-Wrights och Doughtys modell innehåller fyra kategorier som omringar
begreppet auteur. Varje kategori innehåller frågeställningar som ska appliceras och besvaras i
denna uppsats analysdel.
1) Biografiska detaljer: Uttrycks detaljer från regissörernas privatliv i filmernas innehåll?
Genom vilka egenskaper sker uttrycket? Tematik? Estetik?
2) Teman: Vilken är filmernas tematik? Finns det något gemensamt tematiskt mönster i
regissörens filmer?
3) Estetik: Hur ser filmernas estetik ut? Går det att identifiera gemensamma mönster i
filmernas estetik?
4) Produktion: Använder sig regissören av samma skådespelare, fotografer eller
manusförfattare i sina filmer? Vilken inverkan har kreatörerna på filmerna de medverkar i?
15 Etherington-Wright & Doughty, 2011, s. 8. 16 Sarris, Andrew, “Notes on the Auteur Theory” i Braudy, Leo & Cohen, Marshall (red.), Film theory and
criticism: introductory readings, 7., omarb. uppl. New York: Oxford University Press, 2009, s. 451-454.
7
De fyra kategorierna ska effektivisera analysen och hjälpa till att skärpa fokus på aspekter
som är relevanta för auteurteorin. Etherington-Wright och Doughty betraktar kategorin
biografiska detaljer som en avgörande komponent i sitt auteurdiagram. Deras bild av en
auteur definierar huvudsakligen en filmskapare som i de flesta fallen låter biografiska detaljer,
erfarenheter och idéer formade i filmskaparens privatliv komma till uttryck genom filmernas
estetik och tematik.17 Etherington-Wrights och Doughtys biografiska detaljer motsvarar det
inre lagret, den djupare meningen, i Sarris auteurteoretiska cirkel.
5. Karriäröversikt: Alfonso Cuarón
När den mexikanska filmskaparen Alfonso Cuarón regisserade sin första långfilm, Sólo con tu
pareja, hade han redan lyckats ackumulera värdefulla erfarenheter inom filmområdet. En av
dem som kom att bli avgörande under hans kommande filmkarriär var möjligheten att lära
känna den mexikanska filmfotografen Emmanuel Lubezki. Cuarón och Lubezki blev vänner
när de deltog i den mexikanska filmutbildningen Centro Universitario de Estudios
Cinematográficos.18 Detta var en start på ett långt filmsamarbete som senare genererade bl.a.
ett särskilt bildspråk.19
Sólo con tu pareja var Cuaróns och Lubezkis första filmsamarbete och redan där går det
att registrera en närvaro av en strävan av att vilja utmana filmspråket och vara innovativ.
Filmen utspelar sig i México City och Cuarón gestaltar staden annorlunda från tidigare
mexikanska filmgestaltningar, vilka lade fokus på kriminalitet och korruption.20 Cuarón
försöker dra paralleller med arkitekturen i New York och ger den mexikanska staden en
ljusare ton. Han tycks vara inspirerad av avslappnade komedier i storstadsmiljöer, som
exempelvis Woody Allens Annie Hall (1977). Sólo con tu pareja gjorde en inhemsk framgång
i México och fångade den amerikanska regissören och skådespelaren Sydney Pollocks
uppmärksamhet. Pollock bjöd över Cuarón till USA och erbjöd honom rollen som regissör på
den amerikanska TV–serien Fallen Angels (1993–1995).21 Cuarón valde att lämna den
17 Etherington-Wright & Doughty, 2011, s. 9-12. 18 Bafta LA, ”Behind closed doors with Alfonso Cuarón” [Video], tillgänglig: https://vimeo.com/88807674,
2014, (hämtad: 2017-03-15). 19 Gills, Melina, “Alfonso Cuarón and Emmanuel Lubezki unraveled the mystery of great filmmaking at Tribeca
2016”, 21 april 2016. Tillgänglig: https://tribecafilm.com/stories/tribeca-film-festival-talks-directors-series-
alfonso-cuaron-emmanuel-lubezki-conversation-recap, (hämtad 2017-03-15). 20 Haddu, Miriam, Contemporary Mexican Cinema, 1989-1999: History, Space and Identity [Elektronisk resurs]
New York: Edwin Mellen Press, 2007, s. 196-197. 21 Bafta LA, ”Behind closed doors with Alfonso Cuarón” [Video], tillgänglig: https://vimeo.com/88807674, 2014
(hämtad: 2017-03-15).
8
mexikanska filmscenen redan efter sin första långfilm.
Mellan 1993–1998 regisserade Cuarón två amerikanska långfilmer och ett avsnitt av
TV-serien Fallen Angels.22 Den första långfilmen var den fantasifyllda familjeberättelsen A
Little Princess (1995), en ny version av en film med samma titel från 1939.23 Cuarón har
beskrivit filmen som ett av hans bästa verk. Inställningen gentemot filmen kan tyckas vara
baserad på hur fort Cuarón tilldelades rollen som regissör. I en intervju berättar filmskaparen
att han erbjöds filmen, baserad på en bok av Frances Hodgson Burnett, redan efter ett möte.24
A Little Princess producerades bl.a. av Warners Bros, med en budget på 17 miljoner dollar25.
Filmen möttes positivt av kritiker och innehåller, precis som Sólo con tu pareja, egenskaper
som understryker regissörens vilja att vara nyskapande. Janet Maslin beskriver Cuarón i sin
recension av filmen i The New York Times som ”[a]n energetic Mexican-born film maker of
prodigious talent, ‘A Little Princes’ takes enough liberties to re-invent rather than embalm
Miss Burnett's assiduously beloved story”.26 A Little Princess gjorde dock inte särskilt mycket
väsen av sig rent ekonomiskt.27
Cuaróns nästa film, Great Expectations (Lysande utsikter, 1998), är baserad på en bok
av Charles Dickens, och filmens skådespelarensemble bestod bl.a. av den Oscarsbelönade
Robert De Niro och Ethan Hawke och Gwyneth Paltrow. Produktionsbudgeten var 25
miljoner dollar och bakom filmen stod studion Twentieth Century Fox.28 Cuarón påstår att
han under produktionen kontrollerades kraftigt av Twentieth Century Fox, vilket enligt
honom gav en negativ påverkan på den filmiska vision som var tänkt för filmen.29
Recensenten Roger Ebert gav Great Expectations ett högt betyg i sin recension. Han
understryker Cuaróns och Lubezkis lyckade samarbete och deras förmåga att skapa en visuellt
22 ”Alfonso Cuarón”, IMDb, uppslagspost hämtad från http://www.imdb.com/name/nm0190859/ (2017-03-28). 23 ”A Little Princess”, IMDb, uppslagspost hämtad från http://www.imdb.com/title/tt0031580/?ref_=nv_sr_1
(2017-03-28). 24 Bafta LA, ”Behind closed doors with Alfonso Cuarón” [Video], tillgänglig: https://vimeo.com/88807674,
2014, (hämtad: 2017-03-15). 25 ”A Little Princess”, IMDb, uppslagspost hämtad från
http://www.imdb.com/title/tt0113670/business?ref_=tt_dt_bus (2017-03-28). 26 Maslin, Janet, “FILM REVIEW; Fairy Tale Doing a Child's Job: Reveling in Exuberant Play”, New York
27 ”A Little Princess”, IMDb, uppslagspost hämtad från http://www.imdb.com/title/tt0031580/?ref_=nv_sr_1
(2017-03-28). 28 ”Great Expectations”, IMDb, uppslagspost hämtad från
http://www.imdb.com/title/tt0119223/business?ref_=tt_dt_bus (2017-03-29). 29 Shaw, 2013, s. 170.
9
intressant och djup film.30 Cuarón beskriver dock filmen som ett totalt misslyckande och
förklarar att de starka visuella egenskaper som Ebert hyllar, egentligen är kompromisser för
saknaden av ett starkt manus.31 Filmskaparen har erkänt många år senare att motivationen
bakom hans deltagande i filmen inte var rätt och saknade passion.
Cuarón valde efter han färdigställt Great Expectations att återvända till sina rötter, både
filmmässigt och kulturellt. Detta var ett betydelsefullt beslut som skulle öppna viktiga dörrar i
Hollywood senare i hans karriär. Cuaróns återkomst till sina filmrötter och den mexikanska
kulturen skulle vara det första steget in i en ny visuell stil, där den långa tagningen skulle bli
den centrala filmtekniken och känneteckna en ny fas i Cuaróns karriär. De nya och starka
visuella egenskaperna skulle få uttryck i alla hans kommande filmer, varse sig det var ett
mindre projekt eller stora studiofinansierade filmer. Cuarón återvände tillbaka till Mexico
under början av 2000-talet för att spela in sin koncentrerade mexikanska road movie, Y Tu
Mamá Tambíen. Med erfarenheten av Great Expectations förklarade Cuarón för Emmanuel
Lubezki att deras nästa film, Y Tu Mamá Tambíen, skulle skapas med samma inställning som
de två hade innan de gavs sig in i filmbranschen. En friare inställning där de inte begränsade
sig själva genom att följa traditionella berättartekniker för principens skull.32 Denna
inställning kom att ha en tydlig närvaro i filmen.
Cuarón skrev manuset till Y Tu Mamá Tambíen tillsammans med sin bror, Carlos, och
filmen kan beskrivas som en egenartad road movie, som bl.a. handlar om övergången från
tonåring till vuxen, sexualitet och klassamhället i México. Gael García Bernal och Diego
Luna spelar de två tonåringarna som ger sig ut på ett äventyr genom Mexico tillsammans med
Luisa, spelad av den spanska skådespelaren Maribel Verdú. Projektet hade en liten
produktionsbudget på 2 miljoner dollar.33 Den blygsamma budgeten förstärker idén av att Y
Tu Mamá Tambíen var en vändpunkt för Cuaróns filmkarriär, ett moment som skulle begränsa
Cuarón, utmana hans kreativitet och tvinga honom återuppliva sin passion för film. Filmen
gestaltas genom flera långa tagningar, Lubezki beskriver stilen i Y Tu Mamá Tambíen som en
reaktion på den föregående filmen.34 I en intervju arrangerad av British Academy of Film and
30 Ebert, Roger, “Great Expectations”, 30 januari 1998. Tillgänglig: http://www.rogerebert.com/reviews/great-
expectations-1998 (hämtad 2017-03-29). 31 Gills, Melina, “Alfonso Cuarón and Emmanuel Lubezki unraveled the mystery of great filmmaking at Tribeca
2016”, 2016. 32 Bafta LA, ”Behind closed doors with Alfonso Cuarón” [Video], tillgänglig: https://vimeo.com/88807674,
2014, (hämtad: 2017-03-29). 33 ”Y Tu Mamá Tambíen”, IMDb, uppslagspost hämtad från
http://www.imdb.com/title/tt0245574/business?ref_=tt_dt_bus (2017-04-03). 34 Riley, Jenelle, “Cuaron, Lubezki talk Mistakes, Long Takes and How Peter Gabriel Made ‘Gravity’ Possible”,
Variety, 13 februari 2014. Tillgänglig: http://variety.com/2014/film/awards/cuaron-lubezki-1201102584/
Television Arts förklarade Cuarón att han, med Y Tu Mamá Tambíen, bl.a. hade i åtanke att
göra en objektiv och balanserad gestaltning där alla filmelement behandlades med samma
mängd respekt. Cuarón menade att en närbild på en karaktärs ansikte hade gjort filmmiljön till
en bakgrundskomponent, istället använder han sig av breda vinklar och långa tagningar. Alla
element ska med detta tillvägagångsätt få samma typ av utrymme på filmrutan.35
Y Tu Mamá Tambíen gjorde en stor ekonomisk och konstnärlig framgång, den fick bl.a.
en Oscarsnominering för bästa manus och filmens gestaltning av ungdomar lyckades fånga
uppmärksamheten av Harry Potter-författaren J.K. Rowling, som tillsammans med Warner
Bros. höll på söka efter en regissör till filmatiseringen av den tredje Harry Potter boken,
Harry Potter and the Prisoner of Azkaban.36 I en intervju med Cuarón och J.K. Rowling, i
extra materialet av Harry Potter and the Prisoner of Azkaban, berättar författaren hur hon såg
en särskild kvalité hos Cuarón som filmskapare. Cuaróns Harry Potter innehåller, som dagens
blockbusterfilmer, inget som kan uppfattas som avvikande för den säkra stilen som används i
filmer med enorma budgets. I filmens centrum står karaktärerna och den magiska miljön,
dock tar filmen en annan riktning i jämförelse med de två föregående filmerna. Cuarón ger det
fiktiva universumet en mörkare och allvarligare ton. I en diskret form använder Cuarón sig
även av sin visuella prägel som introducerades i Y Tu Mamá Tambíen. Tre informationsrika
scener i filmen gestaltas genom Cuaróns ”långa tagning”. I den enormt stora inspelningen
hittade Cuarón ett sätt att arbeta inom Hollywood utan att fullständigt begränsa sin vision för
filmen.37 Harry Potter gjorde en enorm ekonomisk framgång och anses idag vara en av de
bästa filmerna av de åtta filmatiseringarna.38
I Cuaróns nästa film, Children of Men (2006) är den långa tagningen den dominerande
tekniken i nästan samtliga scener.39 Filmen producerades av bl.a. Universal Pictures med en
budget på cirka 76 miljoner dollar och utspelar sig i ett dystopiskt och fascistiskt
Storbritannien, i en värld där människan förlorat förmågan att reproducera.40 Filmforskare är
35 xixrubenxix, ”Alfonso Cuaron Interview of his achievements” [Video], tillgänglig:
https://www.youtube.com/watch?v=l4a6_ix_XYE, (hämtad: 2017-04-03). 36 Long, Ryan & Baer, Hester, “Transnational Cinema and the Mexican State in Alfonso Cuarón’s “Y tu mama
también”, South Central Review, vol. 21 nr. 3, 2004, s. 151-152. 37 Thompson, Kristin, “Gravity, Part 1: Two characters adrift in an experimental film, Observations on film art”,
an-experimental-film/ (hämtad 2017-02-19. 38 ”Harry Potter and the Prisoner of Azkaban”, IMDb, uppslagspost hämtad från
http://www.imdb.com/title/tt0304141/ (2017-04-13). 39 Domingo, Julia Echeverria, “Liquid Cinematography and the Representation of Viral Threats in Alfonso
Cuarón’s Children of Men”, Journal of the Spanish Association of Anglo-American Studies, vol. 37 nr. 2 , 2015,
s. 141. 40 ”Children of Men”, IMDb, uppslagspost hämtad från
oeniga kring betydelsen av Cuaróns långa tagning, en forskare påstår att den långa tagningen
är en representation av filmskaparens växande status som auteur, medan en annan forskare
avromantiserar betydelsen och betraktar tekniken som endast en konstnärlig prägel som
bekräftar regissörens annorlunda visuella stil.
Med Children of Men hade Cuarón nått en punkt där han betraktades av många som en
särskild regissör med en unik och konstnärlig vision. Children of Men gjorde dåligt ifrån sig
kommersiellt men den ekonomiska förlusten påverkade inte Cuaróns växande rykte.41 Han var
ett steg närmare regissörer som exempelvis Steven Spielberg och Ingmar Bergman.
Filmskapare som tycks ha haft eller har ett säkerhetsnät som garanterar att deras föregående
floppar inte påverkar finansieringen av deras kommande projekt. Filmskaparnas konstnärliga
vision värderas högre än filmernas intäkter. Children of Men nominerades för bästa manus
efter förlaga, bästa foto och bästa klipp under Oscarsgalan (2007).
Sju år efter Children of Men, den ekonomiska förlusten och den växande statusen som
en av de stora filmregissörerna hade Warner Bros. nya rymdfilm Gravity premiär.42 På
Oscarsgalan (2014), tjugotre år efter premiären av Sólo con tu pareja, nominerades Gravity i
tio kategorier och vann sju av dem. Två av de kategorier som filmen tar hem är bästa regi
(Alfonso Cuarón) och bästa foto (Emmanuel Lubezki).43
Gravity inleds med en lång tagning som varar i tretton minuter, Cuarón tycks med alla
sina långfilmer röra sig närmare ett personligt filmspråk. Vars konstruktion även ska kunna
överleva och uttryckas inom ramarna av en stor Hollywoodfilm. I många av
filmdiskussionerna gällande Cuarón, understryks ofta regissörens nationella tillhörighet,
märkligt nog är endast tre av regissörens åtta långfilmer mexikanska. Cuaróns amerikanska
titlar tycks även ha gjort ett större avtryck i sin respektive marknad än vad de mexikanska
filmerna gjort. Idag tycks Cuarón vara mer en synonym för tekniskt kraftiga filmer än en
regissör som skapar filmer med starka mexikanska värderingar.
Redan efter sin första långfilm, Sólo con tu pareja, verkar Cuarón haft Hollywood som
mål för sin yrkesplats. Med sina filmer har han samarbetet med flera av de stora studiorna i
Hollywood, Warner Bros., Universal Pictures och Twentieth Century Fox. Cuarón har
utvecklat en personlig visuell stil som synkroniseras med filmernas tematik. Filmskaparens
personliga uttryck kan tolkas som en sällsynt självständighet inom Hollywoodproduktioner,
som också fungerar som en beskrivning av Cuaróns maktposition inom industrin. En position
41 Domingo 2015, s. 141. 42 ”Gravity”, IMDb, uppslagspost hämtad från http://www.imdb.com/title/tt1454468/ (2017-04-14). 43 ”Gravity”, IMDb, uppslagspost hämtad från: http://www.imdb.com/title/tt1454468/awards?ref_=tt_awd
(2017-04-14).
12
som Cuarón tycks hamnat i genom flera konstnärliga erkännande, men framförallt den stora
ekonomiska vinst ett antal av hans filmer åstadkommit. Inspelningen av Great Expectations,
som Cuarón beskrev som ett misslyckande, kan också ses som ett moment som skapade en
stark erfarenhet för filmskaparen, som sedan skulle hjälpa honom mot hans maktposition.
Cuarón tycks genom erfarenheten ha lärt sig på vilket sätt han ska kunna arbeta inom ramarna
av stora Hollywoodfilmer.
6. Karriäröversikt: Alejandro G. Iñarritu
Alejandro G. Iñárritu hade, precis som Cuarón, lyckats ackumulera värdefulla erfarenheter
inom filmområdet innan han regisserade sin första långfilm, Amores Perros. Istället för en
upplevelse vars kvalité var den avgörande aspekten, som Cuaróns givande vänskap och
samarbete med Lubezki, var det kvantiteten av en specifik upplevelse som lade en stark grund
för Iñárritus framgång. Erfarenheten var reklamfilmer, Iñárritu producerade och regisserade
över 100 stycken reklamfilmer innan han gjorde en övergång till långfilmsregissör.44
I samband med en kortfilmssatsning träffade Iñárritu den mexikanska manusförfattaren
Guillermo Arriaga. Manusförfattaren skrev manuset till Iñárritus debutlångfilm Amores
Perros. Tillsammans skapade Arriagas och Iñárritus samarbete tre framgångsrika långfilmer
med liknande dramaturgisk stil. Filmduon kom dock att nå en bitter slutpunkt efter deras sista
samarbete med långfilmen Babel (2008).45 Manuset till Amores Perros, och de två filmerna
som följde, innehåller en icke linjär struktur och flera stycken protagonister. Filmernas
tematik är kopplad till intensiva mänskliga känslor och upplevelser, som exempelvis smärta
och döden. Dessa tre egenskaper, särskilt viljan att gestalta berättelser med döden som en
huvudkomponent, kännetecknar Iñárritus stil. Filmskaparen påstår att hans fascination för den
icke linjära strukturen är influerad från två håll, hans pappas sätt att berätta vardagliga
historier och anekdoter. Iñárritu förklarar att hans pappas berättelser alltid hoppade i tid, men
alltid höll en stark rödtråd. Den andra influensen hittas i filmhistoria, i filmer som exempelvis
Akira Kurosawas Rashomon (1950).46
Den allvarliga och våldsamma Amores Perros blev en kommersiell framgång och precis
som Cuarón valde Iñárritu att lämna México efter sin första långfilm.47 Skillnaden mellan
44 Deleyto, Celestino & del Mar Azcona, Maria, Contemporary film directors: Alejandro González Iñárritu
[Elektronisk resurs], Chicago: University of Illinois Press, 2010, s. 11. 45 Macnab, Geoffrey, “The story of my death”, The Guardian, 20 februari 2009. Tillgänglig:
https://www.theguardian.com/film/2009/feb/20/guillermo-arriaga-film-mexico (hämtad 2017-03-24). 46 Deleyto & del Mar Azcona, 2010, s. 129. 47 Deleyto & del Mar Azcona, 2010, s. 11.
13
regissörerna var att Iñárritu fortsatte med sin nästa film 21 Gram (2003) att utveckla stilen
som han hade arbetat fram i Amores Perros, och undvek att ge sig in i Hollywoods
studiosystem.48 Till skillnad från Cuarón, som redan efter två långfilmer hade hunnit
samarbeta med giganterna Warners Bros. och Twentieth Century Fox, valde Iñárritu att finna
det ekonomiska stödet för sin första amerikanska film hos ett independentbolag. Iñárritus
första amerikanska film skedde med mexikanska filmarbetare i viktiga och avgörande
yrkesroller. Guillermo Arriaga skrev manuset och den mexikanska fotografen Rodrigo Prieto
som fotade Amores Perros återvände som fotograf.49 21 Gram tacklar extrema och mörka
livssituationer som diskuterar fattigdom, extrem religiös utövning i USA, döden och
klassfrågor. Valet av att vända sig mot independentbolag för finansiering kan ses som det
enda alternativet för Iñárritu, då en film med så pass allvarlig tematik och gestaltning inte
tycks vara en film med kommersiell potential och därmed inte tilltala en stor
Hollywoodstudio. Den amerikanska skådespelaren och komikern Bob Hopes
produktionsbolag That Is That var med och delfinansierade 21 Gram, tillsammans med bl.a. Y
Productions och Mediana Productions.50 I filmen medverkar Sean Penn, Naomi Watts,
Benicio Del Toro och Charlotte Gainsbourg.
Under början av 2000-talet tillhörde Iñárritu en ny våg av mexikanska filmskapare och
skådespelare, tillsammans med Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, Salma Hayek och Gael
García Bernal. De representerade mexikansk talang och framgång inom det amerikanska
filmområdet. 21 Gram producerades med en budget på 25 miljoner dollar och gjorde sedan en
global ekonomisk framgång.51 Iñárritu höll på, redan efter två långfilmer, att etablera sig som
en av de främsta filmskaparna under 2000-talet. Den icke linjära strukturen med flera
protagonister och den detaljrika gestaltningen av människor från olika klasser och kulturer var
något alldeles nytt och speciellt.52 Iñárritus nästa film, Babel (2006), skulle bli hans sista film
med det berättandet som dominerat Amores Perros och 21 Gram.
Iñárritu närmade sig finansieringen av Babel med en transnationell inställning, uttryckt i
produktion men också innehåll. Babel kom att bli en amerikansk, mexikansk och fransk
filmproduktion.53 Filmen var en stor utmaning som skulle tilltala en global publik och
inspelningsplatserna var i Marocko, México, USA och Japan. Babel avslutade Iñárritus trilogi
48 Deleyto & del Mar Azcona, 2010, s. 134. 49 Shaw, 2013, s. 115. 50 ”21 Grams”, IMDb, uppslagspost hämtad från http://www.imdb.com/title/tt0315733/?ref_=nv_sr_1 (2017-03-
30). 51 Shaw, 2013, s. 119. 52 Azcona Montoliú, Maria del Mar, “A Time to Love and a Time to Die: Desire and Narrative Structure in 21
Grams”, Journal of the Spanish Association of Anglo-American Studies, vol. 31 nr. 2, 2009, s. 116. 53 Shaw, 2013, s. 7.
14
av intensiva filmberättelser med flera protagonister och icke linjära strukturer, samt hans
samarbete med manusförfattaren Guillermo Arriaga. Precis som 21 Gram, var Babels
skådespelarensemble ett tecken på Iñárritu status som en eftertraktad filmskapare med
tilldragande energi. Filmens ensemble bestod bl.a. av Brad Pitt, Cate Blanchett och Gael
García Bernal och produktionsbudgeten lade på samma summa som 21 Gram, 25 miljoner
dollar.54 Babel handlar om människans oförmåga att kommunicera och utspelar sig i USA,
México, Marocko och Japan. Iñarritu står med som manusförfattare på filmen, vilket var en av
anledningar till konflikten som uppstod mellan Iñárritu och manusförfattaren Arriaga.55
Med Babel tycks Iñárritu öppna upp sin räckvidd som filmskapare och ett tydligt
utvecklingsmönster går att identifiera. Filmskaparen går från Amores Perros i Mexico, till 21
Gram i USA, till Babel, en film som utspelar sig i fyra olika länder och där filmarbetarna och
skådespelarna skiftar med vartenda land som inspelningarna sker i. Hans tematiks räckvidd
kan ses som global och filmens ekonomiska framgång kan ses som en egenskap som bekräftar
hans utveckling. Babel vann en Oscar och nominerades i sex andra kategorier, bl.a. bästa film
och bästa regi.56
Iñárritu fortsatte sitt internationella filmskapande med Biutiful, en film som utspelar sig
i Barcelonas slumområden med Javier Bardem i huvudrollen. Biutiful var Iñárritus första film
utan manusförfattaren Guillermo Arriaga och som inte innehöll det icke linjära berättandet
med flera stycken protagonister, som nu kännetecknade Iñárritus stil som regissör. Biutiful
representerar ”mitten-filmen” i uppsatsens urval, den är en avgörande del i filmskaparens
ändring av riktning i hans filmstil. Iñárritu beskriver Biutiful som en linjär berättelse som
fokuserar på endast en karaktär, en subjektiv film som har lite att göra med hans tre tidigare
filmer. Biutiful har starka spirituella och paranormala inslag och filmen uppmärksammar
dåtidens flyktingsituation i Barcelona och fattigdomen som försiggår under ytan av den
glorifierade turistbilden av staden.57 Iñárritus fascination för döden och extrema
livssituationer är en del av kärnan även i Biutiful. Den uttrycks bl.a. genom Marambra, en
kvinnlig karaktär som lider av bipolär sjukdom. Marambra spelas av den argentinska
teaterskådespelaren Maricel Álvarez och är en av flera individer som tillsammans med
filmens inspelningsplats kan definiera Biutiful som ett transnationellt filmprojekt. Bland
54 ”Babel”, IMDb, uppslagspost hämtad från http://www.imdb.com/title/tt0449467/business?ref_=tt_dt_bus
(2017-04-03). 55 Rafferty, Terrence, “Now Playing: Auteur vs. Auteur”, New York Times, 22 oktober 2006. Tillgänglig:
av Emmanuel Lubezki, fotografen som arbetat på nästan alla av Cuaróns långfilmer. Hans
närvaro och roll som fotograf i Birdman och användning av den långa tagningen tycks dra
liknelser mellan Iñárritus film och Cuaróns Gravity. Den långa tagningen uttrycks dock på
annorlunda sätt i de två filmerna och fyller olika funktioner. I Birdman hjälper den långa
tagningen att intensifiera publikens relation till huvudkaraktären Reagan, spelad av Michael
Keaton, och hans kaotiska och stressfyllda resa till framgång.62 På Oscarsgalan (2015), året
efter Cuarón belönades med en Oscar för bästa regi och Lubezki en för bästa foto med
Gravity, nominerades Birdman inom nio kategorier, där den vann fyra. Precis som Cuarón
året innan vann Iñárritu en Oscar för bästa regi, Birdman vann också bl.a. kategorin bästa film
och bästa manus, Emmanuel Lubezki vann för bästa foto, andra året i rad.63
Iñárritu senaste film, The Revenant, var en kommersiell framgång och lyckades
överstiga sin budgetsumma genom intäkter och generera vinst.64 Under Oscarsgalan (2016),
året efter Birdman belönades med ett flertal priser, vann Lubezki återigen kategorin bästa foto
och Iñárritu kategorin bästa regi. Iñárritu har uppnått samma form av konstnärligt erkännande
och ekonomisk framgång som Alfonso Cuarón, dock genom en helt annan form av filmiskt
uttryck och tillvägagångsätt. När det gäller filmproduktion har Iñárritu aldrig samarbetet med
dem stora bolagen i Hollywood, som exempelvis Warner Bros., Universal Pictures och
Twentieth Century Fox. Felaktiga påståenden kring hans samarbete med Hollywood kan ha
uppstått då regissören använder sig av, i nästan alla sina filmer, världskända skådespelare som
associeras med Hollywood. Det verkar som att Iñárritu genom sitt starka rykte som
filmskapare, som lockar till sig världsklassiga skådespelare och den relativt låga budgeten av
sina fem första filmer, lyckats skapa en sällsynt självständighet inom den amerikanska filmen.
Iñárritu påstår att han har full kontroll över sina filmer och deras innehåll i inspelnings- och
efterproduktionssammanhang.65
7. Analys
Jag har valt att göra min analys i en kronologisk ordning efter premiärdatum. Varje film i mitt
urval kommer att presenteras under en egen rubrik och med en kort introduktion av filmens
62 Barnette, Jane, “How to do things with birds: The Janus effect in theatrical adaptation”, Journal of Adaptation
in Film & Performance, vol. 9 nr. 2, 2016, s. 136-137. 63 ”Birdman”, IMDb, uppslagspost hämtad från http://www.imdb.com/title/tt2562232/awards?ref_=tt_awd
82017-04-18). 64 ”The Revenant”, IMDb, uppslagspost hämtad från
http://www.imdb.com/title/tt1663202/business?ref_=tt_dt_bus (2017-04-18). 65 Deleyto & del Mar Azcona, 2010, s. 122-123.
premiär, hur den mottogs av kritiker, samt en kort genomgång av handlingen. Jag kommer att
använda mig av Etherington-Wrights och Doughtys auteurdiagram, som fokuserar på
biografiska detaljer, teman, estetik och produktion, i avseende att effektivisera uppsatsens
auteurteoretiska analys av de sex filmerna.
7.1 Sólo con tu pareja (Älska mig till döds, 1991)
Efter hamnat på censurhyllan under ett års tid, ett beslut tagit av Mexikanska Filminstitutet,
fick Alfonso Cuaróns första långfilm Sólo con tu pareja under 1992 sin efterlängtade premiär
i Mexico. Filmen var en kommersiell framgång och visades även internationellt på Toronto
Filmfestival.66 Det skulle dröja fram till 2006 innan Sólo con tu pareja skulle få sin
amerikanska premiär, detta i samband med en hyllning till regissören Cuarón som
arrangerades på Lincoln Center i New York.67 Samtliga recensioner som är tillgänglig om
Sólo con tu pareja är skriva under 2000-talet och är strukturerade som jämförelser med
Cuaróns senare filmer. Sólo con tu pareja jämförs med titlar som Children of Men och Harry
Potter and the Prisoner of Azkaban. Filmskaparens första långfilm kritiseras hårt för sin
mediokra nivå, på hemsidan Film Journal International skrev Eric Monder ”[…] it is hard to
fathom how such a talented artist could come up with such a painfully unfunny comedy”.68
Sólo con tu pareja är en komedifilm som bl.a. väljer att diskutera den dödliga
sjukdomen AIDS i en humoristisk kontext med en medelklassmiljö som arena. Filmens
huvudkaraktär Tomás, spelad av Daniel Giménez Cacho, är en man i den mexikanska
medelklassen som jobbar åt ett reklambolag. Han spenderar sina arbetsdagar genom att skapa
olika slogans för diverse TV-reklamer. På sin fritid, och även under sina arbetstimmar,
tillfredsställer Tomás sitt ständiga behov av att ha samlag med olika kvinnor. Tomás behov
tillsammans med hans syn på sitt arbete som den absolut främsta prioriteringen formar ett
beteende som är respektlöst och motbjudande mot kvinnorna som han kommer i kontakt med.
För att lösa konflikterna som uppstår i sin vardag vänder Tomás sig mot sina enda vänner,
hans grannar dr. Mateo Mateos och hans fru Teresa de Teresa. Spelade av Luis de Icaza och
Astrid Hadad.
Biografiska detaljer
Alfonso Cuarón och hans bror, manusförfattaren till Sólo con tu pareja, Carlos Cuarón
66 Zarandona, José, “Alfonso Cuarón”, Senses of cinema, 28 oktober 2014. Tillgänglig:
http://sensesofcinema.com/2009/great-directors/alfonso-cuaron/ (hämtad 2017-04-24). 67 Marie De La Fuente, Anna, ”’Hysteria erupts at IFC”, Daily Variety, 5 september 2006, s. 6, (hämtad 2017-04-
24). 68 Film Journal International, ”SOLO CON TU PAREJA”, 2006. Tillgänglig: http://www.filmjournal.com/solo-
förklarar i extra materialet av Criterion Collection-utgåvan av Sólo con tu pareja om
influenserna och idéerna bakom filmen. Alfonso Cuarón var djupt inspirerad av den
amerikanska genren Screwballkomedin, en genre som fick en stor popularitet under den stora
depressionen i USA.69 Genren var en reaktion på folkets hopplösa och negativa
sinnesstämning. Den bestod av filmer med en form av fånig komedi där handlingen kretsade
kring äktenskapsproblem och mäns attraktion till vackra kvinnor.70 Med Sólo con tu pareja
ville Cuarón försöka göra en Screwballkomedi i en mexikansk 90-tals medelklassmiljö.
Cuarón verkade försöka reflektera egna erfarenheter, där han varit på sjukhusbesök och
läkaren uttryckt en avslappnade inställning gentemot AIDS-epidemin. Filmskaparen berättade
i en intervju att en läkare en gång förklarade för honom att AIDS endast var en sjukdom som
drabbade homosexuella.71 I Sólo con tu pareja tycks karaktärerna leva i någon form av
förnekelse av AIDS-epidemin. När sjukdomen slutligen blir relevant för karaktärerna och når
deras tillvaro blir de alla påverkade på en allvarlig nivå. Även dr. Mateos liv vänds upp och
ner, han får senare i filmen tillgång till ett sjukhusdokument som listar alla personer Tómas
haft samlag med. En av namnen på listan är Teresa de Teresa, dr. Mateos fru.
Teman
Filmens stora tematik är sex och hur medelklassen och framförallt Tómas oansvarigt förhåller
sig till samlag. Det oansvariga förhållningssättet blir allt grövre då filmen utspelar sig under
den globala AIDS-epidemin. Cuarón var den första filmskaparen i México att gestalta ett så
pass allvarligt tema som AIDS-epidemin genom genrekomedin.72 Manusförfattaren Carlos
Cuarón citerar Woody Allens beskrivning av komedigenren, ”Comedy is tragedy plus time”,
och förklarar att en av anledningarna till Sólo con tu parejas negativa mottagande av kritiker
kan ha berott på att komedifilmens tematik fortfarande var något aktuellt inom samhället.
Publiken hade behövt ytterligare tid för att kunna distansera sig från epidemin och uppfatta
komiken inom situationen.73
Estetik
Sólo con tu pareja var det första långfilmssamarbetet mellan fotografen Emmanuel Lubezki
69 Errhka, ”The Making of ’Solo con tu pareja’” [Video], tillgänglig:
https://www.youtube.com/watch?v=htbkRHH3Fz4 (hämtad: 2017-04-25). 70 Wigley, Samuel, ”10 great screwball comedy films”, BFI, 13 september 2015. Tillgänglig:
http://www.bfi.org.uk/news-opinion/news-bfi/lists/10-great-screwball-comedies (hämtad 2017-04-25). 71 Errhka, ”The Making of ’Solo con tu pareja’” [Video], tillgänglig:
https://www.youtube.com/watch?v=htbkRHH3Fz4, (hämtad: 2017-04-25). 72 Haddu, 2007, s. 192. 73 Errhka, ”The Making of ’Solo con tu pareja’” [Video], tillgänglig:
och regissören. Filmen har en stark visuell stil, bildspråket innehåller väl koreograferade
kamerarörelser och en stark stiliserad ljussättning. I många dagsljusscener slår skuggorna från
det öppna persiennerna hårt över karaktärernas ansikten. Kamerarörelserna påminner om de i
Martin Scorseses Goodfellas (1990), en film som året innan blivit nominerad till sex
Oscarsstatyetter.74 I många scener i Sólo con tu pareja rör sig kameran fram och bak, nästan
som om den var en person som interagerar med karaktärerna. I en bröllopsscen som utspelar
sig tidigt under filmen känns influenserna av Scorseses bildspråk vara tydliga. Kameran gör
en åkning genom gästerna och orienterar tittaren för miljön och karaktärerna. Under ett annat
tillfälle senare i sin karriär berättade Cuarón att han noggrant, tillsammans med sin fotograf
och vän Emmanuel Lubezki, studerat Scorsese och regissörens bildspråk. Tillsammans hade
filmskaparna fokuserat på den visuella stilen i Scorseses kortfilmsbidrag Life Lessons i
antologifilmen New York Stories (1989).75 Bildkompositionerna varierar i Sólo con tu pareja,
regissören använder sig av allt från närbilder, mellanbilder till extremt breda bilder. Det går
att registrera en vilja av att experimentera inom filmen, särskilt i den breda variationen av
bilder. I efterhand har Cuarón berättat att en av de motiverande faktorerna bakom skapandet
av Sólo con tu pareja var viljan att lära sig om filmmediets potential.76
Produktion
Sólo con tu pareja är fotagraferad av Emmanuel Lubezki och klippt av Luis Patlán och
Alfonso Cuarón. Birgitte Broch var filmens scenograf och musiken skrevs av Carlos
Warman.77 Det finns ingen specifik information kring filmen produktionsbudget. Deborah
Shaw nämner i The three amigos att den mexikanska filmproduktionen skapades med en låg
budget, däremot nämns ingen specifik siffra.78
7.2 Harry Potter and the Prisoner of Azkaban (Harry Potter och Fången från Azkaban,
2004)
De två föregående Harry Potter-filmerna, Harry Potter and the Sorcerer’s Stone (Harry
Potter och De vises sten, 2001) och Harry Potter and the Chamber of Secrets (Harry Potter
och Hemligheternas kammare, 2002), regisserades av Chris Columbus. En regissör med en
74 ”Goodfellas”, IMDb, uppslagspost hämtad från http://www.imdb.com/title/tt0099685/awards?ref_=tt_awd
(2017-04-21). 75 xixrubenxix, ”Alfonso Cuaron Interview of his achievements” [Video], tillgänglig:
https://www.youtube.com/watch?v=l4a6_ix_XYE, (hämtad: 2017-04-03). 76 Ibid. 77 ”Sólo con tu pareja”, IMDb, uppslagspost hämtad från
http://www.imdb.com/title/tt0102958/fullcredits?ref_=tt_ov_st_sm (2017-05-24). 78 Shaw, Deborah, The three amigos: the transnational filmmaking of Guillermo del Toro, Alejandro González
Iñárritu, and Alfonso Cuarón [Elektronisk resurs], Manchester: Manchester University Press, 2013, s. 14.
20
lång meritlista av filmer som kan beskrivas som barnberättelser eller familjevänliga komedier,
filmer som exempelvis Home Alone (Ensam hemma, 1990) och Bicentennial Man (200-
årsmannen, 1999).79 Columbus hade tagit de två första Harry Potter-filmerna i en liknande
riktning som många av sina tidigare långfilmer. När Alfonso Cuarón regisserade den tredje
filmen i Harry Potter-serien, Harry Potter and the Prisoner of Azkaban, gav regissören
filmserien en annan riktning. En som välkomnade en mörkare ton och tacklade mer komplexa
ämnen. Cuarón var inte den huvudsakliga anledningen bakom filmseriens nya riktning,
snarare en aktör som skulle vara den ansvariga bakom övergången. En förändring av riktning
går också att identifiera i boken.80 Harry Potter and the Prisoner of Azkaban var en stor
succé, ekonomiskt och kritiskt.81 Många kritiker anser att The Prisoner of Azakaban är en av
de bästa filmerna i filmserien.82 I sin artikel av filmen i Film & History: An Interdisciplinary
Journal of Film and Television Studies beskriver Care Lane Cuaróns mörka och gotiska
perspektiv på den fiktiva världen, ”In The Prisoner of Azkaban Hogwarts becomes a shadow
of its former self; the light, color, and warmth disappear”.83
Harry Potter rymmer hemifrån efter att han använt magi mot en släktning. Ute på
gatorna blir han upphämtad av en magisk buss, där förklarar konduktören att den notoriske
fången Sirius Black nyligen rymt från fängelset Azkaban. Många källor pekar på att Sirius
Black är efter Harry och vill ta sig in på Hogwarts. När den nya terminen börjar på Hogwarts
börjar det äventyrliga gänget som består av Harry, Hermione, Ron, spelade av Daniel
Radcliffe, Emma Watson och Rupert Grint, att undersöka mystiken som rör Sirius Black.
Biografiska detaljer
Cuarón tycks inte ha någon särskild stark personlig koppling till Harry Potter and the
Prisoner of Azkaban eller filmens tematik, och verkar heller inte uttrycka något inom filmen
hämtat från sitt personliga liv. Filmskaparen förklarade i en intervju att filmen främst innehöll
79 ”Chris Columbus”, IMDb, uppslagspost hämtad från
http://www.imdb.com/name/nm0001060/?ref_=tt_ov_dr#director (2017-04-28). 80 Thompson, Kristin, “Harry Potter treated with gravity”, Observations on film art, 2013-11-28. Tillgänglig:
http://www.davidbordwell.net/blog/2013/09/18/harry-potter-treated-with-gravity/ (hämtad 2017-04-28). 81 ”Harry Potter and the Prisoner of Azkaban”, Box Office Mojo, uppslagspost hämtad från
http://www.boxofficemojo.com/movies/?id=harrypotter3.htm (2017-04-28). 82 Thompson, Kristin, “Harry Potter treated with gravity”, Observations on film art, 2013-11-28. Tillgänglig:
http://www.davidbordwell.net/blog/2013/09/18/harry-potter-treated-with-gravity/ (hämtad 2017-04-28). 83 Lane, Cara, “The Prisoner of Azkaban: A New Direction for Harry Potter”, Film & History: An
Interdiscplinary Journal of Film and Television Studies, vol. 35 nr. 1, 2005, s. 65-66.
21
två delar som attraherade honom till filmprojektet.84 Relationen mellan Harry Potter och
Professor Lupin och den abstrakta tidsresan som sker under filmens sista del.
Teman
Filmens tematik handlar om övergången från barn till tonåring, som Harry, Hermione och
Ron gör, och sökandet av en förebild och en identitet. Sökandet uttrycks i relationen mellan
Harry och Sirius Black, som spelas av Gary Oldman. I slutet av filmen erbjuder Sirius Harry
sitt hem som boende. Harry har länge vantrivts hos sina släktingar och ständigt behövt kämpa
mot deras åsikter angående Harrys och hans föräldrars person. Sirius tar platsen som en sorts
förebild i Harrys liv, vilket även karaktären Professor Lupin gör, och hjälper honom att hitta
sig själv, sin identitet som tonåring.
Estetik
I de två delarna i filmen som främst attraherade Cuarón är hans visuella stil märkbar. Den
första scenen där Professor Lupin och Harry Potter är ensamma och får prata ostört inleds
med en etableringsbild. Vi ser de två karaktärerna gå på en stor bro i skolområdet, sedan
klipper man över till en mellanbild på dem. Dialogen varar i två minuter och tjugotre
sekunder, och scenen filmas i en enda lång tagning. Kameran rör sig framåt och tillbaks i det
motsatta hålet som Professors Lupins rörelser. Även om gestaltningen är stark i stil drar den
långa tagningen inte till sig uppmärksamhet, det är alltid informationen om det fiktiva
universumet, som förmedlas av karaktärerna, som är den prioriterade egenskapen. I en analys
av användningen av den långa tagningen i Harry Potter and the Prisoner of Azkaban,
förklarar filmforskaren Kristin Thompson att Cuarón använder sig av den långa tagningen i
situationer med viktig information gällande filmens story, på engelska manustermer kallat
exposition. I sitt nästa filmprojekt använde Cuarón den långa tagningen främst för att gestalta
action-sekvenser.
I en scen som utspelar i ett tidigt skede av filmen, i värdshuset The Leaky Cauldron,
berättar Mr. Arthur Weasley för Harry Potter att Harry befinner sig i en stor fara, han talar
även mer djupgående om Sirius Black och filmseriens stora antagonist Lord Voldemort. All
information som förmedlas i scenen, som gestaltas med en enda lång tagning, är väsentlig för
filmen. Scenen och dialogen mellan de två karaktärerna varar i en minut och femtiotre
sekunder. Den inleds med en bred bild, Mr. Weasley frågar Harry om de kan prata en liten
stund. Harry följer med Mr. Weasley, de går ifrån de andra karaktärerna som sitter och umgås
84 ”An interview with Alfonso Cuaron (Page 2 of 4)”, IGN, 2 juni 2015. Tillgänglig:
vid middagsbordet. Kameran följer efter Mr. Weasley och Harry men håller sig på ett avstånd
och understryker samtidigt detaljer i miljön som karaktärerna befinner sig i och som är
kopplat till deras samtalsämnen. När Mr. Weasley pratar om Sirius Black kan vi exempelvis
se en stor affisch som efterlyser Sirius Black på väggen bakom dem. Här använder sig
återigen Cuarón av den långa tagningen för att lyfta fram informationen som förmedlas.
Kamerarörelsen som görs när karaktärerna går ifrån middagsbordet drar bort de två
karaktärerna från alla interaktioner som sker mellan de andra karaktärerna. Dessa
interaktioner tar uppmärksamhet från konversationen som Mr. Weasley och Harry har och av
denna anledning placerar Cuarón interaktionerna utanför bild. Efter de lämnat middagsbordet
och kameran följt efter dem är det informationen som sägs mellan de två karaktärerna det
viktigaste i scenen.85
Av sina sju långfilmer är Harry Potter and the Prisoner of Azkaban den enda film som,
i Cuaróns meritlista, inte inkluderar ett samarbete mellan regissören och Emmanuel Lubezki.
Alfonsos bror Carlos Cuarón som varit med och skrivit manuset till regissörens Sólo con tu
pareja och Y Tu Mamá También är inte en av manusförfattarna på filmen. Utan sina vanliga
samarbetspartner framstår Alfonso Cuarón som en typ av självständig filmskapare i Harry
Potter and the Prisoner of Azkaban. Han tycks underkasta sig till Harry Potter-universumet,
men samtidigt flitigt använda sig av sina personliga filmtekniker för att understryka
information.86 Denna produktion fungerar som ett bra exempel för kraften i Cuaróns visuella
stil, som kommer till uttryck i alla filmproduktioner han arbetar på som regissör. Denna
självständighet kan argumentera emot Etherington-Wrights och Doughtys resonemang,
rörande regissören och att hen är beroende av specifika samarbetspartners för att uttrycka sin
vision.
Produktion
Harry Potter and the Prisoner of Azkaban är Cuaróns enda långfilmsproduktion där han inte
arbetat med fotografen Emmanuel Lubezki vid sin sida. Filmen producerades av bl.a. Warner
Bros med en budget på cirka 130 miljoner dollar och var Cuaróns dittills mest riskbenägna
projekt.87 David Heyman är en av de nio producenter som var involverade i filmen och
samarbetade också med Cuarón under hans nästa projekt.
85 Thompson, Kristin, “Harry Potter treated with gravity”, Observations on film art, 2013-11-28. Tillgänglig:
http://www.davidbordwell.net/blog/2013/09/18/harry-potter-treated-with-gravity/ (hämtad 2017-04-28). 86 ”Alfonso Cuarón”, IMDb, uppslagspost hämtad från http://www.imdb.com/name/nm0190859/ (2017-04-28). 87 ”Harry Potter and the Prisoner of Azkaban”, IMDb, uppslagspost hämtad från
samhället som huvudkaraktären Theo kämpar mot. Miljön framstår som ett stort hinder som
huvudkaraktären måste tas sig igenom för att nå sitt mål. I slutscenen när Theo är ute på havet
i en liten båt, långt ifrån miljön som staten har total kontroll över, säger han till Kee,
mänsklighetens sista hopp för reproduktion, ”We’re safe”. I Gravity fungerar filmens miljö,
rymden, som en representation av dr. Stones sinnesstämning. En plats där inget växer, där det
inte finns liv eller värme och där tiden står stilla. Miljön uttrycker den känslokalla
sinnesstämning som dominerar dr. Stones inre efter dotterns olycka.
Produktion
Tillsammans med sin samarbetspartner, fotografen Emmanuel Lubezki, och handledaren för
specialeffekter Tim Webber utvecklade Cuarón en ny form av digitala specialeffekter inför
Gravity. Utvecklandet av de nya effekterna som Cuarón var i behov av för att gestalta sin
rymdberättelse tog cirka fem år.92 David Heyman återvänder som producent på Gravity,
manuset är skrivit av Alfonso Cuarón och hans nya samarbetspartner, sonen Jonás Cuarón.
Precis som med brodern Carlos Cuarón, manusförfattaren bakom Sólo con tu paréja och Y Tu
Mamá También, inkluderade Cuarón en ny familjemedlem i sitt filmskapande.93 Enligt
regissören Alfonso Cuarón var tanken att göra en enkel film som utspelade sig ute i rymden
med endast en skådespelare.94 I den slutgiltiga versionen av Cuaróns enkla rymdfilm
medverkade bl.a. Sandra Bullock och George Clooney, filmens budget var 100 miljoner dollar
och genererade mer än dubbelt av budgeten när den visades på biografer runt om i världen.95
7.4 Amores Perros (Älskade hundar, 2000)
Under början av 2000-talet debuterade Alejandro G. Iñárritu som långfilmsregissör med
filmen Amores Perros. Filmen var en stark debut som hyllades av kritiker och gjorde en
ekonomisk framgång. Den vann ett flertal priser på Cannes Filmfestival och nominerades
även inom kategorin bästa utländska film på Oscarsgalan (2001).96 Amores Perros lyckades
även göra ett positivt och starkt intryck på den amerikanska marknaden, vilken är sällsynt för
92 B, Benjamin, ”Facing the Void”, The ASC. Tillgänglig:
https://www.theasc.com/ac_magazine/November2013/Gravity/page1.php (hämtad 2017-05-03). 93 Radish, Christina, ”Jonás Cuarón on How His ’Desierto’ Script Inspired ’Gravity’, Social Relevancy, and
’Zorro’”, Collider, 18 oktober 2016. Tillgänglig: http://collider.com/jonas-cuaron-desierto-gravity-zorro-
interview/ (hämtad 2017-05-03). 94 Mcgrath, Charles, “A Circuitous Route to Outer Space”, The New York Times, 3 januari 2014. Tillgänglig:
sympathy was the presence of Bardem himself”.104 Peter Bradshaw i The Guardian
understryker Iñárritus förmåga att skickligt använda sig av den spanska staden Barcelona som
filmens arena, ”Iñárritu also does impressive work in conveying the densely populated
loneliness of the city”.105
Biutiful följer den godhjärtade kriminella Uxbal, spelad av Javier Bardem. Uxbal
försörjer sina två barn, Mateo och Ana, spelade av Guillermo Estrella och Hanaa Bouchaib,
genom att ordna jobb till illegala flyktingar. Med Biutitul berättar Iñárritu en historia som bl.a.
handlar om illegala flyktingar och den nästintill omänsklig tillvaron som de lever i. Filmens
arena är den spanska staden Barcelona. Flyktingarna jobbar dagarna långa och deras lön
ligger långt under minimilön. Med filmen tycks Iñárritu vilja förmedla en realistisk
världsbilds som förklarar hur flyktingar tvingas leva i ett parallellt samhälle på grund av ett
komplicerat globalt flyktingssystem.106 När Uxbal diagnosernas med cancer blir han
meddelad av en läkare att han endast har några månader kvar att leva. Det primära målet som
Uxbal lovar sig själv att uppfylla innan han dör är att hitta en pålitlig person som kan ta hand
om hans barn efter han lämnat dem.
Biografiska detaljer
Biutiful är den första filmen där Iñarritu pratar om livet efter döden, vilket tycks vara något
som han personligen har en stark tro till. Iñárritu pratade om sin relation till döden på ett
personligt plan i Sveriges Televisions dokumentärserie Bergmans video (2012). Serien där
filmregissörer bjöds in till Ingmar Bergmans hem på Fårö för att se den svenska
filmskaparens stora filmsamling och diskutera den tematik som genomsyrade hans filmer.
Under varje avsnitt diskuterades en specifik tematik från Bergmans filmer. Under ett avsnitt
var Iñárritu på plats i Bergmans hem för att prata om döden, då det även var ett tema som
tacklats i de flesta av hans filmer. I avsnittet pratar Iñárritu om hans tro på livet efter döden
och hur den har sin grund i relationen människor har till döden och de döda i filmskaparens
hemland México.107 Iñárritus filmer influeras av hans personliga liv, en egenskap som, enligt
104 Ebert, Roger, ”Biutiful”. Tillgänglig: http://www.rogerebert.com/reviews/biutiful-2011, Roger Ebert, 26
januari 2011, (hämtad 2017-04-26). 105 Bradshaw, Peter, ”Biutiful - review”, The Guardian, 27 januari 2011. Tillgänglig:
https://www.theguardian.com/film/2011/jan/27/biutiful-review, (hämtad 2017-04-26). 106 Begin, Paul, “Empathy and sinophobia: depicting Chinese migration in Biutiful (Iñárritu,
2010)”, Transnational Cinemas, vol. 6 nr. 1, 2015, s. 2. 107 ”Bergmans video”, IMDb, uppslagspost hämtad från http://www.the-http://www.imdb.com/title/tt3197112/
innehåller en linjär dramaturgi. Filmen har en särskild cirkelformad struktur, det slutar där den
börjar.110 Öppningsscenen som beskrivs ovan är mellan Uxbal och hans dotter Ana. De ligger
i sängen och pratar om Uxbals ring. Scenen gestaltas genom endast en bild, vi ser inga
ansikten utan endast karaktärernas händer. Efter den scenen klipper man över till en scen ute i
en skog täckt av snö. Här pratar Uxbal med en man som tycks vara yngre än honom. Den
unga mannen bjuder Uxbal på en cigarett. I slutet av filmen ser vi samma scen mellan Uxbal
och hans dotter Ana, men nu har vi förstått kontexten. Uxbal är döende och dialogen han har i
sängen med sin dotter är det sista han gör innan han dör. Scenen gestaltas annorlunda i slutet,
vi ser mer av karaktärerna, vi ser deras ansikte och hur de ligger i sängen. Scenen som följer,
med den unga mannen i skogen, är Uxbal i livet efter döden. Nu förstår vi att den unga
mannen som han träffar är hans pappa, han leder Uxbal in i livet efter döden. Den särskilda
cirkelstrukturen kan tolkas som en kommentar av regissören som förklarar att liv och död är
sammanvävande och tillsammans formar en komplett cirkel, en enda stor representation av
människans existens.
Iñárritu berättade in en intervju att samhället försöker sälja en idé av det mänskliga
livet, en orealistisk och glorifierad syn på livet, där smärta och död inte inkluderas.
Regissören understryker att han med sina filmer endast försöker presentera livet i sin
kompletta form, där smärta och död är naturliga och självklara delar av livet. Det är moment
som vi inte kan undvika och istället bör acceptera.111 Iñárritu beskriver Biutiful som sin
filmhyllning till livet.112 Biutifuls cirkelstruktur och den magnetiska strömningen mot döden,
som vi ser Uxbal befinna sig i, kan vara delen där Iñárritus hyllning blir som mest tydligast.
Produktion
Med Biutiful står Iñárritu för andra gången med som manusförfattare på en långfilm, de två
andra författarna är Nicolás Giacobone och Armando Bo. Filmen finansierades bl.a. av det
amerikanska produktionsbolaget Focus Features och det spanska Mod Producciones och
produktionen skedde med en budget på 35 miljoner dollar.113 Rodrigo Prieto återvände som
fotograf på Biutiful, tillsammans med Gustavo Santaolalla som kompositör och Birgitte Broch
som scenograf.
110 del Mar Azcona, María, “’We Are All Uxbal’: Narrative Complexity in the Urban Borderlands in
Biutiful”, Journal of Film and Video, vol. 67 nr. 1, 2015): s. 4. 111 Deleyto & del Mar Azcona, 2010, s. 124-125. 112 DP/30: The Oral History Of Hollywood, ”DP/30: Biutiful, director/writer, cinematographer, editor, composer,
december 2011. Tillgänglig: https://www.theguardian.com/film/2015/dec/04/the-revenant-review-gut-
churningly-brutal-beautiful-storytelling, The Guardian, (hämtad 2017-05-01). 117 Meikle, Kyle “The Revenant’s Returns”. Adaptation, Vol. 9 Nr. 3 (2016): s. 439-441.
Texten på en av filmens affischer lyder, ”The Revenant, (N. One who has returned, as if from
the dead.)”.118 Genom The Revenants tematik tycks Iñárritu fortsätta sin fascination av
extrema livssituationer kopplade till döden, däremot tycks filmens frågeställning vara en mer
filosofisk sådan; vad innebär det att vara död?
Teman
Som titeln indikerar återvänder Hugh Glass från döden. Efter den brutala grizzlybjörnattacken
blir Glass levande begravd av Fitzgerald. När han senare i filmen lyckats återvända, till allas
förvåning, till hembasen säger Glass följande i en konversation med Captain Andrew Henry,
”I ain’t afraid to die anymore, I’ve done it already”. Senare när Glass slutligen lyckas hämnas
sin son Hawk och ordna att Fitzgerald dör välkomnar han själv sin egen död. I den absolut
sista sekvensen av filmen ser vi Glass gå in i livet efter döden, en process som vi även fick ta
del av i filmskaparens Biutiful. Glass välkomnas in i livet efter döden av sin bortgångna fru,
Hawks mamma.
Estetik
Med The Revenant tog Iñárritu ett extremt kliv in i en annan visuell riktning, flera av bilderna
i filmen är fotograferade med kameraobjektiv med en brännvidd på 60 mm och 40 mm. Dessa
val av objektiv bidrar till mycket breda bilder med en panorama liknande effekt.119 Iñárritu
berättade i en intervju att han försökte framställa den amerikanska vildmarken, filmens arena,
som en karaktär. Precis som de fransktalande nybyggarna eller grupperna av infödda
amerikaner har miljön också en aggressivitet. Skillnaden mellan de mänskliga karaktärerna
och miljön är att miljön är likgiltig till sin brutalitet. När Glass blir attackerad av en
grizzlybjörn framstår inte björnen som ett ondskefullt djur som vill döda, utan snarare som en
oskyldig varelse som endast försvarar sina ungar från fara.
En stor majoritet av scenerna i filmen är gestaltade genom långa tagningar. Kameran rör
sig mellan extrema närbilder och extremt breda bilder, som tar in allt från miljön, himmeln
och karaktärerna. Alla element tycks ha lika viktiga roller i filmen. Avseendet man gestaltar
de olika element verkar vara motiverat av en särskild strävan mot realism. Iñárritu påstod att
filmmiljöns ljus och färg inte kunde nås med en konstruerad ljussättning, istället valde man att
fota filmen med ett naturligt ljus. Denna realism motsägs dock i vissa sekvenser, när Glass
118 Hall, Jacob, ”’The Revenant’ Posters Are All About Grit and Grime and Beards and Revenge”. Tillgänglig:
http://www.slashfilm.com/the-revenant-posters/, Indiewire, 2 november 2015, (hämtad 2017-05-01). 119 Directors Guild of America, ”The Revenant DGA Q&A with Alejandro Gonzalez Iñárritu and Michael Mann”