Segunda parte

SEGUNDA PARTE

EL DISEÑO EN LOS ESTADOS UNIDOS

Los orígenes del diseño en Estados Unidos se remontan según ellos mismos, desde la mitad del S.

XVIII, cuando los Shaker (comunidad religiosa de origen ingles y francés) comenzaron a elaborar

artesanalmente y medios reducidos, objetos de uso para cubrir sus propias necesidades. La

sencillez y funcionalidad de sus muebles y utensilios se basaba en unos principios éticos

“espirituales”.

El nexo entre la forma del utensilio y la forma de vida continuaba intacto, al contrario de lo que

sucedía con el funcionalismo acuñado por la Bauhaus que degenero rapidamente en un estilo de

vida artificial.

En la segunda mitad del S XIX, se experimento en los Estados Unidos una fase muy productiva

gracias a la inventiva de los ingenieros que fue calificada por Sigfried Giedion de “movimiento de

muebles patentados”. De este modo los asientos se pudieron adaptar a todas las posiciones

del cuerpo, es decir con ello se sentaron las bases de las investigaciones de tipo

ergonómico. Elementos como sillas, camas, armarios transformables, fácilmente transportables

que ocuparan poco espacio, fundan una tradición de producción funcional y democrática en

Estados unidos. Que solo se disolvió a principios del S XX a causa de la creciente diferenciación

de la sociedad en sistema de clases.

La producción en masa en el S XX se llevo a gran escala en Norteamérica gracias a la

automatización y mecanización. Al contrario de la tendencia progresista europea de considerar a la

generación y diseño de productos bajo aspectos funcionales primarios, en este país se descubre,

en una época temprana, el aspecto de venta promocionada por un diseño servicial.

HENRY FORD EL FORDISMO

En Estados Unidos Henry Ford impuso la racionalización en los procesos con la fabricación del carro Ford T, modelo único por años, que fue punta de lanza de la tendencia bautizada como “fordismo”, caracterizada por la durabilidad y la eficiencia del producto.

Ford tuvo mucho éxito debido a la producción en serie de sus vehículos cuya forma no variaba, su política empresarial era la normalización y racionalización.

Para competir con Ford, General Motors adopto una nueva estrategia, aumentar el precio de sus vehículos y diferenciar las características formales de los nuevos modelos dando origen al styling.

Años más tarde, surge el estilismo o formalismo (styling), el cual desarrolla un concepto de visión capitalista propio del sistema del “American way of life”, al crear productos atractivos superficialmente.

El principal exponente de esta tendencia fue la General Motors, cuyo presidente, Alfred Sloam, optó por oponerse a la filosofía fordista que pregonaba “pequeñas ganancias, grandes ventas”, aumentando los precios de los vehículos a medida que iba apareciendo un nuevo modelo cada año, con lo que se estimulaba el apetito del consumidor por medio de la imposición de modas promovidas por la publicidad. Cabe destacar que esta es la tendencia que aún predomina en la actualidad en el sector automotriz.

La cadena de montaje de la fábrica Ford en Detroi

El Ford “T” (1908), emblema de la segunda

revolución industrial

El éxito de General Motors fue que trabajó en la forma exterior del producto logrando atraer al comprador gracias al atractivo de la apariencia formal, dando como resultado que a mediados de los años treinta gran parte del mercado estadounidense ahora le perteneciera a General Motors.

Streamline

Paralelo al Art Deco europeo, se desarrollo en los años 30 la Streamline Decade, la era de los

productos de formas aerodinámicas, desde las carrocerías de los automóviles, los aparatos de

radio, electrodomésticos y muebles de oficina, hasta el interiorismo en toda su extensión.

Las líneas aerodinámicas nacidas en la naturaleza (la gota como forma ideal), se convirtieron en

símbolo de modernidad y progreso y de un futuro mejor. Los diseñadores creyeron que su tarea

era hacer los productos irresistibles, es decir, intentaron proyectar los deseos y esperanzas

subliminales del usuario en los objetos para estimular su compra. Independientemente de las

soluciones de tipo técnico, los diseñadores se dedicaron en exclusiva al diseño del volumen

exterior.

Raymond Loewy, francés emigra a Norteamérica en 1919, desempeño un papel determinante en

este campo. Consiguió en poco tiempo hacer del diseño un medio de promoción de venta. Su

ascenso vertiginoso comenzó con un rediseño de una multicopista de la empresa Geststner. ”LO

FEO SE VENDE MAL”, se convirtió en la idea principal de una generación de diseñadores, y no

solo del ámbito estadounidense.

El establecimiento del diseño como medida de Styling, por tanto de variación superficial y formal de

un producto, proviene de esta ideología. La obra global de Reymond Loewy documenta de forma

ejemplar como una disciplina puede someterse completamente al servicio de intereses

empresariales.

Norman Bel Geddes, Henry Dreyfuss y Walter Dorwin Teague, fueron los principales

representantes de la Streamline Decade.

Cimentaron su éxito profesional durante décadas con sus entonces revolucionarios proyectos de

transatlánticos, automóviles, autobuses, locomotoras, objetos de interior, etc.

La importación de capital y de métodos de racionalización de los Estados unidos, impuso en

Europa el predominio de las líneas aerodinámicas como lenguaje de estilo en los 30 y 40.

La dinámica de aquel tiempo encontró su expresión en la velocidad. El automóvil se convirtió en el

objeto de culto por excelencia en la encarnación del “AMERICAN WAY OF LIFE”

La identificación clara e incondicional del diseño americano con el styling termino con un serio

conflicto a finales de los 60. Al tiempo que se desarrollaban movimientos de carácter crítico y

social, cuya influencia en la música, pintura, arquitectura fue visible, en el diseño comenzaron a

esbozarse nuevas tendencias. En California se pusieron en práctica modos alternativos de vida y

de trabajo.

El Streamline “AERODINAMISMO” 1937

El streamline moderne, también llamado simplemente Streamline (en español llamado “estilo aerodinámico”) fue una rama del estilo Art Decó tardío que tuvo su apogeo en el año 1937. El estilo se caracterizaba por el uso de formas curvas, líneas horizontales largas y a veces elementos náuticos, como barandas y ventanas de portillo.

El streamline surge en el contexto histórico de la crisis que se produjo en los Estados Unidos debido a la depresión de finales de la década de 1920 y comienzos de 1930. Con el objetivo de captar interés en los consumidores y compradores, se apeló a un cambio formal del estilo predominante en el área de la arquitectura y el diseño.

La aerodinámica se aplicó en los más diversos ámbitos del diseño y la arquitectura, desde casas, hoteles, autos y hasta en objetos que no tenían requerimientos diseño aerodinámico como sacapuntas de lápices, etc.

El interés por la aerodinámica fue una constante en el diseño automotriz del primer tercio del siglo

XX ya que un diseño adecuado, permitía mayores velocidades sin necesidad de incrementar

excesivamente la potencia de los motores. Las soluciones son extremadamente elegantes y

hermosas. A diferencia de los autos americanos de los 60 y 70, que conquistan la velocidad en

base a pura fuerza, estos diseños parecen ser tan ligeros que con solo verlos se tiene una

sensación de rapidez y serenidad. El concepto de gota de agua imperante en la época, como

epítome de aerodinamismo, es llevado al extremo por creadores como Delage, Talbot, Cord..

ART DECO 1920

Este movimiento se inicia en Paris, 1920

es un estilo decorativo internacional.

Estética Maximalista tomando atributos formales del Art Nouveau, en el se ven reflejados la actitud

naturalista, fuentes eclécticas (arte egipcio, arte tribal, surrealismo, Futurismo, constructivismo,

neoclasicismo, abstracción geométrica, cultura popular y movimiento moderno).

Se utilizaban materiales exóticos como pieles, nácar, baquelita, maderas lujosas, etc

para este movimiento se visualiza una Baja compatibilidad industrial.

Termina con la II Guerra Mundial.

Principales características:

- Simetría- Volumetría.

- Positivos y negativos.

- Bajos y altos relieves.

- Decoración por encima de la funcionalidad.

- Tratan de representar algunas abstracciones que muestran de la naturaleza, rayos luminosos

radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes…

- Representación de la fauna haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad, usando

para ello gacelas, galgos (elegancia), panteras palomas, garzas..

- Se utilizan las flores, los cactus, las palmeras, representados por medio de delineaciones

geométricas.

- Se utilizan motivos de las culturas pre hispanas de las culturas azteca, maya o inca y motivos

inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de Egipto, Mesopotamia, vikingo o

de los pueblos africanos o indios.

- Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes, luciendo el

"look" de la época, junto a la de mujeres resueltas que participan en la producción económica,

vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la "garzón" que fuman y participan en

cócteles, denotando su liberación.

- Se caracteriza por la profusión ornamental, el lujo de los materiales y el frecuente recurso a

motivos geométricos y vegetales.

- Se divide en Zigzag y Streamline (1930-1939) en EE.UU. Utiliza línea curva aerodinámica,

horizontal y abstracciones de velocidad; en Miami se ve el estilo hollywoodense que da una

sensación de elegancia con la utilización de colores llamativos.

-Detalles, texturas.

- La mujer fue gran inspiradora de este movimiento, en porcelanas, pintura, accesorios (tocadores,

perfumeros)

- Repetición modular.

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la

moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la 'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes' en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966, en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco.

Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos del temprano siglo XX, y a diferencia del Art Nouveau se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del Constructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones.

Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño fueron expresadas en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos, zigzags; y una importante geometrización de las formas son comunes al Decó.

Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el Decó se caracteriza también por los materiales que prefiere y usa, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y naturalistas del Art Nouveau), los patrones del galón (chevrón), y el adorno en forma de sunburst son típicos del Art Decó. Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles desde diseño de zapatos para señoras, a parrillas de radiadores, diseño de interiores para teatros, y rascacielos como el Chrysler Building.

Sociología

El Decó alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas, el Art Decó era casi puramente decorativo, por lo que se lo considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución Industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional, y modernista, el Art Decó fue un avance frente al Art Noveau, esta vez, exitoso en generar un nuevo repertorio de formas acordes a la problemática e imaginería de su tiempo.

El Art Decó era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. En simultáneo a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra había un deseo intenso por el escapismo. La gente gozó de los placeres de la vida y del Art Decó durante la 'edad del jazz'.

En la década de los años 30 la magia de Hollywood se hizo patente en el cine musical, Top Hat, (1935).

"Sombrero de copa", es un ejemplo representativo de este género. Una trama trivial, romanticismo, ambiente

elegante y mundano, sofisticados decorados Art Deco pensada para hacer que el público se olvidara de sus

problemas y gozara de un mundo de lujo y sueños.

Decadencia

El movimiento pierde patrocinio en las metrópolis europeas y americanas mucho después de haber alcanzado una introducción masiva; al punto de ser empleado para representar falsas pretensiones de lujo. Finalmente, el estilo cae en decadencia dada las austeridades impuestas por la Segunda Guerra Mundial.

En países coloniales o periféricos tales como India, Nueva Zelanda, Cuba, Colombia, Argentina, México y las Filipinas, se convirtió en una puerta de entrada al Modernismo y continuó siendo utilizado bien hasta los años 1950. En América Latina se pueden encontrar durante este periodo varios exponentes del art decó.

Características del Art Déco

Dentro del Art Déco hay dos períodos que corresponden a dos líneas estéticas del estilo: el Zigzag

y el Stream Line.

El primero va de 1920 a 1929, se dio mayormente en Europa y fue el que se basó más en las

referencias de las culturas pasadas que se pusieron de moda por descubrimientos arqueológicos,

Egipto, Mesopotamia, Mesoamérica, la cultura Inca, o que se rescataron del olvido y del desinterés

occidental, tal como sucedió con las piezas africanas y algunas mismas culturas europeas

antiguas, o bien las extrañas y lejanas sociedades orientales. Resalta en su decoración los

triángulos encadenados y superpuestos y líneas y composiciones geométricas en movimiento.

En el Art Deco el uso de nuevos materiales es de gran importancia, generalmente se usaban maderas exóticas, pieles naturales, nácar, porcelana, cerámica, cristal y metales; pero ahí un material en especial que fue el más utilizado y que generó una revolución por su practicidad y presentación: la baquelita

La Baquelita es un material creado por Leo Baekeland en 1909; fue la primera sustancia plástica sintética que existió y sus propiedades físicas hacían de este material algo totalmente innovador, ya que no conduce electricidad, es resistente al agua y a los solventes y fácilmente mecanizable.

Este material empezó a usarse como carcasa de teléfonos y radios generalmente, y su mayor auge fue precisamente durante la época en que se dio el estilo Art Deco.

El segundo tuvo su auge de 1930 a 1939, se desarrolló más en Estados Unidos y representa la era

de la recuperación económica después del "crack" bursátil del 29. Hombres fuertes y desnudos

quienes controlan máquinas de diversa índole y vislumbran un futuro prometedor tecnológico

adornan paneles y los principales motivos decorativos son las líneas curvas aerodinámicas, de

aquí su nombre, líneas horizontales aplicadas o también abstracciones de la velocidad.

Conclusion:

Art Déco es un conjunto de diversos manifestaciones artísticas que convergieron entre las

décadas de los años veinte y treinta en Europa y Estados Unidos, principalmente, así como

en otros países, exaltando el gusto por la decoración, a través de diseños, en muchas

ocasiones exóticos, que subliman lo geométrico, lo cúbico y lo aerodinámico, en

contraposición de la delicadeza curvilínea y serpenteante de Art Nouveau y sus diferentes

acepciones.

En la década de los ’30 , predominaba en Estados Unidos formas y diseños estilizados

paralelamente con el estilo Art Déco, los que se propagaron a gran parte del mundo.

Tamara Lempicka, , (Varsovia, 16 de mayo de

1898 - Cuernavaca, 18 de marzo de 1980).

Su obra estuvo basada en retratos

femeninos. Precursora del “art déco”, tuvo

como principales influencias a Botticelli,

Bronzino, el retrato manierista en general, y

el Cubismo.

Como rasgos distintivos del Art Déco

El Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta,

además de los imprescindibles zigzags; conjuntos horizontales y verticales de líneas rectas, o bien

perpendiculares combinadas con medias circunferencias y circunferencias enteras, además de los

exágonos y los octágonos.

Soles con rayos luminosos radiantes, nubes trazadas rígidamente, ondulaciones que buscan

representar fluidos acuáticos son algunas de las abstracciones que se hacen de la naturaleza.

Animales como las gacelas, los galgos y las panteras son utilizados junto con aves como las

palomas y las garzas por su referencia con la velocidad.

Dentro de los elementos fitomorfos más utilizados están las flores trabajadas con delineaciones

geométricas, así como los cactus y las palmeras.

Imágenes de fuentes congeladas y en forma ascendente son una constante del Déco que tanto se

utilizarán en objetos de decoración, como en la arquitectura.

Nuevos materiales industriales se ponen de moda: el cromo, la baquelita y el plástico; naturales,

piel de zapa, de tiburón y el carey; maderas traídas de lejanas tierras como el ambón, el ébano y el

palisandro.

Los motivos de las culturas prehispánicas americanas como lo mexica o azteca, lo maya, lo inca

sirven de inspiración tanto a decoradores como a arquitectos; lo mismo sucedió con los

descubrimientos arqueológicos de lo egipcio y lo mesopotámico, así como con los objetos

africanos, vikingos, hindúes y de los indios Pueblo.

Dentro de la arquitectura (que la explicaremos más detalladamente en el siguiente punto),

además de las formas geométricas que ya mencionamos, se recurre a remates terminados

escalonadamente y con proas marítimas que sostienen mástiles que sirven como astas; arcos y

puertas ochavadas y lujosos materiales como el mármol, el granito y el aluminio consuman el

aparato decorativo.

La máquina simboliza una nueva era de la mecanización: automóviles, locomotoras, barcos,

aviones, representan el triunfo del dominio de la locomoción y la velocidad. Los aparatos

electrodomésticos que facilitan las labores hogareñas son diseñados bajo los mismos ideales

mecánicos y de progreso. Y la avasalladora energía eléctrica es interpretada con líneas

resquebrajadas que se enmarcan en paneles o bien en las herrerías de puertas, ventanas y rejas.

Finalmente la figura humana de hombres gimnastas, talantes, obreros, habitantes de las urbes,

con traje y pelo engomado, que someten al mundo moderno mecanizado, se emparejan con

mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida,

con el pelo corto a la garzón, que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación. Ambos

también aparecen con el torso desnudo o desvestidos completamente, con hercúleos cuerpos, o

en posturas circulares y vertiginosos saltos, los cuales connotan la impetuosidad del siglo XX. Los

humanos alados se recrean en los ambientes aéreos en franca competencia con la paulatina

conquista del espacio.

Suecia

Específicamente en Suecia el diseño tuvo una extraordinaria proyección internacional y es uno de los hechos más notorios de la historia del arte contemporáneo. El diseño en este país se ha destacado a nivel mundial por su avance, investigación y aplicación en el área de ergonomía y factores humanos, sus objetos son disputados por los mejores museos del mundo y ya integran todas las celebres colecciones dedicadas al diseño de este siglo.

SUECIA 1930 En la década de los ‟30 , predominaba en Estados Unidos formas y diseños estilizados

paralelamente con el estilo Art Déco, los que se propagaron a gran parte del mundo.

Las tendencias en los países escandinavos, lograron desvincularse de los postulados

característicos del diseño estadounidense. A partir de esto surgió durante la década de los ‟40 y

‟50 , el apogeo de un estilo bastante distinto : Swedish Modern.

Alvar Aalto

Nació en Kuortane, Finlandia. Arquitecto y diseñador,

pionero del movimiento modernista en los países del norte

europeo. Su trabajo impulsa la evolución de formas y

materiales utilizados en la creación de muebles desde un

estilo clásico de los países bajos hasta un post modernismo

puro e inédito. Para ello investiga y desarrolla por si mismo

el uso de madera de abedul contrachapada en la

fabricación de mobiliario y, para 1932, ya domina la técnica

para curvar este material.

La filosofía de Aalto lo mantiene apegado a los materiales naturales y alejados de la producción en

masa. Inventa la forma para unir los componentes del bastidor sin utilizar elementos metálicos,

como pernos y tuercas.

A mediados del siglo 20, ingleses y americanos acogen de buena forma las ideas del maestro

finlandés, que a diferencia de otros modernistas de su época, no agrega decoración excesiva a sus

muebles, sino más bien, tiende a ser minimalista.

Eero Aarnio (1932)

Nació en Helsinki, Finlandia. Diseñador, posterior a la influencia y originalidad de Alvar Aalto. En sus comienzos utiliza madera y luego desarrolla un nuevo concepto estético en la creación de muebles. Para 1960 se ubica a la vanguardia de un movimiento artístico que emplea fibras sintéticas de plástico y vidrio como componentes estructurales y de acabado exterior. Aarnio diseña un tipo de mueble compacto concebido para ser de larga duración, sin embargo, en algún momento de su trabajo, incorpora formas del arte pop caracterizado por ser desechable. La filsofía de Aarnio se resume en lo que él mismo expresa: "el diseño evoluciona sólo si existe apertura al cambio para alcanzar una renovación constante". Como muestra de esto, alrededor de 1970, continúa su desarrollo y diseña muebles empleando espuma de poliuretano. En el siglo 21 el maestro escandinavo sigue innovando en la mueblería.

Bruno Mathsson (1907-1988)Nacido en Värnamo, Suecia. Arquitecto y maestro del diseño innovador en su país. Adquiere de su padre, fabricante de muebles, conocimientos de ebanistería sueca. A partir de ello y basado en las formas del mueble tradicional, Mathsson desarrolla un estilo con formas y curvas que derivan de bastidores de madera de una sola pieza, inéditos en el diseño de mobiliario. Al mismo tiempo Bruno Mathsson es científico en la creación de sillas ya que sus modelos se basan en el estudio acabado de los diferentes ámbitos en que se emplea. Así se transforma, en las primeras cuatro décadas del siglo XX, en modernizador de la estética sueca. Después de 1945, Mathsson se dedica a proyectos de arquitectura y a la creación de muebles de estructura metálica tubular, empleando nuevas técnicas de producción. Expone sus muebles en diversas ferias internacionales de Europa, donde alcanza reconocimiento mundial.

Eero Saarinen (1910-1961)

Nació en Kirkkonummi, Finlandia. Su madre Loja era escultora y su padre el destacado arquitecto

Eliel Saarinen. Emigró a los Estados Unidos en 1923. Trabajó con su colega y amigo, el famoso

diseñador Charles Eames. Juntos desarrollaron un estilo de muebles que fue galardonado, en

1940, por el Museo de Arte Moderno. Posteriormente y en forma independiente plasmó su estilo en

muchas piezas de mueblería, por encargo de grandes fabricantes. También dedicó parte de su

obra al diseño arquitectónico.

En 2008 se cumplieron los primeros 50 años de uno de los diseños más reconocidos del siglo XX: la silla

Tulip. La propuesta fue creada por el diseñador estadounidense Eero Saarinen, de origen finlandés y con una

fuerte impronta europea, que adquirió en uno de sus largas estadías en el viejo continente.

:

La silla Tulip. fue creada por el diseñador estadounidense Eero Saarinen, de origen finlandés.

esarrollada con una economía de espacio, la línea se destaca por desprenderse de la ideas de patas (tanto

las diversas sillas como las mesas tienen un sólo pedestal). El color y los materiales también marcan un

ascetismo y una economía de diseño, que logra una unidad de estilo entre todas sus piezas. El detalle de

personalización de cada pieza lo aporta el tapizado, que tiene todas las variantes que las telas y el cuero le

pueden aportar.

La línea Tulip (compuesta por sillas con apoyabrazos, sillas sin apoyabrazos, banquetas y mesas de diversos

tamaños) está realizada en aluminio, fibra de vidrio y plástico (dependiendo del modelo).

Verner Panton (1926-1998)

Nació en la isla de Fÿnen, Dinamarca. Estudió en la Academia de Arquitectura Real en

Copenhagen. En 1955 abrió su propia empresa de arquitectura y diseño.

Fabricó la primera silla de una sola pieza, por medio de la inyección de plástico. La decoración de

interiores y la iluminación, también fueron géneros artísticos que alcanzaron gran altura con este

artista pop.

Específicamente en Suecia el diseño tuvo una extraordinaria proyección internacional y es uno de los hechos más notorios de la historia del arte contemporáneo. El diseño en este país se ha destacado a nivel mundial por su avance, investigación y aplicación en el área de ergonomía y factores humanos, sus objetos son disputados por los mejores museos del mundo y ya integran todas las celebres colecciones dedicadas al diseño de este siglo.

El diseño sueco nace a partir de la escasez de recursos, que trae como consecuencia el desarrollo del instinto creativo, aprendiendo a economizar los recursos naturales al máximo, imprimiendo en sus obras la esencia de la naturaleza, dándole una sensación orgánica y flexible, influenciada por las tradiciones escandinavas y buscando que sus diseños sean principalmente a escala humana.

El éxito del diseño sueco, se debe en gran parte a la capacidad de los diseñadores de unificar lo industrial, lo útil, lo artesanal y lo artístico combinando sensibilidad, depuración, calidez y hermosura, así como también han integrado lo orgánico y lo geométrico, logran unir con acierto los materiales artesanales y la producción en serie.

Sus diseños van más allá de producir objetos lujosos y para personas que pertenezcan a un nivel socioeconómico más elevando, si no que se han preocupado principalmente por una íntima asociación entre forma y función, haciendo la vida más confortable y placentera para todos.

El diseño sueco a pesar de trabajar para una producción masiva, en el campo industrial, no ha querido dejar de lado las cualidades artesanales, ya que los recursos naturales ennoblecen y embellecen la vida cotidiana, manteniendo los diseños vinculados a las tradiciones suecas, que los hace más cercanos a su idiosincrasia y que además atrae el interés de sus países vecinos y a nivel mundial.

La industrialización dio el ejemplo de un nuevo modo de concebir el trabajo en las fábricas con la propuesta de ampliar las tareas, esta organización se basa en el trabajo en equipo. Fue desarrollada en primer lugar en las fabricas de automóviles suecas (Volvo y Saab), para luego abrir paso al diseño de otros productos como electrodomésticos, máquinas para trabajar en maderas, etc.

Suecia ha desarrollado considerablemente la integración de la ergonomía en el diseño de productos. Existen estudios que se han especializado en productos para minusválidos, personas con deficiencia motriz y tercera edad.

Ergonomía

La ergonomía ha sido un tema de gran relevancia para los diseñadores suecos. Etimológicamente la palabra ergonomía deriva de raíces griegas; Ergo: Trabajo y Nomía: Norma, Ley. Literalmente su significado es el estudio de las leyes de trabajo. Llevado a la práctica la ergonomía se basa en mejorar las situaciones de trabajo y actividad motriz.

Hay una necesidad de profundizar en el análisis de la función y hacer más apticos los objetos y herramientas tanto para el hombre común como para personas con problemas motrices.

Los diseñadores suecos se han preocupado principalmente de unificar la ergonomía al diseño de objetos. Existen industrias dedicadas a la producción de herramientas, por ejemplo, que fundan sus objetivos en hacer el trabajo más cómodo y seguro para las personas.

El diseño sueco logra hacerse conocido internacionalmente por sus postulados que se basan en crear objetos para todos. La ergonomía cumple un rol fundamental en esto, ya que el grupo de diseñadores dedicados al estudio de este tema trabajan bajo una metodología, logrado desarrollar y aplicar sus conocimientos en distintas áreas, principalmente en el diseño para minusválidos.

Las personas y las instituciones de salud se han visto beneficiadas con los diseños de objetos destinados a suplir las necesidades de un paciente con problemas motrices, desde lápices para personas con artritis hasta sillas para transportar y facilitar la mantención de higiene en personas minusválidas, forman parte de la amplia gama de objetos diseñados en Suecia.

Materiales

Vidrio

Arena, un poco de óxido de plomo, sodio, potasio y algunos óxidos de metal son los ingredientes de la masa del vidrio.

El vidrio es un material muy cercano a la naturaleza del diseño sueco, nace de la creatividad para sobrevivir. El país es rico en bosques, lagos y arroyos, y además posee un gran potencial humano, esto es lo que precisamente necesitaban las fábricas de cristal: madera para el fuego que hiciera arder la materia, agua para enfriarla y llevar a cabo la producción y la fuerza del hombre para fabricarla.

La producción de objetos en vidrio es muy antigua, pero los diseñadores suecos hicieron resurgir este material utilizándolo en el apogeo de su estilo a nivel mundial. Entre 1556 y 1965 crearon 193 fábricas de vidrio dentro del país, además existieron grupos de artesanos del vidrio que trabajaban en sus propios talleres, los que día a día iban creciendo e incrementando la producción de objetos en vidrio, teniendo un desarrollo fascinante y dinámico principalmente en la segunda década del siglo XX.

Los talleres estaban llenos de magia al momento de la creación en vidrio, existía un constante aprendizaje ya que maestros, sopladores, secadores y artistas vivía cada día un proceso en el que la masa se moldea, se enfría y luego el vidrio ya cristalizado se vuelve irreversible.

Abedul

Árbol de madera dura, bastante pesado y fuerte, posee una buena elasticidad y estabilidad, que proporciona troncos de buena calidad para la industria Europea.

El abedul es uno de los árboles más característicos de Suecia, elemento típico tanto del paisaje, como de los medios urbanos. Representa para los suecos creencias populares y sensación de hogar y calidez.

Material insustituible en la artesanía y el diseño. Impuesto tradicionalmente en los países nórdicos , de madera inviolable que se mantiene intacta mostrando toda su belleza.

El abedul ha acompañado desde siempre a los habitantes de Suecia, sin embargo, en el siglo XX, se conocieron sus propiedades físicas (textura, color, elasticidad y dureza) y se compatibilizó con otros materiales logrando así una identidad y realce al diseño sueco.

Bruno Mathsson uno de los diseñadores suecos de

muebles más importantes e influyentes a nivel

internacional

Conclusión

Suecia a pesar de ser un país pequeño supo resurgir de su pobreza y escasez de recursos, gracias al ingenio y la creatividad. A través de esto utilizaron los recursos naturales que su propia geografía les brindó, implantando un estilo que se reconoció a nivel mundial y que logra mantenerse a través del tiempo.

El diseño sueco al utilizar sus propios recursos naturales, fue creando una identidad totalmente fiel a sus costumbres y tradiciones, esto cautivó en gran medida a gran parte de los usuarios.

La naturaleza deja sus rastros en todos los aspectos de la vida escandinava, la simplicidad de las formas en los diseños se deben principalmente a un concepto de función, más que a las soluciones estéticas que se le puedan dar a los objetos. Esta funcionalidad se relaciona mayoritariamente con el diseño de objetos ergonómicos que es una de las bases del Diseño Sueco.

Por último la filosofía que desde siempre marcó la evolución del diseño sueco, es el deseo de mejorar la calidad de vida y hacerla más placentera para todos.

Diseño Escandinavo 1930 Suecia-Dinamarca-Finlandia-Noruega

Las extremas condiciones climáticas activan la manera de enfrentarse al diseño. Hacen que la

casa constituya la pieza fundamental, muebles y objetos inspirados por el confort.

En 1924 Kaare Klint funda la Academia de Bellas Artes Danesa: Generando una nueva concepción

del diseño, diferenciándose de todas las tendencias contemporáneas del Movimiento Moderno,

criticando a la Bauhaus acusándola por la falta de humanización y por el rechazo a las tradiciones.

Crean la Ergonomía -estudio de la anatomía humana aplicada a los objetos de uso-. Logrando

diseños funcionales y confortables. Un gran sentido solidario en recuperar los talleres artesanales,

de esta época que empezaba a industrializarse, con diseños sencillos y prácticos contra los de

estilos producidos por la máquina.

En la Exposición Universal de Nueva York en 1939 el Diseño Escandinavo abrió su camino en la

Vanguardia Internacional. Pureza en las líneas y simplicidad en la ejecución.

Con ésta concepción formada, el arquitecto Eliel Saarinen -Finlandés- Emigra a EEUU y siendo

director de Crandook Academy of Arts, generó diseñadores que introdujeron importantes

innovaciones en la historia:

PH5 Lamp by Poul Henningsen

Artichoke Lamp by Poul Henningsen

"Utilización de tecnología de alto nivel artístico". Con una estética de organicidad racionalizada,

refinamiento constructivo, cuidado en el detalle, equilibrio y calidez. Alvar Aalto arquitecto finlandés

introduce en 1936 una estética también radicalmente nueva, manteniendo los principios de los

muebles tubulares del Movimiento Moderno, pero reemplazándolo por la madera. Con inspiración

Thonet en las formas, pero ahora con madera de abedul y en formas de plachas curvadas y

contracurvadas, creando nueva tecnología.

Luego de la Segunda Guerra Mundial, las técnicas de empaquetado y los métodos de producción

eran los que determinaban los productos, por lo tanto la funcionalidad y el rigor de los nórdicos se

convirtió en el modelo a seguir. Junto a la Americana, la vivienda escandinava se convirtió en el

modelo de los '50.

Desarrollándose también el "Estilo Teca": Madera dispuesta en listoncillos separados entre sí.

Jhul, Jacobsen y Panton rompieron con la hegemonía de la madera y con las posibilidades que la

industria ofrecía, generaron formas plásticas y orgánicas, una estética funcionalista de la

reducción. Diseño que da primer lugar a lo bello y funcional y que a pesar de las distintas etapas

los escandinavos siempre reflejaron el espíritu de una sociedad igualitaria que mantiene un fuerte

sentido de la solidaridad y de la ecología. Los materiales empleados, los avanzados sistemas de

reciclaje de todas las piezas de un producto para producir otro nuevo, son síntomas de la relación

cercana y comprometida que tienen con el medio ambiente.

La fascinación escandinava quedó eclipsada en los años 70 por el fragor vitalista y sensual del

Diseño Italiano. Actualmente la concepción del Diseño Escandinavo con lo genuino y simple sigue

refrescando a occidente.

Hoy una gran empresa para el hogar-Ikea- de origen Sueco mantiene el lema "Producir diseño

democrático". Analizando el diseño encontramos objetos delicados, sensuales, a veces exquisitos,

sinceros y muchas veces mínimo y, se suma materiales honestos, un sólido artesanado y claridad

funcional.

Características generales:

Las extremas condiciones climáticas activan la manera de enfrentarse al diseño. Hacen que la

casa constituya la pieza fundamental, muebles y objetos inspirados por dictamen del confort.

Las condiciones de carencia económica y emocional forjan un arte simplista que busca la

funcionalidad con un diseño coherente y armonioso con el entorno.

Son creadores de la ergonomía, estudio de la anatomía humana aplicada a los objetos de uso

cotidiano. Logrando diseños funcionales y confortables. Un gran sentido solidario en recuperar los

talleres artesanales, de esta época que empezaba a industrializarse, con diseños sencillos y

prácticos contra los de estilos producidos por la máquina.

Generan una nueva concepción del diseño, diferenciándose de todas las tendencias

contemporáneas del Movimiento Moderno, criticando a la Bauhaus por su falta de humanización y

por el rechazo a las tradiciones.

Los escandinavos siempre reflejaron el espíritu de una sociedad igualitaria que mantiene un fuerte

sentido de la solidaridad y de la ecología, creando sistemas óptimos de reciclaje.

"Utilización de tecnología de alto nivel artístico". Con una estética de organicidad racionalizada,

refinamiento constructivo, cuidado en el detalle, equilibrio y calidez. Diseño Escandinavo

El término Diseño Escandinavo se utiliza generalmente para describir un estilo de productos que

empezaron a diseñarse en 1930. Más adelante se convirtieron en referentes para el desarrollo del

diseño moderno, y aún hoy son apreciados en todo el mundo.

Tapio Wirkkala (1915 - 1985) nació en Hankoo, Finlandia. Tapio Wirkkala es una figura

representativa del diseño finlandés, un artista que utilizó gran diversidad de materiales, no

dejando área sin explorar en el mundo del diseño. Fue uno de los artistas más destacados

en los inicios del arte y diseño industrial escandinavo. Se ganó el prestigio con numerosos

diseños tras la segunda guerra mundial. Como buen diseñador escandinavo realizaba sus

prototipos en madera.

"Ultima Thule". Uno de los diseños más exitosos de

Tapio Wirkkala

Bowl diseñado por Tapio Wirkkala

Finlandia a logrado ocupar un selecto lugar en el mercado del diseño

industrial, gracias a la calidad y prestigio de sus productos.

Empresas pioneras como litala que produce excelentes piezas en vidrio.

con diseñadores como Alvar Aalto, Tapio Wirkakala.

Aunque cada uno de los países que conforman Escandinavia tiene sus propias características por

su particular situación política, cultural y geográfica, también tienen aspectos comunes, marcados

por una mentalidad social-demócrata y el hecho de vivir bajo la influencia de una naturaleza cruda

y dominante.

Los pioneros del diseño Escandinavo no compartían totalmente los principios de la

industrialización. Para ellos era de gran importancia la parte humana del diseño. Su

industrialización estuvo siempre muy ligada a una rica tradición en el campo de la artesanía. De la

combinación de estos factores surgió un diseño de gran calidad, que se dio a conocer

mundialmente.

La época dorada del diseño Escandinavo empezó en 1950. Tras un pequeño receso en los 80, los

90 volvieron a ser muy productivos. Hoy en día sigue habiendo mucha energía en el diseño de

estos países, que todavía tienen influencia internacional, y los diseños más conocidos se han

convertido en objetos codiciados por los coleccionistas.

Los diseñadores escandinavos de hoy en día tienen más influencias que sus predecesores, pero

su punto de partida y sus objetivos siguen siendo los mismos: Crear belleza para la vida diaria.

Arne Jacobsen (1902-1971)

Nació en Copenhagen, Dinamarca. Sus primeros pasos en el arte decorativo los realizó

dedicándose a trabajos de mampostería. Posteriormente recibe instrucción formal en la Escuela

Real de Bellas Artes Danesa.

En 1930 establece su propia empresa de diseño donde se dedica a diferentes especialidades del

rubro: proyectos arquitectónicos, diseño de interiores, de artículos de cerámica y muebles de

estructura con estilo original.

ARTE ÓPTICO

A mediados de la década del ‟60 empezó a desarrollarse un arte abstracto nuevo, evidentemente

relacionado con la abstracción geométrica, estudiando los procesos ópticos y psicológicos de la

percepción.

Pero como estos procesos de investigación visual no pueden reducirse a la producción de

imágenes aisladas (porque la imaginación humana utiliza simultáneamente una multiplicidad de

imágenes percibidas), estos artistas se han dedicado a experimentar con secuencias, ritmos y

cambios de imágenes ópticas. Es decir para ellos un elemento esencial es el movimiento, lo que se

ha llamado factor “cinético”.

El factor cinético de la visión puede investigarse por tres caminos: creando en la percepción óptica

del espectador la impresión de un movimiento virtual o ilusorio que realmente no existe; obligando

al espectador a desplazarse en el espacio para organizar en su mente la lectura de una secuencia;

o realizando movimientos reales de imágenes mediante motores o emisores móviles de luz.

El Opt Art tiene sus antecedentes directos en los estudios que hacia fines de 1955, realizaban

separadamente en Estados Unidos el ex profesor de la Bauhaus, Josef Albers y en París el

húngaro Vassarely, aunque encontramos algunos trabajos previos realizados veinte años antes por

maestros de la Bauhaus y en los discos visuales de Marcel Durchamp.

En el Op Art se manifiesta una voluntad enérgica de romper las barreras entre arte y tecnología

(utilizando materiales producidos por la industria moderna, plásticos, acrílicos luminosos, y en las

piezas de arte tridimensional, motores y aparatos electrónicos) y apela a la acción y a la creatividad

del espectador, estimulándolo con sorpresas ópticas, con el descubrimiento de propiedades físicas

y combinatorias imprevisibles, solicitando el factor lúdico humano como en una invitación al juego.

Esta tendencia a establecer relaciones con diversas ramas científicas: óptica, psicofisiología,

Cibernética, produjo finalmente una convergencia de intereses con el mundo del diseño industrial y

el posterior desarrollo de los sistemas aplicados en algunas variantes del arte digital.

EL OP ART 1960

El Op Art surge a finales de la década de los „50, para asentarse en los años „60. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. Fue rápidamente aceptado por el público por sus estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.

Uno de sus representantes más relevantes es el artista francés Víctor Vasarely, quien se interesa por el arte cinético con sus efectos ópticos sugeridos por la superposición de tramas, la ordenada organización de las formas y los contrastes de blanco, negro y color.

Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.

A mediados del siglo XX varios artistas como Josef Albers, Victor Vasarely y M.C. Escher

empezaron a explorar en sus obras distintas formas de confundir al ojo. En los sesenta se inventó

el término arte óptico para nombrar ese tipo de trabajo, ya que cada vez más artistas abstractos

escogían ese estilo. Los artistas ópticos no estaban interesados en pintar los objetos de la vida

cotidiana como los artistas Pop, que eran sus contemporáneos.

El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte

Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de

distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre sus principales representantes

estaban la británica Bridget Riley y los estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland.

Op art

Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por parte de la

crítica y del público y pronto se convirtió en punto de inspiración para modistas, publicistas y gente

de las artes gráficas.

Además el arte óptico o cinético (como muchos lo llaman) es uno de los movimientos artísticos que

más se relacionan con la investigación científica, al estudiar el color, la influencia de la luz y el

movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana.

Destacaron entre los representantes del Op Art: Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.

Victor Vasarely

Bridget Riley

Por su parte, los diseñadores textiles y de moda de la década de los „60 no tardaron en asimilar estos movimientos artísticos y aplicarlos en el vestir. Lograron así que el buen diseño fuera una realidad al alcance de muchos, de fácil acceso para las grandes masas de clase media.

Idearon modelos “frescos”, que reflejaran alegría y vitalidad, renovando las texturas, los estilos y también la combinación de colores, uniendo sin temor colores como el fucsia con el rosado o amarillo, que antes a primera vista “no combinaban”.

Características generales: Es una evolución matemática del arte abstracto.

Se usa la repetición de las formas simples.

Los colores crean efectos vibrantes.

Gran efecto de profundidad.

Confusión entre fondo y primer plano.

Hábil uso de las luces y las sombras.

El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.

Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.

En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotraen.

asiento “Sacco

asiento “Sacco

Assiento Sacco

Italia. Desde hace cuatro décadas

aproximadamente Italia ha sido una gran exportadora de diseño industrial

como factor cultural y económico.

Su tradición no es tan larga como la alemana, sino que arranca a partir de la

industrialización del triángulo norteño –Milán, Turín y Génova-, planteada después de la Segunda Guerra. El

interés se ha demostrado primordialmente a nivel práctico, pero

también descolla la teorización. Como prueba de ello se cuenta una importante cantidad de publicaciones bibliográficas y hemerográficas (entre las revistas están las famosas Domus, Ottagono, Abitare e Interni), cuyo contenido analiza la

interesante vinculación entre arquitectura, arte y diseño que ha desenvuelto en esta península que también es escenario de grandes eventos como la Feria de Milán, foros a los que asiste lo más granado del diseño internacional.

El estilo predominante ha sido el “Bel Design”, el cual está basado tanto en la tradición cultural artesanal como en las innovaciones técnicas y creativas que

carecen del lastre funcionalista. La compañía Olivetti es la gran exponente de las características formales del diseño italiano.

El Bel Design no es barato, sino más bien orientado al poder adquisitivo de grupos sociales que exigían la exclusividad de las piezas, lo cual es una diferencia con

respecto al aspecto social que caracteriza al diseño escandinavo.

Como antítesis de aquel movimiento surgieron los grupos Archizoom, Superstudio, Strum y 9999 en los años 60’,

GlobaTools, Alchimia y Memphis en los 70’, con la idea de crear metodologías de trabajo innovadoras y el intercambio de ideas para plantear la participación del diseñador en el desarrollo cultural del país. De estos estudios nacieron estilos como el “Diseño Banal” y el “Neo primitivismo”.

A mediados de los años sesenta se produjo un cambio bastante repentino. El surgimiento de un mercado de consumidores jóvenes, con su consiguiente deseo de diversión y de cambio, alteró el sistema de valores basados en la racionalidad y el universalismo. La estética Pop (popular), privilegiaba lo desechable y lo temporal, y rechazaba por consiguiente, lo permanente. Este cambio de hábitos consumistas causó un enorme impacto en la filosofía del diseño, volviéndose hacia la cultura popular. Respecto al diseño de muebles, se abandonó la seguridad y el exclusivismo a favor de la estética de lo desechable. Italia fue uno de los países en los que, paulatinamente, se siguió con más fuerza esta nueva tendencia esteticista. Hombres de talento de la talla de los hermanos Castiglione, Vico Magistretti, Marco Zanuso y Caetano Pesce, entre otros, proporcionaron un nuevo aire a materiales como el plástico Diseñadores que se esforzaron por romper con los valores de la generación anterior, en busca de un enfoque más expresivo, que se ajustase a los valores democráticos de la nueva era y que se moviese con los vientos de la moda más audaz, cuyos elegantes e innovadores diseños neomodernos, se convirtieron en símbolos distintivos del los años sesenta. Diseños como el asiento “Sacco”, una bolsa de piel o de vinilo, rellena de bolitas de poliestireno, que se ajustaba al cuerpo de la persona al sentarse - creado por Piero Gatti, Cesare Paolini y Franco Teodoro -, o como las sillas “hinchables” “UP” de Caetano Pesce o sus sillones “UP2”, piezas que se “hinchaban” al salir de su caja de PVC.

“mesa Marcuso”.

Sillas inchables UP

El sacco (Piero Gatti, Cesare Paolini, 1969) se considera como un diseño típico de este

movimiento, puesto que su forma (como las actuales "peras") permite al usuario adoptar

cualquier tipo de posición de descanso otorgándole una amplia libertad de uso al objeto, y se

puede observar cómo el pensamiento del anti-design prevalece frente a otro factores

como la calidad del asiento o la ergonomía del mismo.

Formas que se inspiraban en el cuerpo de la mujer, por las que se las denominaba también

“Donna”, o diseños más audaces, como el sofá “Tube Chair”, de Joe Colombo,

Tube Chair”, de Joe Colombo

que estaba formado por una serie de tubos de plástico semirrígidos, cubiertos con espuma de

goma y tela, que podían unirse de varias maneras para crear una serie de asientos

muy cómodos.

Los muebles de Zanuso se caracterizaron por el rigor y la originalidad, tal como se puede apreciar en la “mesa Marcuso”. La sencillez de su diseño, compuesta por patas de cromo

y una superficie de vidrio, genera una clara sensación de modernidad. Una época, que importaba más el lujo que la democratización, que tanto interesaba a

diseñadores de principios del siglo XX.

Vico Magistretti creó varios diseños de muebles que acabaron convirtiéndose en clásicos, como su silla “Selene”, una de las primeras sillas realizadas totalmente en plástico. Sus patas poseían la forma de “S” que aumentaba su resistencia. Su superficie brillante, de resina reforzada, y su color intenso, le otorgaban un aire lujoso y muy innovador.

Pier Giacomo y Achille Castiglioni, fueron unos

de los principales impulsores del movimiento

italiano.

Muchos de sus diseños de muebles tenían una

clara influencia de los ready-made” de Marcel

Duchamp, en los que se empleaban objetos

útiles, cuya forma venía determinada

únicamente por el uso. Un ejemplo de ello es el

taburete “Mezzadra”, que no era más que un

asiento de tractor de color intenso, suspendido

con un soporte de acero.

taburete “Mezzadra”,

El arquitecto y diseñador

danés Verner Panton, se

sumó a este movimiento

internacional. Su silla

apilable “Stacking”,

constituyó su diseño más

innovador. La primera

silla de una sola pieza

con el asiento e n

suspensión, creada con

plástico inyectado.

Su original silla “Heart”

(corazón), poseía una

forma muy futurista, y

contaba con una

estructura de metal curvado y una cubierta con tapizado de tela.

Para el arquitecto y diseñador italiano, Ettore

Sottsass, la creencia del movimiento moderno de

que el diseño era capaz de cambiar

comportamientos, dict ar estilos de vida y apoyar

ideologías, le resultaba deplorable.

Así, se encargó de plasmar esta opinión en todos

sus diseños. Este es el caso de las estanterías,

escritorios y armarios que expuso en la Trienal de

1965 y de 1966, del mobiliario “Grey” diseñado

para Poltonova, o la serie de muebles que diseñó

para Alchimia (mesas, librerías y lámparas),

forrados en plástico y adornados con motivos de

suburbios urbanos, como el suelo de mármol de

las cafeterías típicas de los años cincuenta.

Sus obras inspiraron a generaciones de arquitectos

y diseñadores que, desde 1966 hasta principios de

los setenta, se identificaron con el movimiento

“antidiseño” (). Vieron en Sottsass un líder nato que

había logrado dar un nuevo rumbo a través de sus

creaciones, como la “silla de secretaria”, de plástico

amarillo y aluminio laqueado, con pies de Mickey

Mouse, o el armario “Casablanca”, cuya

impresionante forma recuerda más a un robot de la

era espacial que a un armario.

A finales de los años sesenta, el concepto de estilo

posmoderno se encontraba plenamente aceptado.

El Pop Art, carecía del peso de la gravedad del

mobiliario moderno y no dejó más que un puñado de obras e ideas. Pero eso no le quita méritos

como movimiento. De hecho, resultó de vital importancia a la hora de trascender el

conservadurismo del estilo moderno.

EL ANTIDISEÑO Nace en Italia.

Está en contra de los preceptos racionales que defendía el movimiento moderno.

Pretendía validar la expresión creativa individual a través del diseño.

El surrealismo es quién influyó en distintos creadores anti racionalistas de los años 40.

Radicalmente crítico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en la

sociedad.

El anti diseño defendía el diseño de evasión.

Y con sus superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite.

Buscaba nuevas técnicas no industriales para potenciar la creación individual.

ARCHIZOOM ASSOCIATI

Fundado en 1966 en Firenze (Italia) por cuatro arquitectos y dos diseñadores que fueron

influenciados por las visiones utopicas del grupo arquitectonico archigram. Se dedicaron a diseñar

exposiciones, trabajos arquitectonicos y diseño de objetos.

Sus proyectos y numerosos ensayos reflejaron una nueva búsqueda, basándose en un

acercamiento a lo flexible y tecnológicamente influenciado en el diseño urbano.

ARCHIZOOM Grupo de diseño y arquitectura fundado en 1966 en Florencia por Andrea Branzi,

Paul Deganello, Morozzi máximo y Gilberto Coretti.

Agrupe que funciona entre los años sesenta y setenta de período completo del cuestionamiento

ideológico, transforma la tecnología en "fantatecnologia" para ponerlo al servicio del diseño radical.

Rechazan el clásico tradicional del diseño del consumisti y el feticci que propone del gusto de la

duda, elevando se opone a la posición del "altari del domestica" de la liturgia; cruzar claramente la

frontera con el Kitsch. Se disolvieron en el 1974.

PRODUCCIÓN

1967 - "Divano, Poltronova”.

1967 - "Naufragio de rosas, Rose d'Arabia, presagio del rose", camas ideales de la serie

1968 - “Centro de la conspiración ecléctica - XIV trienios”.

1968 - "Del safari; arregla del divani el sentarse y del componibili, Poltronova”.

1969 - "De Mies; asiento, Poltronova”.

1973 - "Asiento, Cassina”.

1967 - "DivanoSuperonda, Poltronova”.

1968 Del safari; Poltronova 1967 - "Naufragio de rosas

1969 - "De Mies; asiento, Poltronova”. 1973 - "Asiento, Cassina”.

Estudio fundado en 1966 en Firenze (Italia) por cuatro arquitectos: Andrea Branzi (llevado 1938), Gilberto Corretti (llevado 1941), Paolo Deganello (llevado 1940), Massimo Morozzi (llevado 1941) y dos diseñadores: Dario Bartolini (llevado 1943) y Lucia Bartolini (llevado 1944). Trabajaron en instalaciones y arquitectura de la exposición y diseñaron interiores y productos. Archizoom era polémico en discurso y práctica en este período del radicalismo social. En 1968, en el Triennale en Milano, organizaron el 'Center para Conspiracy' ecléctico;. En 1972, declararon el 'derecho para ir contra una realidad que carece de sentido... para actuar, modifique, forme, y destruya el ambiente circundante. El 'Mies' la silla es un ejemplo bien conocido de su trabajo.

En la década de los 60 se formaron varios grupos de diseño radical en Italia:

• Archizoom.

• Superstudio.

• Grupo Strum.

• 9999

Superestudio: Los pioneros de Arquitectura Conceptual

Para situarnos, en el año 1961 se forma en Londres el grupo Archigram, cuyos miembros eran arquitectos jóvenes (Warren Chalk, Peter Cook, Dennis Crompton, David Greene, Ron Herron and Michael Webb) que promulgaban un uso intenso de las altas tecnologías para solucionar los problemas de habitabilidad que afrontaba el Reino Unido –y el mundo- por aquellos años. Buscaban salidas nuevas y utópicas, desarrollando proyectos irrealizables para dar respuesta a los movimientos neo-hippies de los años 60. A finales de los años 50 se dio un fenómeno de urbanización masiva a nivel mundial, por lo que, influenciados en parte por los estudios de Buckminster Fuller y sus aplicaciones tecnológicas en proyectos como las cúpulas geodésicas y la casa Dymaxión, Archigram diseñó su primer gran proyecto, la Plug-in-City, una megaestructura conformada por una armazón de grandes dimensiones en la que podían encajarse habitaciones en forma de unidades individuales.

Archigram / Plugin City

De forma similar, Yona Friedman, arquitecto nacido en Budapest en el año 1923 pero que

desarrolló la mayoría de su obra desde París de forma paralela a la de Archigram. Gran

parte de su obra va unida a la préctica filosófica que el mismo da a conocer con su

manifiesto “La Arquitectura Móvil”

Esta ciudad, la ciudad espacial, es una arquitectura a gran escala, que se sobrepone, casi sin

tocarlo, sobre su entorno existente y del cual surgen las columnas y soportes que sostienen

los módulos que forman la ciudad, es bastante clara la similitud con la Plug-in-City y los

sueños de hacer enormes entornos urbanos, modulares, móviles y que albergaran en ellos

todos los servicios que una ciudad necesita.

Constant

Otros exponentes de este movimiento utópico es Constant, nacido en Amsterdam en 1920, ya

entre finales de los años 50 y la década de 1970 creó su primer proyecto “New Babylon”, como

contrapunto a la estética pop de los proyectos de Archigram. La ciudad que propone Constant es

también una gran estructura elevada, apoyada sobre enormes columnas que surgen ya sea sobre

terrenos sólidos o desde el agua y sostienen una gran red de distritos diseñados a diferentes

niveles, que darán forma al sueño utópico de una ciudad amorfa, en constante crecimiento, sin un

principio pero también sin un final.

Archizoom / Aerodynamic City

Bajo estos mismos lineamientos desarrolló su trabajo el grupo italiano Archizoom, fundado en

1966 (su nombre es una clara referencia a Archigram, ya que su revista Nº4 se llamó ZOOM!) y

desarrollaron una gran producción en los campos del diseño, arquitectura y a las planes urbanos a

gran escala. Crearon el término “Superarchitecture”, haciendo referencia a la influencia del pop

art en su proceso creativo. Su proyecto más conocido es la No-Stop-City, diseñada en 1969.

Superstudio / Monument

También de origen italiano, el grupo Superstudio se fundó en 1966. El grupo incluía tanto

arquitectos como diseñadores y ese mismo año presentaron su mayor proyecto: The Continuous

Monument, An Architectural Model For Total Urbanisation. Este fue el punto de partida de los

diversos estudios desarrollados en el campo de las ciudades utópicas, que continuaron trabajando

en proyectos como Twelve Ideal Cities.

No deja de ser curioso que, a excepción de Friedman, todos estos grandes proyectos nacieron de

grupos o colectivos. En los años 70, la crisis de petróleo afectó la forma de pensar y de planificar

de los arquitectos en todo el mundo. Ahora términos como crisis, recesión, falta de vivienda,

utopía vuelven a aparecer en el imaginario urbano y todas estas propuestas se re-estudian y

reinventan en busca de nuevas soluciones. Tal es el caso de proyectos urbanos como la ciudad de

Masdar de Foster and Partners en Dubai o del proyecto Waterfront de OMA o del edificio Dubai

City Tower, también de Foster que pretende albergar en un solo edificio, el diseño al completo de

una ciudad. Si esto es viable, social, cultural y ambientalmente sostenible, ya podrá ser evaluado

con el paso de los años

ALESSANDRO MENDINI Arquitecto, Escritor y Pintor Nace en Milan, 1931 En 1979 funda el Studio Alchimia, junto a Sottsass Publicó varios Libros Director de Revistas(Casabella, Modo y Domus) Historiográfo y Periodista

ALESSANDRO MENDINI Su Diseño No es Agresivo Formas Suaves, casi Femeninas Considerado uno de los Padres del Neomodernismo Italiano, Distinguido como un Artista Eclectico Poeta del Color y Provocadoren un Diseño Rico en Inventiva

EL DISEÑO RADICAL ITALIA.

Italia es reconocida por la calidad tecnológica y formal delos diseños, hay que destacar una figura clave en este desarrollo, como lo es Ettore Sottsass, que junto a su labor de diseño en el campo de alta tecnología en empresas como Olivetti, inicia un movimiento alternativo que rompe con el papel de diseño en la industria y cuestiona el uso de los objetos al proponer: Una filosofía de diseño más ambiental y humanista, que incluía como elemento esencial la idea del gusto popular.

Así surge el llamado diseño radical, anti-diseño o contradiseño, que recibe influencias del Pop Art de los años 60 y de algunos elementos de culturas primitivas.

Los objetos se expresan como símbolos visuales y los diseñadores desarrollan su trabajo sin la ayuda de la industria, volviendo los ojos nuevamente al estilo y concepción artesanal.

El diseño radical es la conformación de varios movimientos Italianos como Archizoom, SuperStudio, srumm, y 9999 que surgen en los años 60 y Alchimia, Global Tools, y Memphis en los 70.

Estos movimientos aparecen como una forma de protestar contra el modernismo formal del estilo predominante de Italia como es el “Bel Design”, el cual está orientado al poder adquisitivo de grupos sociales que exigían exclusividad de las piezas.

Surge como una idea de crear metodologías de trabajo innovadoras y el intercambio de ideas para plantear la participación del diseñador en el desarrollo cultural del país.

Y además como una forma marcada de ruptura formal con el estilo del diseño moderno herencia del Ulm y del funcionalismo, y se podría definir como lo sobrio en el modernismo y lo colorido en el radical.

Lo que planteo este estilo como concepto fue que la idea debía ser más importante que la forma e hizo una liberación estética en sus diseños lo que los llevo a una exageración o indiscriminado amontonamiento de colores, formas, texturas, y teniendo el uso libre de la historia.

Esto lo hizo convertirse en un estilo de éxito popular y les dura mientras produzcan novedad.

La idea principal del diseño radical es llenar de simbolismo la decoración y vestir de carnaval los objetos ya creados.

El diseño radical tiene una amplitud de miras más allá del círculo cerrado en el que se encuentra el estilo ,moderno y posmoderno, ya sea en la forma y sobriedad de sus colores.

Dentro del estilo radical podemos mencionar a Sottsass y Mendini los cuales no solo pertenecieron a este estilo sino que se destacaron por su gran aporte a los diseños radicales. En especial Sottsass que nos recordó que aparte del negro y el beige hay otros colores.

Hoy en día el verdadero diseño radical se encuentra en lugares o sectores que la actividad proyectual a penas se ha puesto en práctica, es decir, ellos buscaban un reto a los procesos constructivos, demostrando que hoy se puede crear cualquier objeto por complejo que sea.

Aquí todo vale porque las leyes de la composición son misteriosas enigmáticas y locas.