Que es el arte

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1Es un grupo de reglas básicas en la mezcla de percepción de colores para conseguir el efecto deseado combinando colores de luz o combinando colores reflejados en pigmentos.

en el ámbito práctico del uso del color, el conocimiento que tenemos y hemos adquirido sobre éste hace referencia al color pigmento y proviene de las enseñanzas de la antigua academia francesa de pintura que consideraba como colores primarios (aquellos que por mezcla producirán todos los demás colores) al rojo, el amarillo y el azul.

al tenor de este conocimiento práctico vemos que en realidad existen dos sistemas de colores primarios: colores primarios luz y colores primarios pigmento.

la teoría del color es una guía que pretende estandarizar los conocimientos (con

definiciones, categorías, relaciones y efectos) sobre los colores para su aplicación práctica

en diversas áreas como puedan ser las artes visuales o el diseño gráfico.

Teoría del color tradicional

Las bases de la teoría del color artística tradicional son anteriores a los descubrimientos

del siglo XX.

Principales características de la teoría del color tradicional:

El color se estudia como una experiencia sensorial abstracta ideal. No se distingue

entre colores luz y colores pigmento. Entre el comportamiento de la síntesis aditiva y

sustractiva.

Colores primarios propuestos en el siglo XVIII: amarillo, rojo y azul. Se cree que a

partir de estos tres colores primarios es posible crear todos los demás colores.

Dominan los espacios de representación del color bidimensionales como las escalas

tonales y el círculo cromático

Teoría del color moderna1 http://arte.about.com/od/Que-es-el-arte/fl/Teoria-del-color.htm

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La teoría del color moderna ha evolucionado a partir de la teoría del color tradicional y,

aunque se ha ido actualizando con los conocimientos científicos de finales del siglo XIX y

del siglo XX, mantiene algunos de sus principios anacrónicos.

Principales características que diferencian la teoría del color moderna de la tradicional:

Se tiene en cuenta la influencia de las leyes físicas en el comportamiento y

percepción de la luz y el color.

Se distinguen diferentes colores primarios (con comportamientos distintos) según su

contexto: colores luz, colores pigmento y colores psicológicos.

Énfasis en las tres dimensiones del color de Albert Munsell (1858-1918): tono,

saturación y valor.

Temas de la teoría del color

Algunos de los temas básicos que se incluyen en la teoría del color artística son:

Los colores

Todos los colores: Azul | Rojo | Verde | Amarillo | Púrpura | Naranja | Rosa | Marrón | Gris | Negro | Blanco.

Vocabulario y definiciones sobre el color

Color, Círculo cromático, Colores complementarios, Color luz, Color pigmento, Colores

cálidos, Colores fríos, Color plano, Color local, Tono, Saturación, Valor, Escala de grises,

Monocromático, Acromático, Policromía.

Historia del arte contemporáneo

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El nacimiento del arte contemporáneo se sitúa en los primeros

años del siglo XX, momento en el que el arte se ve inundado

por una gran eclosión de experimentación artística y de

creatividad, este es el momento de las vanguardias históricas o

vanguardias artísticas.

Es una época en la que toda una serie de movimientos se van

influenciando entre ellos, aportando a la Historia del arte

múltiples y singulares formas de expresión. Plantean una total

libertad a la hora de interpretar la realidad, así como una

búsqueda de la originalidad y una conciencia revolucionaria, y proponen una nueva actitud

del espectador ante la obra de arte. Tras la Segunda Guerra Mundial surge el auge de la

abstracción. El expresionismo abstracto de los Estados Unidos se va haciendo un hueco.

El informalismo europeo de la posguerra se convirtió en el equivalente al expresionismo

abstracto en Estados Unidos. Más tarde llegará la abstracción postpictórica, el Op Art, los

Nuevos Realistas o el Pop Art y las tendencias conceptuales, como el happening,

performance, arte Minimal Povera, Antiform, Body Art, Land Art, Arte conteptual lingüístico.

Se llama arte contemporáneo a aquellas expresiones artísticas originadas durante el

decurso del siglo XX. Si bien el criterio de contemporaneidad es de uso dispar, las

producciones del arte durante el siglo pasado tienen una serie de rasgos comunes que

entran en franco contraste con aquellos provenientes de épocas precedentes. Así, es

posible referirse al arte del siglo XX como a un bloque, soslayando las siempre presentes

diferencias que existen en este. Las principales características que pueden señalarse con

respecto al arte producido en ese siglo son aquellas que hacen a una innovación en las

normas a seguir, como así también el uso de patrones antiguos que están utilizados con

una significación distinta a la original.

Cabe antes que nada dar un breve repaso de algunas concepciones vigentes al momento

de finalizar el siglo XIX. Hasta ese momento, pese a las enormes diferencias que se

habían gestado en lo que respecta a definir el valor y los alcances del arte, siempre

prevaleció una intención de lograr belleza a través de este. En este sentido, pude decirse

que siempre subyació un elemento platónico en la mentalidad artística anterior al siglo XX,

aspecto al que pudo haber contribuido el cristianismo.

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Basta con recordar que muchos

expertos definen la existencia de

períodos cíclicos en la historia del arte.

Así, el Renacimiento exhibió un

intenso aspecto platónico en el cual se

rescataron variables típicas de la

cultura grecorromana, con respeto por

la simetría, los patrones clásicos de

belleza y la figura humana. Estas

características son llamadas apolíneas

(en referencia al dios griego de la

belleza, Apolo). El Renacimiento fue sucedido por el Barroco, un período breve,

profundamente explosivo y plagado de creatividad, en el cual estos cánones se

relativizaron para incluir también parámetros más aleatorios e incluso sombríos. Estas

características suelen definir como dionisíacas (por el dios griego del vino, Dionisio). El

neoclasicismo y el romanticismo representan dos etapas posteriores y homólogas del

Renacimiento y el Barroco, en ese orden.

De igual forma, con la consolidación de la Revolución Industrial primero, y luego de la

Primera Guerra Mundial, la postura apolínea fue abandonándose en pos de una más

relativista, hasta el punto de llegar a negar a la belleza como finalidad del arte. Así, serán

las vanguardias las que pretenderán “liberarse” de concepciones pasadas, bogando por

estilos nuevos y experimentales. Más allá de que no lograron prosperar, dejaron su

impronta en el decurso del siglo, relativizando la noción de belleza. En muchos sentidos

contribuyeron a estas novedades en el arte moderno la posibilidad de la rápida

incorporación de parámetros artísticos de otras regiones del mundo (en especial, el Asia y

los pueblos originarios de América) y, en muchos casos, los fenómenos experimentales

con alucinógenos utilizados en la década de 1960.

Asimismo, vale recordar que el siglo XXI ha incorporado al arte moderno el concepto

asociado de arte digital, en el cual muchos creadores aplican tecnologías informáticas para

dar lugar o complementar otro tipo de obras, ya sea de índole gráfico o musical. Los

recursos digitales han llegado para quedarse en forma definitiva en el mundo del arte

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actual, con un mayor o menor grado de influencia que depende de la disponibilidad y

variables culturales propias del artista y su entorno social.

Ciertamente, puede señalarse una cuota de subjetividad a la hora de evaluar una obra en

particular. No obstante, el cuestionamiento extremo de pautas que eran respetadas hasta

fines del siglo XIX conllevo a una banalización del arte. En efecto, si la belleza es relativa,

entonces cualquier elemento es bello, y si el arte no tiene por qué atenerse a criterios

estéticos, entonces cualquier expresión es artística. El tratamiento de estas cuestiones

será capital para definir el futuro de la cultura. La vitalización del arte ha convertido en

realidad a cada usuario en una suerte de crítico de mayor o menor idoneidad, por lo cual

los gustos y placeres asociados con el arte moderno pueden disfrutarse de un modo

personalizado y con gran posibilidad de elección por parte de cada individuo.

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El arte es el conjunto de disciplinas que se orientan a una finalidad expresiva y estética. Si

bien es cierto que un gran número de actividades humanas guardan relación con la

capacidad de expresión y la estética, solo en el arte estas características se presentan

como sentido y razón de ser. También es cierto que el concepto de estética ha sido

ampliamente debatido, más nunca fue definitivamente eliminado.

Si bien suele asociarse el concepto de arte con el e una cultura desarrollada, lo cierto es

que ya desde los inicios de la humanidad pueden encontrarse expresiones artísticas,

motivo que hace suponer que la vocación expresiva es innata a la raza humana. Siguiendo

con esta idea, es posible encontrar pinturas en las cavernas que utilizaban hombres

prehistóricos y que nos relatan a su manera los avatares de su vida cotidiana. Esta forma

de expresión que hoy llamamos arte rupestre, es una de las primeras registradas de

nuestro paso por el mundo.

Ahora bien, ateniéndonos a criterios más modernos, es posible segmentar la esfera del

arte en disciplinas particulares. Así, el arte estaría compuesto por diversas actividades,

entre las que se destaca la arquitectura, que se aboca a la construcción de edificios; la

danza, que consiste en la ejecución de movimientos del cuerpo al son de un ritmo; la

escultura, que se orienta a moldear y tallar diversas figuras; la música, que organiza

sonidos y silencios armoniosamente; la pintura, que es la representación gráfica mediante

pigmentos; y finalmente, la literatura, que se vale del uso de la

palabra. Hay quienes también otorgan gran importancia a la

cinematografía y a la fotografía.

A pesar de estas limitadas aproximaciones, hay que tener en

cuenta que el concepto de arte dista de estar cerrado, pudiendo

encontrarse otras variantes y reflexiones en torno a éste. Lo cierto

es que más allá de toda discrepancia, las obras que nos legaron

innumerables artistas hacen más gustosa nuestra existencia.

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(León NikolayevitchTolstoi. (2002). que es el arte. 2012) Desde el punto de vista subjetivo, lo que

llamamos belleza es incontestablemente todo lo que nos produce un placer de

determinada especie. Mirándolo desde el punto de vista objetivo, damos el nombre de

belleza a cierta perfección; pero claro es que lo hacemos porque esa perfección nos

produce cierto placer, de modo que nuestra definición objetiva no es más que una nueva

forma de la definición subjetiva. En realidad, toda noción de belleza se reduce para

nosotros a la recepción de determinada dosis de placer.

Teniendo esto en cuenta, sería natural que la estética renunciara a la definición del arte

fundado sobre la belleza, y que buscara otro más general, pudiendo aplicarse a todas las

producciones artísticas y permitiendo distinguir lo que depende o no del dominio de las

artes. Pero ninguna definición parecida se ha formado aún, conforme puede haber visto el

lector. Todas las tentativas hechas para definir la belleza absoluta, o no definen nada o

sólo definen algunos rasgos de ciertas producciones artísticas, y no se extienden a todo

cuanto se considera y se ha considerado como formando parte del dominio artístico.

No hay una sola definición objetiva de la belleza. Las que

existen, así metafísicas como experimentales, llegan todas a

la misma definición subjetiva, que quiere que el arte sea lo

que exterioriza la belleza, y que ésta sea lo que gusta, sin

excitar el deseo. Muchos tratadistas de estética comprenden

la insuficiencia de tal definición, y para darle una base sólida,

han estudiado los orígenes del placer artístico. Han

convertido así la cuestión de la belleza en cuestión de gusto.

Pero esto les resulta tan fácil de definir como la belleza, pues

no hay ni puede haber explicación completa y seria de lo que

hace que una cosa guste a un hombre y disguste a otro, o viceversa. De esta manera la

estética, desde su fundación hasta nuestros días, no ha conseguido definir las cualidades y

las leyes del arte, ni lo bello, ni la naturaleza del gusto. Toda la famosa ciencia estética

consiste en reconocer como artísticas algunas obras por la sencilla razón de que nos

gustan, y en combinar luego toda una teoría de arte que pueda adaptarse a todas esas

obras. Se da por bueno un canon de arte, según 2el cual se reputan obras artísticas

aquellas que tienen la dicha de gustar a ciertas clases sociales, las de Fidias, Rafael,

Ticiano, Bach, Beethoven, Sófocles, Homero, Dante, Shakespeare, Goethe, etc.; y a 2 http://www.definicionabc.com/comunicacion/arte-contemporaneo.php

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consecuencia de ello, las leyes de la estética deben componérselas de tal modo, que

abarquen la totalidad de esas obras.

Un tratadista alemán de estética, de quien leí hace poco un libro, Fólgeldt, discutiendo los

problemas del arte y de moral, afirmaba que era locura querer buscar moral en el arte.

¿Sabéis en que fundaba su argumentación? En que si el arte debía ser moral, ni Romeo y

Julieta de Shakespeare, ni el Wilhelm Meister de Goethe, serían obras de arte; y no

pudiendo dejar de ser esos libros obras de arte, toda la teoría de la moralidad en el arte se

derrumbaba. Fólgeldt buscaba una definición de arte que pudiera comprender esas dos

obras y esto lo conducía a proponer, como fundamento del arte, la "significación".

Sobre este plan están edificadas todas las estéticas existentes. En vez de dar una

definición del arte verdadero y decidir luego lo que es o no es buen arte, se citan a priori,

como obras de arte, cierto número de obras que, por determinadas razones, gustan a una

parte del público, y después se inventa una definición de arte que pueda comprender todas

estas obras. Así el estético alemán Múther, en su "Historia del arte del siglo XIX", no sólo

no condena las tendencias de los prerrafaelistas, decadentes y simbolistas, sino que

trabaja para ensanchar su definición de arte, de modo que pueda comprender están

nuevas tendencias. Sea cual fuera la nueva insania que aparezca en el arte, en cuento la

adoptan las clases superiores de nuestra sociedad, se inventa una teoría para explicarla y

sancionarla, como si nunca algunos grupos sociales hubieran tomado por arte verdadero lo

que era arte falso, deforme, vacío de sentido, y que no dejo huellas ni discípulos en pos de

sí.

La teoría del arte fundado sobre la belleza, tal como nos la expone la estética, no es, en

suma, otra cosa que la inclusión en la categoría de cosas "buenas" de una cosa que nos

agradó o nos agrada aún.

Para definir una forma particular de la actividad humana, precisa antes de comprender el

sentido y el alcance de ella. Para conseguirlo, es necesario examinar tal actividad en sí

misma, luego en sus relaciones con sus causas y efectos, y no sólo desde el punto de vista

del placer personal que pueda hacernos sentir.

Si decimos que el fin de cierta forma de actividad consiste en nuestro placer y definimos

esta actividad por el placer que nos proporciona, tal definición será forzosamente inexacta.

Esto es lo que ha ocurrido cada vez que se trató de definir el arte. Por lo que hace a la

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alimentación, a nadie se le ocurriría afirmar que su importancia se mide por la suma de

placer que nos procura. Todos comprendemos y estimamos que no puede admitirse eso, y

que no tenemos, por lo tanto, el derecho de decir que la pimienta de la Guayana, el queso

de Límberg, el alcohol, etc., a los que estamos acostumbrados, y que nos gustan, forman

la mejor de las alimentaciones.

Así ocurre con el arte. La belleza, o lo que nos gusta, no puede servirnos de base para una

definición del arte, ni los muchos objetos que nos producen placer han de considerarse

como modelo de lo que debe ser el arte. Buscar el objeto y el fin del arte en el placer que

nos producen, es imaginar, como los salvajes, que el objeto y el fin de la alimentación

están en el placer que nos producen.

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