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Imagine que un día usted despierta dentro de una jaula con la mitad del suelo electrificado y que cada vez que usted pisa esa mitad recibe una buena cantidad de corriente a través de su cuerpo; como usted no es bobo –y por aquello del instinto de conservación– al segundo corrientazo usted se queda en la otra mitad de la jaula.
Al segundo día una pequeña pero incómoda descarga eléctrica lo despierta, el acceso a la segunda mitad de la jaula está obstruido, dejándolo a usted con la única opción de soportar el incómodo voltaje. Al tercer día la descarga eléctrica ha aumentado y a pesar de sus gritos nadie lo escucha; cansado y resignado se queda quieto e indefenso en adelante.
Usted despierta una vez más con la luz de un monótono amanecer. Después de 360 días el acceso a la segunda mitad de la jaula está habilitado nuevamente, pero usted está tan desmotivado –y acostumbrado– que le da igual; sin sorpresa alguna, vuelve a cerrar los ojos tratando de conciliar el sueño.
A este experimento, realizado con ratones de laboratorio, se le llama indefensión y se utiliza hasta la saciedad en nuestra sociedad, donde la libertad de expresión y el libre desarrollo de la personalidad son manipulados mientras nuestra vida pasa saltando de uno a otro bando del libre albedrío.
Somos el resultado de miles de coincidencias genéticas, históricas, geográficas, políticas y económicas que nos convierten en seres únicos con la total libertad de luchar por lo que creemos, expresándonos y resistiéndonos a nuestra manera, sin callarnos y sin aplacarnos, aunque tengamos una bomba de tiempo bajo los pies.
ADOLFO LEMOS
Pdta.: Los invitamos a visitar nuestra página web www.musicmachine.com.co, donde podrán ver online ésta y las cuatro ediciones anteriores. Esperamos sus comentarios, quejas y sugerencias.
Dirección General
Adolfo [email protected]
Redacción y Corrección de Estilo
Miguel Corzo, Margarita Juliá[email protected]
Redactores
Mario Aguirre, Andrés Durán, Fernando España, Manuel Estévez, Julián Gutiérrez, Efraim Medina, Héctor Mora, Luisa Piñeros, Juan Diego
Quintero, Simona Sánchez, Felipe Sepúlveda, Luis Daniel Vega, Pablo Wilson.
Dirección de arte, diagramación e ilustración
Black Sheep Inc.Edwin G. Gómez H.
Fotógrafo
Kike Barona
Colaboradores en ésta edición
Camila Hernández Morales, Amós Piñeros, Jorge Rivas.
Depto. Comercial
Verónica [email protected]
Web Site
Andrés Ballénwww.mediafacto.com
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Paola Ruiz Ortiz
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La reproducción total o parcial de los artículos, imágenes y diseños publicados en esta o demás ediciones está expresamente prohibida a menos
que se conceda previa autorización.Music Machine Magazine ®, Julio de 2010.
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DivaLa banda bogotana Divagash suma más de 10 años, tiempo que le ha permitido conocer la escena colombiana a fondo. A continuación conoceremos su historia, su percepción sobre el movimiento musical en Colombia y algunos temas que su trayectoria avala para tratar con total autoridad.
Manuel Estévez: ¿De dónde viene el nombre Divagash?
Camilo: No queríamos un nombre poético ni con un sentido espiritual. Buscábamos un nombre corto pero contundente y gráficamente fácil de manejar. Un nombre que se pudiera pronunciar en cualquier idioma.
M.E.: ¿Cuál fue el concepto al crear el grupo?
Javier: Ser internacionales, nos gustaba lo local pero queríamos llegar a personas en otras culturas.
M.E.: ¿Qué bandas los influenciaron en esa época?
C: Llegaba el sonido Chemical Brothers, Depeche Mode y la muerte del grunge. Todos tenemos raíces metaleras, pero empezamos a investigar el sonido del funk. Ahora escuchamos las nuevas tendencias del pop, para saber que está pasando.
M.E.: ¿Cómo fue el proceso para surgir en medio del fin de las grandes bandas Colombianas a finales de los 90?
C: Aprendimos de sus errores, ellos tuvieron la gran oportunidad de no dejar caer el rock. La industria era paupérrima y no se podía vivir de eso, así que al tomar la decisión muchos se alejaron de la música y se inclinaron por sus carreras académicas. En el 2001 tomamos la decisión de apostarle todo a la música, nos fuimos a vivir a Estados Unidos e hicimos una gira por México con el apoyo del Ministerio de Relaciones Internacionales.
M.E.: ¿Antes había menos industria pero mejores músicos?
J: Creo que no son los músicos, es el movimiento, en esa época te encontrabas 800 personas en un concierto en la Calleja y los bares de la calle 53. Hoy, aunque hay estudios, disqueras, editoras, poder captar la atención de un fan es muy complicado. Antes los artistas organizaban por sí mismos los eventos, eran los dueños de los bares, ahora se quedan quietos esperando que les hagan todo.
M.E.: ¿Cómo les va con las nuevas tecnologías de ventas por Internet?
J: A penas nos va, pero no es un fenómeno, la gente no tiene acceso a Internet ni a tarjetas de crédito, estamos lejos de tener un ‘Amazon’, o ‘I Tunes’ en Colombia. En otros países ha funcionado bien, pero en Suramérica no ha pasado nada con eso, ahora vender 5000 discos representa Disco de Oro, antes era con 25.000.
M.E.: ¿Las bandas Top en Colombia son sólo mediáticas?
C: Si tú agarras a cien personas en la calle, quizás tres sean aficionadas al rock, es muy difícil que una banda no tenga un ‘voz a voz’ como lo tenían en esa época. En Europa existe el ‘voz a voz’, acá una banda hace cinco conciertos en Bogotá y desaparece.
M.E.: ¿No han planteado la idea de viajar a un país donde esté más fortalecida la cultura de rock?
C: Todos los días, pero la vida nos puso acá y de cierta manera lideramos un movimiento junto a otras bandas, ya tenemos esa responsabilidad, nosotros sabemos que nuestra música funcionaria mejor en otros países, sin embargo este año pensamos viajar.
M.E.: ¿Cuáles son las novedades de su más reciente trabajo musical?
J: Para ‘2 Luv’, buscamos mucho un productor extranjero y finalmente escogimos a Joel Hamilton. Es un disco de rock, no está lleno de elementos diversos sino muy compacto, te sientes 100% satisfecho, plasmando todas las cosas que quieres. Involucramos otras instrumentaciones como vientos, celos, hay una canción en japonés. El ‘Volumen 1’ fue un poco limitado, por dinero, capacidad, etc. Este es una continuación mejorada y el cierre de una época.
M.E.: Qué nos pueden decir de los videos de Divagash…
C: Siempre buscamos que sean muy divertidos y que la gente disfrute el momento sin reflexiones. Divagash siempre busca algo que sea fuera de lo común.
M.E.: ¿Qué puede esperar el público este año?
C: Buenos proyectos, videos viniendo, tenemos alianzas comerciales con Adidas y Vino Trío y ahora queremos fortalecer relaciones con X Box. Vamos a concentrarnos en ser una banda empresarial y dejar nuestra oficina en Colombia bien organizada para poder viajar con más tranquilidad.
M.E.: ¿Por qué no le abrieron a Depeche Mode?
J: La banda que realmente se lo merecía era Estados Alterados, estuvimos en una lista, pero Depeche Mode se inclinó por Angel Phase. Nos parece bien, ya le habíamos abierto a Killie Minogue y Julieta Venegas, además, sí queremos crear escena debemos darle la oportunidad a otras bandas que tengan la experiencia de abrirle
Gash
FRECUENCIA SERIALa una banda grande, lo cuál no se lo deseo a nadie (risas).
M.E.: ¿Qué opinan de la sobreoferta de conciertos internacionales?
C: Los impuestos y la corrupción tienen jodidos a los empresarios y al público, la gente se queja de los precios pero no entiende que los productores no ganan casi nada ya que todo se va en impuestos.
J: Es increíble que un país que se ufana de proteger a los niños y la juventud, no permita la entrada a menores de edad a los eventos por falta de una arena especializada para espectáculos, un sonido una logística.
C: Yo los invitaría a todos a que hiciéramos una marcha por los derechos culturales de la población.
M.E.: ¿Qué queda después de todos estos años de trabajo?
C: Cansancio, deudas como en cualquier empresa. Nos han dejado cosas inmensas, esto ha venido creciendo, el trabajar con músicos muy importantes, giras por varios países, las alianzas comerciales. Somos una banda que ha logrado lo que se ha propuesto y ha batallado frente a las adversidades.
M.E.: ¿Divagash es la banda que mejores alianzas comerciales ha hecho?
C: De la mano de Patricia, nuestra manager, hemos logrado que las marcas volteen su mirada hacia nosotros.
M.E.: ¿Qué bandas locales les gustan?
C: Hay dos proyectos a los que veo con mucha proyección: V for Volumen y Devil Rejects
J: Por crear movimiento, una escuela, hicieron algo muy bello, Chob Quib Town.
M.E.: Un mensaje final de Divagash…
C: Que un viernes no se gasten $ 20.000 en aguardiente y compren el disco de Divagash y apoyen la cultura y el trabajo.
J: Que compren los discos de los demás artistas que estamos haciendo un gran esfuerzo. Si no gestamos este movimiento nadie nos va a parar bolas y eso es responsabilidad del público, acompañar a los artistas.
Por: Manuel Esté[email protected]
RECOMENDADOSMUSIC MACHINE
Por: Luisa Piñ[email protected]
Velandia y La Tigra
SuperZencillo
(Cinechichera)
“La puedo llamar mi diosa porque ya la coroné… Mamita” (Balada)
Torbellino acido, raspa rock, humor del negro, personajes sacados de la mente musical de este burro poeta llamado Velandia que tiene el campo santandereano a merced y los vientos del Chicamocha que evocan las palabras para este alucinante segundo disco que sugiere un futuro musical colombiano. Usted escuche e interprete como la gana le dé, porque ni la tigra ha podido saber que son estas varias rasqas, cuatro vainas y una pista. Cójale el swing a Chuvak, Guarapera y el billetico.
www.velandiaylatigra.com
Aterciopelados
Río
(Nacional Records)
“Y nada de nervios, sube al decibelio” (No llores )
Cada vez estamos más cerca de comprender la esencia aterciopelada que ha marchado consecuentemente con el pulsar del tiempo. Río los reafirma en su libertad para crear y dejarnos ver las posibilidades que tiene la música de reencontrarnos. Catorce tracks para salir del naufragio y remar con toda.
Conéctese con Hijos de Tigre, Gratis y Río.
www.aterciopelados.com
Parlantes
Lenguanegra
(Independiente)
“Como un radio prendido al que no se le entiende nada “(Cuentagotas)
Desde Medellín vuelven a vociferar los Parlantes y este segundo disco que transcurre en una larga historia de doce canciones. Su parloteo va más allá de cualquier descuajado discurso romántico. Lo de ellos es la palabra, el paisaje sonoro, la exploración, el piano rescatado de la abuela, la cantina, lo añejo, el mundo de hoy. Con la lenguanegra, como la de los loros de tanto cotorrear, este combo sabe hablar de originalidad.Huesos, Lenguanegra, El peligro de llamarse incendio.
www.parlantes.net
Sargento García
Cumbia Muffin
(La Gwagwita)
“Yo me voy pa´ la cumbia, que la cumbia está sabrosa “ (me voy pa´ la cumbia)
En una experiencia que duró no más de tres noches de encuentro en Bogotá cuando corría noviembre de 2008, el sargento estuvo al comando de este batallón de talentoso músicos colombianos que reversionaron cinco de sus canciones que han girado por buena parte de Europa y Latinoamérica. Cambiando la salsa por la cumbia Muffin, sargento nos presenta una buena colección de canciones que conectan este país con buena parte del mundo.Músicos colombianos: Urián sarmiento, Kike Egurrola, Henry Ortiz, Jacobo
Vélez, Erika Muñoz y Adriana Ferrer. Amor Pa´ mi, Tonight in Bogotá, Poetas.
www.sergentgarcia.com
Transformes
Banda Sonora
(Kdiscos)
Bajo la batuta de Linkin Park y toda la densidad de su metal alternativo, se concibió la banda sonora de Transformers, nuevamente dirigida por Michael Bay, y estelarmente protagonizada por los robots humanoides que resguardan al planeta bajo los acordes de Nickelback, Green Day, The Used y los ya clásicos Cheap Trick. Mucha bomba para una cinta sin ton ni son, flores para estas canciones que refuerzan cada una de las batallas de estos seres de lata. Transfórmese con “21 Guns “de Green Day.
Por: Luis Daniel [email protected]
Masilva
Criollo businessman
(Independiente)
En el segundo lustro de la Bogotá de los noventa, el rock comenzaba a tener fuerza de nuevo en la capital. Aunque unos años atrás la prensa, la radio y el público habían tenido un fugaz romance con el género (eso que llamaron “Rock en Español), éste se encontraba relegado a bares “alternativos” y emisoras especializadas. Llegaría Rock al Parque en el 95 y la cosa tomaría otro rumbo. Desde el funk, el reggae, el punk, el metal, el ska, los sonidos antillanos y otros prestados de las costas colombianas, el rock bogotano
tomaría un rumbo bien ecléctico y los músicos, jóvenes todos ellos, se meterían de lleno en un rollo que iba más allá del ensayo en el garaje de la casa.
Dentro de una de esas escenas se encontraba El Zut, banda que haría parte de Rock al Parque en dos de sus primeras tres ediciones y que, antes de desintegrarse, dejaría para la memoria un casete que hoy es objeto de culto entre los melómanos más furibundos.
Camilo Martínez Silva, su cantante, emprendería una larga aventura por el mundo que lo llevaría primero a España (allí haría parte de La Fritanga) y, recientemente a Perú donde acaba de editar “Criollo bussinesman”, su debut como solista.
Los diez temas que componen la grabación son, en algunos casos, ejercicios nostálgicos donde Lima y el barrio Lavapiés en España se convierten en los escenarios idóneos para recrear algunas historias de amor, la cotidianeidad del suburbio, la pintoresca idiosincrasia latina y el vagabundaje.
Las letras, sencillas pero no obvias, son conversaciones y telegramas que hablan, también, de adioses, encuentros y silencios. Los sonidos, soportados en una tranquila atmósfera electrónica, van desde los bambucos, las cumbias, el flamenco y la zamacueca, hasta el reggae y otros de género indefinido como la bella “Desayuno sin café”, donde Silva trae a la memoria el recuerdo de Nacho Bedriñana, ex-baterista de Pepa Fresa y viejo amigo de Camilo que hoy ya no está con él.www.myspace.com/masilvamusic
Varios ArtistasRadiónica Vol. 2
(Radio Nacional de Colombia)
El rock ya no es lo que creíamos que era, por lo menos para algunos que crecimos en pleno furor del grunge. En menos de 15 años, la idea de una música ruda, oscura, eléctrica en todos los sentidos, minoritaria y, en los casos más radicales, excluyente, se ha transformado en un complejo universo sonoro donde el pop, la electrónica, los guiños evidentes a las músicas tradicionales y una sobria disposición para acoger estéticas populares (a menudo consideradas como géneros menores de mal gusto) nos están situando de lleno en el siglo XXI.Así las cosas, el oyente rockero ya no es un ser marginal que denigra de todo aquello donde no hay distorsión, voces guturales y riffs endemoniados. Estas mutaciones son las que desde hace unos años Radiónica ha sabido entender y transmitir.Para la muestra, las dos compilaciones que hasta la fecha han editado brillan por la variedad, la apertura y la invitación a la tolerancia.Aunque en la primera entrega la tendencia era menos arriesgada
-más convencional, en el mejor sentido de la palabra-, en la segunda, editada a finales de 2009, algo se rompió en mil pedazos.
No es de extrañar entonces que el disco abra con Edson Velandia quien nos ofrece “Chuvak”, una pieza sabrosona de letra cáustica que reta cualquier clasificación. Desde allí nos damos cuenta de que esta será una compilación sin concesiones pero lo suficientemente matizada como para darle gusto a todo el mundo.
Se aparecen por allí los clásicos sonidos de I.R.A y Kraken; la fuerza juvenil de El Sin Sentido, Árbol de Ojos y Madame Complot; la vehemencia punkera de Nadie; el dub bogotano de Nawal; el metal depurado de Antípoda; el pop sosegado de Serapia y el desparpajo electrónico de Los Swingers.
Pero hay más, en Radiónica Vol. 2 no hay espacio para la frustración y si para las sorpresas como el folk melancólico de Two Way Analog; la experimentación electrónica de Retrovisor; la extravagancia de
RECOMENDADOSMUSIC MACHINESystema Solar y la reivindicación de la vilipendiada figura del cantautor en voz de Andrés Correa.Acá está pues una porción de la actualidad musical en Colombia reunida en un disco donde los géneros, por fortuna, se han desvanecido.www.radionica.gov.co
Calambuco
Rompiendo el cuero
(Millenium)
Durante los últimos seis años, la salsa ha protagonizado una de las escenas más fuertes de la rumba capitalina. Y no es que la gente haya descubierto el ritmo, ni tampoco que no existieran bandas. Al contrario, en Bogotá se ha escuchado mucha salsa desde los ochenta gracias a emisoras especializadas, existe una gran red de melómanos y los rumbeaderos (algunos ya hoy legendarios) marcaron la pauta en la vida nocturna cachaca.Sobre este terreno fértil faltaba sangre joven que rompiera algunos paradigmas. Así fueron apareciendo el Sexteto Latino Moderno, La Real Charanga, La Conmoción y La 33, entre muchas otras, que se convencieron de que ya no eran las bandas del bazar y el matrimonio; eran empresa y laboratorio creativo.Una de ellas, Calambuco, editó en 2006 “Como en el barrio”, disco bravero donde prefiguraban un estilo cercano a la salsa caleña y al sonido cubano. Años después, luego de tocar en algunas de las tarimas más calientes de Bogotá, en algunos sitios de Sudamérica y Europa, Calambuco regresa al ruedo con “Rompiendo el cuero”, grabación en la que confirman su predilección por el sonido clásico.Acá hay para todos los gustos salseros: desde la guaracha y la descarga hasta boleros exquisitos como “El color de tu mirada”. También hay derroche de sabor y virtuosismo como “No estás en ná”, “Guarachando” y la que le da título a la placa.
Y también, como para que la música no quede en la mera intención bailable, se saben abstraer de las letras sosas y nos cuentan con humor historias de amor, barrio, rumba y desengaño, como “Don Marcelino” y “El que se enamora pierde”, dos cortes propicios para echarse unas buenas cabriolas.Por fortuna ni Calambuco ni las demás bandas bogotanas de salsa están compitiendo. Han creado una escena y, por eso, cada una suena distinto. Allí ganamos todos, aún a los que los pies todavía nos tiemblan en la pista de baile.
www.calambuco.net
Por: Julián Gutié[email protected]
Varios Artistas
Lengua atómica y otros tratamientos de conducto
(Productora de Arte Mantarraya)
Mantarraya, colectivo de artistas bogotano que vio la luz hacia finales del año pasado, se lanza al ruedo con el lanzamiento de su primer compilado, Lengua Atómica Y Otros Tratamientos de Conducto, que presenta los trabajos de agrupaciones como Ego; TeleBisor y Bicicleta, y artistas como Mau Gatiyo y Julián Mayorga. Con un sonido inclinado hacia el Indie Pop, Lengua Atómica… es un compilado que atraviesa todo el espectro desde lo mainstream con influencias de Spinetta (Como en el caso de Gatiyo) hasta lo experimental, como lo demuestran los trabajos de Ego; y Julián Mayorga. Si bien el rango tan amplio de los artistas que componen el compilado puede intimidar a algunos, la verdad es que hay una coherencia en el espíritu de cada una de las canciones, convirtiendo a Lengua Atómica… en un ejemplo del movimiento Indie Pop que empieza a gestarse en Bogotá, al mismo tiempo que demuestra el valor de la autogestión, tan necesaria en estos lados.
www.mantarraya.bandcamp.com
Los Campesinos!
Romance Is Boring
(Arts & Crafts)
Los Campesinos! Banda galesa que se presentó en Bogotá el año pasado, vuelve al ruedo con su más reciente álbum de estudio, Romance is Boring, disco en el que presentan en sociedad a su más reciente integrante, Kim Campesinos!, quien reemplaza a Aleksandra Campesinos!Romance is Boring continúa con el carácter y sonido catártico que ha acompañado a anteriores trabajos de la banda, evidenciado en temas como ‘I just sighed. I just sighed, so You know’, ‘This is a flag, there is no wind’ o el tema que le da el nombre al disco, ‘Romance is boring’. Con colaboraciones del calibre de Jamie Stewart (Xiu Xiu), Romance is Boring es un disco que elabora sobre la combinación entre un sonido inocente y letras perturbadoras que mantiene a Los Campesinos! como una de las bandas más importantes del Twee Pop.www.loscampesinos.com
Chinoy
Que Salgan Los Dragones(Independiente)
Mauricio Castillo, más conocido como Chinoy y proveniente de Chile, ha demostrado ser una de las revelaciones más importantes en lo que va corrido del año, con una propuesta de corte folk, en la que la singular voz del cantautor chileno se ve potenciada por el sonido de su guitarra acústica y ocasionales arreglos de cuerda.
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Una red de rebeldías constructivas
“Este festival es un laboratorio participativo de experimentación artística y social, una gran celebración que a la vez es un espacio de reflexión, de crítica y formación en torno a las prácticas que lo constituyen”.
Gracias a la persistencia de un grupo de personas comprometidas con un proyecto en común y a un público ávido de experiencias que se apropia de los eventos, entre el 11 y el 21 de febrero de 2010 se llevó a cabo la séptima versión del festival independiente con más proyección internacional de Bogotá.
El año de las ‘resistencias’ marcó buenas perspectivas en el futuro de BOGOTRAX; con paso firme se ha iniciado la década sin abandonar su espíritu transgresor y a la vez conciliador, manteniendo intacta su autonomía e independencia que le han permitido no ser instrumento de fines comerciales o políticos. De 2004 a 2010, ha generado un verdadero distrito electrónico y ha dado ejemplo de resistencia, creciendo y mejorando año tras año.
BOGOTRAX articula la festividad con la reflexión y, el goce perceptivo con la exploración constructiva. Redefine lugares y situaciones fomentado espacios libres y participativos que poco a poco crean cambios en las líneas de pensamiento imperantes y, en la manera en que vivimos el día a día. Es la matriz de una red que se extiende más allá de las fronteras colombianas, que se mueve por la voluntad de cada individuo y que apuesta por un cambio de conciencia, gestado con acciones palpables, el “hazlo tu mismo hasta las últimas consecuencias”.
Bogotrax es mucho más que una celebración de diez días con música electrónica. Es un caldo de cultivo de las más diversas interconexiones culturales y, un laboratorio para dar forma a nuevas perspectivas de vida. En una ciudad como Bogotá que no tiene una oferta cultural muy amplia ni posee plataformas sociales sólidas que propicien el desarrollo lúdico y creativo de su población, este festival se ha convertido en un espacio significativo para el calendario cultural de la ciudad, siendo estandarte de autogestión, sostenibilidad y pensamiento libertario.
BOGOTRAX es un conector entre sectores de la sociedad, que normalmente no se interrelaciona, y propone una política de inclusión democrática al no cobrar por ninguno de sus eventos, ya sean festivos o académicos. Año tras año se dan cita un gran número de artistas de diversas nacionalidades y una selección de creadores gráficos,
productores musicales, Djs y Vjs de la escena local que ofrecen desde los experimentos audiovisuales y gráficos más inusitados, hasta delirantes sesiones de baile. Además, cuenta con intervenciones en espacios urbanos, foros, talleres y presentaciones musicales en cárceles privadas y públicas.
En esta edición, se realizó por primera vez una intervención sonora en la correccional de menores y, un performance audiovisual en la fachada del emblemático edificio del Museo Nacional, dos nuevos espacios en el repertorio de actuaciones de las pasadas ediciones, en las cuales tuve el gusto de participar como artista y colaborador. Cabe mencionar también el interés por parte del festival en la propagación del uso del Software libre y su aplicación en la vida diaria, lo que da lugar a la realización de talleres sobre cómo utilizar programas de libre distribución en la creación de imagen y sonido.
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Por: Amos Piñeros
“Enrique Santos: Este proceso de modelar chatarra es lo menos delicado, imaginable; retorcer y aplastar latas, hierro, tornillos... Feliza Bursztyn: Pero eso, en sí, es el arte: convertir una cosa en otra. Como Miguel Ángel, al convertir una piedra en una estatua. La transformación total de la materia, en el fondo, es eso”. El Tiempo 1954.
El arte como todas las expresiones del ser humano se encuentra profundamente relacionado con los acontecimientos sociales y políticos de la época donde emerge. En esta ocasión, el Museo Nacional de Colombia trajo ante nuestros ojos la obra de Feliza Bursztyn como parte de una serie de homenajes a artistas nacionales. El Museo busca traer a la memoria colectiva, diversas interpretaciones desde el arte de identidad nacional, permitiéndonos conocer nuestro pasado, para, a partir de éste, tomar parte en la consolidación del presente y del futuro.
Elogio a la chatarra es una exposición que hace un recorrido por la producción artística de Feliza Bursztyn –desde sus inicios en 1961–, siendo pionera en la construcción de obras con chatarra, y así mismo pionera en la cimentación de ‘la brecha de la anarquía formal y conceptual’ como dijera Marta Traba. Esta exposición genera una mirada introspectiva de la vida de la artista y del contexto político que caracterizó su producción artística.
Feliza mostró en su obra y en su cotidianidad, una posición fuerte y de evocación a la izquierda con relación a las oleadas de violencia y abusos de poder que caracterizan nuestra historia patria. Un ejemplo particular que marcaria la vida de esta artista, fue, cuando 1981 y en medio de confusos eventos, un grupo de supuestos militares allanó su casa en busca de la espada de Bolívar, la artista fue detenida e interrogada para luego ser acusada por tener armas ilegales, acusación que nunca tuvo pruebas fehacientes. Después de este evento la artista se exilió en Paris, en donde residiría hasta el día de su muerte en 1982, día en el que alzó su cabeza al cielo como triste recordando del país al que nunca pudo regresar, aún sin bien entender los hechos que la habían llevado a morir tan lejos de su hogar.
Bursztyn no abandonó nunca el firme propósito de contribuir desde sus obras con la reflexión y la discusión sobre estas realidades, y es por eso,
que su creación artística se encuentra tan cercana al denominado ‘arte contemporáneo’, pudiendo romper con los cánones de la composición artística de la época, tradicionalista y académica.
Su estilo artístico se caracterizó por el montaje de instalaciones en donde la idea principal era la interacción con el público. Su expresión plástica presenta obras tridimensionales que están diseñadas para transformar, no sólo la percepción de la composición, sino también del espacio. También incorpora la utilización de materiales con características evocativas que crean en el visitante, múltiples sensaciones y relaciones con su experiencia personal.
En las primeras exhibiciones de éstas piezas, los visitantes jugaban un papel fundamental al entrar en contacto con la exhibición, pues era de esta manera que la obra se nutría de nuevas experiencias y cobraba vida; ellos eran parte de la obra.
Entonces, desde ‘Pequeñas máquinas’ –que representaba actividades comunes – pasando por ‘Histéricas’ –que pretendían representar el movimiento de mujeres en ésta condición definida por Freud–, hasta su extraña representación del ciclo de la vida a través con su obra ‘Las Camas’ –que utiliza formas y colores para hacer una abstracción bastante figurativa de las acciones del ser humano–, Feliza nos muestra lo que Marta Traba define como “esculturas con temperamento”, capaces de transmitir más que una simple percepción de una realidad, un sentimiento y una postura frente a ésta.
Esta exhibición va más allá del simple acercamiento a la obra de una artista muy interesante y pionera en la utilización de nuevos materiales. Pasa por una firme decisión de resaltar la poesía libertaria y la firmeza de una mujer que a partir de su obra nos invita a reflexionar sobre nuestro papel como participantes activos en la construcción de una historia nacional más cercana a la realidad, una que no esté contada por héroes ni heroínas, una que no tenga espadas ni estandartes, una que no necesite más que la simpleza y la profundidad del pensamiento puro y visionario, digna de ser contada durante muchas generaciones.
Por: Camila Hernández [email protected]
¿CUAL ES LA RESPONSABILIDAD SOCIAL Y ETICA DE LA RADIO MUSICAL EN COLOMBIA?
Desde hace aproximadamente una década, el empresariado colombiano viene comprometiéndose con la sociedad civil (?), bajo la anuencia del Estado, los gobiernos de turno y al amparo de la legislación establecida, en la implementación corporativa del concepto de la Responsabilidad Social Empresarial (RSE), con el objetivo de alcanzar un nuevo equilibrio entre las dimensiones social, económica y ambiental de una nación, qué como la colombiana, se debate confusa (historia patria) dentro de un complejo cuadro ético y moral.
La RSE es un concepto administrativo diseñado en el Primer Mundo, siendo emulado –como todo– en los países con profundas diferencias asimétricas sociales y económicas. El estado colombiano y el empresariado criollo, siempre atento a este tipo de innovaciones del ‘management’ mundial, no podían ser ajenos en la aplicación de esta moda gerencial, que matiza componentes de principios administrativos, filantropía –gringa–, asistencialismo social, marketing social, propaganda ideológica, caridad cristiana, moral doble e hipocresía tributaria.
Y los medios de comunicación como entidades de información y entretenimiento con ánimo de lucro, también se han comprometido con tal espíritu, como en el caso de las dos más influyentes cadenas de radiodifusión. Para estar a
tono, Caracol Radio y RCN Radio, compañías que suman más de doscientas emisoras a lo ancho y largo del territorio nacional, han creado programas como Caracol Social, Caracol Junior y Planeta Caracol y RCN Compromiso Social, Crecer Feliz y Ambiente Play, con sus respectivas campañas propagandísticas, actividades periodísticas y, por supuesto, aliados estratégicos empoderados y beneficiarios de la RSE.
Cuando la radio colombiana ha alcanzado los ochenta años de estar en antena (más de la mitad de la vida republicana del país), sería consecuente que las organizaciones radiales mencionadas, y las restantes –que las refieren como líderes del quehacer radiofónico– cuestionaran –atendiendo ‘el lado bueno’ de la RSE– la praxis de sus emisoras musicales y, en ellas, los listados de programación, ya que los contenidos de las ‘canciones’ programadas son contrarias a la responsable intención de construir una sociedad equilibrada, pacifica, responsable y justa (en atención a sus mensajes expresados en cuñas), donde la inclusión absoluta de sus ciudadanos –mujeres, niños, ancianos, minorías y, en especial, de aquellos ¿cuántos miles? de compatriotas con deficitaria formación académica–, sea una realidad social y cultural acorde con los logros de una humanidad, qué en el umbral del Siglo XXI, se vanagloria con la fetichización de ‘adminículos de alta tecnología’, como los teléfonos móviles de última generación.
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Por: Fernando Españahttp://salsaglobal.ning.com
SALSA GLOBAL
Estoy escribiendo esta columna en un computador portátil –que a diferencia de sus antecesores, este sí lo es realmente– mientras descargo 5 gigas de archivos a través de una conexión inalámbrica a internet de alta velocidad… actividades que al comienzo del siglo habría creído poco plausibles. Por otro lado, es posible cargar días seguidos de música en un aparato no más grande que cinco tarjetas de crédito apiladas, mientras que los hombres que llegaron a la luna ya son unos venerables abuelos, y los vuelos del transbordador a la estación espacial internacional son cosa de rutina. Queramos admitirlo o no, ya vivimos en el futuro. La pregunta es ¿Cuál futuro…?
Cada generación tiene una idea propia de cómo serán las eras venideras. Thomas Edison, por ejemplo, pensaba que íbamos a ser capaces de crear ‘Personas Primitivas’ a partir de los grandes simios. Después de la segunda guerra mundial, la era del Jet había dado un exagerado optimismo sobre lo que iba a venir, llena de autos voladores y ceñidos trajes plateados, mientras que en los últimos treinta años, Blade Runner, el CyberPunk, e incluso una serie como El Fantasma 2040, han dejado una imagen bastante desesperanzadora de lo que vendría a ser el futuro, con un orden mundial en el que los intereses corporativos mandan la parada sobre las intenciones gubernamentales, y donde la conectividad a través de las redes de información ha suplantado al contacto humano.
Lo curioso de la situación es que el futuro que vivimos combina elementos de la percepción pesimista y la percepción optimista. El fiasco de la cumbre de Copenhague, con sus buenas intenciones truncadas por los intereses comerciales, es prueba de ello, resultando en unas irrisorias metas de reducción de emisiones por las que Obama, Sarkozy, Merkel y Wu Jintao habrán de pagar la responsabilidad histórica y, que a su vez demostró la ineficacia de lo que debería ser uno de los avances más significativos del hombre: Las Naciones Unidas. Desde 1994, cuando la organización asistió cruzada de brazos al genocidio de Rwanda, en el terremoto de Haití y con una seguidilla de declaraciones llenas de buenas intenciones pero pocas concreciones, la ONU ha resultado ser un ente incompetente y tibio, liderado por grises burócratas incapaces de darle a la Organización el papel multilateral que debería asumir, dejando que las superpotencias subordinadas a los requiebros de su músculo económico, asuman el papel de abusador del patio, como lo ha demostrado la actual crisis financiera mundial en la que los ejecutivos de los grandes bancos se han erigido como el poder tras del trono, con todas las prebendas del mundo y cero sentido de la responsabilidad.
POR: Julián F. Gutié[email protected]
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LA COCINA DEL INFIERNO
Álbum: Niño Gigante / 1993. Agrupación: Ekhymosis
Disquera: CodiscosGrabación y Mezcla:
Federico López en Estudios El Duende, Medellín.
Cinco años de metalear en Medellín alrededor de escenarios underground y dos discos editados anteriormente, le prepararon el terreno a Ekhymosis para que el público pusiera mucha atención a su nuevo álbum “Niño Gigante“en 1993.
El disco fue producido por el gran cerebro Federico López, responsable de darle claridad e identidad sonora a los Ekhymosis tanto en esta etapa de música fuerte, como en su paso a la fusión Pop del también muy exitoso álbum “Ciudad Pacífico” (1994).
En este trabajo se incluía el éxito “Sólo”, canción compuesta por Andrés García y que se convertiría en la más grande catapulta de los Ekhymosis, al darles visibilidad con el respaldo de más de 7 millones de copias vendidas en America latina. La canción es un himno total y un verdadero referente como tema clásico en la historia del rock Colombiano. Se ha difundido realmente como algo popular aún siendo una clara muestra de balada Heavy Metal; no es extraño escucharla aunque sea de vez en cuando en espacios radiales desde Girardot o Ibagué, hasta Cúcuta o Barranquilla.
Juan Esteban “Juanes” Aristizábal, Andrés García, Fernando “Toby” Tobón y José David Lopera consolidaron un álbum fuerte, lleno de thrash y guitarras, que fue absorbido completamente en imagen a nivel comercial por el color de la “romántica balada” del disco.
Claro que en realidad no es la única muestra de un interés de la banda por entrar a la Radio, el tema “El Tiempo”, también acaricia esas mismas líneas sonoras.
Personalmente creo que el lado comercial del álbum se comió la fuerza planteada en claros temas agresivos y de sonido metal como lo son: “Niño Gigante”, “Cultura Fuerte” o “El Llanto Olvidado”, y el toque Hard Core punk de “Permanezco Vivo” y “El Miedo Interno”.
Las letras cotidianas y más identificables con la violenta realidad de los jóvenes de Medellín en la época, fueron de fácil entendimiento para todos los públicos y marcaron la etapa de “agresiva denuncia social” del grupo. Encontramos historias de miedo, sicariato y confusión pero a veces con elementos de esperanza y optimismo.
Los toques un poco más Alternativos / Pop, como “Limpio de Fe” y “Depresión”, son otra muestra de que el sonido del grupo comenzaba a buscar camino en los circuitos masivos y populares.
Este álbum tiene el sonido característico de una ciudad, una época y un estilo, que le han permitido mantenerse como un referente importante para la identidad del rock de nuestro país.
*Productor Radio / TV. Actualmente vinculado a la frecuencia radial Radiónica. www.radionica.gov.co
Por: Héctor [email protected]
SONIDOS COLOMBIANOS DE SIEMPRE
Con invitados especiales como el maestro Alfredo Gutiérrez, la leyenda viva del acordeón colombiano; Ata, vocalista y productor de La Etnnia, uno de los grupos colombianos más importantes de la escena rap; Charley Anderson, bajista de la legendaria agrupación inglesa de Ska The Selecter y Pantera, maestro del trombón, que ha tocado, entre otros, con The Latin Brothers y Fruko y sus Tesos, Alerta Kamarada, lanza “Historias de pueblo”, su cuarto trabajo discográfico.
Bajo la producción de Pablo Araoz y mezclado por Richard Blair (Sidestepper), el disco fue masterizado en H-PEH (Alemania), por el mismo productor de artistas reggae de la talla de Gentleman o Capleton; “Historias de Pueblo” es una apuesta por la diversidad, tanto en el sonido como en los contenidos de las letras que hablan de los temas eternos como el amor, la soledad y relatos de fé y vida.
1. ¿Cuál es la propuesta de este nuevo trabajo?
Historias de Pueblo es un Disco que ha sido producido en One 2 records con un ambiente de trabajo optimo y con todo el tiempo requerido ya que gracias a ser una producción independiente y con estudio propio no se tuvo ninguna presión adicional a que la de nosotros mismos por entregar un trabajo de alta calidad. Musical y conceptualmente hemos desarrollado un trabajo de composición y de producción que ha ido en búsqueda de nuestras raíces y ancestros; es por esto que es un disco de reggae clásico y dub pero con una marcada influencia de nuestro folclor colombiano. Este disco le aporta colombianidad a la música reggae.
2. Las letras de este nuevo álbum son diferentes a su anterior trabajo “Somos Uno”, por qué este cambio?
Cada vez que componemos y escribimos lo hacemos de acuerdo a nuestras vivencias que como la misma vida son diferentes y extremas todos los días. Quisimos que este disco tuviera un carácter mas global y popular, por eso historias de pueblo habla de el Amor que es la revolución mas fuerte, hablamos también de los problemas que tenemos como habitantes de este planeta planteando soluciones; el disco también se puede interpretar como un canal de sanación para todos los núcleos de la sociedad, la familia, los amigos y nosotros mismos como individuos. Este es un disco para escucharlo, sentirlo, vivirlo y gozarlo.
3. ¿Por qué volvieron al nombre Alerta Kamarada y cuáles fueron las razones para cambiar la alineación de la banda?
Alerta Kamarada es nuestro nombre y siempre lo ha sido. Simplemente el Kamarada es como nuestro apellido y nos sentimos muy bien de que la gente nos siga reconociendo como AK pues en este momento sentimos entre nosotros muy firmemente la Kamaraderia. La banda cuenta con una nueva alineación de primera: Alejandro Duque, Jairo, Andrés Felipe, Diana y Daniela comparten la vibra de la banda hoy en día. Hoy estamos más fuertes que nunca y los que no están hoy en día es porque no soportaron la energía.
4. ¿En qué momento decidieron hacer reggae con folclor? Cómo lo ha recibido el público?
Nuestro reggae no es lo que ahora llaman fusión. En realidad toda la música es fusión y ha nacido de la fusión. Por ejemplo el reggae, la cumbia y el blues son primos hermanos, ya lo había dicho nuestro amigo el maestro Carlos Vives y nosotros lo venimos a reconfirmar. Lo nuestro es reggae colombiano original y autentico: DubreggaeCumbiaMusic.
5. ¿Qué tienen en común la cumbia y el vallenato raizal con el reggae?
Tal como lo decía en la anterior respuesta, el origen de la música cumbia y reggae es de África, pero aquí en el continente Aboya Ayala se mezcló con el sentimiento indio y la tecnología Europea. El llamador de la cumbia es el skank del reggae y si te pones a mirar las liricas del blues, la cumbia y el reggae, los tres son lamentos, tienen una conciencia social grande y son propios pa la gozadera, todo al mismo tiempo.
6. ¿Por qué se inclinaron por el Rastafarismo en una ciudad como Bogotá?
El llamado a ser una persona positiva, a construir un mejor mundo y a luchar por una sociedad más justa te puede llegar en Okinawa, Bogotá, Kingston o New York; por eso Rastafari es uno solo (Cabeza de la Creación) y nosotros lo vemos como un concepto que todos podemos compartir. Rastafari es tradición y cultura y aunque la música reggae y el rastafari son cosas distintas, para nosotros la música reggae ha sido el vehículo para compartir y difundir este concepto de Amor, Revolución y Paz.
7. ¿Cuál creen que es el aporte del reggae colombiano al movimiento reggae mundial?
Es invitar al maestro y juglar Alfredo Gutiérrez, que es una leyenda de la cumbia y el vallenato, a participar en una canción de reggae músic que en este momento están gozándose en Jamaica y Nueva York. No es redefinir el género, es ampliarlo y alimentarlo. Es ponerle sabor y perrenque colombiano al reggae music.
8 ¿One2 Records es su propio sello, están apoyando el trabajo de algún artista nuevo con él?
One2 records es un sello independiente que sirve como plataforma para cantantes, músicos y bandas. Se han grabado discos de reggae, punk y música colombiana. Acaba de salir la producción del EP de Puerto Quemao’, un nuevo grupo con mucho futuro y actualmente se está perfilando como un sello estilo jamaiquino, en el que se producen riddims y sencillos originales. Próximamente saldrá al mercado el disco del Oneriddim Borojo con la participación de artistas nacionales e internacionales.
www.alertakamarada.comPor: Adolfo Lemos
ROCK AL PARQUE
Llega Rock al Parque, patrimonio y orgullo de los rockeros bogotanos cargado de esa energía vital que se retroalimenta y que ha mantenido vivo este género alrededor del mundo por más de sesenta años.Desde sus primeros años -hasta ésta, su décimo sexta versión- muchas bandas locales se han quedado por fuera de esta gran fiesta dejando un sinsabor en algunos subgéneros del rock bogotano, términos como “Ros-ca al Parque” vuelven a escucharse en las calles infestadas esta vez con propaganda electoral.
Ocho preguntas directas respondidas amablemente y en exclusiva para Music Machine Magazine por Johanna Pinzón, coordinadora de los Festivales al Parque de la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB). Por: Adolfo Lemos – Director Music Machine MagazineTranscripción: Paola Ruiz Ortiz
1. ¿Qué puede esperar la gente que asistirá a Rock al parque 2010?
La gente que asista a rock al parque 2010 que será del 3 al 5 de Julio, puede esperar una coherencia entre el concepto que se ha planteado para la edición XVI y la programación artística tanto distrital, nacional e internacional. Van a encontrar nuevos sonidos, nuevos conceptos en la música y nuevas bandas emergentes de rock que hay en el mundo y por supuesto en nuestro país.
Rock al Parque se descentraliza a partir de esta edición a través de 2 campos de acción, en el primero haremos una gran alianza con 4 festivales de rock locales que vienen haciendo un trabajo muy interesante como son los Festivales de Rock de Usme, San Cristóbal Sur, Engativá y Fontibón. Con esos 4 festivales queremos unirnos, apoyarlos y hacer festivales en co- producción con ellos con el fin que Rock al Parque no siga siendo
de solo 3 días sino que trascienda más allá en los diferentes territorios y en los diferentes barrios de la ciudad, es decir que en el segundo semestre tendremos una co-producción de Rock al Parque con los festivales de rock locales.
En el segundo gran campo de la descentralización se hará una alianza con cerca de 11 bares que hacen programación permanente de Rock, tendremos a Stones, Casa Babylon, Hard Rock Café, Ozzy, Disco Jaguar, Natural Flow entre otros; desde la OFB queremos reconocer el trabajo de espacios de espectáculo local quienes día a día construyen la escena. .Durante todo el mes de Julio una vez termine Rock al Parque tendremos un buen número de conciertos en los bares de rock de la ciudad.
2. Para muchos músicos, productores y gente en general el festival es visto como una vitrina grandísima para los artistas internacionales pero con pocos beneficios reales para las bandas distritales…
Rock al Parque nace con una orientación hacia el apoyo a las bandas distritales, en ese sentido el festival ha venido manteniendo esa esencia, tenemos para esta edición 41 bandas colombianas de las 57 que integran toda la parrilla artística, tenemos 10 bandas distritales invitadas, 24 bandas de convocatoria, 7 bandas nacionales y 16 bandas internacionales. Por otro lado Rock al Parque desde el año pasado hizo un incremento en el recurso que se le da a las bandas distritales invitadas donde pasó de un recurso de 2 a 4 millones de pesos; por supuesto que hay unos retos muy fuertes de poder seguir incrementando los honorarios para así dignificar cada vez más la labor creativa de los músicos y sus proyectos. Hay un interés muy fuerte de seguir ampliando los cupos y los canales para poder seguir visibilizando el rock distrital y por eso el año pasado se realizaron tributos en conmemoración a artistas importantes que han construido el festival, éste año tendremos un homenaje a Chucho
Merchán quien ha sido un actor significativo en la escena rockera colombiana.
3. Hablando de dinero, muchos músicos y productores dicen que con el dinero de un par de bandas internacionales que vienen al festival se podrían pagar grabaciones o giras las cuales serian un apoyo más “real” para las bandas de acá…
Además de la remuneración que se le da a las bandas por su participación en Rock al Parque, la OFB también cuenta con otro tipo de estímulos e incentivos a la creación musical. Esto lo decimos porque a veces se tiene un pensamiento de los pocos elementos que hace la OFB para apoyar las bandas son los conciertos de rock pero hay otras maneras, hay una línea de circulación nacional e internacional donde las bandas se pueden presentar. También existen las becas a los temas inéditos, a composición y bueno, la participación de bandas internacionales reconocidas hacen que Rock al Parque también tenga un impacto fuera del país y estar a la altura de festivales de rock del mundo y en este sentido hay estímulos, por ejemplo éste año Rock al Parque va a abrir una convocatoria para las bandas de rock que tienen sus videoclips, que ahorran, preparan y contratan a un realizador de videos y hacen un videoclip, este año en el intermedio de las bandas se presentarán éstos videos, por otro lado vamos a presentar filminutos de culturas del rock, cortometrajes en el intermedio, la zona distrito rock así como las ruedas de negocios también son otros espacios en los que esta política pública ha venido apoyando el crecimiento de la escena.
Por: Adolfo Lemos
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paso a esta evolución. Es importante que los artistas se expresen, siempre y cuando lo hagan con un fin real y no solo por seguir un “trend” o un patrón establecido por la mera imagen. Estos artistas tienen gran influencia en la juventud y tiene una gran responsabilidad con el público que los sigue y deben estar bien claros con el mensaje que quieren llevar.
3. Remontándonos al disco “Fundamental” háblanos de lo que recuerdas de la experiencia de grabación junto al reconocido productor Gustavo Santaolalla.
*** El proceso de crear este disco fue una gran experiencia para todos. Reconozco que Gustavo Santaolalla es un productor de primer orden y un gran ser humano. Definitivamente logró capturar la esencia de la banda. Para esta grabación contamos con la labor del ingeniero Tony Peluso y también el Sr. Aníbal Kerpel quien trabaja muy de cerca con Gustavo en todos sus proyectos. El equipo de personas fue la clave para el éxito de este disco. Entendieron el concepto y supieron a donde llevarlo. Desde el primer día en el estudio se sentía que lo que estábamos creando era algo especial. Quedamos muy satisfechos con el resultado final.
4. Después de ser participes en el Ozzfezt, lograr despertar el interés del público Norteamericano y sacar el álbum “Unión” el futuro inmediato de Puya parecía ser aún más prometedor, ¿ a qué se debió el distanciamiento tanto musical como personal de los integrantes de la banda?
*** Hubo muchos factores envueltos. Por un lado teníamos una disquera que estaba en proceso de disolverse y así lo hizo. Esto no fue nada de beneficioso para Puya. Por otro lado los calendarios proyectados para giras en todo el invierno de 2001 y los meses subsiguientes tuvieron que ser cancelados debido a los eventos de 9/11, que básicamente paralizaron totalmente a la nación. A raíz de todo esto surgieron ciertas tensiones internas en la banda. Hay que entender que llevábamos una trayectoria de casi 5 años de gira y esto crea mucha presión en el grupo. Al suceder todo esto, los integrantes deciden regresar a sus casas y dedicarle tiempo a sus familias. Lo que nunca imaginé fue que le receso se extendiera por tanto tiempo. Nunca hubo un rompimiento oficial, simplemente una pausa extendida, pero ahora la película continúa...
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Por: Jorge [email protected]
PAGINA OFICIAL:WWW.PUYAPR.COM
NO HAY MAL QUE POR BIEN NO VENGAUNA BANDA DE CULTO DENTRO DEL ROCK UNDERGROUND LATINOAMERICANO ESTARÁ PRESENTÁNDOSE EN EL ESCENARIO LAGO EL DIA DOMINGO 04 DE JULIO. ENTREVISTA EXCLUSIVA PARA MUSIC MACHINE MAGAZINE CONCEDIDA POR SU BATERISTA EDUARDO PANIAGUA.
1. De donde partió la idea de fusionar rock duro con elementos culturales y musicales autóctonos de Puerto Rico y la región Caribe de América latina? Fue duro el proceso?
***La fusión de estos estilos fue algo que fluyó muy natural. Nunca ha sido algo forzado. El estilo de Puya es básicamente el resultado de quienes somos como individuos y músicos. Al haber nacido y crecido en la isla de Puerto Rico naturalmente tenemos los elementos de nuestra música típica grabados muy profundamente en la fibra que nos compone como personas. Sin embargo, todos crecimos escuchando rock. Bandas como Van Halen, Iron Maiden, Black Sabbath fueron gran influencia para nosotros y luego bandas como Pantera, Sepultura, Red Hot Chili Peppers también lo fueron. Es aquí precisamente donde se forma la fusión, al interpretar nuestra música pesada con las influencias que ya llevamos en la sangre. Entonces nace Puya.
2. A lo largo de los últimos 20 años han llegado múltiples agrupaciones que han mezclado de forma similar a Puya el metal y el hardcore con congas, percusión latina y africana junto a líricas enfocadas a problemáticas sociales comunes en nuestro continente, Max Cavalera habla de metal del tercer mundo, ¿consideras que ésta amalgama musical podría considerarse un género dentro del metal?
*** Pienso que sí ya que muchas bandas han seguido esa línea de protesta social, global etc... y al parecer estas bandas de metal con influencias latinas han encontrado su lugar en el mundo de la música pesada. Además de Puya, artistas como Max Cavalera definitivamente contribuyeron con los primeros granitos que dieron
ROCK AL PARQUE
SÁBADO 03 DE JULIO DE 2010
ESCENARIO PLAZA
12:00 WITHERING VOID 12:55 CUENTOS DE LOS HERMANOS GRIND 01:50 PATRICIO STIGLICH PROJECT 02:45 DESECRATE 03:45 MALSANO 04:40 CROMLECH (Medellín) 05:40 SOULBURNER 06:45 SHADOWS FALL (Estados Unidos) 07:55 WITCHTRAP (Medellín)09:05 SAMAEL (Suiza)
ESCENARIO LAGO
12:00 AIRE COMO PLOMO12:55 FYHURA01:50 STONEFLEX02:45 A.C.M.E. (Al Común Más Explotado) (Ibagué)03:45 LOATHSOME FAITH04:40 STICK TO YOUR GUNS (Estados Unidos)05:50 NARCOPSYCHOTIC06:50 DEF CON DOS (España)08:00 PITBULL09:05 BIOHAZARD (Estados Unidos)
DOMINGO 04 DE JULIO DE 2010
ESCENARIO PLAZA
01:00 LO KE DIGA EL DEDO 01:55 CHITE 02:50 FÉRTIL MISERIA (Medellín) 03:45 K-93 04:40 MOJIGANGA (Medellín) 05:40 ALERTA KAMARADA 06:45 KY-MANI MARLEY (Jamaica) 07:55 VELANDIA Y LA TIGRA (Santander) 09:05 ASIAN DUB FOUNDATION (Inglaterra)
ESCENARIO LAGO
01:00 DURAN01:55 LA URBAND02:50 SUDAKAYA (Ecuador)03:55 RAS JAHONNAN & NATURAL SELECTION04:50 PROVIDENCIA (Medellín)05:50 SMOKING UNDERDOG06:50 NO TE VA GUSTAR (Uruguay)08:00 THE BLACK CAT BONE09:05 PUYA (Puerto Rico)
LUNES 05 DE JULIO DE 2010
ESCENARIO PLAZA
12:00 JIMENA ANGEL 12:55 RADIO SUITE 01:50 THOSE 02:45 SEIS PEATONES 03:45 ZOÉ (México) 04:55 EL SIN SENTIDO 06:00 MUTEMATH (Estados Unidos) 07:25 THE HALL EFFECT 08:10 A LOS 15 UNO YA ES GRANDE 08:40 ANDRÉS CALAMARO (Argentina)
ESCENARIO LAGO
12:00 NICER DICERS12:55 FAT OLD ELVIS01:50 TONY PELIGRO!02:45 MONARETA03:45 HELLO SEAHORSE! (México)04:55 THE MILLS05:55 V FOR VOLUME07:00 ESTADOS ALTERADOS 08:05 A PLACE TO BURY STRANGERS (Estados Unidos)
Tomado de: Revista Brecha Edición 556, Montevideo Uruguay, 26 de julio de 1996.
La democracia haitiana nació hace un ratito. En su breve tiempo de vida, esta criatura hambrienta y enferma no ha recibido más que bofetadas. Estaba recién nacida, en los días de fiesta de 1991, cuando fue asesinada por el cuartelazo del general Raoul Cedras. Tres años más tarde, resucitó. Después de haber puesto y sacado a tantos dictadores militares, Estados Unidos sacó y puso al presidente Jean-Bertrand Aristide, que había sido el primer gobernante electo por voto popular en toda la historia de Haití y que había tenido la loca ocurrencia de querer un país menos injusto.
El voto y el veto
Para borrar las huellas de la participación estadounidense en la dictadura carnicera del general Cedras, los infantes de marina se llevaron 160 mil páginas de los archivos secretos. Aristide regresó encadenado. Le dieron permiso para recuperar el gobierno, pero le prohibieron el poder. Su sucesor, René Préval, obtuvo casi el 90 por ciento de los votos, pero más poder que Préval tiene cualquier mandón de cuarta categoría del Fondo Monetario o del Banco Mundial, aunque el pueblo haitiano no lo haya elegido ni con un voto siquiera. Más que el voto, puede el veto. Veto a las reformas: cada vez que Préval, o alguno de sus ministros, pide créditos internacionales para dar pan a los hambrientos, letras a los analfabetos o tierra a los campesinos, no recibe respuesta, o le contestan ordenándole: -Recite la lección. Y como el gobierno haitiano no termina de aprender que hay que desmantelar los pocos servicios públicos que quedan, últimos pobres amparos para uno de los pueblos más desamparados del mundo, los profesores dan por perdido el examen.
La coartada demográfica
A fines del año pasado cuatro diputados alemanes visitaron Haití. No bien llegaron, la miseria del pueblo les golpeó los ojos. Entonces el embajador de Alemania les explicó, en Port-au-Prince, cuál es el problema:-Este es un país superpoblado -dijo-. La mujer haitiana siempre quiere, y el hombre haitiano siempre puede. Y se rió. Los diputados callaron. Esa noche, uno de ellos, Winfried Wolf, consultó las cifras. Y comprobó que Haití es, con El Salvador, el país más superpoblado de las Américas, pero está tan superpoblado como Alemania: tiene casi la misma cantidad de habitantes por quilómetro cuadrado.
En sus días en Haití, el diputado Wolf no sólo fue golpeado por la miseria: también fue deslumbrado por la capacidad de belleza de los pintores populares. Y llegó a la conclusión de que Haití está superpoblado... de artistas. En realidad, la coartada demográfica es más o menos reciente. Hasta hace algunos años, las potencias occidentales hablaban más claro.
La tradición racista
Estados Unidos invadió Haití en 1915 y gobernó el país hasta 1934. Se retiró cuando logró sus dos objetivos: cobrar las deudas del City Bank y derogar el artículo constitucional que prohibía vender plantaciones a los extranjeros. Entonces Robert Lansing, secretario de Estado, justificó la larga y feroz ocupación militar explicando que la raza negra es incapaz de gobernarse a sí misma, que tiene “una tendencia inherente a la vida salvaje y una incapacidad física de civilización”. Uno de los responsables de la invasión, William Philips, había incubado tiempo antes la sagaz idea: “Este es un pueblo inferior, incapaz de conservar la civilización que habían dejado los franceses”.
Haití había sido la perla de la corona, la colonia más rica de Francia: una gran plantación de azúcar, con mano de obra esclava. En El espíritu de las leyes, Montesquieu lo había explicado sin pelos en la lengua: “El azúcar sería demasiado caro si no trabajaran los esclavos en su producción. Dichos esclavos son negros desde los pies hasta la cabeza y tienen la nariz tan aplastada que es casi imposible tenerles lástima. Resulta impensable que Dios, que es un ser muy sabio, haya puesto un alma, y sobre todo un alma buena, en un cuerpo enteramente negro”.
Por: Eduardo GaleanoLEER ARTICULO COMPLETO EN www.musicmachine.com.co
COLUMNISTA INVITADO
El coro es una actividad en la que se coordina la participación de una buena cantidad de individuos alrededor de un enunciado uniforme y único que la mayoría de las veces se traduce en expresión cantada. Tal vez no sea ésta una de las definiciones más acertadas acerca de esta plausible capacidad de la voz humana, ni tal vez sea tampoco la versión más oficializada que pueda ofrecer enciclopedia alguna acerca de esta faena de multitudes, pero por mi experiencia con la música, sé que eso es un hecho. Es también, uno de los tantos elementos con los que se puede medir la influencia que tiene la música sobre los seres humanos: su capacidad de integrar lo diverso.
No es difícil de entender entonces, que en contextos donde no es muy arraigado el concepto de trabajo en equipo, este tipo de actividades no se aprecien en su profundo sentido constructivo, ni mucho menos se puedan valorar las verdaderas dimensiones que puede alcanzar el hecho de lograr un bien común de forma colectiva y simultánea. Por el contrario, ese profundo sentido apático que se lleva con orgullo en el corazón y que puede corroer hasta lo más sublime de todo arte, ese imbatible espíritu ególatra que nos hace sentir con mejor voz para cantar que los demás, hace que estos espacios de expresión, cuando se presentan, se les vea más como una suerte de obligación aburridora y molesta en la que hay que soportar el aliento insípido y desentonado de los otros que se atreven a manifestarse alrededor de uno.
Tristemente es una labor que requiere de un guía, pues como se ha demostrado ya en otro tipo de actividades más pueriles, la masa, por sí misma, no coordina; más aún cuando nos referimos a grandes cantidades de personas que se confían a su propia tesitura y timbre particular de voz. Una mala orientación o una falsa
APAGUE Y VAMONOS
percepción de que cualquiera puede dirigirlo, se traduce en un estrépito intenso e incomprensible muy semejante al murmullo sin sentido que produce el centro de la ciudad en cualquiera de sus dos ‘horas pico’. Cuando se logra orientarlo de forma acertada la expresión vox populi vox Dei, adquiere todo un nuevo sentido de realidad, así debe sonar la voz de un dios cuando se quiere hacer sentir, como un coro de miles. Y sin embargo así, hay públicos que de frente al espectáculo de las masas se les puede considerar como sordos testiculares; saquen sus conclusiones.
Como parte estructural de una canción, el coro por lo general, es la parte de la que más se debe acordar todo el que la oiga. Debe ser magnética, explosiva, hipnótica, frenética, épica y hasta sublime porque después de todo, eso que se grita en masa es lo que se calla en privado. No hay nada más contagioso que el entusiasmo que deviene de expresar junto a otros lo que se piensa. Corear junto con el líder de la banda la canción que te identifica y saber que esa canción hace parte del sentir de otros miles, no tiene precio. Actividad peligrosa está, más aún cuando nos permite reconocer la necesidad unitaria en la necesidad común.
En la antigua Grecia, era una parte de la representación teatral por medio de la cual a unos personajes se les asignaban unos textos que funcionaban a modo de consciencia que de la obra debía tener el público. Aconsejaban, reprendían o a veces, a modo de intermediarios, se quejaban frente a los dioses según como los acontecimientos se fueran desarrollando. Total, cuando el héroe comprendía finalmente que su proceder era equivocado y aceptaba su destino, moría. Debe ser por eso, porque nos resistimos a entender el teatro griego, que del temor de expresar un descontento en masa frente a los sempiternos y omnipotentes ídolos de poder, solemos agachar la cabeza cuan corderos al matadero, nos va quedando ese tinte trágico y nefasto con el que las obras de los héroes se escriben y, si en medio del clamor entusiasta de unos cuantos que aún se atreven a levantar sus voces al cielo, se nos comprime el corazón ante la epifanía colectiva, como espectadores hemos visionado que a un pueblo unido también se le puede vencer.
El que tenga oídos, que escuche.
Por: Mario [email protected]
MÚSICA Y MARMOTASPor: Efraim Medina*
Reconocerás a los estúpidos porque ante la pregunta “¿qué música les gusta?”, su patética respuesta será que escuchan y gozan música de todo tipo. La gente que no sabe nada, no tiene nada y no puede saber nada... SE AFERRA A TODO. Quien confunde a Juanes, Shakira y demás babosas subnormales con la música, es el mismo tipo de marmota que come mierda de perro creyendo que es caviar. Más nimios aún quienes exaltan el folclor y se arrastran en el falso patriotismo de los sonsonetes. Esa bulla obtusa llamada vallenato –y me refiero, como es obvio, al producto y todo su merchandising–, ha rebajado la sensibilidad y causado una involución en nuestro espectro cultural. Su difusión, como casi todo en Colombia, se hizo a sangre y fuego.
Era apenas un niño cuando el tráfico de marihuana convirtió de repente en magnates a gentuza de baja calaña. Recuerdo las camionetas blindadas recorriendo Ciudad Inmóvil, a esa gente y sus esbirros irrumpiendo en los lugares de diversión para imponer por un puñado de dólares –y en caso de encontrar resistencia– a sangre y fuego aquella insoportable y monótona bulla con sus mensajes infrahumanos. La música antillana fue desapareciendo del dial porque el dinero de esa gentuza corrompió la conciencia individual y colectiva comprando almas. A toda esa burda y mafiosa amalgama la llamaron ‘cultura tropical’. Pura y física mierda, mierda anodina. Los horribles ídolos forrados en papel celofán gritaban los nombres de sus amos en medio de su infernal ruido. Sangre y fuego ha sido y es el factor determinante de este país. Sangre y fuego sin honor, sin memoria, sin criterio o elegancia. El asunto es minucioso pero no voy a entrar en detalles.
A punta de Rock and Roll y descargas me defendí de la ignominia junto a mis socios de Fracaso Ltda. Mientras los vecinos se embrutecían con alcohol de tienda y bulla tropical nosotros escuchábamos una y otra vez a Miles Davis y Jimi Hendrix, a Richie Ray y Mongo Santamará, a B.B. King y Lavoe. Ellos le dieron un sentido a mi vida en aquella pocilga amurallada. Las marmotas llaman artista a cualquier bola de sebo que los medios determinan. ¿Saben cómo funciona…? Es un antiguo modo de tortura; se paga a los medios por hacer que el pendejo sonsonete se repita trescientas veces al día, así se ablanda el cerebro de las marmotas, y luego, sin darse cuenta, tararean aquella basura. Y las marmotas creen haber elegido, creen tener un mundo interior, creen ser algo o alguien. No hago sugerencias, no doy consejos, prefiero conminarlos a escuchar Coleman Hawkins antes de hacer un puto comentario. Es parte de un método que estoy diseñando para limpiar las oscuras cañerías de sus mentes. Ahora pueden respirar profundo y seguir odiándome.
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COLUMNISTA INVITADO
“LA TETA ASUSTADA” METAFORAS A LA TANATOCRACIA
Un golpe a la memoria de la guerra en el canto de una mujer
“El conflicto armado interno es una de las principales causas del desplazamiento forzado de colombianos. A pesar de que éste es un tema bastante recurrente en estudios e investigaciones, el mismo no se realiza en relación con la feminización del desplazamiento forzado. Para el Observatorio Género, Democracia y Derechos Humanos (OGDDHH), es necesaria más visibilidad y programas orientados a mujeres de Colombia víctimas de desplazamiento forzado y otros delitos relacionados con la Violencia Sexual Basada en el Género (VSBG).
De acuerdo con el Observatorio, a pesar de los esfuerzos realizados por muchas organizaciones y redes, como la Liga de Mujeres Desplazadas (LMD), la mayoría de los delitos queda impune”: http://portal.ajintem.com/noticias-internacionales/america-latina
Por: Felipe Sepúlveda [email protected]
La voz de las mujeres, los niños, los ancianos y de las personas ajenas al conflicto armado en cualquier país del mundo, es silenciada porque en ellas no pesan las historias oficiales. En esta oportunidad, el cine, al igual que todas las expresiones artísticas y culturales, brinda la oportunidad para que éstas sean las que construyan la memoria colectiva en sus contextos.
La Teta Asustada es una película dirigida por Claudia Llosa (sobrina del escritor peruano Mario Vargas Llosa y del director de cine Luis Llosa), quien con su opera prima MADEINUSA nos vinculó de forma satírica y metafórica a temas complejos relacionados con la violencia del estado y agentes fuera de la ley en países latinoamericanos, puntualmente, Perú.
Lo particular de esta directora y que da gran valor a sus producciones, es que presenta la voz de la mujer como protagonista principal en acontecimientos históricos de violencia en su país. No es la mujer que calla, es la mujer que contiene la memoria real de los acontecimientos, y asimismo, los transmite por medio de diferentes prácticas culturales.
Efectivamente, La Teta Asustada es una película que apela a múltiples símbolos y metáforas que, sin explicitar actos violentos, nos conmueve el corazón y nos genera miles de preguntas sobre las verdades de la historia. Además, el filme utiliza estrategias en pro de la recuperación de la memoria y las prácticas culturales como la tradición oral en el canto,
en el uso de la lengua indígena (quechua), la sincretizacion de las danzas indígenas con la música popular, las costumbres y creencias en los barrios populares, todas estas creadas gracias al desplazamiento de las comunidades afectadas por la violencia, entre muchos otros factores.
Por ello, se ha considerado nominar a La Teta Asustada como mejor película extranjera para la próxima entrega de los Premios Oscar.
Así, Fausta (protagonista del filme, quien es cantante en idioma quechua de su país) es una mujer que representa claramente ese desasosiego de las mujeres, que por distintas circunstancias, han sido víctimas de actos violentos en guerras internas que contienen miles de horrores. Aún así, Fausta vive y refleja la luz de la esperanza y de la reconciliación, es el espíritu de renovación y deseo de seguir creyendo en su comunidad y su cultura, haciéndonos a todos partícipes de un bello canto a partir de la improvisación, a través de sus liricas expresadas con dolor y esperanza.
Una papa, un canto, una comunidad y una mujer abren paso a la historia que todos conocen pero prefieren evadir; La Teta Asustada nos ayuda a recordar para jamás olvidar, permitiendo no desconocernos a partir de lenguajes poéticos y bellos de la cultura latinoamericana.
Ahora bien, con todo este gran ‘boom’ cinematográfico de temas de violencia histórica y la exaltación de estos mismos, surgen reflexiones para todos nosotros como ciudadanos… ¿Realmente somos participes de la construcción de la memoria colectiva asumiendo posturas ajenas a nuestro contexto histórico y cultural? Ojala una película nos ayudase a comprender nuestro papel conjunto en esta condición.
K//INE
Entrevista a Fabio Nicholls, director del Instituto ENE Audio, único con título de experto en Pro Tools e instructor certificado por Digidesign en Sur América.
Cuándo surge la idea de crear ENE Audio?
Empecé a vender lecciones por Internet de Pro Tools® y la idea era que ENE Audio fuera únicamente de educación virtual. En Febrero de 2009 renuncié después de llevar 13 años dando clases en una escuela de audio en Bogotá la cual funcionó siempre con muchas de mis ideas; con la ayuda de mi esposa surgió la idea de empezar a dar talleres los cuales tuvieron mucha acogida y
empezamos a fortalecer el sueño de tener una institución con un estilo único y siempre con la meta de ser los mejores para subir la calidad de profesionales del audio en Colombia.
Cómo ve el auge de esta profesión en Colombia? Ha cogido mucha fuerza últimamente porque los músicos y productores se están concientizando de la importancia de saber grabar, mezclar, secuenciar en MIDI, etc… buscando que su trabajo pueda competir a nivel profesional.
Ventajas que ofrece ENE Audio a sus estudiantes?
Clases prácticas con 5 estudiantes, muy personalizado. Los estudiantes tienen acceso a equipos de última tecnología como Pro Tools HD. Profesores con amplia experiencia tanto en docencia como en el campo del audio. La satisfacción de los estudiantes es lo más importante para nosotros.
Cómo proyecta el futuro de ENE Audio? Vamos a ser la mejor institución de Audio cuando nuestros estudiantes de la primera promoción salgan a la vida laboral y demuestren que son los mejores en lo que hacen. Las grandes compañías van a preferir los profesionales de ENE Audio sobre egresados de escuelas, institutos y universidades tanto nacionales como internacionales.
Cómo lo va a lograr?
Gracias a la experiencia que he adquirido como instructor conozco las necesidades de los estudiantes y la forma en que mejor aprenden haciendo que lo disfruten y que adquieran experiencia, así al graduarse ya van a tener una hoja de vida con varios trabajos profesionales.
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“Si ustedes quieren encontrar dinero está en el Hip Hop, está el Pop para que puedan tenerlo. Pero si están en el Metal o en el Hard Rock es una cosa de corazón, de principios, donde hay que luchar y trabajar mucho.” Brann Dailor – MASTODON.
Nuestro amigo y colaborador Andrés Durán entrevistó al baterista de Mastodon Brann Dailor aprovechando su visita a Colombia junto a Metallica el pasado mes de Marzo.
1. ¿Su primer álbum fue grabado en 2001, qué recuerdas de ésta época hasta el curso del Leviatán en el 2004?
Los inicios de la banda fueron prácticamente los normales en cualquier grupo, hubo mucho garaje, hubo de una u otra forma trabajo bastante arduo. Por ésta época teníamos que darnos a conocer. Recordamos hacer toques en clubs y prácticamente un área donde estábamos comenzando y fue con mucho esfuerzo haber logrado todo esto.
2. Me he dado cuenta que se preocupan mucho por la gira, tuvimos la ocasión de verlos en Coachella hace más de un año y la banda no ha parado, he visto que no hay intención de grabar un disco, ¿qué dices al respecto?
Es verdad, hemos estado sacrificados, ha sido una gira bastante fuerte, nos encontramos agotados físicamente. Pero es lo que nos gusta es lo que siempre hemos hecho así que no nos podemos quejar. En éste momento nos encontramos en Inglaterra, hemos hecho un par de toques. Regresaremos a Georgia por 3 días a descansar y luego comenzaremos la gira latinoamericana que inicia en México, en eso básicamente ha estado el grupo.
3. ¿De tanto toque, se sienten mejor como músicos? ¿Esto ha ayudado para nuevas ideas?
En efecto el fogueo continuo hace que nos convierta en mejores músicos y así lo sentimos. Con tanta presentación el grupo entra en un estado mental que como músicos mejoran día a día. Nuevas ideas salen a relucir pero no aprovechamos mucho el tiempo de gira para componer. Nosotros esperamos acabar ésta gira aproximadamente en agosto o septiembre de éste año par reunirnos en un estudio para plantear ideas para un nuevo álbum. Aún así surgen ideas o innovaciones que anotamos y dejamos en el bolsillo de la agenda para sacarlas en el momento de la reunión como tal. Eso ha sucedido y me siento complacido con la evolución del grupo como tal.
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Un escenario teñido de sangre y una sala atravesada por el sonido de una agrupación curtida de cicatrices. Con el cuchillo afilado por la fricción de una música maquinada en una fértil matriz tecnológica. Una puesta en escena sin distractores superfluos. Un sonido limpio y equilibrado. Cambios subliminales, armonías ametralladas, fraseos furiosos y exactos. Así cae desde la altura al vacio el peso de un álbum generado de la lucha librada durante los últimos años contra la desintegración. Como un furtivo asesino, frío y calculador, Ingrand entra de nuevo a escena afirmándose con un concepto de sanación a partir de la guerra interna. Para ellos, un horizonte subconsciente marca el camino del autoconocimiento - el espejo en el centro del laberinto: Finalmente debes descifrarte, o hundirte en las arenas movedizas de la inconsciencia. Conflicto y luchaUna guerra se desencadena desde el interior del ser: ¨- Ese conflicto que siempre se crea entre lo que se siente y lo que se vive muchas veces no es consecuente con nuestra forma de pensar y actuar. – Afirman sus integrantes - De una forma u otra, estos choques internos son una condición natural del ser humano, es esa lucha por lograr un equilibrio entre lo mental, lo espiritual y lo tangible lo que genera en sí una expresión artística. El equilibrio interno que nace de esa realidad individual generadora de conflictos se convierte en una fuente de alimento espiritual. La transformación de nuestras ideas y actitudes frente a la existencia se gesta de la lucha que proponemos desde nuestro propio interior y esto se ve plasmado no solo en las letras y la música sino también en la misma propuesta visual, tanto en el diseño del arte como en la puesta en escena¨ La banda bogotana lanza INNER WAR, una sonda explosiva en una época en la que el hombre en su autoinmolación tributaria y carcelaria se encierra. Una trepidante y absorbente placa totalmente aterrizada a la actual era musical, con temas devastadores, fraseos inteligentes, y percusiones futuristas. Pasaría casi una década para que su vendaval creativo arreciara desde lo alto y alimentara con nuevas aguas las corrientes musicales de una escena ávida de ellas. Material nuevo para abordar la actualidad de una banda esculpida a la luz de festivales como Rock al Parque y Altavoz, apoderada de su público, quien la define dentro de los cánones del metal de vanguardia como una entidad que amalgama en su estilo la innovación empírica y el rigor de la academia, una maquinaria musical pesada y contundente. El mismo título del álbum denota la profundidad en la que debieron sumergirse, para emerger luego renovados, con un estilo diferenciado y diseñado para martillar en los escenarios del mundo.
Juan Diego [email protected]
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Un día cualquiera, un grupo de jóvenes bogotanos se dio cuenta que su música debía trascender las fronteras de su país, que su sonido necesitaba nutrirse de culturas hermanas y que sus canciones podían servir para exportar retazos de cultura colombiana en el resto de América Latina. De esta manera, nació ‘La Klaxoneta por Sudamerica’, una hazaña guerrera que consistió en que la banda agarrara su camioneta y atravesara naciones como Ecuador, Perú, Bolivia y Chile para llegar a su destino final: Argentina.
En el país austral el proyecto The Klaxon no sólo experimentó nuevas pruebas profesionales y personales, sino que además logró hacer y fortalecer lazos de amistad y trabajo con artistas locales. Mientras tanto, público y medios de comunicación disfrutaron el coctel de sonidos latinos aderezado con ska y se asombraron con los relatos de aquella travesía por carretera.
Pero en este punto, un hecho positivo y uno negativo marcarían su historia; la fructífera gira que abrió las puertas para que el grupo regresara al territorio gaucho casi cuatro años más tarde y la muerte de su percusionista, quien se ahogó en una playa ecuatoriana cuando regresaban a casa: “Decidimos no conseguir un músico que reemplazara su labor, sino que poco a poco se comenzaron a buscar sonidos y a diseñar ritmos que cubrieran algo de ese gran espacio que dejó Toto”, explica el cantante Andrés Silva, refiriéndose a la actualidad sonora de la agrupación. Prueba de ello, fue el video presentado durante 2008 llamado ‘Un Segundo No Más’ –disponible en You Tube–, que es un corte
Por: Pablito [email protected]
“ EL MAR Y EL DESIERTO”The Klaxon presenta
de difusión aún no terminado y en el que se percibían elementos como el acordeón, nunca antes presente en los comienzos discográficos de la banda.
El segundo larga duración de esta agrupación bogotana llevará por nombre ‘El Mar y El Desierto’, y contará con la colaboración de artistas establecidos en el under sureño como 13H, Mariano Rossati (Papas ni Pidamos) y Karamelo Santo, agrupación liderada por el cantante Goy Ogalde, quien es el productor de la grabación y el dueño del estudio El Cangrejo Records, donde fue realizada.
Este reconocido recinto de la escena under sureña cuenta entre sus acreditados artistas a Manu Chao, Gambit (Radio Bemba Sound System), Tonino Carotone, Nonpalidece o Eterna Inocencia.
Sobre su retorno a la cuna del rock latinoamericano, Silva cuenta que: “Este disco buscaba plasmar los cambios experimentados en los últimos años, así que se eligió Argentina debido a que es un lugar que tiene una producción discográfica fluida, de gran calidad y muy relacionada con varios de los géneros que interpretamos”.
Cuando le preguntan a un integrante de The Klaxon acerca de su nuevo álbum, la respuesta es simple: “es un homenaje a nuestro compañero Toto y a nuestra experiencia por Sudamerica”. El primer sencillo de ‘El Mar y El Desierto’ será la canción ‘Tu Sabes’ y, la banda espera tenerlo listo con su respectivo video para lanzar durante el mes de Abril.
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