Moda FusionARTE Número 13

Ucrania Fashion Week SS 2011

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Año 2 Número 1317 de Enero 2011

Eco-Frienly

REVISTA DIGITAL

FusionARTEFusionARTEFusionARTEModaModaModaR

- Cobertura exclusiva de uno de los eventos mas importantes

de Europa Oriental.

- Cobertura exclusiva de uno de los eventos mas importantes

de Europa Oriental.

Ucrania Fashion Week SS 2011Ucrania Fashion Week SS 2011

La ceremonia del Té

Glamping:

Acampar con Glamour


Glamping:

Acampar con Glamour


Glamping:

Acampar con Glamour

Turismo:Turismo:

Carmen Acevedo Díaz

María Boneo

Alejandro Díaz Hernández


María Boneo



María Boneo


Entrevistas:Entrevistas:

Calendario Maybelline 2011

Nueve mitos

del cuidado masculino


Nueve mitos



Nueve mitos


Belleza:Belleza:

Retrospectiva de Marta Minujin

Testa + Bedel + Benedit

Drawing Fashion

Retrospectiva de Marta Minujin

Testa + Bedel + Benedit

Drawing Fashion

Arte:Arte:

Ucrania Fashion Week SS 2011Ucrania Fashion Week SS 2011Ucrania Fashion Week SS 2011ANI

VERSAR

IO

ANIVE

RSAR

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Fundación PROAAv. Pedro de Mendoza 1929. Buenos Aires, Argentina41041000

www.proa.org

Diálogos con los artistasSigismond de Vajay con

FABRICE GYGILANG/BAUMANNJOSEP-MARIA MARTINGIANNI MOTTI

Una jornada de reflexión y diálogo en el auditorio.

Jueves 20 de Enero. 14 a 20 hs.

Actividad gratuita. Cupo limitado. Inscripción: Envío de CV y párrafo de intención a [email protected] seleccionados serán informados el martes 18 de Enero

Con el apoyo de: Swiss Arts Council PROHELVETIAEmbajada de Suiza en la Argentina

¿COMO PUBLICITAR EN MODA FUSIONARTE?¿COMO PUBLICITAR EN MODA FUSIONARTE?

Propuesta 1 - Guía de compras:

Se basa en la publicación de productos. En nuestra revista contamos con una página diseñada especialmente para que se expongan los diseños, organizados por rubro, con el nombre de cada diseñador y un mail, página web y teléfono de contacto.

Propuesta 2 - Anuncios:Se basa en el sistema publicitario convencional que manejan las revistas a partir de espacios modulares de publicidad de 9,5 cm de ancho x 6,5 cm de alto; los mismos se podrán mantener tal cual o se podrán ir sumando hasta llegar a la medida que necesite cada anunciante en particular.

Propuesta 3 – Banners:Nuestro newsletter, ofrece una oportunidad única para dar a conocer tu marca, tus diseños, productos o servicios. El mismo será enviado una vez por semana a nuestros más de mil suscriptores y a todos los que siguen nuestra revista a través de las redes sociales y contará con espacios tipo banner.

No dejes de consultar por otras propuestas publicitaria a: o (+54 11) [email protected]

No desperdicies la oportunidad de llegar a mas de 27000 lectores!!

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Carta Editorial

Moda FusionARTE es una revista digital gratuita de distribución mensual.

Moda FusionARTE es una marca registrada por lo tanto se prohíbe su reproducción parcial o total sin pedido de autorización a la editora

responsable. Propiedad Intelectual: Nº836368 Moda FusionARTE se encuentra inscripta en la Asociación de

Prensa Técnica Especializa (APTA)Está edición se terminó de realizar el 16 de enero del 2011

Quienes hacemos Moda FusionARTE17 de Enero 2011 Año 2 Número 13

Editora Responsable: Alexandra Muraco. [email protected]

Diseño Gráfico y Retoque Digital:Alejandro Rivero.

Jefa de Redacción y Corrección:Andrea Castro. [email protected]

Editora Responsable

Alexand

ra

Propietario y Director General:Daniel Alejandro Rivero. [email protected]

Colaboradores en esta edición:Sandra Queens - Karina Longo - Karina Magliarella - Gabriela Magliarella - Sergio Urbina - katia stryzak

Enero es un mes que significa muchísimo para todo el equipo de Moda FusiónARTE, ya que el día 5 festejamos nuestro primer aniversario. Sin darnos cuenta nuestra revista nació en el primer mes del año y en el día en el que los niños ilusionados ponen sus zapatitos debajo del árbol navideño, esperando que los Reyes Magos pasen a dejar sus regalos. En nuestro caso, que ya somos grandecitos, nuestro regalo fue Moda FusiónARTE porque en un año nos llenó de satisfacciones, tanto a nivel personal como profesional, además de sorprendernos, día a día, con cada comentario que llegó a nuestra redacción. No tenemos más que palabras de agradecimiento hacia ustedes, nuestros fieles lectores, que ya superan los 25.000; hacía las marcas y diseñadores que pasaron por la revista; hacia las agencias de prensa que nos apoyan; hacia los viejos amigos y a los nuevos que hemos encontrado en este corto camino y a todos nuestros colaboradores, a los que participaron desde el primer número y a los nuevos que comienzan con esta edición. Son muchos los sueños que hemos podido concretar y muchísimos más los que aún anhelamos, gracias por apoyarnos, por acompañarnos, por hacernos llegar sus inquietudes, por el solo hecho de estar del otro lado e iniciar este nuevo año junto a nosotros.Esta edición viene con increíbles notas como, entre otras, la review general del Ucrania Fashion Week, que ustedes han podido seguir en nuestra web (para aquellos rezagados que se la han perdido van a encontrar todo en las páginas 10, 11, 12, 13 y 14 ); la presentación del libro de Amalia González (pág. 47) y una magnífica entrevista a las diseñadoras de Cholerías, que nos demuestra que los accesorios son mucho más que eso (pág. 16).En la sección de arte encontrarán que Andrea estuvo, entre otras, en la impresionante inauguración de la muestra de Marta Minujín, y nos cuenta todos los detalles de la misma (pág. 32); también podrán disfrutar de una interesante entrevista que le realizó a la escultora María Boneo (pág. 36).Como verán esta edición se viene con todo, con nuevos colaboradores y con muchas más notas. No les cuento nada más, los invito a recorrerla y descubrirla con nosotros.Me despido con un cálido saludo y ¡nos vemos en Marzo!

No te olvides que podes escribirnos a: [email protected]

Departamento Comercial:[email protected]

Redacción:Crisóstomo Álvarez 5407 (1439) Capital Federal - Buenos Aires - Argentina.Tel: (+54 11) 4759-9954 e-mail: Web:

[email protected]

Colaboradores:[email protected]

Nuestra Tapa

Ukrania Fashion WeekCierre de la pasarela de LikhachevaAño: 2010Cortesía prensa

4 - Moda FusionARTE Revista Digital

http://[email protected]



Como en cada edición:Pág. 4: Carta Editorial

Pág. 6: Agenda Enero/FebreroUna guía de completa de exposiciones de arte, recomendados en televisión y funciones de cine y teatro para disfrutar este verano en Buenos Aires.

Pág. 15: Los infaltablesLos mejores trajes de baño y accesorios que podrás lucir en estas vacaciones.

Pág. 28: Beauty News

Pág. 50: Direccionario

Moda:Pág. 10: Pasarelas internacionales: Ucrania Fashion WeekUna muy interesante reseña, acompañada por numerosas fotos, del evento de moda más importante de Europa del Este.

Pág. 16: Entrevista CholeríasDos hermanas y su pasión por crear mucho más que simples accesorios

Pág. 18: Entrevista a Carmen Acevedo DíazCharla con una de las editoras de moda más importante del país.

Pág. 20: Entrevista a Natu ArenasConocé a la creadora del blog Comomequeda.

Pág. 22: Affaire ModaUna marca que se destaca por su atención personalizada.

Pág. 23: A tomar medidas: La recuperación del sastrePorque en el placard de un hombre elegante siempre debe haber un traje.

Belleza:Pág. 24: Calendario Maybelline 2011El mundo del maquillaje y de la mujer moderna, conjugados en una propuesta muy lúdica.

Pág. 27: Inauguración Full MassagesNuevo centro de masajes y kinesiología en el barrio de Congreso.

Pág. 29: Nueve mitos del cuidado masculinoConsejos de belleza para los hombres que también leen nuestra revista.

Pág. 30: Drawing FashionIlustraciones de moda de grandes diseñadores en el Design Museum de Londres.

Pág. 31: Alejandro Díaz HernándezAbogado de profesión y fotógrafo de corazón.

Pág. 32: Simplemente MartaUn recorrido por la espectacular muestra retrospectiva que hasta febrero se puede visitar en el Malba.

Pág. 34: La capacidad creativaClaves para desarrollar la creatividad tanto en el diseño como en la vida diaria.

Pág. 36: Las diosas de MaríaEntrevista en su taller a la escultora María Boneo.

Pág. 38: La herencia olvidadaComo fue la excelente y conmovedora muestra Las Pampas: arte y cultura en el siglo XIX en la Fundación Proa.

Pág. 40: Secretos sobre negroAntonio Banderas y una impactante muestra fotográfica de su autoría.

Pág. 41: Ros Ribas, fotógrafo de escenaLa Fotogalería del Teatro San Martín cerró el 2010 con la gigantesca muestra del reconocido fotógrafo catalán que dedica su vida a retratar obras de teatro y óperas.

Pág. 42: El Recoleta llegó a los 30La muestra Testa+Bedel+Benedit reúne trabajos de los tres artistas y arquitectos que en los años 70 transformaron el antiguo convento de los Franciscanos en el Centro Cultural Recoleta.

Pág. 44: Una diseñadora intrépidaEntrevista a la Diseñadora Gráfica Luciana Seleme

Pág. 46: Presentación del libro Pasión Visual LatinaEdición 2009 del nuevo Libro de Afiches de la Universidad de Palermo.

Pág. 47: Presentación del libro De la fama a la feLa ex vedette Yuyito González y su increíble transformación mística.

Pág. 48: La ceremonia del téUna de nuestras colaboradoras compartió este tradicional ritual oriental en el Jardín Japonés.

Pág. 49: GlamcampingCampamentos de lujo para los que odian la carpa y la bolsa de dormir

ENEROArte: Presentaciones:

Turismo:

EDICION ANIVERSARIO

No te pierdas los sorteos en www.modafusionarte.com.ar

2011

Moda FusionARTE Revista Digital - 5


Enero

Agenda/TV

Miércoles 26 de enero a las 22:00 hs, por INFINITO.

PERFUME DE MUJER (Scent of Woman) de Martin BrestUn joven soldado (Cris O' Donnel) es elegido por sus superiores para acompañar como asistente personal durante una semana a un ex-capitán del ejército. Al Pacino personifica al militar ciego, de carácter difícil y duro, que percibe la esencia femenina desde lejos. Junto a este hombre déspota, cruel, mujeriego y bebedor empedernido, el joven soldado vivirá experiencias irrepetibles y recibirá una lección gratuita sobre todo lo que el ser humano es capaz de hacer para no demostrar sus verdaderos sentimientos.

Sábado 30 de enero a las 22:00 hs, por I-SAT

17º ANNUAL SCREEN ACTORS GUILD AWARDSEn esta presentación exclusiva los actores y realizadores compiten por uno de los galardones más codic iados del mundo del espectáculo: los SAG Awards que el Sindicato de Actores de Estados Unidos otorga a lo mejor del cine y la televisión. Con un tono más íntimo que el de la entrega de los Academy Awards, se trata del único evento en el que los actores premian a los actores.

Domingo 23 a las 16:00 hs, por Muchmusic.

MARATÓN ROCK & ROLL HALL OF FAME El Salón de la Fama del Rock es un museo situado en Cleveland, Ohio en Estados Unidos y fue construido para brindar recuerdo y memoria a los artistas más famosos e influyentes de la historia del rock and roll. El edificio abrió sus puertas el 23 de Enero de 1986 y tiene reglas claras: deben haber pasado como mínimo 25 años desde el lanzamiento del primer álbum de un artista para que ingrese en el salón.En enero en Muchmusic homenajeamos a este emblema del rock-system con una maratón de 3 horas de artistas reconocidos en la galería interpretando versiones únicas y exclusivas.

Lunes a las 22:30 h, por TRU TV.OPERACIÓN: PUERTO 24X7Esta serie brinda un panorama comple to de es te cen t ro neurálgico y colorido del comercio mundial, el puerto de Los Ángeles. Infíltrate en este enorme complejo portuario y en la vida de los individuos encargados de que todo funcione a la perfección durante 365 días al año.El Puerto de Los Ángeles es una de las más importantes puertas mundiales del comercio y el más activo de Estados Unidos. Prácticamente una ciudad dentro de una ciudad, el puerto abarca 1.700 hectáreas, emplea 16.600 trabajadores incluida su propia fuerza policial y bomberos y procesa casi la mitad de todos los bienes de consumo que entran en Estados Unidos.

Miércoles 19 de enero a las 21 hs por E!.

Estrena JERSEYLICIUS, una nueva serie que muestra el fabuloso estilo de Nueva Jersey al ofrecer una mirada divertida a la vida en el Salón de belleza Gatsby, y su reciente mudanza a un nuevo y fabuloso espacio. Nueva Jersey es el centro de la acción de este nuevo reality cuya primera temporada está compuesta por ocho episodios que capturan todo el drama de cinco nuevos estilistas y maquilladores que se unen al equipo del salón y traen con ellos el mejor estilo Jersey.


Agenda/CINE

El Discurso del ReyEstreno el 10 de febrero

Después de la muerte de su padre, el rey Jorge V (Michael Gambon) y la escandalosa abdicación de su hermano, el rey Eduardo VIII (Guy Pearce), p a r a c a s a r s e c o n l a norteamericana, plebeya y divorciada, Wallis Simpson, Bertie (Colin Firth), quien durante toda su vida sufrió de un trastorno de dicción, se ve súbitamente coronado como Jorge VI de Inglaterra.Basada en la verdadera historia del Rey Jorge VI (padre de la actual reina de Inglaterra) El discurso del rey se centra en las búsquedas de un monarca que, en principio, no tenía ganas llegar al trono, para encontrar su propia voz.

El GanadorEstreno el 17 de febrero

Inspirada en la increíble historia real, llega la valiente, cálida, divertida pero al mismo tiempo conmovedora historia del héroe del boxeo Irlandés Micky Ward (MARK WAHLBERG), y su medio hermano Dicky Eklund (CHRISTIAN BALE), que antes de unirse como hermanos han sido oponentes en una pelea para ganar un campeonato y fortalecer los lazos familiares.

Piraña 3DEstreno el 17 de febrero

Cada año la población del tranquilo Lago Victoria aumenta de 5000 a 50000 para las vacaciones de verano; un descontrol de diversión bajo el sol y mucho alcohol. Pero este año hay algo diferente de que preocuparse además de las resacas y las quejas de los habitantes locales; un nuevo tipo de terror esta por soltarse en Lago Victoria. Luego de un repentino temblor en el lago libera huevos de una especie de peces carnívoros, un grupo de extraños debe mantenerse unido para evitar convertirse en comida para estos peces.

BiutifulEstreno 24 de febrero.

Como la vida misma, ésta es una historia circular que termina donde comienza.Biutiful es una historia de amor entre un padre y sus hijos.Este es el Viaje de Uxbal, un héroe trágico peleando contra la corrupción, tanto en la sociedad como dentro de sí mismo, mientras lucha por finalmente encontrar la compasión, el perdón, la redención y la luz en todo lo que lo rodea, al tiempo que se rinde sin límites a su Destino a través del inmenso amor por sus hijos. ¿A dónde vamos cuando morimos? Uxbal sólo puede responder que hay un lugar de seguro: La memoria de los otros.

FEBRERO

Noches de EncantoEstreno 13 de Enero.

Ali (Christina Aguilera) una chica que viene de un pequeño pueblo para cumplir sus sueños en Los Ángeles.Después de encontrarse con el Burlesque Lounge, Ali consigue un trabajo como mesera para Tess (Cher), dueña del club y artista principal. El vestuario extravagante y las coreografías llamativas de Burlesque capturan a esta joven ingenua, quien se promete que bailará ahí algún día…


Agenda/Teatro

CAER EN AMOR: Basada en textos de Shakespeare, 9 instantáneas para caer en amor, algunas canciones y un epilogo. Las distintas manifestaciones del amor humano son recreadas en una serie de encuentros amorosos armados como instantáneas, en las que cada foto plantea un universo y personajes que le son propios. Viernes 21 hs. Localidades: $ 45.- Jubilados y Estudiantes: $30.-Camarín de las Musas: Mario Bravo 960 / 4862-0655

LA HISTORIA DEL SEÑOR SOMMER:

La historia del Señor Sommer reproduce el texto del cuento de Patrick Skind, adaptando el personaje del narrador de la historia y convirtiéndolo en el "showman" de un cabaret literario. El protagonista aparece solo en un espacio que recrea un teatro, una sala con mesas, sillas y tabaco, y cuenta la historia de una persona que cuenta su paso desde la juventud hasta la madurez. Del 21 de enero al 13 de febrero de 2011.Viernes y Sábados 21 hs. - domingos 20 hs. Localidades: $ 40.Belisario Club Cultural: Av. Corrientes 1624 / 4373 3465

CONCHA DEL RÍO CABARET:Después de su extensa gira por el exterior, la autoproclamada diva internacional Concha del Río junto a un ramillete de reconocidos artistas sigue perfumando la noche porteña. 6 únicas funciones desde el viernes 21 de enero.Viernes a las 23 hs. Localidades: desde $ 50.Teatro El Cubo: Pasaje Zelaya 3053 / 4963-2568

COMO ESTAR JUNTOS:

Siempre estuvieron guardadas mama y la nena. Volvieron del exilio y papa ya no está, murió de una forma ridícula. El mundo exterior son los relatos de la vecina, fiel testigo de los años de la ausencia. Hay que casar a la nena, que ya esta grandecita. Los planes demasiado barajados siempre salen mal, se hacen agua entre los dedos. Dos familias terminaran enfrentadas en una guerra de discursos antagónicos. Repone el viernes 4 de febrero de 2011.Viernes a las 23:15 hs. Localidades: $40.- Jubilados y estudiantes universitarios: $ 25.-El Camarín de las Musas: Mario Bravo 960 / 4862-0655

DIJERON DE MÍ:

Tita y Virginia. Merello e Innocenti. Fuego y llama donde arderán recuerdos de vida. Aquellos que Tita le susurra a Virginia para que esta los cuente, los recree y los comparta. Tita le presta su piel. Virginia pone el cuerpo, la voz y la emoción. Con libro de Virginia Innocenti, la obra atreve a respirar en una noche el aire de cinco décadas en la vida de esta talentosa mujer. Jueves, viernes y sábados a las 21 hs. - domingos a las 20 hs. Localidades desde $ 70.Teatro Maipo: Esmeralda 443 / 4322-4882/8238


Agenda/ARTE

Nueva Figuración 1961-1965

En 1961, Ernesto Deira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega promovieron y llevaron adelante la exposición Otra Figuración en Buenos Aires. A partir de entonces integraron una explosiva agrupación durante más de cuatro años, con la cual protagonizaron uno de los capí¬tulos más significativos de la historia del arte argentino de la segunda mitad del siglo XX.Hasta el 30/1 en el Museo Nacional de Bellas Artes: Avenida del Libertador 1473Entrada libre y gratuita

Marta Minujín. Obras 1959-1989

Retrospectiva de la artista argentina Marta Minujín con más de 100 obras que hacen foco en su producción histórica de las décadas del 60, 70 y 80. “El objetivo principal de esta exposición es acercar al público la complejidad, coherencia, y densidad crítica de una obra que conocemos poco; y enfatizar su pertinencia contemporánea”.Hasta el 7/2 en el Malba Avenida F i g u e r o a A l c o r t a 3 4 1 5Entrada General: $22 (miércoles $10,00)

Testa + Bedel + Benedit: 30 años el CCR

Al cumplirse treinta años de su inauguración el CCR invita en carácter de homenaje a aquellos tres grandes artistas que estuvieron en el proyecto or iginal para celebrar el aniversario de uno de los espacios más concurridos y e x i t o s o s d e l a c i u d a d .Hasta el 20/2 en el Centro Cultural Recoleta: Junín 1930Entrada libre y gratuita

Bicentenario: Imágenes paralelas (tercera parte 1980-2010)

Esta muestra abarca un nuevo lenguaje donde el diálogo se puede convertir en monólogo fotográfico. Los temas sobre D e r e c h o s H u m a n o s y / o violencia urbana prácticamente están ausentes en la pintura, mientras que en la fotografía, han sido casi una causa, y día a día son más los que con total libertad se refieren a ellos en forma directa o metafórica.Hasta el 27/2 en el Museo Nacional de Bellas Artes: Avenida del Libertador 1473Entrada libre y gratuita

Narrativas Inciertas” - “El imaginario de Ignacio Pirovano”

Muestra de artistas emergentes de las últimas dos décadas que realizan narrativas inciertas, trabajando simbólicamente la figuración en distintos medios como dibujo, objeto, pintura y video. También se exhibe una parte de la Colección Pirovano y otros ejemplos de patrimonio del MAMBA, en diálogo con ésta, que permitirá establecer un amplio panorama del arte abstracto en sus más variadas vertientes. Hasta marzo en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires: Avenida San Juan 350. Entrada general: $1. Martes gratis.


Moda Internacional


Ukraine Fashion WeekSiempre es interesante conocer que caminos está tomando el diseño en otras partes del mundo, sobre todo si hablamos de regiones tan remotas como Ucrania. El Lviv (nombre de la ciudad en la cual se realiza) Fashion Week es uno de los más importantes eventos de moda de Europa Oriental, como en el resto del mundo se realiza dos veces al año (en primavera y en otoño) y mantiene los mismos estándares de calidad y organización que sus poderosos hermanos de las grandes capitales de la moda. Siendo el principal evento de moda que se lleva a cabo en el lejano país, ofrece, durante cuatro días, tanto desfiles como showrooms en los cuales se exhiben las principales colecciones de prêt-à-porter y de prêt-à-porter de lujo de cada temporada. La semana de la moda de Ucrania introduce nuevos nombres en la escena de la moda local e internacional y apoya a los jóvenes talentos a través de la organización de un concurso anual para jóvenes diseñadores llamado Sabotage. El concurso premia a los diseñadores presentando sus colecciones ante la prensa, críticos de moda, compradores y potenciales clientes; en su última edición, como en todo desfile que mezcla propuestas de diferentes creadores, el resultado fue más que ecléctico, con volúmenes y mucho colorido en ciertos momentos y siluetas más anatómicas y sintéticas en otros. A pesar de la innegable influencia de la moda occidental, se destacaron los trabajos de Sehh y de Ursulyak que, a través de sutiles detalles tales como bordados y guardas de encajes, lograron cargar a sus diseños urbanos con una reminiscencia histórica y étnica muy interesante.El resto de las pasarelas incluyó, además de mucha moda femenina, indumentaria de hombres, para niños, algo de calzado y trajes de baño. En este último rubro fue muy interesante el aporte de La Germaine, que presentó elegantísimos diseños de mallas enterizas para ellas, con transparencias, originales escotes y toques años 50, y osados modelos masculinos que incluyeron textiles brillosos, texturados y con estampados croco. Zinaida Lickhacheva, deslumbró con su colección “Vidlunnia”, basada en una moda étnica moderna para usar en el ritmo de la ciudad. Inspirada en formas vestimentarias antiguas y sumando un entrecruzamiento de geometrías y colores, a través de intrincados estampados creados por ella misma, Zinaida generó puras y virginales imágenes femeninas, que desplegaron un etno-modernismo basado en el folklore y la cultura ucraniana. Tarakanova trajo desde Bielorusia prendas masculinas y femeninas oversize, con ciertos detalles de desestructura, en tonos acromáticos y tierras, acompañados de fuertes azulados. Ivanna Yuchymchuk se mantuvo en un romanticismo muy Rococó y bien años ochenta con multitud de encajes, voladitos superpuestos, algunos moños y estampados liberty. La última tarde la inauguró el desfile de Sophie Maria Syedova, con una muy romántica y clásica propuesta para indumentaria de niños en tonos marrones y grises, con suaves detalles en rosa y algunas intervenciones en blanco y negro. Seguidamente, las multicolores y lúdicas prendas de Olga De NoGGa, siguieron remitiendo al universo infantil. Sus surrealistas conjuntos de pantalón y chaqueta jugaron con múltiples combinaciones de colores y estampados haciendo referencia en forma permanente al circo y contrastando sobremanera con la mucho más sosegada pasada de su antecesora. La colección de Irina Salieva y sus magníficas prendas tejidas al crochet vale la pena ser destacada. Delicadísimos vestidos, blusas y trajes de baño desplegaron sobre la pasarela un verdadero espíritu eslavo que aludió tanto a los trajes tradicionales campesinos como a las fastuosas prendas de encaje que la corte rusa supo lucir en su afán por imitar a Francia.

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Por Andrea Castro

La alegre propuesta de Victoria Seleznyova pobló la pasarela de prendas estampadas por una infinidad de matrioskas. Tipologías inspiradas en los trajes campesinos rusos se fusionaron con formas netamente vanguardistas transformando a las modelos en damas duendes llegadas desde lo profundo de los bosques de las estepas rusas.La tradicional marca ucraniana de vestidos de novia y trajes de fiesta Oksana Mukha fue la encargada de cerrar el Lviv Fashion Week, presentando su colección Voyage. Con casi 100 vestidos de novia y de noche, Oksana proporcionó un final muy teatral al evento, presentando su colección 2011 en la histórica Casa de los Científicos en Ucrania. “Voyage es un reflejo de la amplia geografía en la que se encuentran nuestros socios internacionales, por lo que incluye una gran gama de siluetas que remiten a los años 50, 60 y 70, sobre todo a las grandes creaciones de Dior y Chanel, pero que no dejan de lado las formas contemporáneas”, explica la diseñadora. Esta nueva colección se diferencia de las anteriores en el uso de la decoración y las formas y en la inclusión de textiles y materiales de Jakob Schlaepfer (excelente diseñador de textiles alemán) y de los nuevos diseños de cristales Swarovski. También se destaca por el uso de una paleta full color, dominada por el amarillo, el rojo y el negro. Muchos vestidos incorporan una especie de dualismo cromático a través de la unificación de dos colores que, en los modelos más románticos, se expresa como un acento dentro del mismo espectro tonal.

Victoria Seleznyova Moda FusionARTE Revista Digital - 11

Más info en: y en También podes encontrar la cobertura diseñador por diseñador en nuestra WEB

www.lvivfashionweek.com www.oksana-mukha.com/en

La Germanine Shadoyan


De NoGGa Likhacheva Yujen Grand Style Shevo

BobkovaSalievaOlesya GrynPandoraYatsentyuk


PaliyKomardinaBaranEfimchukBoychuk

Nazarova Marian Reptyliya Slastion Homin


AnatskiSyedovaUrsulyakSteblakBosenko

Verbovska Yuchymchuk Yujen Japaridze Sehh

InfaltablesInfaltablesVerano, Arena, sol y playa, llegaron las vacaciones y te mostramos los infaltables para esta temporada.

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1- Bikini 2 piezas (Lecol, Consultar precio) (B+D $285.-) 4 - Collar en nácar y cadenas (Cholerías $75.-) 5 - Bikini 2 piezas (Lecol, Consultar precio) 6 - Gafas Brillant Black conprotección UV 400 (B+D $285.-) 7 - Capelina estampada (Compañía de sombreros, $90.-) 8 - Sandalias con flores caladas (Corre lola $320.-)

2 - Ojota con detalle de pétalos (Corre lola $280.-) 3 - Gafas caramel con protección UV 400

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Cholerías: "Mucho mas que un simple accesorio”.

Moda Nacional

holerías nació hace más o menos dos años y medio cuando Pili y Lula estaban trabajando en forma particular. Un fin de semana, ambas se juntaron a realizar algunas piezas sin un porqué, solo por el hecho de hacer algo, sin Csaber mucho, ni tener cursos previos: "solo porque nos encanta crear, diseñar y armar cosas", nos cuenta Pili.

Como todo lo que hicieron lo vendieron entre amigas y conocidos, de ahí en adelante, aunque cada una tuviera su trabajo independiente, continuaron diseñando accesorios para comercializar. Así, hace tan solo un año y medio, nació la marca Cholerías y se fue imponiendo cada vez más en el mercado, con un producto original, de alta calidad, con mucha mezcla de texturas, piedras y semillas. "Siempre tuvimos la idea de crear algo distinto, de no copiar", continua diciendo Pili. "Prefiero mandar a una clienta a la competencia, antes que copiar el diseño".

MFA: ¿Por qué Cholerías?P: Cuando llegó el momento de empezar a buscar un nombre nos dimos cuenta que todo lo que hacíamos tenía mucho que ver con lo que mi abuela nos había enseñado, ella se llamaba Chola, de ahí deriva el nombre.

MFA: ¿Cómo fue el proceso de creación de la marca?P: Bueno luego de mil mails y opiniones de amigos y familia para elegir el nombre, hablamos con una amiga de mi hermana, que es diseñadora, para comenzar a diseñar el logo. Pasamos por todos los procesos típicos que llevan a la creación de una marca, pero todo era muy "entre amigos". Hasta que tomamos la decisión de comenzar a hacer prensa para lanzar Cholerías. A partir de ese momento arrancamos con todo, comenzamos a salir en todas las revistas y vimos que pegaba muchísimo el producto que estábamos haciendo. Esto nos llevó a crecer tanto que tuvimos que buscar un lugar para que nuestros clientes se acercaran a adquirir nuestras piezas, verlas, tocarlas, probarlas.

MFA: ¿En cuanto a los conocimientos previos, solo tenían los que habían aprendido de la abuela Chola?P: Si, pero además, cuando yo me quedé sin trabajo, momento en el que arrancamos a full con la marca, mi hermana me dijo anotate ya en cursos, y así empecé a perfeccionarme.

MFA: ¿Qué las empujó a trabajar este tipo de texturas?P: (…ríe), la verdad no sé, lo que sí sé es que nosotras somos de juntar cosas, todo lo que alguien va a tirar nosotras lo guardamos y de ahí te puede salir o un tacho de basura o un accesorio. De hecho, las pecheras que tenemos que son tejidas con lana, surgieron de las agarraderas de la pava que mi hermana había tejido para su casa; un día yo las agarré y las comencé a unir y sin querer armé un collar.

MFA: ¿Toman en cuenta las tendencias?P: Vamos a los seminarios de Visiones. Si bien la reutilización de materiales es algo innato para nosotras, los seminarios, las revistas y las fotos son una fuente de inspiración, ya que, a través de ellas y el trabajo de campo que hacemos, nos motivamos y vemos nuevas posibilidades. Estamos muy atentas todo el tiempo, compramos materiales y después nos sentamos a ver qué hacemos: quizás en el momento no surge nada y, después de meses, nace una idea para ese material que habíamos comprado.

Por Alexandra Muraco


MFA: ¿Cómo es la mujer que elige Cholerías?P: Tenemos dos rubros, por un lado está la mujer que viene y elige algo porque le gusta el diseño, tiene un precio accesible y quiere verse distinta; es una mujer que está a la moda pero que busca que un accesorio la vista y le complete el look.Por otro lado, tenemos a la mujer que viene con su vestido de fiesta y nos dice: "chicas se casa mi hijo, que me van a diseñar para este vestido". Acá es donde nos dan carta blanca para jugar, crear y diseñar, es lo que más nos gusta, porque es un trabajo de a dos y más personalizado.Nosotras le ofrecemos a nuestras clientas una pieza única ya que, aunque haya parecidos, no hay iguales y a un precio accesible, nada que se compare al valor de una joya. Amamos producir, diseñar y crear y ver que las mujeres se lucen con nuestras piezas.

Ambas hermanas lograron crear una marca con identidad propia que se ve a simple vista en cada diseño y en cada detalle: su packaging, por ejemplo, está conformado por cajitas forradas con las revistas de la abuela Chola. Además, la atención en el local es cálida y amable: cuando entrás al showroom de Cholerías te sentís envuelta en un mundo de colores, diseño y nostalgia, donde la protagonista sos vos misma y donde seguramente está esperándote el accesorio que te representa.

Para más información: www.cholerias.com Avenida Libertador 4800 4º "B". Tel: 4770-9355 (Con cita previa)



untualísima. Esa fue la primera palabra que cruzó mi cabeza cuando, unos pasos más allá, Carmen Acevedo Díaz me aguardaba, tranquila, hablando en tono amigable por celular. P

Con gran amabilidad, no dudó en juntar sus cosas y acercarse hacia la mesa donde yo estaba para contarme parte de su fascinante carrera periodística en la moda; a la cual, según confiesa, llegó de pura casualidad.Ella es una de las editoras de moda argentinas más reconocidas del país. Se autoproclama como una amante de las cosas bellas. Carmen Acevedo Díaz nos contó su extensa experiencia en el universo de la moda, su confianza en la astrología y nos habló sobre su libro, próximo a salir a la venta.

¿Cómo llegó a trabajar en moda? De casualidad.

¿De casualidad? ¿Nunca lo proyectó?Nunca jamás (risas). No, yo estaba en el diario (La Nación) en una sección que incluía moda. Te digo de esto, hace un montón. Y bueno, como las personas que hacían moda en ese momento tuvieron que irse por un motivo o por el otro; yo estaba ahí y, como era mujer, quedé a cargo de la sección sin tener la más mínima idea de lo que era la moda. Me eligieron más por ser mujer que por mi capacidad.

¿Cómo nace el Suplemento de Moda y Belleza?: En ese momento la moda convivía en el suplemento con cocina, con el perro, con la nieve, con el sol en la playa. Siempre estaba mezclada con todo. Había mucha lucha de parte de la moda y el diario tenía al consumidor de moda como target. Había un potencial importante. Entonces propuse hacer el suplemento, me dijeron que lo haga por tres meses y si funcionaba quedaba. Lo hice y funcionó.

Usted como periodista: ¿en qué temas estaba interesada?Me orientaba más hacia el tema de la inclusión social. El diario me mandaba a colegios y también a cubrir temporada de turismo. A ver como estaba la nieve o a Punta del Este. Y como la nieve y la playa tienen que ver con la moda, también hacía notas de moda. Así fue que, de alguna manera, me fui metiendo en la moda, de casualidad.

¿Ha podido realizar alguna de sus aspiraciones iniciales, con respecto al trabajo humanitario que deseaba hacer a través del periodismo? ¿La moda le permitió canalizarlo de alguna manera?Creo que sí, si bien no he desarrollado una tarea humanitaria, desde la moda pude aportar una mirada más amplia sobre ella tocando temas que preocupan a la gente y que afectan la calidad de vida: la obsesión por la imagen, la mirada impiadosa de las mujeres entre sí, la competencia madres-hijas, los talles, el maltrato a uno y otro lado del mostrador, las firmas que realizan tareas sociales, la donación de ropa, las relaciones calidad-precio, la ropa para discapacitados; en fin, un montón de temas que exceden las tendencias.

Sin querer, llegó al periodismo de moda. Hoy en día: ¿podría pertenecer a otro lugar que no sea la moda? ¿Se lo replantea?La idea es hacer buen periodismo de cualquier tipo. A mí me interesa el periodismo, no me interesa la política, no me gusta la economía. Pero si me pusiesen cara a cara a un político sabría arreglarmelas para entrevistarlo. Uno primero es periodista, después viene la moda, el turismo, la política, etc.

¿Cómo define a la moda?La moda la defino como lo que es: súper interesante. Al principio no comprendía, pero después me gustó. Me encantó. Yo creo que es una cuestión psicológica. La moda tiene que ver con una búsqueda permanente de estar mejor, o de vivir en un mundo más agradable. La moda tiene que ver con un estilo de vida. Incluso la decoración y el diseño tienen mucho que ver con mejorar la calidad de vida. Te hace más feliz, es más agradable.

Se dice que en una revista de moda no va a hacerse un análisis muy profundo de nada, sin embargo la moda conforma un extenso universo. ¿Usted que opina?A mi la moda me parece súper interesante, es cierto que está muy frivolizada. Es ideologizada e incluso hay gente muy inteligente trabajando en ella. La moda es economía, es trabajo, es cultura y arte, es educación también. Una cosa es hacer periodismo de moda y otra hablar de moda. Hay que hacer periodismo de moda bien, es muy categórico. Antes había gente que no se había formado bien. Ahora está mucho más interesante la cosa. La gente tiene mucha más conciencia de que la moda no es una tontería o una cosa frívola. El intelectual no entiende lo que es la moda. Los intelectuales piensan que la moda es frivolidad. Se dedican a descalificar una materia que ellos mismos están viviendo todos los días. Todos nos fijamos que nos ponemos y que se pone el otro también.

Entrevista a Carmen Acevedo DíazPor Sergio Urbina


Con respecto a esto: ¿qué considera usted que es el poder en términos de moda?¿El poder?, el power. Hay mucho poder en la moda y se disputa. Está en las grandes corporaciones, los grandes holdings, los grandes grupos. También hay mucho poder en los medios, y es que los medios también viven en función del poder. Dan lugar para hablar de temas importantes. Si no tuvieran de qué hablar no sobrevivirían. Es un vehículo estrecho. El periodismo, es difícil. Y el periodista de moda tiene que decir lo que piensa, eso sí: tenés que saber como lo decís.

La moda es un fenómeno cultural. ¿Cómo percibe al argentino como consumidor?Al argentino no lo veo muy interesado en la moda. Por ahí en los últimos años a la mujer y, sobre todo, a los jóvenes, que tienen una construcción de la imagen y de seguir las nuevas tendencias. Me parece que hay mucha más libertad que antes. Antes era "se usa esto, esto y esto, y nada más". De todas maneras, las mujeres argentinas no tienen ni la libertad ni el estilo que tienen las francesas que se ponen un touch, nada, pero que hace la diferencia. Es la cultura de ellas.

Sin embargo, el argentino siempre estuvo muy europeizado…Es así, culturalmente siempre mirando hacia fuera. No se juega. Siempre mirando al otro para ver cómo está.

A lo largo de toda su carrera, ¿qué ha sido lo más gratificante que le ha ofrecido trabajar en moda?A mi me encanta armar las notas periodísticas. Y una de las cosas más gratificantes ha sido preparar los especiales vinculados con ésto: antes se hacían especiales de Moda Internacional, eran bárbaros; tenían una información brutal. Me divierte levantarme y escribir, editar y hacer nuevos productos. Eso es lo más gratificante. También me gustan las fotos y enseñar, doy clases en la UADE. ¡Hacer mi programa me divierte! (Modabit). Gratificante también han sido los viajes, he viajado por el mundo gracias a la moda. Viajé a Islandia, un lugar que jamás se me hubiera ocurrido. Fue para la presentación de un perfume de Bulgari, que se hizo en un volcán, en medio de la nieve, una cosa increíble. O las presentaciones de Galliano en París. Cosas que no te olvidás nunca.

Uno en ese momento está trabajando, pero cuando parás y ves a tu alrededor…¡Es divino! Como así también poder entrevistar a algún diseñador interesante: Oscar de la Renta, por ejemplo; también estuve en la casa Hermès viendo como hacían las carteras de cuero. Siempre es grato. Hay internas en la moda, hay trabajo, pero lo que se ve, el buen diseño, lo vale.

Actualmente está con Modabit.Estoy con Modabit y estoy escribiendo un libro que se llama "El Nuevo Diseño Argentino" que es una especie de "Fashion Now" que espero salga para principios del año que viene. La editorial es Olmo Ediciones.

¿Cómo se lleva con las redes sociales?Ah, las redes. Estoy indagando ahí. Con Facebook recién arranqué y estamos con mi marido probando. A Twitter lo uso, lo que pasa es que te lleva mucho tiempo, entrar, etc. Pero es muy interesante. No lo uso para colgar la foto familiar, ni para decir adonde voy a comer, pero sí para relacionarme en cuestiones de moda, para lo profesional.

¿La revista de moda va a morir?No, me parece que no. El contacto con el papel, la gráfica, agarrar una hoja y leerla no es lo mismo que verlo en la pantalla, el tema de la imagen, lo verás divino en la computadora, pero la revista es para ver. Es como una sensación, una conexión con uno mismo.

¿Qué hace en su tiempo libre?Canto. Hace varios años que estudio. Canto andaluz, tango, arrabalero y un poco de bolero. Me encanta la astrología también. Estudié unos años. Pero Astrología en serio, no el horóscopo del diario. No siempre sale todo bien, pero la suerte se ve en las cartas. Creo en la Astrología, hay unos libros divinos. Así que disfruto con eso y también de reunirme con amigos, reuniones en casa. Cine y teatro mucho no. Tengo una perra divina que se llama Mora.

¿Algún día se cansará de la moda?No creo. Me gustan las cosas lindas. La belleza. Es interesante y creativa, la moda es artística. Como periodista, te permite jugar muchísimo y construir un estilo propio. Escribiendo de política, de economía o de información general tenés muy pocas posibilidades para formar un estilo propio. Eso es lo interesante de este tipo de materia.




Natu Arenas: "Moda es inspirarse, es jugar y dejarse llevar”.

Natu Arenas: "Moda es inspirarse, es jugar y dejarse llevar”.

e llama Natu Arenas y es la creadora del blog Comomequeda, uno de los referentes del momento a la hora de buscar ideas para saber como sacarle provecho a las prendas Sque tenemos en nuestro placard. Lo que me gusta de Natu es que tiene muy en claro lo

que quiere y hacia donde desea ir, no es una víctima de las marcas, sino que es experta en buscar esas joyas preciadas en las ferias que, además, sabe aprovechar aquellas prendas que están guardadas en el baúl de la abuela.Con un estilo bien definido y sin ataduras a los estereotipos fashion, Natu nos sorprende cada día en su blog con un look diferente que, sea o no del mismo estilo de quien lo lee, permite descubrir y tomar muchas ideas. Por eso decidí realizarle está entrevista, para que ustedes puedan saber un poco más sobre esta maravillosa persona.

MFA: - ¿Cómo sos a la hora de elegir el look del día?NA: Lo pienso un poco el día anterior y trato de recordar que tengo en el guardarropa que pueda servirle a mi idea. MFA: - ¿Qué importancia le das a los accesorios? NA: ¡Total! El accesorio te levanta un equipo como así también te lo puede tirar abajo. Muchos dicen que hay que "invertir en accesorios", no estoy de acuerdo. Creo que los mejores accesorios que se pueden conseguir son los vintage. Uso muchas pulseras todo el tiempo, pulseras de cuero, mucho metal en dorado o en plateado. Adoro hacer superposición de cadenas. ¡Se vienen las cruces! ¡Todo vale! Respecto de los aros, si bien tengo un cuello que invita a usarlos no me gustan del todo, no van con mi estilo. MFA: - ¿Pasaste por la crisis del no tengo nada que ponerme y el ropero desborda?NA: Todo el tiempo. Siempre ando pensando en nuevas adquisiciones: ¡me falta eso, me falta aquello! Por eso trato siempre de acudir a las ferias americanas, tienen todo lo que necesitás a precios mucho más bajos; son prendas que, si bien están usadas, tienen mejor calidad que algunas que compras nuevas y a un costo menor. MFA: -¿Cuáles son los colores que mas te identifican?NA: Gris, negro, blanco, rojo, nude, jean (azul índigo). MFA: - ¿Cómo define "Moda" Natu Arenas"?NA: Moda es inspirarse, es jugar y dejarse llevar. Es algo que fluye y está en permanente cambio. Pensar en moda, para mí es catártico, es arte: ¡sublime a más no poder!


MFA: -Diseñadores que te inspiran y porquéNA: Amo y seguiré amando a Vivienne Westwood porque es una mujer que te transmite calidez pero al mismo tiempo fortaleza y yo soy así. Admiro mucho la mujer que plantea algo revolucionario, ella es el caso. Coco Chanel también me inspira, mucha mujer para la época, nadó contra la corriente de los estándares de moda de la época y logró cambiar no solo la estética y las formas de la mujer, si no también su mentalidad. La mujer gracias a ella, se levanta y dice " ¡yo también!" en cuanto a derechos, a comodidad, a espacio en la sociedad. Le debemos mucho a esta gran mujer que dedicó su vida entera a esto, que no cayó jamás en las excentricidades del ambiente y siempre fue fiel a ella misma. A Alexander McQueen, lo tengo muy arriba. Me inspira porque él siempre tuvo esta relación de amor con la muerte y sus símbolos, sobre todo las calaveras. Y me siento identificada con el estilo AMQ porque te muestra una mujer fuerte y sexy, pero al mismo tiempo oscura y misteriosa. Cero femineidad rococó. MFA: -Ahora contame un día normal en tu vida.NA: Me levanto a las 8 y prendo la compu. Subo mi post a las 9 (con suerte). De 9 a 17 trabajo en lo mío. A las 17 comienzo a visitar blogs, amigos y me relajo. Mientras hago mil cosas al mismo tiempo, lavo, ordeno, pienso, escucho, busco modelos, rumeo mi próxima producción. A las 19 (la hora mágica) salimos a sacar fotos de mi look y las subimos por la noche. Como, me muero en la cama y al otro día comienza todo otra vez... ¿te cansé?

Natu también tiene una columna semanal en la web de Moda FusiónARTE en la que comparte sus looks semanales y propone consignas para que todas participen. Por eso no dejen de visitarla tanto en su blog: , como en su columna en nuestra web: .

comomequeda.blogspot.comwww.modafusionarte.com.ar


Glamour + atención personalizada

ffaire es una firma argentina orientada a una mujer actual, vanguardista y cosmopolita. El objetivo de esta marca de Aindumentaria es asesorar a las clientas de manera personalizada y

aconsejarlas para que puedan comprar en forma inteligente.¿Qué encontrarán en el showrroom? Remeras y vestidos trabajados con bordados, apliques, lentejuelas, etc. Pantalones con un corte impecable, chupines con cierres y jeans en diferentes géneros y camperas de cuero. Además, una línea importada de accesorios, pashminas, cinturones y carteras en animal print. Y la nueva colección otoño-invierno 2011, por supuesto.Affaire de Alicia Ferraro destaca los reales valores de una mujer, explota lo que realmente tiene y trata de disimular lo que no se tiene, bajo una sola premisa: "Si vos te sentís bien, la gente te va a ver divina”.

Por Karina Longo

Te invitamos a visitar su nuevo showrroom en Juan Ramírez de Velazco 942 (y Serrano) en el barrio de Palermo. Consultas al Tel/ Fax: 4854-3146 (líneas rotativas)Venta mayorista y minorista.

www.affairemoda.com.ar

A tomar medidas

La recuperación del sastre como personaje que fabrica aquellas prendas que nos distinguen y hacen únicos.

Por Sergio Urbina


odos hemos tenido alguna ocasión donde vestirnos de etiqueta ha sido la consigna. El traje es un infaltable dentro del placard de todo hombre que se jacte de ser elegante. T

Eso sí: no todos los ambos son iguales y, por supuesto, los precios no se quedan atrás. El más simple de los diseños puede oscilar en valores que van desde los $950 en Ona Saez, hasta los $2590 en algunos modelos de Christian Lacroix.Todos buscamos brillar en los eventos o cocktails a los que asistimos, por eso, y considerando los costos que demanda estar impecable, muchos hombres han apostado por regresar a las raíces: el sastre. La sastrería a medida es toda una tendencia que pisa cada vez más fuerte entre los varones que desean poseer ese toque extra que sólo un traje personalizado puede darle. Ante lo estandarizado de los diseños y los precios muchas veces difíciles de pagar, recurrir a un sastre puede ser lo ideal: cortes a medida, diseño exclusivo y el toque chic de saber que nadie más tendrá en su guardarropa lo mismo que vestimos en esa noche tan especial. Por supuesto, acudir a una sastrería no siempre resulta ser lo más acertado cuando nuestro bolsillo se ve afectado por ese valor agregado que brinda la exclusividad del diseño. Muchas veces la inspiración juega el mayor papel al momento de combinar las prendas para resaltar nuestra individualidad, así sea fusionando diseños de marcas reconocidas.De todas maneras, la deliciosa posibilidad de acceder a trajes creados por expertos sólo para nosotros, es un mimo que nuestro guardarropa sabrá agradecer.

Belleza

Maybelline New York presentó la tercera edición de su calendario, el cual es distribuido entre personalidades y referentes de la moda y la belleza. El tema de este año es muy New York y el color y el juego están presentes en cada mes del 2011.El calendario acerca el maquillaje y lo ofrece, en situaciones lúdicas, y de gran cercanía a todas las mujeres. Se destacan en él las Embajadoras de Maybelline en el mundo (Erin Wasson, Emily DiDonato, Kemp Muhl, Julia Stegner, Jessica White, Lisalla Montenegro y Shu-Pei Qin), que se muestran en situaciones de la vida cotidiana, reflejando a una mujer actual, segura, moderna, activa, dinámica y seguidora de las últimas tendencias.

Para su realización la marca convocó a un gran equipo de trabajo en el cual se destacaron: Kenneth Wilardt, uno de los más prestigiosos fotógrafos del momento, el diseñador Michael Angel y el estilista Stéphane Lancien.

Charlotte Willer, la make up artist internacional de la marca, expresó: "Es un honor ser parte de este asombroso equipo, este proyecto es la asignación más apasionante de mi carrera. Amo lo que hago y el Calendario Maybelline me hace recordar cuanto amo ser la make up artist de esta marca que es un icono".

Calendario Maybelline: ¡por un 2011 a puro Glamour!Por Alexandra Muraco


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Inauguración de FULL MASSAGES Por Gabriela Magliarella y Karina Magliarella

l lunes 3 de enero se inauguró en el barrio de Congreso (Moreno 1954 PB: "D") un nuevo centro de masajes y kinesiología: FULL MASSAGES. EAllí nos recibieron sus flamantes dueños y terapeutas, Edgardo Leyes,

Gustavo Gribaudo y Raquel Rueda, para disfrutar de la fiesta de inauguración, previo tour por las instalaciones. Nos encontramos con un acogedor lugar equipado con aparatología de kinesiología y sitios para masajes relax, descontracturantes, terapéuticos y de reiki, entre otros. El centro ofrece, además, un servicio innovador, consistente en una terapia de desintoxicación iónica para eliminar las impurezas del cuerpo, junto a tratamientos modeladores corporales, de peeling, de dermopulido y un atractivo spa facial.Como parte de la velada inaugural también nos brindaron una breve demostración de técnicas de masajes, las cuales les mostramos en esta nota.


¡Hola chicas!: Hace mucho que miraba por internet los esmaltes con efecto mate porque tienen efectos deslustrados con los que las uñas lucen modernas y diferenciadas.La empresa Impala Trouxe para Argentina posee estos esmaltes. Inspirados en el mundo del lujo y el glamour, los colores de la colección Impala efecto mate siguen la tendencia actual de los consumidores en Europa y los Estados Unidos. Pero lo más destacado va más allá de su color, ya que tienen un proceso de secado mucho más rápido que la mayoría que, además, garantiza su durabilidad.Para quien se cansó de los brillos esta es una muy buena opción Pros: el secado es muy rápido.Contra: si te gustan los esmaltes con brillos es mejor no utilizar el mate.

Recomendados de Kathy Stryzak:

Beauty News


Pieles Grasas y MixtasINNOVA Ultra mate de Tsu Cosméticos: Tratamiento con complejo anti brillo y activos hidratantes no grasos que regula el nivel de sebo en la piel, reduciendo inmediatamente el brillo del cutis y equilibrando la piel para que se vea suave y tersa.

Pestañas con Mayor Volumen

Volume Millions Lashes de Lóreal París, es una n u e v a m á s c a r a d e pestañas que redefine el volumen sin sobrecargar las pestañas, ya que p o s e e u n c e p i l l o m i l l o n i z a d o r p a r a multiplicar y definir las pestañas y un dosificador que p roporc iona la can t idad exac ta de producto evitando la formación de grumos.

Bocas Brillantes

Rubios de Mi PaísInspirado en el espíritu del Bicentenario Nutrisse presenta su nueva colección de rubios que invita a las mujeres a brillar con su cabello como el sol de nuestra bandera, luciendolo nutrido, luminoso y duradero.

Gwen Stefani, líder del grupo No Doubt, considerada un ícono de la moda, es la nueva embajadora de

Lóreal París

Maybelline N.Y presenta Shine Sensational un brillo labial saborizado que otorga un brillo impactante y viene en 18 sabores enriquecidos con néctar de frutas.

unque creas que nadie sabe cuidar su piel como vos, seguramente, alguno de éstos mitos se han metido en tu botiquín y es hora de derribarlos.A

La vida se nos ha puesto difícil en lo que refiere a cuidados estéticos: ya no es suficiente ostentar un buen par de músculos bien marcados. Ahora se nos suma un batallón de actividades que incluyen, entre otras, el cuidado del cabello, humectar la piel, tener las uñas impecables y saber elegir fragancias que nos distingan.Ahora bien, ¿estás seguro que todos los rituales que has incorporado a tu rutina de cuidado estético son los correctos? En ésta nota, te contaremos los nueve mitos que deberás derribar para tener el aspecto de galán de cine que tanto esperas lograr:

1. No hay que usar productos de hidratación cuando tenés piel grasa. Todo lo contrario, no hidratarla puede producir aún mas sebo. Lo ideal es que uses geles o cremas oil free. Así, vas a evitar los brillos en tu rostro, además de tener la piel hidratada.

2. Basta usar agua para lavarte la cara. Un gel de limpieza es tu aliado ideal para eliminar todas las impurezas que se acumulan a lo largo del día.

3. Como siempre "menos es más": abusar de los productos puede producir la saturación de tu piel. Utilizá lo justo y necesario. Una pequeña cantidad en la palma de tu mano, del tamaño de una almendra, sirve para distribuir por todo tu rostro.

4. Además, cuando apliques tu crema habitual, hacelo con movimientos suaves y circulares. De esa manera, lograrás que penetre mejor y relajarás el área de aplicación.

5. ¿Crema para contorno de ojos? Aunque muchos creen que no lograrán óptimos resultados de esta manera, aplicala en el área del hueso, no cerca de las pestañas. Esto evita la posible irritación de tus ojos.

6. Siempre tené a mano un protector solar, la crema hidratante no funciona como protección contra los rayos UV.

7. ¿Las cremas de protección solar producen granos? No, si utilizás las libres de aceites.

8. Si lo que buscás es adelgazar, nunca saltees una comida. Todo lo contrario, respetá cada una de ellas. Al saltearlas, el cuerpo acumula grasas por miedo a no tener energía de reserva.

9. Por último, un mito que está incrustado en la mente de la mayoría: el chocolate provoca acné. Es falso, de hecho, consumir chocolate puro puede mejorar tu piel.


Nueve Mitos del Cuidado MasculinoPor Sergio Urbina


esde el 3 de noviembre y hasta el 6 de marzo del 2011 se estará presentando, en el Design Museum de Londres, una muestra que reúne ilustraciones de moda de Dgrandes diseñadores internacionales. La exhibición está integrada por las piezas de

una colección única en el mundo que reúne las más importantes ilustraciones de moda del siglo XX y XXI. Los dibujos no solo reflejan el espíritu y el estilo de cada una de las décadas a las que pertenecen, sino que además, evocan la elegancia y el glamour que desde siempre se asoció al mundo de la alta costura. Joelle Chariau, una de las mayores expertas en dibujos de moda, es la dueña de esta colección que armó a lo largo de 30 años y nos explica que: “esta es una selección de mis trabajos favoritos”.Los enormes paneles rectos y curvos, blancos y levemente iluminados desde su interior, trazan un sinuoso recorrido por la enorme sala y sostienen las piezas enmarcadas como si fueran (y obviamente lo son) verdaderas obra de arte. Las ilustraciones de las colecciones de Chanel, Dior, Comme des Garçcons, Poiret, Lacroix, McQueen y Viktor & Rolf, unen dos pasiones: el dibujo y la moda; y muestran como cambió la percepción y la función del dibujo de moda desde sus orígenes hasta nuestros días. Usado en un principio como herramienta publicitaria, el avance de la fotografía obligó al dibujo a transformarse en la representación más pura y única de las colecciones de los principales diseñadores del mundo. Las obras expuestas transcurren a través del Art Noveau, el Art Decó y el Pop Art, llegando hasta nuestros días. Su curador, el historiador de moda y escritor Colin McDowell, remarcó la carrera y calidad artística de grandes ilustradores como: Lepape, a comienzos del siglo XX; Gruau, en los 40 y 50; Antonio, a través de las décadas del 60, 70 y 80 y los contemporáneos, Aurore de la Morinerie, Mats Gustafson y Francois Berthoud.Raras tapas de revistas y proyecciones completan el contexto mostrando los cambios sociales y culturales de ambos siglos y revelando un poco más del trabajo de cada uno de los artistas. Desde uno de los videos Mats Gustafson nos dice: “cuando comencé era muy receptivo a cada pequeño cambio en la moda, mis antenas estaban muy ocupadas. Ahora estoy más interesado en otros aspectos, no tanto en lo transitivo (hoy es todo muy rápido para mí); prefiero lo duradero y crear algo que se pueda volver a mirar mucho tiempo después”. “Es contradictorio cuando uno trabaja con la moda, porque cambia todo el tiempo, yo trato de hacer algo perdurable en todo lo que hago”. “Uno debe enamorarse de todos sus trabajos, encontrando la perspectiva más interesante y la belleza en todo lo que uno realice”.Francoise Berthoud, otro de los diseñadores contemporáneos entrevistados en la inauguración relata: “me mudé a Milán a principios de los años 80, momento en que había mucha demanda para comunicar y representar la moda. En ese momento, una nueva marca, Moschino, presentaba sus primeras colecciones con modelos muy altas, ataviadas con sombreros de cowboys y anteojos marca Ray Ban; yo tuve que realizar algunas páginas para ese desfile, esa fue mi primer tarea en la ciudad”. “Hoy elijo ilustrar los diseños de Gareth Pugh porque me gusta mucho su trabajo, encuentro muy ópticos los estampados de sus colecciones y una identidad propia en cada uno de sus trabajos: la repetición no es buena en este campo”.

Si tienen la posibilidad de viajar no se pierdan esta maravillosa muestra. Si no, la pueden disfrutar en: www.designmuseum.org/exhibitions/2010/2010-drawing-fashion

"Drawing Fashion”Por Andrea Castro

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esde que el hombre ha dejado huella de su existencia, ya sea de forma oral, visual o escrita, toda la historia ha sido una larga narrativa artística.D

En este mundo actual y agitado, de avanzada y con prisa tecnológica existen miles de herramientas que se han ocupado de relatar la vida moderna al mismo ritmo del paso de los años, pero las dos artes que de la mano nos han dado maravillosamente el relato más acabado y exacto de la historia, son la fotografía y la literatura, en todas sus manifestaciones.En los días que corren, debemos aprovechar al máximo el poder narrativo de la fotografía para contar una historia o vivir un sueño mágico de emociones indescriptibles, que nos transporten a lugares inimaginables pero existentes por la bondad de la madre tierra. Aunque, bien sabemos, que contar una historia con imágenes requiere de algo más que la habilidad de un buen fotógrafo. Una foto impactante que desarrolle una historia, sólo puede ser tomada por una persona que sienta pasión por lo que hace y que, además de ser técnicamente hábil, sepa entender las emociones y conceptos que hay detrás de lo que está captando.Hoy les presentamos a ALEJANDRO DÍAZ HERNANDEZ, un abogado de profesión pero un fotógrafo de corazón que en cada una de sus obras de arte visual nos permite ser partícipes de esa dinámica, de esa pasión y de esa entrega con la que, cada vez que captura una imagen, nos confirma que la fotografía como arte está cimentada sobre un conjunto de valores. Alejandro nos permite encontrar y vivir esas emociones que tocan nuestro corazón con la naturalidad propia y maravillosa de la vida misma y de todo lo que en ella existe.Hoy, Alejandro tiene la bondad de entregarnos una colección especial de fotografías de amaneceres y puestas de sol, junto a otras más de una isla que ha sido catalogada, por sus playas exóticas y su mar azul y cristalino, como un absoluto paraíso: "Lanzarote", una de las Islas Canarias fue declarada por la Unesco, desde el 7 de octubre de 1993 como Reserva de la Biósfera. Este paraíso posee ecosistemas representativos que le permiten un óptimo desarrollo económico sostenido y un uso excelente de su territorio, siendo este compatible con la conservación de los recursos naturales.Damos así la bienvenida a este banquete visual. Denle rienda suelta a su imaginación y permítanle a sus sentidos volar a través de estas imágenes, así confirmarán que no hay distancias, ni límites, ni barreras que les impidan conocer, vivir, y transportarse a lugares que, aunque lejanos, están a nuestro alcance para hacernos entender una vez más la majestuosidad del planeta que tenemos por hogar.

"El arte fotográfico es “contemplación": es el placer de un espíritu que penetra la naturaleza y descubre que también ésta tiene un alma, es la más sublime misión del hombre, puesto que es el ejercicio del pensamiento que

trata de comprender el universo y de hacerlo comprender a su vez."


Alejandro Díaz Hernández: “ Artífice de Ilusiones”Por Sandra Queens


lguien dijo alguna vez que cuando la gente común te empieza a llamar por el nombre de pila, sin necesidad de aclarar con más datos quién sos, quiere decir que ya alcanzaste la fama. Pasa con Mirtha, pasa con Susana y Aobviamente pasa con Marta. Pero el tema es que Marta es una artista plástica y como tal, pareciera que se le

tiene prohibido ser conocida y mediática, como si eso desvalorizara su obra o la colocara en un lugar inadecuado. Minujín es mucho menos mediática y mucho más artista de pura raza de lo que la gente cree; si les parece que caí bajo su embrujo dense una vuelta por la excelente muestra retrospectiva que hasta el mes de febrero exhibe el Malba. Obviamente la inauguración fue una de las más multitudinarias que me tocó vivir este año en el museo, con gente haciendo cola para entrar, algunos famosos, un Eduardo Costantini que se quedó casi hasta el final y una Marta ataviada con un impresionante vestido rojo de Min Agostini pululando y disfrutando mesuradamente: si señores, aunque parezca mentira. A pesar de lo levemente estrafalario del atuendo, detrás de sus anteojos negros, llegué a adivinar el rostro de una mujer visiblemente emocionada, que no se puso en estrella y que no improvisó ninguna alocada performance, ni discurso porque no lo necesitaba: la potencia de su obra, que ocupa más de la mitad del museo, lo dice todo. El evento comenzó a eso de las seis de la tarde con la breve conferencia de prensa que brindaron en el auditorio la curadora de la exhibición, una muy joven Victoria Noorthoorn, y la propia Minujín. Aún más emocionada que la artista, Victoria se deshizo en agradecimientos para todos los que colaboraron con este titánico trabajo, que llevó meses de preparación e incluyó el análisis y el rescate de un cuantioso material de archivo, la reconstrucción completa de varias obras y un diseño de montaje muy complicado realizado por Gustavo Vázquez Ocampo, quien dijo que “armar esta muestra no convencional significó un enorme desafío para mí y para todo el personal del Malba”. Si bien Marta hace más de 40 años que produce obra, esta exhibición se centra en las décadas del 60, 70 y 80, mostrando 30 años ininterrumpidos de producción de avanzada y de vanguardia. Según Noorthoorn la muestra se pudo montar, en su mayor parte, gracias al meticuloso y ordenado archivo de la artista, que cuenta con cientos de metros de película y varios miles de fotos: “este montaje es un ejemplo de lo que se puede hacer gracias a un archivo bien conservado, todos los artistas y gobiernos deberían proteger sus archivos artísticos y culturales”. La exhibición comienza con dos magníficas pinturas al óleo, que a un despistado le parecerían de otro artista, enfrentadas a una pared repleta de trabajos de estética informalista que datan de finales de los años cincuenta: “cuando me empezaron a decir que mis pinturas eran excelentes me di cuenta que yo no quería eso para mi carrera, yo quería ser de vanguardia, asique a muchas de ellas las destruí y gracias a Alberto Greco pasé a “la cosa” que ocupa el espacio y significa más allá del entendimiento”. Cuando Marta se sumerge primero en cajas de cartón y luego en colchones, la muestra se abre a un enorme y colorido espacio repleto de multicolores y mullidas formas acolchadas, muchas de las cuales creó en París: en el año 1962 vivía allí en una pensión sin gas ni agua corriente y pasaba sus días recolectando viejos colchones de hospital. A un costado, la reconstrucción de la Soft Gallery invita a grandes y a chicos a saltar y revolcarse en su interior: “los colchones invitan a usar la obra de arte, esta retrospectiva es para vivirla, que vengan a mirar las vitrinas solo los historiadores, nadie más”, aconseja la artista. Las vitrinas, a las que alude Minujín, están repletas de fotos, hojas que describen de manera sistemática procesos creativos e ideas que surgen en su cabeza (tipeadas con máquina de escribir) y cientos de bocetos y dibujos que demuestran el grado de compromiso y de trabajo que tuvo la artista con su obra a lo largo de los años. El resto de la enorme sala del segundo piso del Malba está dedicado a varios ejes temáticos que hacen foco en sus happenings: imperdible la reconstrucción de La Menesunda; su trabajo sobre los medios de comunicación, con un semi restaurado Minuphone; los años hippies, uno de los sectores más logrados con paredes tapizadas de páginas de revistas de la época y la exhibición de las prendas que Marta customizaba y usaba en esos años; y sus performances, en las que se rescata el trabajo de una artista que anticipándose al clima que iba a instaurar la dictadura militar creo Kidnappening (una combinación ficcional de secuestro y happening). La cantidad de material y referencias escritas, sonoras y visuales agota, más aún cuando a la salida de la sala un cartelito indica que la muestra continúa con las esculturas facetadas de la terraza y las obras de la sala tres del primer piso. Allí se refugian los trabajos de temática latinoamericana (realizados en plena dictadura) y de participación masiva, entre los que se destacan el Obelisco acostado y El Partenón de libros.

Simplemente MartaPor Andrea Castro

Hasta el 7 de Febrero de 2011Malba: Avenida Figueroa Alcorta 3415Entrada General: $22 (miércoles $10,00)Www.malba.org.ar

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Recorriendo esta enorme retrospectiva detenidamente y reflexionando sobre la profunda base creativa con la que trabajaron los que le dieron vida no queda otra que reconocer que Marta es muchísimo más que una artista pop, ella misma lo reafirma al decirnos a los periodistas, casi como pidiendo disculpas: “la fama te da poder, a veces para salvarte, como en la dictadura, y siempre para gestionarte a vos mismo; para poder seguir trabajando, en realidad”. Como si hiciera falta algo más, Victoria Noorthoorn remata: “Marta tiene una capacidad de autogestión envidiable, ella logró hacer todo lo que soñó porque insistió una y mil veces y tuvo la capacidad de reinventarse, cuestionando su propia producción, criticándola severamente y hasta destruyéndola para volver a rearmarla y mejorarla”. No es común ver en una inauguración a personas más preocupadas por leer los textos que acompañan a las obras, que por tomar la infaltable copa de champagne. Tampoco es común verlas jugando, charlando despreocupadamente con la pareja que está metida en la cama de La Menesunda o acostada en el piso psicodélico de Importación-Exportación para sacarse fotos bien cerca de las grandes flores y perfiles de colores fluorescentes. Desde el 26 de noviembre el Malba vive una fiesta que promete prolongarse hasta el 7 de febrero del 2011. “Cuando la gente queda descolocada crece”, afirma Marta. Yo agregaría: cuando aprende jugando también.


uando se tiene la fortuna de habitar un planeta con tanta riqueza como el nuestro, se nos hace necesario utilizar todas aquellas herramientas que la vida misma nos provee y que son Cmás prácticas si hacemos buen uso de la creatividad.

Si bien, crear significa darle vida y forma a nuevas ideas para luego desarrollarlas y ponerlas en valor: ¿por qué no hacer florecer y aprovechar nuestra propia creatividad para transformar nuestras organizaciones y nuestra sociedad en semilleros de nuevas alternativas? El Hombre, en su afán por satisfacer necesidades de la época actual en que vive, necesita de herramientas flexibles que le permitan reorientar y redefinir sus objetivos constantemente, buscando la satisfacción plena a través de la actividad de excelencia y la comunicación asertiva. Sólo aquello que nos entusiasma mueve nuestra disposición creativa: nuestra disposición natural a experimentar para resolver problemas de maneras novedosas, con autonomía, libertad de criterio e intuición poderosa, para darle sentido a nuestras acciones y enriquecer permanentemente nuestra concepción del mundo. No se sabe de alguien que haya resuelto una inquietud artística o de otra naturaleza, sin que estuviera 'atrapado' con anterioridad por el tema en cuestión.

Si bien son varios los factores involucrados en la determinación de lo creativo, el inicio, la gesta creativa, como un acto personal, requiere de tres elementos o procesos detonadores que son: a) rompimiento, b) proyección y c) certeza. Estos procesos facilitan el surgimiento de la creatividad, no la garantizan, aunque ciertamente, sin ellos, la probabilidad de éxito se reduce a una medida cercana a cero.

Rompimiento: se refiere al rompimiento de reglas, un acto creativo requiere romper una norma. Quizás por ello, los grandes creadores han sido seres marginales o asincrónicos. Seres que usaron productivamente su ser diferente. Si bien la asociación es el proceso más usado dentro del desarrollo de la creatividad, el desasociar es quizás un proceso tan importante como el asociar. Desasociar, es entonces, una herramienta en el desarrollo de la creatividad y un proceso probablemente inherente a ella.

Proyección: el creativo, puede ver, sentir, o escuchar su objeto en su etapa de gestación, puede flexibilizar estos enfoques, ver el proceso de desarrollo de lo que todavía no es. La creatividad como acto humano es un proceso cognitivo, es una muestra sublime del procesamiento humano de la información. Proyectar es imaginar. La imaginación es el proceso más relacionado con la creatividad; en esta proyección el creativo ve su obra, juega con ella, descubre observando.

Certeza: quien crea, tiene certeza de éxito respecto de su creación. Confía en la realización del producto y sabe centrarse productivamente en el aprendizaje. Esto significa focalizar la atención en las experiencias de éxito al momento de realizar un producto o acto con proyección a ser creativo. Cuando ocurren errores, el creativo los considera como experiencias de aprendizaje para mejorar, lo cual significa una disposición cognitiva - afectiva. Cognitiva porque es una manera de pensar, afectiva porque también es una manera de reaccionar emocionalmente. En el fondo es difícil separar las emociones de las cogniciones, lo absolutamente cognitivo y lo absolutamente fisiológico-emocional. Cada pensamiento está lleno de fisiología, cada respuesta fisiológica está llena de cognición. El momento creativo requiere de una disposición cognitivo - afectiva favorable. Requiere de condiciones mínimas de excitación.


La capacidad creativa... Un pasaporte al éxito.Descubre el código secreto Por Sandra Queens

Estudios de personalidad muestran que quienes han logrado creaciones significativas tienen valores: "teóricos", interés por la verdad; "económicos", interés de las cosas en virtud de su utilidad;" estéticos", búsqueda del equilibrio y la armonía; "sociales", amor altruista; "políticos", poder del conocimiento; "religiosos", creencia en el ser trascendente.

Si la creatividad consiste en cambiar un campo particular, la creatividad personal consiste en cambiar el campo de la vida personal. Si no aprendes a ser creativo en tu vida personal, las probabilidades de contribuir a la cultura bajan a un ritmo acelerado. Y lo que realmente importa, en última instancia, no es si tu nombre ha quedado unido a un descubrimiento reconocido, sino si has vivido una vida plena y creativa. La creatividad es una condición necesaria para el crecimiento de un país, para el desarrollo de la humanidad, para la calidad de lo humano. La creatividad es a la humanidad lo que la evolución a todas las especies. Seremos más humanos entre más creativos seamos. Las acciones deben iniciarse en la vida diaria, en el rompimiento de las reglas cotidianas, en la imaginación de todos los días, y en la certeza de éxito cotidiano.Como podemos darnos cuenta, la creatividad esta presente en todos los aspectos de nuestra vida. Contrariamente a lo que muchos piensan, cuando creen que está directamente relacionada con la inteligencia, estudios científicos han demostrado que todos los seres humanos somos poseedores de ella, independientemente del coeficiente intelectual que poseamos. Lo que hace la diferencia es la forma en que utilizamos esta virtud y como la desarrollamos a medida que generamos ideas que se convierten en soluciones eficaces para todas las actividades de la vida cotidiana.Los grandes artistas, pintores, escultores, diseñadores y demás son personas del común que descubrieron el código secreto de la creatividad, la moldearon, la educaron y la preservaron para alcanzar el éxito en todo lo que hacen. Quien crea no pregunta sino que aplica y disfruta de lo que hace, date la oportunidad de marcar tu territorio, las herramientas están a tu alcance, recuerda que el ser creativo produce originalidad y esto no consiste en hacer o decir cosas nuevas sino en hacerlas o decirlas como si nadie las hubiera dicho o hecho antes.

La vida no debe ser un viaje hacia la tumba sin la búsqueda de un sentido personal que nos permita honrarla.

Honrarla puede significar realizar (hacer real) un vida-obra creadora que nos trascienda y que brinde a nuestros semejantes, a su vez, la apertura hacia nuevos

sentidos y realizaciones.



l taller de la escultora María Boneo está ubicado en el barrio de Palermo, es luminoso y ordenado. Cuando llego, María me recibe con una sonrisa y me invita a recorrer sus espacios, los mismos que Eutiliza para dar vida a sus obras. Lo primero que veo es un patio interno repleto de grandes cajas de

madera, de esas que viajan en barco o en avión, y gigantescos trozos de mármol que todavía esconden formas en su interior. El ambiente contiguo está cubierto por un manto de polvillo blanco y exhibe una obra en proceso, rodeada por amoladoras, discos de corte, cinceles y martillos neumáticos. De entrada, María rompe el hechizo, dejando bien en claro que este es un trabajo que requiere del apoyo de maquinaria pesada y de fuerte musculatura humana. Mientras la imagen bucólica de una solitaria Lola Mora luchando contra toneladas de mármol, se hace añicos en mi cabeza, María me cuenta que ya en el siglo XIX los escultores contaban con varios ayudantes: “en la actualidad se conforman equipos de trabajo, sin los cuales sería imposible llevar a cabo las obras. Se trabaja con pasadores que, por ejemplo, pasan el boceto a punto; fundiciones, que manejan los trabajos realizados en metal; y artistas colaboradores que se encuentran debidamente asegurados. Uno no puede estar solo cuando trabaja una pesadísima pieza de mármol o maneja herramientas de riesgo, siempre debe haber alguien que pueda auxiliarlo”. Gran parte de mi charla con María se desarrolla en otra de las habitaciones, que luce repleta de bocetos y herramientas: “si yo paso por una ferretería me meto sí o sí a ver que hay, prefiero una ferretería a un local de lencería; debe ser porque mi abuelo tenía una y yo conviví con sus productos desde chiquita”, me comenta risueña y continúa, “todo lo que ves acá se utiliza para el trabajo a mano, que todavía sigue siendo mucho, tanto en golpes como en el lijado. Te doy un ejemplo: lijar una obra con esponjas abrasivas lleva el doble de tiempo que hacerla”. Además de un abuelo ferretero, María tiene un “tataraalgo” (sic) que también fue artista plástico (se pueden ver obras de Martín León Boneo en el Museo Nacional de Bellas Artes y en el Histórico Nacional) y una padre diplomático que, al igual que su mamá, también fue escritor. Boneo comenzó con la escultura a los 15 años pero talla desde hace 10, gracias a su maestra Beatriz Soto García (a quien adora y con la cual continúa trabajando) y a un curso intensivo de dos meses que tomó, nada más y nada menos, que en Carrara, Italia. Aunque también trabaja la madera y el alabastro, el mármol es su gran amor: “es un material muy místico e inalcanzable en todo sentido, aunque aguanta bien el trabajo con máquinas también es muy frágil, un mal golpe puede partir y arruinar definitivamente una pieza. Yo empecé a formarme en talla, como todos los escultores, con el alabastro, que es de la familia del mármol pero mucho más poroso, arenoso y blando, y se trabaja a mano o con máquinas muy suaves. De allí pasé al mármol, en general uso carrara, rosa de Portugal, gris bardiglio y negro belga, y a la madera”. Leo Vinci y Jorge Gamarra la introdujeron en la talla en madera, material al cual define como “ameno, más cálido y menos caprichoso que el mármol” y que talla en forma directa, sin seguir la veta y, por ahora, sin terminaciones que cambien su condición natural: “hoy trabajo con materiales nobles y en estado puro”. El trabajar con palo de rosa o con el perfumado palo santo le resulta muy gratificante, a pesar de que una astilla la obligó a someterse a una cirugía en uno de sus ojos y un “bichito” (sic), que vive en el interior de los troncos, se instaló en su sangre y le recuerda su presencia, desencadenando una fuerte alergia cada tanto. Son gajes del oficio que suelen ocurrir a pesar de todas las precauciones que toma María cuando trabaja: “cuando tallo quedo cubierta de polvo de pies a cabeza, por eso en las fotos me vas a ver con antiparras, barbijo, orejeras y con el pelo y el cuerpo enteramente cubiertos”. Una vez más la imagen de la artista ataviada con un delantal y una simpática boina, cincel en mano, se desmorona en mi cerebro en el mismo instante en que miró las manos de María y pienso que lucen impecables y poderosas a su vez. Inmediatamente me doy cuenta que me estoy olvidando del modelado, otra técnica que utilizan los escultores, y le pregunto sobre él. “A veces modelo en arcilla para luego pasar a yeso y, si me gusta mucho el resultado, mandar a fundir la obra. Pero, para serte sincera me aburre y me cansa, la talla es mucho más pasional. En general el modelado lo uso para bocetar, cosa que a veces hago directamente en yeso, porque me ayuda con esa búsqueda de lo femenino, lo sensual, lo cóncavo y lo convexo que se desarrolla actualmente en mi obra. La etapa de la talla directa sobre la piedra para ver que sale ya la pasé, es una técnica muy espontánea y creativa pero mi filosofía de trabajo pasa por otro lado”.

Las diosas de María Entrevista a María Boneo

Por Andrea Castro

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Justamente en la filosofía, en la mitología clásica y en ese añorado pasado ancestral en el cual las mujeres fueron líderes de sociedades matriarcales y diosas con vos y voto, se esconde toda la potencia significativa de las bellas figuras femeninas que María insiste en parir artísticamente una y otra vez. “Hoy, lo masculino está en la fuerza de las herramientas que utilizo, hoy mi obra y sus detalles son enteramente femeninos. La mujer es más sensual, si tuviera que fraccionar una figura masculina no rescataría mucho, el hombre es muy obvio”, me comenta entre risas. En el imaginario creativo de María se funde y se entremezcla el clasicismo greco-romano con la vanguardia de grandes como Umberto Boccioni, Alexander Archipenko, Henry Moore y Eduardo Chillida, para generar una obra que conjuga en un resultado perfecto lo figurativo con lo abstracto. Un lunes Beatriz Soto García le dijo en el taller que debía tratar de unir a sus mujeres, porque todas le pertenecían. Así fue como nacieron las series “Vestales” y “Corpus” y el formato pequeño e intimista se comenzó a enfrentar con el monumental y público: “si bien no hay actualmente un conflicto en mi obra, si hay una crisis placentera y necesaria para que pueda cambiar de etapa. Estoy empezando a pensar a mis mujeres unidas y en versión más grande”. El 2010 fue un buen año para María, además de la muestra que le dedicó el Museo Nacional de Arte Decorativo, donde exhibió 42 obras, expuso en Mónaco, en Londres y en París, y vendió varias piezas. “No es fácil vender una escultura por el espacio que ocupa, un cuadro es más sencillo, se cuelga y listo. Uno debe pensar también, al momento de la cotización, de qué manera va a envejecer su obra en el tiempo, si va a perdurar conceptualmente. No es lo mismo que tu obra sea vieja a que sea antigua, hoy Raúl Soldi y Antonio Berni envejecen de una manera diferente en el mercado del arte”. El 2011 llegará a la vida de esta extraordinaria mujer con planes para participar de arteBA y de la Feria de San Pablo, y para cumplir un sueño pendiente: llevar a sus diosas al Museo de Bellas Artes de Beijín en China.

Para saber más: www.mariaboneo.com.ar


Las salas de Proa estuvieron en penumbras. Sus guías se cansaron de repetir a los visitantes que esto se debía a la conservación de las piezas que integraron la muestra: una razón muy válida si tenemos en cuenta que la mayoría de ellas eran textiles del siglo XIX. Este requerimiento de preservación, se transformó, gracias al excelente diseño expositivo de Luis Fernando Benedit, en la clave para crear un contexto perfecto e ideal, en el cual resonaron demasiadas ausencias. Porque, si la presencia de piezas fue abrumadora, la casi total inexistencia de los hombres y mujeres que les dieron vida fue brutal. Ya desde la primera sala uno no podía más que sentirse dentro de un paraíso perdido, donde todo nos era ajeno pero, a la vez, cercano. Las acertadas proyecciones, las instalaciones, que incluyeron metafóricos maniquíes negros, y la disposición de las originales vitrinas, lograron acercarnos a la cultura de las Pampas, de una manera nueva y muy diferente a la que tradicionalmente utilizan los museos etnográficos. Las Pampas: Arte y Cultura en el Siglo XIX, fue una exhibición para vivenciar y conocer en profundidad, no solo el inmenso legado artístico y cultural de nuestros pueblos originarios sino, también, la estructura política, económica y social de quienes fueron los verdaderos dueños de estas tierras. Parece una obviedad, pero la revalorización y difusión del legado de nuestras culturas originarias, generalmente opacado por la magnificencia de los grandes imperios americanos o fríamente analizado desde la perspectiva del hombre blanco que las diezmó, es mucho más que justa y necesaria. El primer espacio estuvo dedicado a las mujeres de los caciques, cuyos sosías poblaron la sala luciendo sus mejores galas. Ataviados con el tradicional quetpám (paño cuadrangular a moda de vestido) y cubiertos con la iculla (tejido que cubre los hombros), ostentaban, sobre el fondo renegrido de ambos tejidos, toda la belleza de su segundo ropaje: sus joyas o “prendas” de plata. Tocados, aros, gargantillas, collares, pinches y pectorales conformaban por aquel tiempo símbolos que daban cuenta del poder económico y del capital político de cada cacique. Pero también, transformaban a las mujeres en un instrumento sonoro, aumentando su belleza y fuerza seductora, sobre todo cuando se mecían sobre los caballos. A pesar de que las descripciones de los viajeros hablan de las interminables procesiones de las que participaban las mujeres de cada uno de los caciques, no debemos pensar en ellas como personas dignas de una posición privilegiada ya que, al igual que las cautivas y los niños, constituían la principal fuerza de trabajo. Ellas eran las constructoras y la base de la comunidad, tejían, cuidaban el ganado, armaban los toldos y hasta construían arados, entre otras numerosas tareas. Justamente, fue la segunda sala la encargada de mostrarnos la vida cotidiana y política de estos pueblos, a través de sus objetos de uso diario entre los que se destacaron los juguetes de los niños, los magníficos mantos tehuelches, las palas de telar hechas con costillas de ballena y las ubres y testículos del ganado bovino, utilizados para acarrear agua. El centro del espacio, dominado por un círculo de ponchos, emulaba el modo en el que se organizaban las asambleas y parlamentos y daba escalofríos no solo por la belleza de las prendas, sino también por la energía que lograban desprender sus falsas almas allí reunidas. Empalmando con el siguiente espacio se comenzaba a desarrollar aquí el tema de la platería ecuestre: el adorno de sus caballos era, para el cacique, tan importante como el de sus mujeres. Es muy interesante la comparación que los curadores realizaron entre las estilizaciones del pehuén (araucaria) y del búho, que podían observarse en algunas piezas, y las abstracciones naturalistas del estilo Art Decó.


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La herencia olvidadaPor Andrea Castro

Las Pampas: Arte y Cultura en el Siglo XIX


La sala tres fue propiedad del caballo, ese animal extranjero que se hizo inseparable de sus nuevos amos y les permitió el desarrollo del comercio con el mundo criollo y, a la vez, la ostentación de un nuevo poder en la guerra. Sus cabezas enjoyadas nos miraron desde las paredes reafirmando las palabras de Lucio V. Mansilla: “el caballo indio es único (…) creemos que las extraordinarias características del animal se debieron, en gran medida, al especial respeto que por él sentía el indio. Era antes que nada su amigo”. La última sala nos sorprendió con una ondulante sucesión de ponchos, frente a la cual, serpenteaban en el aire las fajas mapuches. El poncho, ese permanente y fiel acompañante en la inmensidad de las pampas, fue una prenda masculina tejida por una mano femenina. Los ponchos pampeanos, araucanos, pehuenches y ranqueles exhibieron orgullosamente sus eternos colores y sus magníficos diseños, ganándole la partida a los austeros y tristes tejidos industriales ingleses. Resguardados tras un vidrio e impecables a pesar del paso del tiempo, se expusieron también el poncho que le regalaron al General San Martín durante el cruce de los Andes, el que perteneció al cacique Calfucurá y el que Mariano Rosas le regalara a Lucio Mansilla, su propio poncho, el tejido por su mujer principal: “entre los indios un gaje de amor; como el anillo nupcial entre los cristianos”. Las Pampas fue una muestra que emocionó a sus visitantes por el alto grado de simbolismo que demostró su montaje, por las sensaciones encontradas que provocó tanto en ellos como en el personal del museo (una de las guías me confió que se sentía especialmente perturbada cuando caía la tarde y los caciques reunidos en el Parlamento de la segunda sala parecían cobrar vida a la luz de los últimos rayos del sol) y por la labor de coleccionismo de algunos de nuestros artistas plásticos que puso en evidencia: fue notable la cantidad y calidad de las piezas cedidas por la Fundación García Uriburu.

Para ver las imágenes y los textos de la muestra: www.proa.org

n el marco del lanzamiento de su perfume The Secret, el reconocido actor español Antonio Banderas nos deslumbró con una muestra fotográfica de su autoría, que se Epudo disfrutar, hasta los primero días de enero, en el Centro Cultural Borges. Esta es la

primera producción oficial, en la que el actor puede por fin exteriorizar otra de sus pasiones ocultas, además de la realización de cine. Concretadas en solo dos días de shooting, las 23 tomas forman parte de una exposición itinerante que sólo ha sido presentada en Nueva York y en Madrid. Para cerrar el 2010, la muestra llegó a Buenos Aires gracias a las gestiones llevadas adelante por el Embajador de España en la Argentina Rafael Estrella. En cada país donde se presentó “Secretos sobre Negro”, se subastaron 7 fotos numeradas y certificadas a beneficio de alguna ONG. Si bien las Fragancias Antonio Banderas siempre colaboran en nuestro país con la Casa Garrahan esta vez, a pedido del Embajador, los fondos recaudados fueron destinados al Hospital Español de la Ciudad de Buenos Aires; nos explicó María Luján Guerra, responsable en la Argentina de la empresa que realiza los perfumes del actor andaluz. Con curaduría de Renata Schussheim y Dirección Artística de Jean-Françoise Casanovas, la exhibición destiló sensualidad, pasión y esencia española, sorprendiendo por su alto nivel y calidad artística. Centrado en la tauromaquia y con fuertes referencias a la religión, la sangre y la muerte, tres elementos fundamentales de la cultura española de todos los tiempos, Antonio juega en sus obras con los códigos y las referencias históricas, y rompe con los cánones clásicos al generar imágenes en las que las mujeres toman las riendas de un mundo eminentemente masculino. En algunas tomas, los hombres personifican a los desafortunados toros y las damas a sus matadores, en obvia alusión a la película de Pedro Almodovar, Matador, en la cual trabajó Banderas. En otras, en cambio, ellas encarnan a la muerte o a sensuales majas, evocando algunas pinturas de Velázquez y el Greco. Las mencionadas referencias históricas también remiten a óperas como el Barbero de Sevilla, Don Juan Tenorio y Carmen, preparando el terreno para mostrar, además, a mujeres golpeadas, cautivas y tristes: muy sabiamente, Antonio no se olvida de la violencia de género que sigue sacudiendo todavía a España en pleno siglo XXI.

Secretos sobre negroAntonio Banderas


Por Andrea Castro

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Celebrando su cumpleaños número 25 la Fotogalería del Teatro General San Martín se vistió de gala para recibir la gigantesca muestra del fotógrafo catalán Ros Ribas. Trescientas setenta y cinco de las casi 500 obras que la integran llegaron a Buenos Aires, luego de itinerar por varios países desde hace dos años, y recalaron en esta sala que fue reacondicionada para la ocasión. A las paredes que la conforman se le agregaron un par de muros extra, coloreados en un muy acertado tono mostaza, y la salida hacia la calle Sarmiento, que aún permanece cerrada debido a las eternas refacciones, se cubrió con paneles y telas negras para que nada, salvo los intensos momentos retratados por Ribas, atrape la atención del observador. Lamentablemente, los ruidos ensordecedores de los trabajadores y un inmenso tacho que recibe, en uno de los rincones, la descarga constante de una gotera, volvieron a ser una prueba contundente de los esfuerzos que el personal de la casa realiza para mantener cierto nivel de excelencia en medio del caos cotidiano. Josep Ros Ribas ha asistido a más de mil espectáculos y, a través de su lente, se ha transformado en la mirada imprescindible del teatro de nuestro tiempo. Ribas es un referente para la mayoría de los creadores teatrales de vanguardia, tanto españoles como europeos. Según Aurora Rosales, comisaria de la muestra junto al propio Josep: “su trabajo es bello para el ojo profano, pero es también un cuaderno de dirección para el observador de teatro, porque traduce en imágenes el cuerpo y el alma de cada uno de los espectáculos fotografiados”. Recorriendo las paredes pude disfrutar de una inteligente selección de parte de su archivo personal, el cual es tan extenso como su carrera de fotógrafo de escena, conformada por registros de diferentes períodos: desde sus primeros años en el Teatro Lliure de Barcelona hasta sus recientes instantáneas de la versión del Platonov de Antón Chejov, que Gerardo Vera estrenó en el madrileño Teatro María Guerrero. También me fue grato descubrir, entre la variedad de rostros desconocidos, la poderosa figura de Alfredo Alcón junto a otros artistas de la talla de Leonor Marso, Patricio Contreras, Antonio Banderas, Ana Belén y Marisa Paredes. Los trabajos, que Ribas realizó en diferentes salas europeas, como La Scala, el Teatro Español, el Théâtre de l’Odéon, el Piccolo Teatro de Milán o el Teatre Romea, recorren todos los géneros teatrales y articulan una impresionante colección de momentos dramáticos, integrados por escenas potentes, revulsivas y violentas, que conviven con otras más intimistas y muy bellas. A través de primeros o medios planos individuales, o de retratos grupales, Josep siempre se las arregla para inmortalizar la máxima tensión, fuerza, intensidad y dramatismo del trabajo de los actores. Espejos, sombras, partes de escenografías, juegos de luces, la imponencia del vestuario o la ausencia total del mismo, son los elementos que el fotógrafo pone muy sabiamente a su servicio, a la hora de realizar sus tomas. Gritos ahogados, risas enloquecidas, gestos de dolor y desesperación, todas las emociones y las épocas se pueden observar en las representaciones de grandes obras de teatro y óperas como Ricardo III, Hamlet, La tempestad, La vida es sueño, Don Givanni y La flauta mágica, entre muchísimas otras. El director teatral francés Patrice Chéreau dijo de él: “es alguien que puede registrar un momento del ensayo, aquel instante en que el actor se abandona o el tiempo de la representación, cuando todo es fragilidad exhibida”.

Ros Ribas, fotógrafo de escena


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Por Andrea Castro

acia finales de la década del 70, la entonces Intendencia Municipal de la Ciudad de Buenos Aires propuso remodelar lo que hasta poco tiempo antes había sido el asilo de ancianos H“Hogar Gobernador Viamonte”, para transformarlo en un centro que albergara a varios

museos de la ciudad. Ricardo Freixá, Secretario de Cultura por aquellos años, decidió convocar a tres arquitectos, que además eran artistas plásticos y habían trabajado juntos como tales: Clorindo Testa, Jacques Bedel y Luis Benedit habían ganado el Gran Premio de la Bienal de San Pablo en 1977, como integrantes del Grupo CAYC. Conscientes del tremendo desafío al que se enfrentaban igualmente se sintieron tan honrados por la convocatoria que realizaron el anteproyecto ad honorem. El suyo fue uno de los primeros proyectos de restauración no histórica, que propuso preservar las antiguas edificaciones (un conglomerado de ejemplos arquitectónicos del siglo XVII al XX) y combinarlas con las nuevas de estética netamente contemporánea. Destacando las características respectivas de cada construcción y articulando las arquerías coloniales con las tuberías de aire acondicionado, los tres arquitectos lograron integrar coherentemente el presente con el pasado. El 3 de diciembre de 1980 se inauguró parte de la obra terminada con el nombre de Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires. Con el paso de los años y la diversificación de actividades, el primigenio complejo museológico fue modificando su destino final para transformarse en un espacio que, poco a poco, logró albergar un amplio abanico de manifestaciones artísticas nacionales e importantes muestras internacionales. Para mediados de los años 80 ya se lo apodaba cotidianamente como el Centro Cultural Recoleta, mixando cariñosamente, tal como hicieron sus tres padres, su presente con su pasado: en el siglo XVIII construyeron su convento, sobre la estructura ya existente, los frailes Franciscanos Recoletos. De esta manera los vecinos encontraron un nuevo lugar de pertenencia y “el Recoleta” su nombre oficial definitivo.Hoy, tres décadas después, la Sala Cronopios (joyita del Centro que se remodeló según los estándares internacionales de exposición de obras) exhibe una muestra que homenajea a los tres hombres que le dieron vida a este faro cultural. Testa + Bedel + Benedit reúne obras de la producción plástica reciente de cada uno de ellos que, a pesar de las diferencias técnicas y estéticas, transitan por un mismo camino conceptual: la argentinidad.La extensa blancura de las paredes de la Cronopios es el marco perfecto para el reposo de las pinturas y las fotografías en las que Jacques Bedel reflexiona sobre la inmensidad de nuestras tierras, nuestras ciudades y nuestro mar. Sutiles imágenes impresas sobre PVC y potentes obras en relieve nos acercan paisajes apacibles (Las ciudades de plata 1994, La mar oceánica 2010) pero también turbulentos (El llano en llamas 1996) y quemados por el fuego de pasiones que nos cuestan controlar cada vez más. En sintonía un poco más campera Luis Fernando Benedit, al igual que en la maravillosa Equinus Equestris que presentó en el Malba en el 2009, nos sumerge nuevamente en las tradiciones y la cultura de ese campo profundo que en épocas pasadas supo hospedar indios, gauchos, criollos, patriotas y viajeros extasiados por lo exótico de nuestras pampas. Los rostros de esos hombres son retratados por el artista en impactantes carbonillas como la que muestra al General San Martín rodeado por las cumbres de los Andes (San Martín en Chacabuco 2002). Su realismo se complementa y contrasta con la visión más conceptual que nos brindan las instalaciones de Luis: sus sillas de cuero, de huesos y de fino estilo victoriano, nos hacen pensar en Sarmiento y su civilización o barbarie; su tijera de descornar novillos, se transforma en una especie de ready made vernáculo; y el impactante mural “La carne” refiere a esa condición carnívora exacerbada que se puede relacionar con algunas características del típico macho argentino.

El Recoleta llegó a los 30


Por Andrea Castro

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Coronando este curioso viaje por la idiosincrasia nacional, se destaca la longitudinal instalación de Clorindo Testa, una improvisada línea de tiempo que comienza con la exhibición del esqueleto de un “Gliptodonte”; se continúa con la magníficamente concebida representación del “Obispo muerto” y el “Obispo vivo”, encerrado en su propia y absurda realidad, dos jaulas con famélicos perros atrapados en ellas; y “La Explosión”, un estallido final de color sobre mini caballetes que se multiplica en las obras de la pared contigua. Imposible no pensar en Los Dinosaurios sobre los cuales alguna vez cantó Charly García, imposible no reflexionar sobre la religión, la muerte, el encierro y la tortura, imposible no sentirse libre y reconfortado porque, a pesar de todo, todavía podemos conmovernos gracias a nuestros grandes artistas.

Sala Cronopios hasta el 20 de febrero del 2011Centro Cultural Recoleta Junín 1930

Lunes a Viernes de 14 a 21 hs; sábados, domingos y feriados, de 10 a 21 hsEntrada libre y gratuita


Una diseñadora intrépidaLuciana Seleme nació en Brasil pero hoy reside en Buenos Aires. Dueña de unos hermosos ojos verdes y de antepasados germanos, sirio libaneses y hasta egipcios, esta mujer cálida, intrépida y sensible, ha recorrido buena parte del mundo para formarse y trabajar en disciplinas como la publicidad, el marketing de arte y el diseño gráfico. De padres arquitectos, que supieron incentivarla desde pequeña, tuvo una formación artística en la que no estaba permitido hablar de errores: “nunca usé una goma de borrar, es feo borrar, se puede volver a empezar pero nunca borrar una expresión artística”, me cuenta, en una larga e interesantísima charla que mantuve con ella. Luego de haber estudiado publicidad y comenzar a trabajar en una productora de cine, se dio cuenta, mirando los afiches de las películas, que también quería aprender a manejar ese tipo de lenguaje. Se lanzó entonces a estudiar diseño gráfico en Brasil y a su vez se postuló a una vacante para trabajar en una agencia de publicidad en la ciudad de Ámsterdam. Llegó a Holanda en el 2008 y esa tremenda experiencia no solo la terminó de formar sino que le hizo descubrir la gran diferencia que hay entre el diseño comercial y “de todos los días” y el conceptual, ese diseño que se piensa desde los rincones más artísticos de uno mismo. “Un profesor que tuve en Ámsterdam, que era fotógrafo, me dijo una frase que me quedó grabada: no siempre se puede dar el alma en un diseño”, me comenta emocionada. Proactiva y emprendedora se trasladó a Hamburgo donde la esperaba otro trabajo, pero también otro clima: “en Hamburgo el idioma fue una dificultad y un gran cambio con respecto a Ámsterdam, en donde no tienen problema en hablar tanto en inglés como en holandés; los alemanes además de ser muy rígidos en cuanto a lo laboral hablan siempre en alemán”. Lejos de amedrentarse decidió darse una vuelta por Londres para realizar un par de cursos de perfeccionamiento, pero antes estuvo unos días en Berlín, un lugar que la cautivó por las marcas de dolor que encontró en la ciudad. “Estuve cuatro días y dormí solo unas pocas horas, porque no quería perderme nada, fue muy impresionante ver la gran cantidad de gente joven que se reúne a hacer arte en las nuevas galerías que, paradójicamente, están instaladas en los viejos edificios que todavía conservan las marcas de las balas de la Segunda Guerra, lo sentí como un proceso de sanación”. Luciana finalmente retornó a Brasil, porque la familia y los sentimientos también son muy importantes en su vida, y comenzó a trabajar free lance para agencias de publicidad junto a una amiga. Siempre inquieta volvió a mudarse hace 20 días, para instalarse en nuestra ciudad y vivir con su novio Vittorio, al que conoció en unas vacaciones que se tomó en nuestro país: “todavía estoy como alucinada, observando y conociendo a la ciudad, que me parece muy bella, y a su gente”. Su idea es poder trabajar en Buenos Aires, pero sin perder sus contactos con el resto del mundo, a la vez que continúa dando forma a un proyecto personal que tiene que ver con el arte, la educación y las personas carenciadas.

Por Andrea Castro

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Cuando le pregunto puntualmente por su manera de trabajar, se entusiasma y me cuenta que, si bien usa la computadora, siempre comienza dibujando a mano: “si trabajás solo con ella, te masificás y perdés identidad, porque siempre se puede decir mucho más desde el trazo personal y pasional”. Cuando el bolsillo se lo permite, Luciana trata de elegir a sus clientes porque no hay nada que la gratifique más que un cliente inteligente, abierto a nuevas ideas y que esté dispuesto a entender su manera de trabajar y expresarse. Esta actitud queda también muy en claro cuando uno observa con detenimiento el portfolio que la muchacha muestra en Internet: Luciana eligió dejar de lado gran parte de los trabajos comerciales que realizó para grandes marcas y darle prioridad a trabajos conceptuales y artísticos que vale la pena analizar. Como por ejemplo las ilustraciones de Sidarta a Buda: “comenzaron como un trabajo para un curso en el que se debía fusionar un movimiento artístico, una cultura y un diseño para una superficie plana. Lo primero que pensé fue en tomar el Art Noveau, el budismo, las culturas orientales y la ceremonia del té, asique el primer lugar que ocupó la historia del Príncipe Sidarta Guatama fue una bandeja y un juego de té”. Las imágenes cautivaron tanto a unos amigos alemanes que ella se las cedió para que decoraran las paredes de una sala de meditación que poseen en su casa. Luciana también maneja sin problemas el tema de la identidad, sabe que su estética es urbana pero étnica, colorida y llena de energía. Solo tuvo problemas cuando una inmobiliaria argentina con sede en la Patagonia le encargó su logo. Investigó, preguntó y preguntó pero no encontró un argentino que le hablara de un elemento identitario fuertemente patagónico. Ella sola tuvo que descubrir que la araucaria era la imagen que portaba en sí misma todos los significados que necesitaba.

Para conocer más sobre esta diseñadora intrépida y apasionada les recomendamos darse una vuelta por su portfolio, lo podrán encontrar en: http://lucianaseleme.carbonmade.com/


l pasado martes 2 de Noviembre, en la sede de la Embajada de Uruguay en la Argentina, se presentó el Libro Diseño de Afiches 2009, Pasión Visual Latina. La excelente publicación Ereúne 467 trabajos que diseñadores de toda Latinoamérica enviaron al Concurso de

Afiches que la Universidad de Palermo realiza, desde el año 2007, en el marco del Encuentro Latinoamericano de Diseño. En la mencionada presentación, Javier Bernardo, uno de los encargados del diseño editorial del libro, se refirió a la nueva escena que se le abrió a su estudio al incorporar este tipo de publicaciones, ya que ellos solo se centraban en difundir el trabajo de los alumnos de la Universidad. "En estos libros la producción es mucho más abarcativa, hay trabajos de alumnos, de recién egresados, de docentes, de profesionales; no solo de la Argentina, sino de toda la región". Bernardo aclara que tuvieron que sentarse a pensar como darle un orden, un formato, una edición y una coherencia a tan amplio abanico de expresiones de diseño. Si bien en el libro se pueden encontrar tres capítulos que reúnen los afiches seleccionados, los expuestos en el Centro Cultural Borges y los ganadores del concurso, la publicación termina excediendo a éste último. "El libro va más allá del concurso y nos empieza a contar y a manifestar diferentes expresiones del diseño y de la cultura regional. Nosotros, salvo los ganadores, no sabemos las nacionalidades de los autores de los afiches, solo las podemos intuir por los nombres de los participantes, porque, a pesar de que son diferentes, comenzamos a ver ciertas coincidencias, posturas y miradas sobre el uso del diseño como una forma de expresión que trasciende las fronteras. Esas coincidencias y miradas compartidas sobre la misma temática, son las que empiezan a ordenar el relato del libro, en el cual un afiche va a ser la antesala del siguiente". Por su parte, Beatriz Sauret, coordinadora del Plan Nacional de Diseño, destacó que la gran cantidad de trabajos exhibe claramente como nos vemos como latinoamericanos, como nos queremos mostrar y que queremos que vea el resto del mundo de nosotros. "En un punto el libro nos ayuda a ver cómo nos comunicamos y cuáles son los sistemas de signos que estamos utilizando a la hora de hacerlo, es muy interesante esto de las miradas compartidas, porque nos ayuda a entender que hay significados flotantes, es decir, un sistema de códigos que estamos utilizando todos y que se ven reflejados en el momento en que pueden ser compaginados en una publicación como la que hoy estamos presentando". Para Beatriz es muy importante poder trabajar la idea del diseño como comunicación, porque hoy estamos en un mundo de personas para las cuales identificarse, relatarse y contar es fundamental: "ya el mundo no está delante del consumo de masas, hoy estamos delante de mercados de personas, en los cuales el concepto de contar y de qué es lo que contamos es tan importante como el producto en sí mismo que estamos ofreciendo”

Pasión Visual LatinaLanzamiento libro Afiches 2009

Por Andrea Castro

Presentaciones


Lanzamiento del libro "De la fama a la fe”

l pasado 16 de diciembre se realizó el lanzamiento del primer libro de la ex vedette Amalia "Yuyito" González, a cargo de la periodista Graciela Garzón, amiga y fan de Amalia, quien Eno tuvo más que halagos hacía ella. También estuvieron

presentes sus tres hijos, amigos, periodistas de todos los medios (gráficos, televisivos y digitales) y los pastores de la comunidad religiosa a la que Amalia pertenece, que le dedicaron unas bellas palabras.Sandra Pedace, directora de Sagepe, dijo por su parte: "como editorial es un privilegio tener una autora como Amalia, quien es muy talentosa y no necesitó que la ayuden a escribir; como persona es muchísimo mejor que como actriz".El libro, ideal para adolescentes y pre-adolescentes, trata sobre la relación entre padres e hijos y sobre la belleza, un tema que hoy ocupa un lugar importante en la sociedad actual. "El cuerpo y la estética es cada vez más tomado en relación a un valor que no posee, sobre todo en la mujer, a la que permanentemente se le da el mensaje de que tiene que ser una persona que genere algo en los demás, teniendo siempre que ver con aquello que excita al otro, en todo sentido. Hasta que vemos que la realidad no concuerda con aquello que nos dicen que tenemos que ser", relató Amalia.En la publicación ella se explaya muy profundamente pero sin dar nombres, como muchos esperan, logrando un libro muy rico en contenido que vale la pena leer. En él, los únicos nombres que aparecen son los de los hijos, a los cuales ella les pidió expresamente permiso para incluirlos: "se me hizo muy complicado poder escribir escenas de vida relacionadas a nuestra familia y amigos, es bastante complicado describir los hechos sin nombrar explícitamente a las personas. Quise que éste fuera un libro prudente y respetuoso, no solo de mí sino de todos los demás, incluidos los lectores; un libro con el que fuese fácil identificarse", expresó Amalia.En relación al tema de la fama la ex vedette dijo específicamente: "la fama no tiene nada que ver con la vocación artística, ya que esto es algo diferente a ser famosa. Yo busque en ser famosa una identidad, un sustento para mi vida, busqué sentirme bien, para mi la fama era algo que iba a llegar para cubrir un montón de necesidades que no podía cubrir con nada de lo que había probado hasta ser famosa. Puse todas mis expectativas ahí como si verdaderamente el ser famoso fuese un todo, tal como hoy lo reflejan los medios de comunicación, porque la fama cubre la necesidad de algunas personas de ser alguien, de saber que no están pasando desapercibidas. Ser famoso habla de carencia más que de logros. Por muchos años yo lo vi como un logro, hasta que un día se cayó y se hizo pedazos". "De la fama a la fe" es más que un simple libro, es la historia de vida de una mujer que vivió mucho y que finalmente encontró su camino, junto a la fe y al amor de sus hijos y seres queridos.



La ceremonia del té en Primera Persona.isitar el Jardín Japonés en Buenos Aires y no participar de la ceremonia del té, resulta casi imposible, ya que es una costumbre social japonesa y un pasatiempo de extraordinarios buenos modales. La Vmencionada ceremonia consiste en servir y beber té verde junto a un pequeño grupo de invitados en

un entorno tranquilo. Respeto, armonía, pureza y tranquilidad son los valores que prevalecen en el encuentro. Esta ceremonia, también conocida como chanoyu (que significa agua caliente), es una forma protocolar de preparar el té verde o matcha y está influenciada por ritos del budismo zen. Lo importante de este acto es que debe realizarse de la manera más perfecta, educada y encantadora posible.

Yo participé:

Un mes antes de realizar la reunión, la dueña de casa envía una serie de invitaciones por escrito a sus amigos, convidándolos a la cita. Los visitantes ingresan uno a uno al recinto donde se lleva a cabo la ceremonia, se descalzan y se sientan en el piso. Las casas modernas japonesas suelen tener espacios con tatami, una alfombrilla de paja de aproximadamente un metro de ancho por dos metros de largo y cinco centímetros de espesor, que determina el tamaño final de la estructura. El tatami es fundamental y permite una mayor concentración en el encuentro.Antes de comenzar, cada uno de los invitados puede observar los arreglos florales, conocidos como chabana, que se sitúan artísticamente en la habitación (para que estén bien iluminados) y prestar especial atención al diseño que acompaña la vajilla.

La ceremonia:

En primera instancia, la anfitriona limpia "metafóricamente" cada uno de los elementos de esta reunión, delante de los asistentes. Luego, toma un potecito de té o (natsume), que contiene el polvo de té verde (matcha), y le agrega agua.Para tomar el té, el convidado utiliza su mano izquierda como si fuera un platito y con su mano derecha toma primero el borde del tazón y le da dos vueltas para observar la estética del objeto, luego bebe, siempre en sentido de agradecimiento, de forma tal, que toda la circunferencia de su taza quede enfrentada a su cara.Una vez que el primer invitado terminó su taza de té, la anfitriona vuelve a limpiarla para ofrecer la segunda taza a otro convidado y continúa así, sucesivamente, hasta terminar con todos. La ceremonia se termina en 40 o 50 minutos y se realiza en completo silencio. Dulces y pasteles japoneses, más conocidos con el nombre de wagashi, pueden también acompañar la infusión.El chanoyu es toda una tradición conectada con la cultura espiritual de Japón y, aunque los tiempos han cambiado, se sigue realizando a rajatabla.

Por Karina Longo

Más información: www.jardinjapones.org.ar

Lanzamiento libro Afiches 2009Turismo



uando en tu grupo de amigos te dicen que sería fabuloso irse todos juntos de campamento, de repente: ¿te dan dolores de estómago? ¿Pánico? ¿La sola idea de una caña de pescar te aterroriza? No te preocupes, el CGlamping es la versión metrosexualizada del típico campamento.

Ya basta de mosquitos que nos atacan en las noches y no nos dejan dormir con su atormentador zumbido. Basta de dormir en el suelo soportando una piedra clavada en el hombro toda la noche o, lo que es peor, no pegar un ojo por miedo a ser devorado por un yaguareté o mordido por la más venenosa de las serpientes. El glamping, cómo su palabra lo indica, es la solución glamorosa a los inconvenientes de acampar. Para realizar éste tradicional tipo de hobbie de una manera placentera, ya hay empresas que se encargan de hacer más llevadera la vida en la naturaleza a través de: carpas enormes y confortables donde no falta ni el más mínimo detalle, como ser wi-fi; baños y hasta cabañas con vistas pintorescas al paisaje. También ofrecen desayunos en la cama, masajes, actividades recreativas y todos los mimos que nos gustan cuando vacacionamos.Para contratar éstos servicios, hay páginas web como la de goglamping.com que ofrece un listado con todos sus destinos para acampado cool. De todas maneras, si tu presupuesto no es suficiente para pagar éstos lujos, la próxima vez que te inviten de campamento, en vez de temer a ser arrastrado por una tormenta, prevenite y organizá una serie de tips con las ideas que ofrecen las compañías, para que hagan de tu aventura algo mucho más llevadero y divertido.

Una nueva forma de hacer camping, con todos los recursos sin los cuales no podríamos vivir actualmente.

¿Wanna Glamping?Por Sergio Urbina


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