Historia del cine

HISTORIA DEL CINE

En este trabajo voy a exponer la historia del cine desde sus orígenes hasta la actualidad.

LOS ORÍGENES DEL CINE I

La historia del cine se inicia el 28 de diciembre de

1895, cuando los hermanos Louis y Auguste

Lumière realizaron la primera proyección pública

de imágenes en movimiento. Los Lumière habían

inventado lo que muchos han calificado como la

fábrica de los sueños mientras que para muchos otros es una

fábrica, sí, pero de hacer dinero. El cinematógrafo, el invento de los Lumière, tenía como antecedente el kinetoscopio de Thomas Edison. Ellos consiguieron fabricar una cámara más portátil y funcional a partir de aquel artefacto, que registraba imágenes en movimiento, aunque no era capaz de reproducirlas. Aunque los hermanos Lumière nunca tuvieron excesiva confianza en las posibilidades técnicas y artísticas del nuevo invento, poco a poco estas proyecciones van atrayendo a un número de espectadores cada vez mayor.

LOS ORÍGENES DEL CINE II

Pronto, el articular invento fue distribuido por todo el mundo. Diferentes inventores alemanes, norteamericanos e ingleses copiaron y mejoraron el cinematógrafo. el cine se convirtió pronto en un espectáculo de feria, barato y popular, despreciado por los intelectuales, muy alejado de la categoría de Arte bajo la que hoy se le considera. Poco a poco el cine comenzó a dejarse de ver como un espectáculo de feria y ciertos intelectuales ya lo empezaban a reivindicar como un Arte. A partir de 1910 comienzan a producirse en Europa películas de mayor duración y más calidad.

Primera cámara fotográficaCámara actual

¿QUE SE PROYECTA POR PRIMERA VEZ? Las primeras películas combinaban indistintamente dos tendencias

cinematográficas que pronto se escindirían: el cine documental y el cine de ficción. Por un lado exhibían escenas de la vida cotidiana, filmadas en exteriores: trabajadores saliendo de las fábricas, trenes, transeúntes... y, por otro, representaciones escenificadas grabadas en interiores. Algunas de estas cintas a las que nos referimos son las famosas: Salida de la fábrica (1895) o La llegada del tren a la estación (1895) Algunas de las películas rodadas durante estas tres primeras décadas han pasado a la historia del cine, convirtiéndose en clásicos y marcando inexorablemente la evolución posterior del lenguaje cinematográfico. El nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916), convierten a su autor, David W. Griffith (1915), en uno de los padres del lenguaje cinematográfico, quién concreto en estas dos películas todas las aportaciones hechas en el cine hasta entonces. De la misma manera pasarían a la historia Charles Chaplin y Sergei M. Eisenstein.

LA PRIMERA PELÍCULA

La primera película muda fue realizada por Louis Le Prince en 1888. Era un filme de dos segundos que mostraba a dos personas caminando por un jardín y se tituló: La escena del jardín de Roundhay.

CHARLES CHAPLIN Charles Chaplin (Londres, 16 de abril de 1889 – Vevey, 25 de

diciembre de 1977), fue un actor cómico, compositor, productor y director cinematográfico y escritor inglés mejor conocido por sus populares interpretaciones durante la época del cine mudo. Desde entonces, es considerado como una de las figuras más representativas del humorismo.

Reconocido por su popular personaje Charlot, se destacó en cine desde principios de la década de 1910 hasta los años 1950. Filmó alrededor de noventa películas, entre ellas Kid Auto Races at Venice (1914), La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940).

Fue uno de los cofundadores de la United Artists en 1919, junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David Griffith. Influenciado por el francés Max Linder, su carrera artística abarcó más de siete décadas y recibió un premio de la Academia en 1928. Candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, abandonó Estados Unidos tras una serie de polémicas que lo involucraron con el comunismo y con la realización de actividades antiestadounidenses.

En sus últimas décadas, sus trabajos disminuyeron pero se lo pudo apreciar en La condesa de Hong Kong y Un rey en Nueva York. Casado en cuatro ocasiones, sus hijos Geraldine, Josephine y Sydney Chaplin también se dedicaron al espectáculo. En 1972 se le otorgó el premio Óscar Honorífico y en 1975 fue nombrado Sir por la reina Isabel II. Murió en la temporada navideña de 1977.

CINE MUDO

La era del cine mudo duró aproximadamente tres décadas, comenzando en la de 1890 y culminando a finales de la de 1920. Durante este tiempo, las películas mudas fueron evolucionando y pasaron de ser una novedad en ciernes a convertirse en uno de los pilares fundamentales del arte y el entretenimiento. El contexto histórico de los inicios del cine mudo son: La Primera Guerra Mundial, los primeros automóviles, el primer vuelo del hombre y el inicio de la Fotografía. El cine mudo era filmado en rollos de 35mm con una velocidad de 16 a 20 cuadros por segundo. Se caracteriza por no haber sonido directo, debido a que no se había avanzado técnicamente en ello. Existe una gran polémica con dicho género ya que no hay sonido directo sin embargo existe música, es musical pero a la vez se considera mudo. Posee actuaciones teatrales (pantomima) mas gestuales y enfáticas. En los inicios del cine mudo el plano que predomina es el plano general por el peso del cinematógrafo.

CINE SONORO I

En 1926 la productora Warner Brothers introdujo el primer sistema sonoro eficaz, conocido como Vitaphone, consistente en la grabación de las bandas sonoras musicales y los textos hablados en grandes discos que se sincronizaban con la acción de la pantalla. En 1927, la Warner lanzó El cantor de jazz, de Alan Crosland, la primera película sonora, protagonizada por el showman de origen ruso Al Jolson, que alcanzó un éxito inmediato e inesperado entre el público. Su eslogan, sacado del texto de la película "aún no has oído nada", señaló el final de la era muda. Hacia 1931 el sistema Vitaphone había sido superado por el Movietone, que grababa el sonido directamente en la película, en un banda lateral. Este proceso, inventado por Lee de Forest, se convirtió en el estándar. El cine sonoro pasó a ser un fenómeno internacional de la noche a la mañana.La transición del cine mudo al sonoro fue tan rápida que muchas películas distribuidas entre 1928 y 1929, que habían comenzado su proceso de producción como mudas, fueron sonorizadas después para adecuarse a una demanda apremiante. Los dueños de las salas se apresuraron también a convertirlas en salas aptas para el sonoro, mientras se rodaban películas en las que el sonoro se exhibía como novedad, adaptando obras literarias e introduciendo extraños efectos sonoros a la primera oportunidad.

CINE SONORO II

Fox sacó su primera película original Movietone el 23 de septiembre: Amanecer, por el aclamado director alemán F.W. Murnau. Como con Don Juan, la banda sonora de la película estaba compuesta de música y efectos de sonido. En 1929, el actor y director cubano, René Cardona filma en los Estados Unidos los primeros "talkies" ó películas habladas , completamente en español, con actores de varios países de habla hispana. En el periodo que va de 1929 a 1931, se filman en Estados Unidos varios "talkies" en español, sobresaliendo, entre ellas la película "Charros, gauchos y manolas" (1930) del director catalán Xavier Cougar.

LOS INICIOS DE HOLLYWOOD En el caso de Estados Unidos, desde el principio el cine se entendió como un

espectáculo dirigido a un extenso sector de población. En Estados Unidos interesaba era que la cinta, de factura impecable, contara una historia creíble, atractiva y entretenida para el público. En los primeros años el centro de producción de películas se instaló en la costa Este, en torno a Nueva York. Pero el clima de aquella zona, lluvioso y con largos inviernos hacía perder muchas horas de rodaje de exteriores, por lo que los cineastas se trasladaron al otro extremo del país, a Hollywood. La historia de la meca del cine parte de 1903, cuanto una pareja tejana se establecieron en la periferia de los Ángeles, en un terreno plagado de acebos. De ahí vendría el nombre, que significa “bosque de acebos”. Cuatro meses después llegaron los primeros cineastas procedentes de Chicago y en 1906 ya estaban allí los grandes del cine. hasta los años 30, se comenzaron a forjar aspectos que configurarían la personalidad del cine Hollywoodiense. El star system o el cine de géneros respondía a lo que el público reclamaba, historias fácilmente reconocibles, atractivas y con el magnetismo que aportaban las glamorosas estrellas cinematográficas. El cine de los estudios tenía en el star system uno de sus pilares fundamentales: era necesario crear estrellas para atraer al público a las salas.

AÑOS 40 Y POSTGUERRA

Esta etapa de la historia del cine está marcada, como no podía ser de otra manera, por el estallido de la II Guerra Mundial, la posguerra y la llamada Guerra Fría. Es además el momento del despegue de nuevas e interesantes cinematografías, como las que emergen en los países nórdicos, Japón o el cine latinoamericano. La década de los 40 estuvo marcada por la II Guerra Mundial, que alteró el normal desarrollo económico y cultural de los pueblos. La economía de paz se transformó en economía de guerra, y la industria del cine se vio sometida a los imperativos derivados de la contienda. La propaganda nacionalista tomó buena parte de la producción en todos los países implicados en el conflicto y muchos grandes directores entraron en esta dinámica. En la etapa de posguerra, el cine vive una época de esplendor en diversos países como Italia (neorrealismo), Francia (cinèma de qualité), Estados Unidos o Gran Bretaña, mientras que el cine español quedará marcado por la dictadura franquista establecida tras la Guerra Civil.

ITALIA Y EL NEOREALISMO

El Neorrealismo se inició oficialmente en 1945, cuando Roberto Rossellini realizó Roma, ciudad abierta (Roma, città aperta), en la que narraba los últimos días de la ocupación alemana en Roma y Camarada (Paisa, 1946), donde narra la lucha de la Resistencia, acontecimientos tremendamente recientes, retratados con un vigor y un aire de autenticidad que dará pie a un movimiento que aportará a la historia del cine algunas de sus más grandes obras. Este movimiento fue el resultado de la necesidad, reprimida durante tantos años, de retratar la realidad de manera clara y directa. En esos autores fue decisiva la influencia del cine soviético, del documental británico y del realismo francés, especialmente el de Jean Renoir. A su vez, dentro del Neorrealismo se dan diversas tendencias: el ala idealista que ve en el cine un testimonio de la realidad, a la que se asocia el cine de Roberto Rossellini (Vd. Autores), el humanismo de Vittorio de Sica, la versión más esteticista de Luchino Visconti o el cine más comprometido políticamente de Giuseppe de Santis

En estos años surge una de esas colaboraciones tan importantes en la historia del cine, la del director Vittorio de Sica y el guionista Cesare Zavattini. Juntos componen la ya citada I bambini ci guardano (1943), y después, la trilogía sobre el drama de la vida diaria en Italia, Limpiabotas (Sciuscià, 1946), Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette, 1948) y Umberto D (1952), y la farsa en clave poética Milagro en Milán (Miracolo a Milano, 1951) .

ORSON WELLES

Fue un famoso director y actor que vio marcada su vida por el éxito de sus obras En 1941, y con tan sólo 25 años, culminó su primera película, Ciudadano Kane (Citizen Kane), auténtico mito cinematográfico por lo atrevido de su argumento, pero sobre todo por su lucidez narrativa. La película está marcada desde el punto de vista de la realización por una impronta cuasi revolucionaria, nunca vista en Hollywood desde que en 1914 D.W. Griffith diera a la luz El nacimiento de una nación.

En 1942 rodó El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons), retrato social de una América con profundos arraigos clasistas. Esta nueva incursión en la polémica, sumada a los proyectos inacabados de It's All True (1942) y Estambul (1942), le enfrentó con la industria y le obligó a abandonar Estados Unidos, una decisión en la que también influyó el clima de la "caza de brujas", no sin antes rodar Macbeth (1948). Como actor, Welles trabajó infatigablemente, interpretando muchas varias películas por año. Algunas de sus actuaciones, como la de El tercer hombre (1949), son memorables. Sus interpretaciones de Otelo, Kane, Falstaff y otras muchas en las que se dirigía a sí mismo, hacen ver que su talento como actor es tan grande como el que manifestó en otras muchas facetas.

Tras varios proyectos que no logó acabar (The Deep, Don Quijote, Al otro lado del viento), con Fraude (1973), una de sus últimas creaciones, este mago del cine invitó al público a preguntarse sobre la autenticidad de las imágenes. Uno de los mejores legados que puede dejar un gran manipulador de imágenes de la historia del cine.

CINE MODERNO El cine moderno es la época cinematográfica que comienza en los años 70 y termina

en los 80. Busca separarse de las películas con una trama y un mensaje claro y constante. El cine moderno comienza tras el declive del sistema de estudios de Hollywood y el fin del código Hays a finales de los años 60. Debido a esto, durante los 70 los cineastas comenzaron a incluir en sus películas contenido sexualmente explícito y escenas de violencia muy gráfica. Podemos apreciar las características del cine moderno en las historias del cine negro de los años 40 y 50 en las que se observa el uso de finales inesperados, personajes con una moralidad oscura y enigmática y diferencias muy difusas entre el protagonista y el antagonista. En 1971 salieron Perros de paja y The French Connection, las primeras películas que causaron controversia debido al aumento de la violencia en el cine. n los años 70 surgió un grupo de cineastas como Francis Ford Coppola, Steven Spielberg o George Lucas que consiguieron mucho más control sobre sus proyectos de lo que les habría sido posible conseguir anteriormente. Esto dio lugar a unas películas muy exitosas como El padrino, Star Wars y Encuentros en la tercera fase. También surgió en los 70 un gran incremento el género de artes marciales, gracias a Bruce Lee y su renovado estilo Jeet Kune Do. En esta época el cine musical no tenía demasiado éxito en Hollywood; sin embargo, la popularidad de este género aumentó en el cine de la India, donde crearon el nombre Bollywood en vistas a la creciente industria cinematográfica en Bombay que acabo conquistando el cine del sur de Asia. Los cineastas hindús crearon un género llamado Masala en el que combinaron las características del género musical americano con el antíguo teatro indio que conquistó el cine indio durante el final del siglo XX

AVANCES TECNOLÓGICOS DEL CINE EN EL SIGLO XXI

La generalización de las tecnologías relacionadas con el ordenador cambió al cine para siempre. Los antiguos efectos especiales a base de maquetas y sobreimpresiones pasaron a ser desarrollados mediante ordenadores. La primera película con efectos digitales fue Tron (1982), pero desde ahí el desarrollo fue fulminante, hasta el punto que en 1995 la compañía Pixar pudo realizar el primer largometraje íntegramente realizado por computadora (Toy Story), y en 2004, la película Sky Captain y el mundo del mañana era completamente virtual, siendo reales sólo los actores protagonistas, quienes rodaron íntegramente frente a una pantalla azul. Internet supuso también un desafío mayúsculo para los grandes estudios, debido a que el brutal crecimiento de la capacidad de almacenaje en discos duros y portátiles llevó a que por primera vez se pudiera reproducir de manera virtualmente ilimitada una película íntegra, sin pérdida significativa de calidad. El siguiente paso vino con el surgimiento de las redes P2P, que permiten intercambiar información de todo tipo sin un servidor central. Todo lo anterior abrió un intenso debate, que aún no termina, en torno al problema de la propiedad intelectual en Internet. Los grandes estudios se quejan de las pérdidas que este intercambio origina, y los usuarios por su parte contraatacan esgrimiendo el principio de democracia en la red. Esta democratización, por su parte, ha llevado a que muchos realizadores independientes hayan optado por el cine digital, grabando sus películas y editándolas por ordenador, para luego colgarlas en sitios de intercambio de información, como por ejemplo YouTube o Vimeo, este último muy utilizado por cineastas independientes.