Historia del Arte – Sofía Lanchas Arte Impresionista y Postimpresionista – Pág.: 1 HISTORIA DEL ARTE 2º BAC TEMA 19 EL IMPRESIONISMO Y EL POSTIMPRESIONISMO I.-CONTEXTO HISTÓRICO II.-CARACTERÍSTICAS GENERALES III.- PRINCIPALES REPRESENTANTES: - ÈDOUARD MANET: El almuerzo campestre - CLAUDE MONET: Impresión del sol naciente; La Catedral de Rouen IV.- POSTIMPRESIONISTA: - PAUL CEZANNE: Naturaleza muerta con frutero - VICENT VAN GOGH: La habitación de Arlés; - PAUL GAUGIN: Visión después del sermón I.-CONTEXTO HISTÓRICO Con el Impresionismo culmina a finales del S. XIX el largo camino que la pintura occidental había emprendido a comienzos del s. XV: la captación de la realidad. Con él comienza además el Arte del S. XX, de suerte que el movimiento impresionista es al tiempo, final de un proceso y comienzo de un arte nuevo. Aunque es fundamentalmente un movimiento pictórico, tuvo manifestaciones en otros campos de la actividad artística: Debussy en la música, Rodin en la escultura y Zola o Blasco Ibáñez en la literatura. Todos ellos tienen en común con los pintores la preocupación por captar un instante de la realidad con su luz, su ambientación, su atmósfera, como si fueran auténticos fotógrafos de esa realidad Dos descubrimientos serán fundamentales para este movimiento: - La Fotografía, que abrirá nuevos horizontes para los artistas y descubre a los pintores detalles naturales que se les escapaban revelándoles determinados paraje desde ángulos inéditos: descompone movimientos, ofrece nuevas posibilidades de expresión, de perfeccionamiento en el estudio de los gestos, de captación de primeros planos, de desarticulación del espacio, etc. De hecho, los pintores impresionistas encontraron en la fotografía un estímulo para su nueva visión del mundo e intentaron captar al vuelo el instante que se evade. - El establecimiento de las Leyes de color por Chevreul, basadas en los siete colores del espectro solar y sus relaciones entre sí. La comercialización de los pigmentos de pinturas en tubos, esto permitió a los artistas poder llevarlos cómodamente para pintar al aire libre Los impresionistas comprenden y adoptan tales transformaciones de la visión. Sin embargo, aplicarán estas leyes siempre con entera libertad. Indagarán a su vez nuevos descubrimientos que permitan expresar mejor su mundo de emociones personales y subjetivas. Y, precisamente, en esta conjunción de ciencia y libertad radica la verdadera originalidad del impresionismo. II.-CARACTERÍSTICAS GENERALES Los rasgos comunes en este movimiento son: Teoría de los colores: Tienen en cuenta los estudios de Chevreul. Existen tres colores primarios (amarillo, rojo y azul) y tres complementarios (violeta, verde y naranja).
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Historia del Arte – Sofía Lanchas Arte Impresionista y Postimpresionista – Pág.: 1
HISTORIA DEL ARTE 2º BAC
TEMA 19
EL IMPRESIONISMO Y EL POSTIMPRESIONISMO
I.-CONTEXTO HISTÓRICO
II.-CARACTERÍSTICAS GENERALES
III.- PRINCIPALES REPRESENTANTES:
- ÈDOUARD MANET: El almuerzo campestre
- CLAUDE MONET: Impresión del sol naciente;
La Catedral de Rouen
IV.- POSTIMPRESIONISTA:
- PAUL CEZANNE: Naturaleza muerta con frutero
- VICENT VAN GOGH: La habitación de Arlés;
- PAUL GAUGIN: Visión después del sermón
I.-CONTEXTO HISTÓRICO
Con el Impresionismo culmina a finales del S. XIX el largo camino que la pintura occidental había
emprendido a comienzos del s. XV: la captación de la realidad.
Con él comienza además el Arte del S. XX, de suerte que el movimiento impresionista es al tiempo,
final de un proceso y comienzo de un arte nuevo.
Aunque es fundamentalmente un movimiento pictórico, tuvo manifestaciones en otros campos de la
actividad artística: Debussy en la música, Rodin en la escultura y Zola o Blasco Ibáñez en la literatura.
Todos ellos tienen en común con los pintores la preocupación por captar un instante de la realidad
con su luz, su ambientación, su atmósfera, como si fueran auténticos fotógrafos de esa realidad
Dos descubrimientos serán fundamentales para este movimiento:
- La Fotografía, que abrirá nuevos horizontes para los artistas y descubre a los pintores detalles
naturales que se les escapaban revelándoles determinados paraje desde ángulos inéditos: descompone
movimientos, ofrece nuevas posibilidades de expresión, de perfeccionamiento en el estudio de los gestos,
de captación de primeros planos, de desarticulación del espacio, etc.
De hecho, los pintores impresionistas encontraron en la fotografía un estímulo para su nueva visión
del mundo e intentaron captar al vuelo el instante que se evade.
- El establecimiento de las Leyes de color por Chevreul, basadas en los siete colores del espectro
solar y sus relaciones entre sí.
La comercialización de los pigmentos de pinturas en tubos, esto permitió a los artistas poder
llevarlos cómodamente para pintar al aire libre
Los impresionistas comprenden y adoptan tales transformaciones de la visión. Sin embargo,
aplicarán estas leyes siempre con entera libertad. Indagarán a su vez nuevos descubrimientos que
permitan expresar mejor su mundo de emociones personales y subjetivas. Y, precisamente, en esta
conjunción de ciencia y libertad radica la verdadera originalidad del impresionismo.
II.-CARACTERÍSTICAS GENERALES
Los rasgos comunes en este movimiento son:
Teoría de los colores: Tienen en cuenta los estudios de Chevreul. Existen tres colores primarios
(amarillo, rojo y azul) y tres complementarios (violeta, verde y naranja).
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En vez de fundir los colores en el pincel o en la paleta, se usan los colores puros y es el ojo del es-
pectador el que los mezcla. Los complementarios se exaltan junto al primario que no forma parte
de su composición, los colores resultan más claros y luminosos (si juntas una pincelada roja y
otra amarilla, el espectador desde lejos las verá de color naranja). Eliminan los negros, grises y
pardos.
Plasmación de la luz: Los objetos sólo se ven en la medida que la luz incide sobre ellos y cam-
bian minuto a minuto con la luz. Un modelo no es nada, varia cada vez que es representado. Inten-
tan captar las apariencias sucesivas, la impresión fugaz de las cosas, por eso trabajan deprisa, en
directo.
Coloración de las sombras: las sombras dejan de ser negras y se reducen a espacios coloreados
con tonalidades complementarias -luces amarillas, sombras violetas- El claroscuro queda elimina-
do.
Pintura al aire libre: huyen de los talleres al campo, interesados por los paisajes con la lluvia, el
humo, la niebla, el crepúsculo, los rayos del sol...
Los temas son banales, sin importancia, inspirados en la actualidad y con movimiento: esce-
nas urbanas, bailes, regatas, bulevares de Paris, carreras de caballos, bailarinas.
La técnica que emplean es la pincelada suelta y rápida, de mancha pastosa y gruesa, con toques
yuxtapuestos de colores claros, pero aplicados con pinceles finos
Las composiciones son espontáneas, con puntos de vista fotográficos, en ángulos de visión ori-
ginales, que cortan los cuerpos de forma parcial. Prescinden de la perspectiva geométrica.
No tienen carga política ni social, son artistas bohemios que viven en barrios como Montmartre.
Los principales pintores impresionistas son Claude Monet, Edgar Degas, Auguste Renoir, Alfred Sis-
ley, Camille Pissarro y Berthe Morisot.
Rechazados en los Salones oficiales y sin poder exponer en ninguna parte fundan la “Sociedad
anónima de pintores, escultores y grabadores” y organizan una exposición colectiva en 1874 que
provocó un gran escándalo entre los críticos, uno de los cuales, Louis Leroy, en su crónica del Crarivari,
tomando como pretexto un cuadro de Monet (Impresión del sol naciente), bautizó despectivamente al
grupo como “impresionista”.
El rechazo fue generalizado pero no unánime, al tiempo que la mayoría se burlaban de sus pinturas,
empezó a surgir un grupo de defensores que poco a poco conseguirán revalorizar al movimiento.
La vida del nuevo movimiento no fue muy larga, hacia 1879 comienzan las “deserciones” en el
grupo que en poco tiempo se disolverá siguiendo sus miembros trayectorias dispares. Sin embargo sus
ecos se mantuvieron durante muchos años (posimpresionismo, neoimpresionismo...) y su valoración
cultural y comercial no ha dejado de aumentar hasta hoy.
III.- PRINCIPALES REPRESENTANTES DE ESTE MOVIMIENTO SON:
ÉDOUARD MANET:
Era hijo de una familia acomodada de París por lo que no tuvo nunca necesidad de vivir de la
pintura.
Está considerado como el precursor del Impresionismo. Mantenía relaciones con el grupo de
impresionistas, que le admiraban por su forma de pintar y por mantener su propio estilo, a pesar del
constante rechazo que tenían sus obras en los salones oficiales. Su pintura era bastante antiacadémica
tanto en los temas – escandalosos - como en la manera de aplicar el color mediante grandes superficies,
buscando a veces contrastes bruscos, y otras, armonías de claros sobre claros.
Desplazó el ángulo visual sobrealzando la línea del horizonte, lo que favorecía la potenciación del
propio plano pictórico y la sensación de que el espacio se comprimía.
Eliminó de sus cuadros “el acabado”, que consistía en dar por encima de la pintura una capa de
barniz, lo que contribuyó a aumentar el rechazo que ya tenía en los salones oficiales. A partir de Manet,
ya todos los artistas dejarán sus cuadros sin ese acabado quedando la pintura al aire
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TÍTULO: Almuerzo en la
hierba
AUTOR: Edouard Manet
FECHA: 1863
ESTILO: Pintura francesa
precedente del
Impresionismo
MATERIAL: Óleo sobre
lienzo. 2,08 x 2,64 m.
LOCALIZACIÓN: Museo
d’Orsay, París.
Contemporánea de su
Olímpia, el cuadro
desagradó a los sectores
bien pensantes de la época,
por la desfachatez que
suponía representar a
modelos reales como
Victorine Meured,
Ferdinand Leenhoff y
Gustave, el cuñado de Monet. El cuadro es sin duda un homenaje a la pintura veneciana y se inspira en el
Concierto campestre de Giorgione, lo mismo que La Olimpía lo hace de la Venus de Urbino de Tiziano.
Además de los calificativos de "indecente" se le reprochó a Manet el tratamiento formal a base de
grandes manchas de colores planos, la violencia de los colores yuxtapuestos y la sensación de boceto,
características todas ellas frecuentes en la pintura veneciana, lo mismo que en El Greco, Velázquez o
Goya a los que Manet conocía por los cuadros de la Galería Española de París y por sus viajes por
España.
El cuadro fue rechazado por el jurado del Salón Oficial de 1863 y fue expuesto en el "Salón de los
Rechazados" con gran polémica. Hoy está considerado como la partida de nacimiento del impresionismo.
Género: se trata de una mezcla de paisaje con figuras y bodegón.
Iconografía: Se trata de un tema que ya pinta Giorgione en su "El concierto campestre" o Courbet
en su cuadro "Señoritas al borde del Sena".
En un bosque aparecen cuatro personajes parisinos que han ido a almorzar a orillas del Sena. Dos
hombres jóvenes, vestidos de forma elegante a la moda de la época (uno con sombrero y bastón),
tumbados en la hierba, charlan con una mujer desnuda que mira descaradamente al espectador. Al fondo
una bañista inclinada, con camisa, sale del rio. En primer plano vemos una naturaleza muerta espléndida,
de gran virtuosismo: cesta con frutas, sombrero y ropas.
Composición: el cuadro chocó tanto por su tema, como por la manera de estar pintado. Manet rompe
con la perspectiva tradicional al suprimir el fundido de los planos. Los personajes aparecen recortados,
casi sin relieve, planos, aunque aparecen en escorzo, colocados ante el paisaje que está utilizado como un
simple decorado. Quizá sea por influencia del arte japonés. Sólo en la naturaleza muerta el pintor se
atiene a la perspectiva tradicional, ya que hay profundidad, ligero modelado, quizá para demostrar que es
buen pintor y cuando quiere sigue las normas académicas.
La composición está organizada en varios triángulos: dos tienen por vértice las cabezas masculinas,
repitiéndose más pequeñitos en las piernas de la modelo y del hombre a la derecha; otro triángulo mayor
tiene su vértice en la joven del fondo; aún hay otro que engloba las cuatro figuras y cuyo vértice es el
pájaro de brillantes colores que aparece en la parte central y superior.
Luz: los cuerpos parecen faltos de volumen porque ya no están modelados tridimensionalmente, ha
desaparecido el claroscuro tradicional. Hay contrastes fuertes de luces y sombras, en las que ha
desaparecido el negro sustituido por diversos matices de verde. El pintor ha invertido el foco lumínico, ya
que la claridad procede del fondo, y existen diversos puntos de fuga transparentes (la hierba, el agua).
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Color: Está aplicado con grandes manchas de colores planos, yuxtapuestas las zonas claras (desnudo,
camisa blanca, pantalones grises) con las oscuras (zapatos, gorro, chaquetas) de forma violenta, sin
gradaciones. Es el color quién sugiere los volúmenes. Bellos azules, amarillos y rojos en la naturaleza
muerta del primer plano, con manifiesta influencia de Tiziano. Gran variedad de verdes en el paisaje.
Dibujo: No tiene apenas importancia. Los cuerpos presentan formas recortadas, como figuras de una
baraja. Los fondos del follaje y los reflejos en el agua están sólo esbozados, insinuados con pinceladas
flojas.
Estilo: Manet ha creado un estilo muy original en esta tela, al subvertir algunos principios
fundamentales de la pintura tradicional. Vemos grandes superficies de color, preferencia por el plano
pictórico, bruscas transiciones de luz a sombra, figuras recortadas violentamente sobre el fondo, etc.
Rasgos inconfundibles de la pintura de Manet, nueva por su tratamiento del color, modelado, perspectiva
y tema. Es una revolución estética que atrae a los jóvenes pintores impresionistas, que lo admiran. Manet
contribuyó a liberar la pintura de las limitaciones académicas.
Significado: el cuadro escandalizó por su claro contenido erótico: colocar a mujeres desnudas junto
a hombres vestidos, con los miembros enlazados. Se trataba además de un desnudo no idealizado, sino
realista, lejano de la perfección. La gente estaba acostumbrada a desnudos alegóricos y mitológicos, pero
en esta tela están representados sin la coartada de la belleza ideal, lo que se consideró vulgar e indecente.
Manet critica la hipocresía social de la época. Se burla haciendo referencia a los grandes maestros, a
los que admira, pero a los que utiliza de forma simplificada y nueva.
Picasso hará lo mismo con este cuadro, posteriormente.
CLAUDE MONET:
Claude Monet nació en 1840 en Paris y pasó su infancia en Havre donde realizó sus primeras
caricaturas entre 1856 y 1858.
En 1859, Claude Monet va a Paris donde asiste a la Academia Suisa donde hizo amistad con
Pissarro. En 1862/63, en el taller de Charles Gleyre, conoció a Bazille, Renoir y Sisley.
Con su pintura, Claude Monet experimenta los deferentes efectos de la luz y la naturaleza, lo que lo
destacó en el Salón de 1865/66. Se casó con Camille Doncieux en 1870, marchando después
acompañados de Pisarro, a Londres cuando explotó la guerra entre Francia y Alemania. Terminada la
guerra, regresa a Francia y se instala en Argenteuil en los alrededores de Paris. En 1874, participa a la
primera exposición de Impresionistas en París.. En 1883, se instala en una casa espaciosa en Giverny
donde mandó hacer un jardín japonés como lo solía imaginar. Las pinturas de este jardín tuvieron
igualmente mucho éxito. Claude Monet muere el 6 de Diciembre de 1926.
El nombre de este movimiento artístico viene de su obra "Impresión al amanecer"
Su pintura es de plein air, como todo el impresionismo, cuya principal preocupación es la luz y sus
efectos: brillos, reflejos, fenómenos atmosféricos... son los objetos de atención de Monet que los plasma
con una pincelada ligera y suelta, con una factura abocetada que deja al ojo del espectador la tarea de
completar el cuadro en su retina. De esta manera, llegará a representar las formas a base de manchas
incompletas, libres de líneas y de contornos haciéndose más dinámicas.
Esta nueva percepción de la naturaleza demuestra que la visión está condicionada por el nivel
cultural del espectador que “rellena “ la obra pictórica con elementos o experiencias que conoce.
Este método de análisis que plantea Monet descompone totalmente los objetos y le conducirá
paulatinamente hacia la abstracción que alcanzará en su última serie (Los Nenúfares (1905-09)), pintada
durante los últimos años de su vida, recluido en su casa de Giverny y prácticamente ciego.
También se dedicó a pintar una y otra vez los nenúfares de su jardín japonés, elaborando una extensa
serie, llegando a una completa desintegración de las formas y transformando los nenúfares en simples
manchas de color bañadas por luces, sin embargo, no esta claro hasta que punto el límite de abstracción
que alcanzó Monet es debido a un proceso de razonamiento intelectual (como poco después haría
Kandinsky) o a sus insuficiencias físicas (ceguera) que lo condujeron por necesidad a la abstracción. Es
posible que a los Nenúfares pueda aplicárseles mejor que a ninguna otra obra el conocido dicho que
afirma que de la necesidad se hace virtud.
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TÍTULO: Impresión del sol naciente
AUTOR: Claude Monet
FECHA: 1872
ESTILO: Postimpresionismo
MATERIAL: Óleo sobre lienzo.2,08 x 2,64
LOCALIZACIÓN: Museo Marmotan,
París.
El cuadro que nos ocupa, que acabó
por dar nombre al movimiento, pretendía
reflejar lo cambiante de un mundo carente
de estabilidad por estar inmerso en una
atmósfera sometida a perpetuo cambio.
La marina aparece iluminada por una
luz naranja que se filtra a través de las nubes
difuminando los perfiles de las cosas, y se
refleja en las aguas de la bahía. Barcos y grúas apenas se distinguen ya que lo importante no son los
objetos sino la luz y la armonía cromática de naranjas, rosas, grises y azules.
El cuadro deja de ser la "ventana abierta a la realidad" que pretendían los renacentistas y se
convierte en un ente autónomo en el que la naturaleza es sólo un pretexto con el que pretende captar los
efectos ópticos creados por la luz natural sobre un paisaje o una panorámica urbana, sin consagrarse a los
detalles casuales sino procurando captar la escena con rapidez, para lo cual se valía de pinceladas visibles
y poco definidas
TÍTULO: La Catedral de
Rouen
AUTOR: Claude Monet
FECHA: 1892 en adelante
ESTILO:
Postimpresionismo
MATERIAL: Óleo sobre
lienzo.
LOCALIZACIÓN: Museo
Marmotan, París.
El concepto de "serie”
es decir un grupo de cuadros
en los que se representa lo
mismo, con ligeras
variantes, fue elaborado por
Monet como un modo de
experimentar sobre la naturaleza cambiante de la realidad. En 1877 pinta la serie de la Estación de San
Lázaro y en 1892 inicia una serie sistemática sobre la Catedral de Rouen. Sentado ante ella, Monet inicia
una nueva tela cada vez que cambia la luz y así recoge las transformaciones que sufre el monumento por
efecto de la luz, con un concepto de "instantánea" tomado de la fotografía
En una ocasión, el escritor Guy de Maupassant coincidió con Monet en la costa de Etretat y se
refirió después a la obsesión del pintor por captar los efectos de las diversas intensidades lumínicas.
Según Maupassant, Monet no parecía un pintor sino un cazador. Cuenta el escritor que Monet partía con
varios lienzos y pintaba uno detrás de otro, dejando a un lado el primero para ocuparse del siguiente en la
medida en que variaba el celaje.
Como sus contemporáneos, Monet trabajaba directamente con la naturaleza, y su sensibilidad para
percibir los cambios y transformaciones de la luz queda reflejada en muchas de sus obras. En esta obra
examinó el mismo tema expuesto a distintas condiciones meteorológicas, en diferentes horas del día o