Guitarra y música. 1 Guitarra y música Conceptos introductorios para el modulo básico del taller de música de la Universidad Don Bosco ________________________________________________ Desarrollado por: Aaron Meléndez Diciembre 2004 ________________________________________________ Departamento de Arte y Cultura ________________________________________________ Revisión octubre 2014 [email protected]
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Guitarra y música. 1
Guitarra y música
Conceptos introductorios para el modulo básico del taller de música de la Universidad Don Bosco
Si bien, este corto y rustico manual, quizás no llene las exigencias de un
guitarrista experimentado y con ansias de ritmo… fue mi primer escrito sobre el tema; a mis 17 años; siendo un recopilatorio de las lecciones preparadas por mis jóvenes manos para cumplir con las obligaciones académicas de
aventurarme en el reto de enseñar música.
No garantizo aprender; pero siento importante compartir el conocimiento; y este texto, es mi visión particular de la música. De cómo la percibo, como la
aprendí, como la practico (o practique); y de mis propias conclusiones a partir de mi dolorosa experimentación personal en el área.
Pido mil disculpas si el texto tiene errores musicales. Era un jovencito; en el
glorioso 2004. Ahora en 2014; las ganas de tocar me han abandonado.
Con especial agradecimiento a Beatriz Nájera, y Norma Cortez; quienes depositaron su confianza en mí para desarrollar este proyecto.
Guitarra y música. 3
Lección 1 Reconocimiento de la guitarra. Objetivo: Conocer e identificar la forma y postura de la guitarra, además de su
historia y sus tipos.
Breve historia de la música
En la prehistoria humana, según estudios, fue el origen de ritmos musicales
monofónicos. La música, desde la antigüedad, siempre ha sido asociada con la
divinidad, por ejemplo la cultura egipcia se pensaba que los dioses se expresaban a
través del canto. Con la cultura Persa se desarrolló la danza e instrumentos de
percusión y viento.
Ello fue base para la incursión en el ordenamiento de la música en el medio oriente en
donde los tonos básicos musicales, fueron catalogados como 4 sonidos en 8 modos.
La antigua Grecia florecía en el canto y el arpa, resultado de narrar historias con
ritmos musicales, de allí las tragedias y las comedias, En oriente se establecían cantos
y melodías de carácter religioso como los Salmos de David
Con las guerras, saqueos y pobrezas, se abandonó el interés por la música y se
convirtió en lujo de ricos; los países bajos en cambio mejoraban sus técnicas, lo que
ya hacía evidente la música regional.
En el renacimiento, se retomaron las artes, se buscó perfeccionar el arte musical y
nació la música de sinfonía y la mejora de muchos instrumentos
Cada parte del mundo tenía sus propios sonidos característicos, con el descubrimiento
de América también se descubrió las artes precolombinas, en donde la música era
parte esencial de ritos
Como en el renacimiento todavía predominaba el interés religioso se aceptó la música
a cantos de iglesias, de ahí que la escala musical haya surgido del himno de San Juan
Bautista. En la edad moderna se organizo “universalmente” la música, asignando 7
tonos y 5 semitonos, en diferentes entonaciones.
En la edad contemporánea se difundió el arte pop y nuevos ritmos muy diferentes
unos de otros; junto con la mejora de instrumentos. Se perfeccionó la teoría de los
tonos a través de comprobaciones científicas, modernas, acertadas. Desde la
prehistoria, hasta la actualidad la música es parte de la humanidad y viceversa.
Descripción y nomenclatura de los componentes de la guitarra y postura
adecuada
La guitarra es un instrumento de música perteneciente a la familia de cuerdas y se
ubica en el grupo de rasgueo. Se dice que la guitarra es originaria de Europa,
específicamente en España y Portugal; la guitarra es el instrumento más difundido en
el mundo.
La guitarra acústica clásica popular posee 6 cuerdas de diferente diámetro, la primera
cuerda se reconoce por ser la más delgada; y debidamente afinada, es la que suena
más aguda, le sigue la segunda cuerda, la tercera, que a diferencia de la primera cada
una es más gruesa de diámetro y suena más grave. Éste conjunto forma las cuerdas
armónicas (1, 2, 3).
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Posteriormente la cuarta y quinta cuerda, que por obviedad, son más gruesas y
graves. Por ultimo, la sexta cuerda, la cual es la más grave y la más gruesa. Éstas
ultimas tres cuerdas forman las cuerdas de bajo (4, 5, 6)
La guitarra posee una caja sonora, la que provoca los tonos al interactuar (tocar) con
ella; posee un mástil en el cual se sostienen las cuerdas y se ubican los trastes. En la
parte superior del mástil están las clavijas, las cuales tensionan las cuerdas, justo al
inicio del mástil esta la cejilla superior y justo por debajo de la boca de la caja está la
cejilla inferior. Estas cejillas suspenden de las cuerdas.
Su forma y sus principales partes son:
Figura 1.1
Entre la cejilla superior y la caja se ubican unas barritas, cuyos espacios se les
nombra: trastes, los cuales son 12. Los demás trastes varían en número. El promedio
de trastes en una acústica clásica popular es de 19 trastes, aunque, en otras
modificaciones puede llegar hasta 24.
Al conjunto de trastes se les conoce como: diapasón. Desde el primer traste (contando
desde la cejilla superior) hasta el noveno traste se les conoce como: superiores y en
los trastes del 9 al 12 son los trastes medios; desde el 12 al 19 son los trastes
inferiores.
La postura adecuada para tocar guitarra es con la espalda recta, manos firmes. La
mano de trasteo, su pulgar no debe estar a la vista y hay que apoyar la guitarra en
una pierna, de preferencia un poco levantada.
La mano de trasteo es con la que se pisan los trastes y la mano de rasgueo con la que
se tocan las cuerdas.
Los modelos o tipos de guitarra mas usados en el mundo, surgieron debido a
exigencias musicales, sobre todo culturales, en donde se necesitaba un sonido
característico para cada ritmo. Dichas guitarras son las siguientes:
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La Guitarra Clásica.
La guitarra convencional de seis cuerdas tuvo su origen en Italia a
finales del siglo XVIII, se supone que fue diseñada y construida
por el español Antonio de Torres Jurado en el siglo XIX. Y desde
aquel entonces, dicho diseño no tuvo muchos cambios. La guitarra
clásica es la antecesora de todas las guitarras actuales. Las
guitarras clásicas se siguen construyendo casi exactamente a la
manera de Torres, la figura más importante en la historia del
diseño y construcción de guitarras. Es la guitarra ideal para
empezar a tocar. No obstante fue Andrés Segovia el máximo
responsable de la aceptación de la guitarra como instrumento
clásico. Figura 1.2
La Guitarra Flamenca.
Su diseño se basa en la forma de la guitarra clásica, con
modificaciones para adaptarla a los requisitos del flamenco, por
razones sonoras de percepción. La guitarra de flamenco suele ser
un poco más pequeña que la clásica, y los aros y el fondo son de
ciprés español para producir un sonido más brillante y penetrante,
con mayor volumen.
Figura 1.3
La Guitarra de Tapa Plana Acústica.
Fue C. F. Martín un luthier alemán asentado en América el primero
en comercializar este tipo de guitarras que ha sufrido muy pocos
cambios a lo largo de los años, fueron las primeras en utilizar
cuerdas metálicas, y siguen siendo muy empleadas por los
interpretes de country y rock. Sus características sonoras consisten
en sonar más libre y ligera que la guitarra clásica.
Figura 1.4
Guitarra y música. 6
La Guitarra de Tapa Arqueada
Orville Gibson que había estudiado el modo en que se diseñaban
los violines, fue el impulsor de la tapa arqueada, en estos
instrumentos la caja de resonancia es curvada en vez de plana.
Tradicionalmente, la tapa y el fondo de una guitarra arqueada se
hacen tallando piezas de madera bastante gruesas y sólidas, una
técnica que permite un mayor arqueamiento. El modelo de la foto
es una Gibson L-5 de 1946 y fue la primera guitarra con agujeros
en forma de "f".
Dicha guitarra pretendía asemejarse al tono y claridad del violín, el
cual es un instrumento muy apreciado por su elegancia y precisión. Figura 1.5
Preguntas de estudio: -Describa a la guitarra
-¿Que partes considera fundamentales en la guitarra?
-¿Cómo debe ser la postura correcta del cuerpo al tocar guitarra?
-¿Cuál es la diferencia sonora entre los diferentes tipos de guitarras?
Ejercicios de aprendizaje:
Ejercicio #1
Con la mano de trasteo, colocar desde el dedo índice hasta el meñique, en el
orden: índice, medio, anular y meñique sobre los trastes 1, 2, 3 y 4
respectivamente, sobre los trastes superiores en la primera cuerda y bajar hasta
los trastes medios ejecutando el mismo orden, un traste mas abajo. Completada
la secuencia, seguir con la siguiente cuerda.
Ejercicio #2
Con la mano de trasteo, hacer algo similar que el ejercicio #1, con la diferencia
que al poner los dedos de los primeros 4 trastes en la primera cuerda, se siguen
con los 4 primeros trastes de la cuerda superior al llegar a la sexta cuerda,
empezar de nuevo desde la primera cuerda pero ahora un traste más abajo.
Ejercicio #3
Con la mano de trasteo, colocar desde el dedo meñique hasta el dedo índice en
los trastes medios y subir hasta los trastes superiores, colocando primero el
meñique, luego el anular, luego el medio y por ultimo el índice, sobre los trastes
12, 11, 10 y 9 respectivamente. Una vez realizado, volver a efectuarlo, pero
ahora un traste más arriba. Completada la secuencia; seguir con las demás
cuerdas.
Ejercicio #4
Combinar primero el ejercicio #1, al llegar a los trastes medios, ejecutar el
ejercicio #3. Ello en la primera cuerda; terminada la secuencia; seguir con las
demás cuerdas.
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Lección 2 Movimientos básicos. Objetivo: Comenzar el adiestramiento y flexibilización de muñecas y dedos.
Descripción de los movimientos de la mano de rasgueo. La mano de rasgueo (derecha para diestros, izquierda para zurdos) cumple una
función muy elemental. La mano de rasgueo se mueve de arriba hacia abajo, con
movimientos de muñeca, no debe moverse de izquierda a derecha. El brazo sólo se
mueve lo necesario. Los dedos jalan las cuerdas hacia arriba si es estilo clásico, pero
si es arpegiado, de arriba hacia abajo.
Lleva un poco de tiempo dominar y perfeccionar los movimientos de la mano de
rasgueo, pero se llega a la meta a través de la practica.
Tenga en cuenta que al aprender a tocar debidamente la guitarra hay que hacerlo con
toda la responsabilidad y disciplina, lo cual conlleva a que para tocar bien, no hay que
usar uñeta, sino únicamente los dedos; pues así ganara experiencia y habilidades.
Ejercicios de aprendizaje:
Ejercicio #5
Con la mano de rasgueo, tocar 4 veces con los dedos índice y medio (primero el
índice, luego el medio, de nuevo el índice y por ultimo el medio) cada cuerda,
desde la primera hasta la sexta cuerda
Ejercicio #6
Realizar el ejercicio #5 pero con los dedos medio y anular
Ejercicio #7
Tocar la segunda, tercera y cuarta cuerda con los dedos anular medio e índice
respectivamente, en el orden: índice, medio, anular, medio, índice;
repetidamente, en el ritmo deseado.
Ejercicio #8
Tocar 4 veces desde la primera hasta la sexta cuerda, con los dedos índice y
anular, donde se toca primero con el índice, luego con el medio, luego el índice y
por ultimo el medio.
Ejercicio #9
Tocar con el pulgar la quinta cuerda y luego la cuarta, tercera y segunda cuerda
con los dedos: índice, medio y anular en ese mismo orden respectivamente.
Repetir otra vez pero ahora el pulgar toca la sexta cuerda. Repetir este círculo
cuantas veces lo requiera.
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Lección 3 Movimientos básicos. Objetivo: Aprender a dominar movimientos básicos de destreza.
Importancia de los ejercicios de práctica. Los ejercicios de práctica sirven para adiestrar, flexibilizar, dominar y fortalecer los
dedos y manos. Ello es útil cuando se empiece a utilizar acordes o se incursione en
estilos musicales que requieren gran flexibilidad y dominio, como el estilo clásico el
andaluz e inclusive el rock, ya que se necesitan muñecas fuertes y dedos flexibles.
Solo imagínese, que tuviera que tocar en una presentación una hora, pero usted no
tiene la destreza ni la resistencia ni para una canción, es por ello que hay que
empezar ahora con el adiestramiento.
Ejercicios de aprendizaje:
Ejercicio #10
Combinar y coordinar el ejercicio #4 con el ejercicio #5.
Ejercicio #11
Combinar y coordinar el ejercicio #4 con el ejercicio #6.
Ejercicio #12
Combinar y coordinar el ejercicio #2 con el ejercicio #5.
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Lección 4 Movimientos avanzados. Objetivo: Adiestrar los dedos y agilizar los movimientos.
Ejercicios de aprendizaje:
Ejercicio #13
Similar al ejercicio # 1 y #2, lo único que al poner los dedos índice, medio, anular y
meñique de la mano de trasteo en los primeros trastes de la primera cuerda, se
sigue inmediatamente con la siguiente cuerda un traste más abajo.
Ejercicio #14
Similar al ejercicio #2, pero ahora desde los trastes medios hasta los superiores,
comenzando desde la sexta hasta la primera cuerda.
Ejercicio #15
Similar al ejercicio #2, pero ahora desde la sexta hasta la primera cuerda.
Ejercicio #16
Ejecutar el ejercicio #14, tocando con la mano de rasgueo, con los dedos índice y
medio.
Ejercicio #17
Ejecutar el ejercicio #14, tocando con la mano de rasgueo con loa dedos índice,
medio y anular.
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Lección 5 Movimientos avanzados. Objetivo: Adiestrar los dedos y muñecas para situaciones de resistencia.
Ejercicios de aprendizaje:
Ejercicio #18
Combinar el ejercicio #13 con el ejercicio #5
Ejercicio #19
Rasguear la primera cuerda con el dedo anular; la segunda con el dedo medio, la
tercera cuerda con el dedo índice, en el orden anular, medio, índice, en el ritmo
preferido; realizar lo mismo subiendo una cuerda.
Ejercicio #20
Realizar lo mismo que el ejercicio #19, pero ahora desde la sexta hasta la primera
cuerda
Ejercicio #21
Tocar con el dedo pulgar la quinta cuerda. Luego con los dedos: índice, medio y
anular; tocar la cuarta, tercera y segunda cuerda, respectivamente en el orden:
índice, medio y anular; luego tocar con el pulgar la sexta cuerda. Realizar después
los mismos pasos, pero ahora los dedos: índice, medio y anular, tocan; la tercera,
segunda y primera cuerda
Repetir este círculo cuantas veces lo requiera.
Ejercicio #22
Tocar con el dedo pulgar la quinta cuerda, luego con la mano de trasteo ejecutar el
ejercicio #1, al mismo tiempo llevar la secuencia con los dedos: índice, medio,
anular y meñique; con la mano de rasgueo. Completando los primeros 4 trastes,
tocar con el pulgar la sexta cuerda, y seguir tocando con la mano de trasteo y de
rasgueo en la misma coordinación. Empezar desde la primera hasta la sexta
cuerda.
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Lección 6 Introducción al sistema americano. Objetivo: identificar y conocer las notas y acordes en el lenguaje castellano y
sistema americano
Notas en lenguaje castellano. La escala musical moderna, tiene como base los intentos de sistematización de
antiguas civilizaciones. Pero hasta el renacimiento se reorganizó y se estructuró la
música en base a tres criterios básicos: ritmo, armonía y melodía, en los cuales la
música actual apoya sus creaciones.
La escala musical sufre algunas variaciones, del idioma dependiendo del lugar, auque
en occidente suele utilizarse una escala llamada diatonica.
La escala musical diatonica surge como las primeras sílabas de los versos del himno
de san Juan Bautista: UT, RE, MI, FA, SOL, LA, las cuales entonaban exactamente en
las notas musicales que componen la escala. Ut queant laxis Resonare libris
Mira gestorum Famuli tuorum Solve polluti
Labii reatum Sancte Joannes
Domine
Figura 6.1
Con el perfeccionamiento de las técnicas y los estudios avanzados de los tonos se
llegó a la escala moderna, más aceptada en el mundo: DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI.
“Do” sustituye a “ut”, ya que es masadecuada porque termina en vocal y se
complemento la secuencia con el semitono “Si”, provocando así una uniformidad de
tonos, clave para la transposición y experimentos físicos, ello en atribuido al
compositor francés Le Maire Notas en el Sistema Americano. El método más usado para la identificación de notas es: el sistema americano
(conocido también como cifrados), el cual representa con letras y números las notas
musicales. Utiliza también símbolos especiales para la representación de las
variaciones de una nota.
Sistema Americano A B C D E F G
Escala musical La Si Do Re Mi Fa Sol
El sistema americano toma como base la nota La en el conteo, representándola con la
letra “A”, las demás notas siguen la secuencia del alfabeto, hasta la nota “Sol”, donde
inmediatamente está la nota La.
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Existen otros sistemas como el numérico, que asigna números específicos a las notas
y a sus variaciones, pero por su complejidad, solo trataremos el sistema americano
por ser el más usado.
Bemol y Sostenido. Hay que recalcar antes que nada la diferencia entre una nota y un acorde.
Acorde: combinación de frecuencias (ó notas) que al complementarse, crean un
sonido que cumple con las características básicas de una nota.
Nota: es un tono natural, no resultado de combinación. Lo llamaremos tonos puros a
dichas notas.
Tono: es un sonido característico, con frecuencia precisa. La tonalidad media entre
tonos se llama semitono o sobre-tono.
Estos semitonos se ubican en un lugar estratégico de la escala musical, y son llamados
sostenidos ó bemoles. Si en una escala musical que va desde el tono más grave,
hasta el más agudo, el semitono es sostenido. Caso contrario en la escala se va desde
el tono más agudo al más grave, es bemol.
En el sistema americano se representan de la siguiente manera:
Sostenidos……………. #
Bemol………………… b
Su ubicación en la escala musical es:
Los semitonos toman el valor de su nota antecesora, ya sea
ascendente ó descendente
Hay que tomar muy en cuenta que entre “Mi - Fa” y “Si y
Do” no existen semitonos.
Es necesario que el aprendiz, repita varias veces la escala
música, al derecho y al revés, para facilitarle su
comprensión escalar.
Tenga en cuenta, que en una escala musical, C es más
grave que todas las demás notas, entonces B es la nota más
aguda, mientras las demás notas se mantienen en esa
secuencia de grave a agudo o viceversa.
Figura 6.2
Variaciones de una nota. Una escala musical de Do a Si (C a B) es conocida como una octava. La secuencia más
usual para representar octavas es con números, indicando si es grave, media ó aguda
Esta es la secuencia de octavas más usadas, perteneciente a la escala de tonos puros.
La secuencia de C4 y B4 generalmente en sistema americano, se escribe sin número
(C -B), ya que es la octava más usada.
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Mientas mas alto sea el número, es más aguda la nota, ya que por ejemplo, C3 es un
tono grave, entonces D3 es un poco más aguda que C3, y E3 es un poco más aguda
que D3.entonces la nota y el número indican una altura, que es la relación entre lo
agudo y lo grave.
Tenga presente que existe octavas para clasificar acordes y octavas de tonos puros.
Entonaciones de un acorde. Los acordes presentan ciertas variaciones en su sonido, de entre las cuales las más
usadas son las siguientes:
Mayor: es la entonación natural de los acordes. Suena generalmente alegre.
Menor: es una entonación grave de un acorde (pero en su misma octava) que da la
sensación de tristeza. Se representa con la letra “m” minúscula.
Cuando una nota no tiene sufijo de entonación, debe entenderse que el acorde es
mayor.
Suspendida: es la entonación hacia lo agudo de un acorde (pero en su misma octava),
que da la sensación de exaltación. Se representa con el sufijo “Sus”
Séptima: no es precisamente una entonación más bien es la séptima octava (en tonos
graves) y se complementa con la cuarta octava. Es una percepción más grave de una
nota. Se estudiará la séptima por ser muy usada, a pesar de no ser una entonación
directa se representa con un “7”.
Todas estas entonaciones aplican en cualquier tono y semitono.
Posición de Re, La, Mi y Do Ahora se verán las posiciones de los acordes más indispensables.
Re mayor
La mayor
Mi mayor
Do mayor Figura 6.3
Realizar una pequeña práctica con estos acordes.
Posición de Re menor, La menor, Mi menor y Do menor.
Re menor
La menor
Mi menor
Do menor
Figura 6.4
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Realizar una pequeña práctica con estos acordes.
Posición de Re Sus, La Sus, Mi Sus y Do Sus.
Re Sus
La Sus
Mi Sus
Do Sus
Figura 6.5
Realizar una pequeña práctica con estos acordes.
Posición de Re 7, La 7, Mi 7 y Do 7.
Re 7
La 7
Mi 7
Do 7
Figura 6.6
Realizar una pequeña práctica con estos acordes.
Diferencia entre mayor, menor, suspendido y séptima. Como ya se dijo, menor es una leve entonación aguda con una percepción triste.
Mayor es una entonación idealmente natural que suena alegre.
El suspendido es una entonación con percepción de entusiasmo.
Séptima es una octava, perteneciente al tercer grupo de octavas, en donde están los
tonos graves.
Todos estos, no alteran son básicamente un acorde, ya que se ubican en la misma
octava, con la diferencia en su entonación lo que varia su percepción.
Otros acordes. Existen además otros acordes, los cuales llamaremos absoluto por su forma y
entonación. Dichos acordes, el más popular es Sol y Sol 7, los cuales lo
diferenciaremos con el sufijo “bis”.
Sol bis
Sol 7 bis Figura 6.7
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Orden de la escala musical. Una secuencia de tonos desde el más grave hasta el más agudo, teóricamente es
infinita, pero como sólo un pequeño grupo de tonos son percibidos por el oído
humano, se suelen clasificar como octavas; las cuales se dividen en grupos (para
simplificarlos más) y se crean entonaciones para cumplir con ciertas exigencias y
reducir más la cantidad de tonos y obtener una secuencia de sonidos de graves,
medios y agudos.
A dicha secuencia, la más usual y aceptada, en el método musical cromático es:
C C# D D# E F F# G G# A A# B C
Preguntas de estudio:
-¿Qué es una escala musical?
-¿Cuál es la diferencia entre una nota pura y un acorde?
-Explique las principales entonaciones que presenta un acorde
-¿Qué es un semitono?
-¿Cuál es la diferencia entre sostenido y bemol?
-mencione los principales acordes en una guitarra
Ejercicios de aprendizaje:
Ejercicio # 23
Tocar los acordes D, A, E, C. Repetir este círculo cuantas veces lo requiera en ese
orden, en el ritmo deseado.(figura 6.3)
Ejercicio #24
Practicar las posiciones de Do y Sol bis, en ese círculo en el ritmo deseado.
(figura 6.3 y figura 6.7)
Ejercicio #25
Practicar las posiciones de Do7 y Sol 7 bis, en ese círculo en el ritmo deseado.
(Figuras 6.4 y figuras 6.7).
Guitarra y música. 16
Lección 7 Introducción al sistema americano. Objetivo: Que el alumno identifique el origen de los acordes a escala conocidos
como tendidos, basándose en la escala musical básica.
Orden de una escala música. Hay que recordar que en una escala de grave a agudo, existen semitonos entre las
notas a excepción de E-F y B-C; donde no existen. Toman los semitonos el nombre de
sostenidos en una secuencia de grave a agudo:
C, C#, D, D#, E, F, F#, G, G#, A, A#, B, C.
En una escala de agudo a grave los semitonos toman el valor de bemol:
C, B, Bb, A, Ab, G, Gb, F, E, Eb, D, Db, C.
Bemol y sostenido. Los semitonos son sostenidos o bemoles. Si una cuerda está entonada en Mi, si se
baja un traste, automáticamente en el semitono siguiente o tono; en este caso es Fa,
si se baja otro traste, el sonido será Fa#. Lo mismo ocurre en bemol. Si se sube un
traste el sonido baja un semitono ó tono automáticamente. Cuando se baja un traste
(de trastes superiores a inferiores), sube la nota; Cuando se sube un traste (de
trastes inferiores a superiores), baja la nota.
Tendidos en Re Si se realiza el siguiente acorde Re y se toma en cuenta la posición de los dedos. Si
con el dedo índice se pisa todas las cuerdas en el primer traste y se bajan un traste
los demás dedos se obtiene Re#, es decir, un semitono más alto; si se sigue bajando,
se obtendrá siempre un semitono más alto.
Re
Re# / Mib
Mi
Fa Figura 7.1
Teniendo cuidado que por ejemplo, este acorde de Mi, es mas agudo que el otro
acorde de mi, descrito en la lección anterior.
Guitarra y música. 17
Tendidos en Re menor. Al igual que en el punto anterior. Si se coloca el dedo índice como cejilla y se baja de
traste, se sube de tono.
Re menor
Re# /Mib menor
Mi menor
Fa menor
Figura 7.2
Tendidos en Re7. Al igual que los puntos anteriores. Si al acorde de D7 se utiliza el índice de cejilla y se
baja de traste, se sube de semitono.
Re 7
Re #7
Mi 7 ó Mi7
Fa 7 ó Fa 7
Figura 7.3
Ineficacia de los tendidos en Re y sus variaciones. Estos tendidos son la base para la teoría de octavas de acordes, a pesar que estos se
prefieren tocar con acordes equivalentes.
Estos acordes casi no se usan, debido a la dificultad de realizarlos y por lo
extremadamente agudos. A pesar de ello es necesario conocerlos, ya que en algún
momento podrían ser usados.
Tendidos en La. Si se realiza el acorde de A y de utiliza dedo índice como cejilla y se baja los demás
dedos un traste se obtiene un semitono más alto; si sucesivamente se sigue subiendo
de tono si se bajan de uno en uno de trastes.
La 4
La# /Sib
Si
Do
Figura 7.4
Guitarra y música. 18
Tendidos en Am. Al igual que en el punto anterior. Si se sube un tono será A#m, si se sube otro tono
será Bm, etc.
La menor
La# / Sib menor
Si menor
Do menor
Figura 7.5
Tendidos en A7. Al igual que los puntos anteriores, si se sube un semitono, sube la nota.
La 7
La# / Sib 7
Si 7
Do7
Figura 7.6
Tendidos en E. Si al realizar el acorde de E se bajasen un traste más los dedos y se pusiera el dedo
índice sobre el primer traste en todas las cuerdas como cejilla, se obtendrá F; si se
sigue bajando se tendrá F#, etc.
Mi 4
Fa 4
Fa# / Sol b 4
Sol 4
Figura 7.7
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Tendidos en Em. Si al realizar el punto anterior, pero ahora con Em, se subirá el tono.
Mi menor
Fa menor
Fa# / Solb
menor
Sol menor
Figura 7.8
Tendidos en E7. Cabe mencionar que el acorde más melódico de E7 séptima es:
Pero en situaciones en que se necesite mayor velocidad ó
precisión puede sustituirse por este acorde (ver figura 7.10),
la cual es la base para los tendidos de este acorde.
Figura 7.9
Mi 7
Fa7
Fa# / Solb 7
Sol7
Figura 7.10
Preguntas de estudio:
-¿Qué es un acorde?
-¿A que se refiere los acordes tendidos o a escala?
-Explique en que forma un acorde puede aumentar o disminuir su agudeza.
-¿Cuáles son los tendidos de los principales acordes?
-¿Qué orden presentan los tendidos en la escala musical?
Mi 7
Guitarra y música. 20
Ejercicios de aprendizaje:
Ejercicio #26.
Practicar los acordes a escala de D5 en base a sostenidos.
Ejercicio #27.
Practicar los acordes a escala de Dm5 en base a sostenidos.
Ejercicio #28.
Practicar los acordes a escala de D8 en base a sostenidos.
Ejercicio #29.
Practicar los acordes a escala en A en base a sostenidos.
Ejercicio #30.
Practicar los acordes a escala en Am en base a sostenidos.
Ejercicio #31.
Practicar los acordes a escala en A7 en base a sostenidos
Ejercicio #32.
Practicar los acordes a escala en E en base a sostenidos.
Ejercicio #33.
Practicar los acordes a escala en Em en base a sostenidos.
Ejercicio #34.
Practicar los acordes a escala en E7 en base a sostenidos.
Guitarra y música. 21
Lección 8 Introducción a octavas. Objetivo: Identificar y comprender la organización de una nota, en cuanto a su altura, y la organización de los acordes recibe en el rango de los tres grupos de octavas.
Diferencia entre nota y acorde. Hay que recordar que es una nota y su diferencia de un acorde.
Una nota ideal es un tono natural ó puro causado por un solo cuerpo. Por ejemplo,
cuando se toca una cuerda.
Un acorde es la combinación de tonos naturales, cuyo resultado es un sonido similar
alo de una nota.
Escala musical básica. Como ya se dijo, una escala musical de C a B se le conoce como octava.
Octava: serie diatónica en que se incluyen las siete notas de una escala musical.
La escala básica es: C, D, E, F, G, A, B.
Incluyendo los semitonos, en una octava existen 12 sonidos, lo cual compone la serie
cromática.
Bemol y sostenido. Es necesario repasar los bemoles y los sostenidos.
Cuando en una secuencia de notas, vamos desde los sonidos mas graves hacia los
más agudos, la secuencia será en sostenido (#):
C C# D D# E F F# G G# A A# B
Cuando llevamos una secuencia de tonos del más agudo hacia el más grave, entonces
usaremos los bemoles (b).
B Bb A Ab G Gb F E Eb D Db C
Recordamos además, que dichos bemoles y sostenidos se aplican a los semitonos y
toman el valor de su nota antecesora, y que además, entre E-F y B-C no existen
semitonos.
Octavas de tonos puros. Los tonos puros llevan una misma secuencia y se organizan en un solo grupo,
subdividiéndose en octavas.
Los tonos puros más graves son los de la primera octava, los tonos más agudos son
los de la octava 8.
Recordemos que en una secuencia normal:
C D E F G A B C
Se repite dos veces C. El C del principio es la nota más grave de la octava, el C final
es el doble de agudo que el C del principio, pero como en una octava no pueden existir
notas de misma nomenclatura, el C del final pertenece a una nueva octava, más
aguda que la anterior.
Guitarra y música. 22
Para ello se suelen utilizar números, que identifican las octavas. Tales números son 1,
2, 3, 4, 5, 6, 7 y 8, de los cuales mientras más menor sea el número, es más grave la
octava, mientras más alto sea el número, es más aguda la octava.
La octava anterior, representada correctamente desde el tono mas grave seria:
Octavas de acordes. En la teoría musical, el acorde se comporta de manera muy diferente a un tono puro,
por lo que resulta conveniente agruparlo en grupos de octavas para su comprensión.
Tenga en cuenta que estos grupos son únicamente de estudio y comprensión, no
representan a precisión la naturaleza del acorde.
Para las notas de los acordes se utilizan siempre números para indicar su altura, pero
puede ser muy fácil confundirlas con tonos puros, por lo que se necesita mucho
cuidado en ello.
Primer grupo de octavas. En este grupo oscilan las notas más ligeras ó agudas de todas. Tiene 36 sonidos se
divide además en tres octavas.
Octava 0
Comprenden los tonos graves del primer grupo de octavas, en sistema americano se
escribe la nota seguida del número “0”. C0, D0, E0, F0, G0, A0, B0.
Dicha octava es puramente teórica, pues en la practica no existe ningún acorde
entonada a su nota cero.
Octava 1
Comprende los tonos medios de este grupo se representa por el número “1”.
C1, D1, E1, F1, G1, A1, B1.
Guitarra y música. 23
Octava 2
Comprende los tonos agudos de este grupo. Se representa por el número “2”.
C2, D2, E2, F2, G2, A2, B2.
Segundo grupo de octavas. En este grupo están todos los sonidos con tonalidad media. Idealmente son tonos
puros los que se encuentran en este grupo. Son 36 sonidos y tres octavas.
Octava 3
Son los tonos graves naturales. Se representan por el número “3”.
C3, D3, E3, F3, G3, A3, B3.
Octava 4
Son los tonos medios naturales. En sistema americano se representan por el número
“4”, pero por ser la octava más usada, generalmente sólo se pone la nota.
C4, D4, E4, F4, G4, A4, B4. Ó bien C, D, E, F, G, A, B.
Octava 5
Son los tonos agudos naturales, se representan por el número “5”.
C5, D5, E5, F5, G5, A5, B5.
Tercer grupo de octavas. En este grupo están los tonos graves (aunque hay otros grupos de octavas más
graves) posee 36 sonidos y tres octavas.
Octava 6
Son tonos graves de este grupo. Se representan por el número “6”.
C6, D6, E6, F6, G6, A6, B6.
Octava 7
Son los tonos medios de este grupo. Se representan por el número “7”.
C7, D7, E7, F7, G7, A7, B7.
Octava 8
Son los tonos agudos de este grupo. Se representan por el número “8”.
C8, D8, E8, F8, G8, A8, B8.
En los tres grupos de octavas existen alrededor de 108 sonidos.
Dichos grupos de octavas (la llamaremos teoría de grupos) se basan en la
organización de los tonos puros, pues acústicamente, no es lo mismo por ejemplo, D7
que D8, ya que poseen diferentes alturas.
Lo más común es que los acordes no poseen octavas realmente (lo llamaremos teoría
de entonación), sino que la numeración son entonaciones a sus notas.
Por ejemplo, D7, es en realidad D entonada a su séptima nota y D8 entonada a su
octava nota, y ambas se encuentran en una misma octava indefinida, la cual se
supone que es la octava 4.
Como aprendiz, debe ser su prioridad aprender primero los acordes en su forma y
aplicación, y cuando fuese conveniente, estudiar su estructura.
Entonación mayor. Las octavas vistas están en su entonación mayor. Generalmente suenan alegres.
Una nota cualquiera, que no tenga sufijo de entonación, debe entenderse que es
mayor.
Guitarra y música. 24
Entonación menor. Las octavas vistas en acordes todas pueden y tienen entonación menor, el cual las
hace percibir como tonos tristes. Para su representación, se les agrega una letra “m”
Minúscula.
Ejemplo: Cm, Am7, Dm5.
Entonación suspendida. Las octavas vistas en acordes, todas pueden y tienen entonación suspendida, el cual
consiste en prolongar el acorde en su siguiente nota, provocando una disonancia
agradable, dando la sensación de impotencia.
Lo representamos con el sufijo “Sus”.
Ejemplo: CSus, Am7Sus, Dm5Sus
Entonación disminuida. En la teoría de grupos, la entonación disminuida es una octava imaginaria. Por
ejemplo, después de B5 que es agudo sigue C6 que es grave. Si se olvidase C6 como
parte del tercer grupo de octavas y se tomase como continuación de B5 hacia más
agudo, se obtendría una nueva escala, la cual se conoce como disminuida.
En la teoría de entonación, es el acorde con el valor agregado a su quinta nota una
octava más abajo.
Se representa por el símbolo del número ordinal “º”, por ejemplo Cº, Aº, Bº.
Entonación aumentada. Igual que en el caso anterior, hay que imaginarse que B2 no existe, y en su lugar está
la secuencia aumentada ello en la teoría de grupo, pero en la teoría de entonación, es
el acorde con el valor agregado a su quinta nota una octava más arriba.
Se representa por el símbolo de la letra “M” mayúscula,
Ejemplo GM, CM, DM.
Preguntas de estudio:
-¿Qué es una octava?
-¿Qué es un tono puro?
-¿Qué es una acorde?
-¿Qué es una entonación?
-Explique la secuencia de octava de tonos puros.
-Explique la secuencia de octava de la teoría de grupo.
-Explique la teoría de entonación.
-¿Cómo diferenciar un tono puro de un acorde?
-¿Qué es la entonación mayor?
-¿Qué es la entonación menor?
-¿Qué es la entonación suspendida?
-¿Cómo diferenciar la entonación mayor, menor y suspendida?
-¿Qué es la entonación disminuida?
-¿Qué es la entonación aumentada?
-¿Cómo distinguir entre la entonación disminuida y aumentada?
Ejercicios de aprendizaje:
Ejercicio #35.
Practicar los acordes a escala en A en base a bemol.
Ejercicio #36.
Practicar los acordes a escala en Am en base a bemol.
Ejercicio #37.
Practicar los acordes a escala en A7 en base a bemol.
Ejercicio #38.
Practicar los acordes a escala en E en base a bemol.
Guitarra y música. 25
Ejercicio #39.
Practicar los acordes a escala en Em en base a bemol.
Ejercicio #40.
Practicar los acordes a escala en E7 en base a bemol
Guitarra y música. 26
Lección 9 Introducción a notas especiales.
Objetivo: aprender a usar las variaciones de un acorde.
Aplicaciones de los aumentados y disminuidos. Estas entonaciones tienen por objetivo tener una amplia gama de tonos que se
adecuen a las características sonoras de la letra de una canción y la voz del cantante.
Suspendidos. Muchas personas manejan unos acordes suspendidos, aunque en algunos libros
aparecen otros muy distintos, en este caso veremos ambos.
Suspendido de un acorde. Este es el verdadero acorde. Trata de tocar únicamente las cuerdas principales de un
acorde, es decir las cuerdas que dan entonación al acorde. Por ejemplo el suspendido
de A, es tocar únicamente la segunda, tercera y cuarta cuerda, es decir, las cuerdas
pisadas para hacer el acorde. Las demás cuerdas no se tocan. En sistema americano
suele confundirse con el otro suspendido, en clase lo determinaremos con el símbolo
“’sus”. Ejemplo A’sus, Dm’sus.
Figura 9.1
Suspendido de una nota. Este es la entonación suspendida, consiste en prolongar una nota con una leve
entonación de su siguiente nota provocando disonancia. Lo identificaremos por “Sus”
ejemplo: ASus, DmSus.
Agregados. Es un término muy reciente. Es similar al suspendido, solamente que agrega una nota
al acorde para darle un nuevo valor. Es el método usado discretamente para acordes
equivalentes el símbolo es: “add”
Ejemplo: Cmadd9 (Do menor con el valor agregado de su novena nota) Aumentado. Como ya se dijo el aumentado es una octava imaginaria más grave. En la teoría de
entonación, es el acorde entonada a su quinta nota una octava mas arriba como un
valor agregado.
Disminuido. Como el aumentado, es una escala imaginaria más aguda. En la teoría de entonación,
es el acorde con el valor agregado una octava mas abajo en su quinta nota.
La importancia de los acordes especiales. Todos los acordes vistos son indispensables para entonar adecuadamente la letra de
una canción con respecto a la voz del cantante.
Por ejemplo, la palabra “ti”, generalmente, en la mayoría de voces entona en A, pero
si se tiene una voz más aguda o grave, puede ser traspuesta la nota.
Guitarra y música. 27
Si se desea cantar la sílaba con tristeza puede usarse Am, si se desea pronunciar con
disimulo, o con fuerza, puede usarse A7.si se desea melancolía para una voz
masculina, puede usarse AM, pero si es una voz soprana, es decir aguda, puede
usarse A5.
Estos son ejemplos de cómo las variaciones de un acorde pueden ayudar a satisfacer
las exigencias musicales, al momento de componer.
Preguntas de estudio:
-Según sus palabras, que es un acorde.
-¿Qué es un acorde especial?
-¿Explique cada caso de suspendido?
-¿Qué entiende de un acorde de valor agregado?
-¿Qué es un aumentado?
-¿Qué es un disminuido?
-¿Considera útil las variaciones de los acordes? ¿Por qué?
Ejercicios de aprendizaje:
Ejercicio #41.
Tocar en modo suspendido de una nota la escala de acordes de E en secuencia
de sostenido y bemol.
Ejercicio #42.
Tocar en modo suspendido de una nota la escala de acordes de A en secuencia
de sostenido y bemol.
Ejercicio#43.
Tocar en modo suspendido de una nota, la escala de acordes de D en secuencia
de sostenido y bemol.
Ejercicio#44.
Tocar los acordes disminuidos en secuencia de sostenido y bemol.
Ejercicio #45.
Tocar los acordes aumentados en secuencia de sostenido y bemol.
Guitarra y música. 28
Lección 10 Simbología americana. Objetivo. Determinar y conocer los símbolos empleados en la representación de
notas.
Simbología de octavas para tonos puros. Recordemos que cada nota posee una altura, la cual determina su relación entre la
percepción grave y aguda del sonido.
Para determinar dicha altura, se emplea los números, los cuales indican la octava, ya
que musicalmente, la altura se expresa en octava.
Se emplea los números del 1 al 8, y mientras más menor sea el número, la nota es
más grave, mientras más mayor sea el número, es más aguda la nota.
La octava, es tan solo la representación de la altura de la nota, en relación a una
escala musical de C a B.
Por ejemplo, tenemos C4 y D4.
D4 es un poco más grave que C4, lo suficiente, para que el oído pueda diferenciar
entre las dos notas. Pero C5 es el doble de aguda que C4, y C6 es el doble de aguda
que C5 y el triple de aguda que C4.
Para asignar una octava a una nota, solo basta con colocar a la derecha el número que
representa su altura.
Simbología de octavas para acordes. Recordemos que el acorde es la combinación de tonos puros, cuyo sonido obtenido
cumple la función e una nota.
Por ello, la estructura de los acordes es mucho más compleja y distinta que la de los
tonos puros.
Revisemos la simbología de los acordes en base a la teoría de grupo:
Primer grupo de octavas:
Según esta teoría, son los acordes con la tonalidad más aguda y encierra los acordes
de la octava cero, uno y dos, en donde la cero es la más grave, la uno es la media (de
este grupo) y la segunda es la aguda.
Tenga en cuenta que la octava cero es simplemente teórica, ya que no existe ningún
acorde entonada a su nota cero en la practica.
Para representar dichas octavas, solo colocamos el número a la derecha de la nota,
ejemplo:
E0, E1, E2.
Segundo grupo de octavas:
Estos acordes son de tonalidad media, y ocupan la tercera, cuarta y quinta octava, de
las cuales, la tercera es la grave, la cuarta es la media y la quinta es la aguda, en su
grupo.
Por lo general, según la teoría de grupo, el acorde que no posee octava, debe
entenderse que se ubica en la octava cuatro, ello a causa de ser la escala básica.
Ejemplo:
E3, E4, E5.
Tercer grupo de octavas:
Este grupo conforma los acordes mas graves, abarcando las octavas seis, siete y ocho,
en donde la seis son los sonidos graves, los medios son la séptima y los graves la
ocho.
Ejemplo:
E6, E7, E8. Puede resumirse la relación de las octavas de los acordes en el siguiente cuadro:
Guitarra y música. 29
Graves Medios Agudos
Primer grupo C0 D0 E0 F0 G0 A0 B0 C1 D1 E1 F1 G1 A1 B1 C2 D2 E2 F2 G2 A2 B2
Nombre de la canción: _________________________________________________
Como puede verse, usar la simbología americana y la tablatura son insuficientes, pues
no expresan ningún tiempo. Cualquier guitarrista que intente interpretar la melodía,
sin nunca haberla escuchado, podría jamás atinar con precisión al tiempo y ritmo
original.
Al utilizar el cuadro de rasgueo solo indicamos la dirección y duración del rasgueo,
pero no la nota. El cuadro de rasgueo solo es útil para indicar el rasgueo de una
melodía. Entonces es posible combinar el cuadro de rasgueo con la tablatura o el
sistema americano, para expresar así, con algo de exactitud el ritmo y tiempo de una
canción.
Al usar lenguaje de móvil, se presenta muy bien el tiempo, pero el lector puede
equivocarse fácilmente de línea, si la partitura es larga, por lo cual es insuficiente.
Al usar pentagrama, se representa gráficamente con exactitud el tiempo y el ritmo,
por lo cual es el método idóneo y esencial en la música: La única desventaja que
presenta, es que no es muy útil si el guitarrista no tiene amplio dominio de tiempos,
métrica y símbolos.
Guitarra y música. 53
Preguntas de estudio:
-Explique el uso de la nomenclatura americana
-Explique el uso de la tablatura.
-Explique el uso del cuadro de rasgueo.
-¿En que forma le seria útil utilizar el lenguaje de móvil?
-¿Explique el uso del pentagrama?
-¿Cuál es la principal desventaja de cada uno de los métodos vistos? Ejercicios de aprendizaje:
Ejercicio # 70.
Ejecutar el ritmo # 64 en su ritmo indicado tocando únicamente las cuerdas de
bajo.
Ejercicio # 71.
Tocar arpegiado el ejercicio # 64 así: la tercera, segunda, y primera cuerda lo
tocan los dedos índices, medio y anular respectivamente en el orden: anular,
índice, medio, anular y medio. Justo entonces cambiar al siguiente acorde y
seguir con el mismo arpegio, en el ritmo deseado.
Guitarra y música. 54
Lección 18 Coordinación de bajos por ritmos. Objetivo: aprender a coordinar la continuidad de tiempos y bajos en grupos de
guitarras.
Sincronía. Sincronía: (de sincrónico) eventos simultáneos debidamente ordenados. La sincronía referida a la música, es el debido orden de los sonidos, originando el
término de unísono.
Unísono: mismo o único sonido.
Pero esta definición es muy vaga, pues únicamente encierra canciones ejecutadas por
un instrumento.
Entones, en música de grupo, se refiere a exactitud y precisión, en un lapso de
tiempo. En consecuencia, se puede decir que la sincronía es una cualidad de la
armonía y melodía.
Ritmos y coordinación de grupos. La debida coordinación y exactitud de una melodía, al ser tocado por un grupo de
intérpretes, genera una bella y hermosa expresión musical, que si es precisa será
perfecta.
Sin la sincronía y coordinación de grupo seria muy difícil llevar una secuencia de
ritmos en una orquesta, sinfonía ó canción; pues cada cual se perdería en la melodía,
originando un caos.
Para una interpretación con instrumentos de cuerdas, las asociaciones grupales más
comunes son:
Solista: cuando una sola persona ejecuta la canción. En este caso se recomienda
tocar únicamente los acordes de una canción sin arreglos o extravagancias.
Dúo: cuando dos personas ejecutan la canción. Para este caso se recomienda que
ambos ejecuten los mismos acordes, o bien que, que uno se dedique a ello, y el
otro se dedique a los arreglos.
Trío: cuando tres personas ejecutan la canción. En este caso se realiza lo mismo
como si fuese dúo pero la tercera persona toca las cuerdas de bajo, o algún
instrumento de bajo.
Cuarteto: cuando cuatro personas ejecutan la canción. En esta situación se realiza
como si fuese dúo. La tercera persona toca las cuerdas de bajos de cada acorde,
mientras la cuarta persona toca algún instrumento de bajo.
Quinteto: cuando 5 personas ejecutan una canción. Se realiza como si fuese
cuarteto, pero la quinta persona toca algún instrumento de cuerda como chelo ó
violín.
Orquesta: cuando varias personas ejecutan una canción: cada quien aporta un
instrumento conforme lo necesite la melodía.
Guitarra y música. 55
Preguntas de estudio:
-¿Qué es sincronía?
-¿Cuál es la importancia de la coordinación de grupo?
-Explique y describa cada ejemplo de música de grupo. Ejercicios de aprendizaje:
Ejercicio #72
Formar tríos. La 1° Y 2° persona ejecutan el ejercicio #64. La 3° toca el ejercicio
#70, todos en sincronía.
Ejercicio #73
Formar tríos. La 1° persona ejecutará el ejercicio #71. La 2° persona ejecutará el
ejercicio #68 sin bajos con un acorde por cambio y la 3° persona tocara el
ejercicio #68 únicamente los bajos; todos en sincronía.
.
Guitarra y música. 56
Lección 19 Uso de bajos. Objetivo: Aprender a usar los bajos como fondo y entonación
Bajos. Como se ha dicho los bajos son sonidos profundos y graves. La guitarra, presenta 3
cuerdas (4, 5, y 6); las cuales crean un sonido de bajo, fácilmente reconocido por su
diferencia a sonidos agudos.
Sonidos graves. Los sonidos graves tienen frecuencias entre: 20hz y 200hz aproximadamente.
Cuando un sonido grave es originado por un cuerpo sin control, como un motor de
combustión es simplemente ruido. Cuando el sonido no tiene una frecuencia definida,
y es demasiado grave pero es originada por un instrumento musical; entonces es
ruido musical. Pero cuando esa vibración toma valor de una frecuencia precisa,
entonces es una nota musical.
Octavas para bajos. Las octavas para tonos bajos puros son las octavas 1, 2, y 3, pues recordando que las
octavas de los tonos puros van del tono más grave (C1) hasta el tono más agudo
(B8), no hay que confundirlo con las octavas para los acordes. Para instrumentos
como el contrabajo se encuentran entonces en la clave de Fa, pues a esa clave
pertenecen dichas octavas.
Amplitud para bajos. Amplitud: extensión vertical de una onda.
Entonces, musical y acústicamente, la amplitud es la extensión y proporción de una
onda sonora, que generalmente, se expresa en una gráfica verticalmente.
Figura 19.1
Cuando necesitamos sonidos bajos como simple entonación, es necesario, por lo
habitual, usar sonidos de muy baja amplitud, pues así el sonido es más discreto, como
al usar un contrabajo.
Figura 19.2
Guitarra y música. 57
Cuando necesitamos sonidos bajos como instrumento secundario, es necesario usar
sonidos con una amplitud media, pero no una mayor a la del instrumento principal,
pues es muy probable generar una distorsión. En este caso pueden mencionarse las
percusiones y efectos electrónicos de batería.
Figura 19.3
Por lo general, los instrumentos de bajos y percusiones, tienen una forma irregular en
su frecuencia.
Figura 19.4
Bajos de la guitarra. Las cuerdas de los bajos de la guitarra de 6 cuerdas son la 4°, 5° y 6° cuerdas.
Ello debido al que al tocarse una nota en esas cuerdas, ser utiliza la tercera o cuarta
octava, en donde están los tonos más graves de la clave de Sol.
Además varía la amplitud de una nota tocada en esas cuerdas además de las notas.
Por ejemplo al tocar G4, en la sexta cuerda al mismo tiempo que tocar G4, pero en la
tercera cuerda, se notará que suenan relativamente igual, pues es la misma nota y la
misma frecuencia, pero la amplitud de la tercera cuerda es mayor la de la 6° cuerda,
haciéndola más notoria y perceptible su sonido.
Entonces las cuerdas de bajos de la guitarra, además de poseer octavas bajas,
también poseen una amplitud relativamente baja en comparación a las demás
cuerdas.
Instrumentos de bajos. En el ámbito musical, existen instrumentos que únicamente producen sonidos bajos,
los cuales cumplen una función muy importante según su naturaleza y uso, los cuales
los más populares son:
Cuerdas:
Bajo
Contrabajo
Piano forte
Percusiones:
batería
Bombo
Guitarra y música. 58
Viento:
Trompeta
Tuba
Profundidad de bajos. Los bajos tienen la cualidad de tener una fuerte influencia sobre la percepción de un
melodía en las emociones del oyente, ya sea los bajos como entonación o instrumento
secundario.
Por ejemplo una canción electrónica tiene un efecto alegre por sus efectos de batería;
en cambio, una triste canción ejecutada por un violín; puede conmover al oyente, pero
si ese violín fuese acompañado por un chelo, dicha canción fuese capaz de tocar
emociones y provocar lágrimas.
Entonces la profundidad de un bajo, depende de la creatividad del músico, pues si se
desea que los bajos expresen las emociones del músico como melancolía, es necesario
emplear los bajos con pasión e intensidad. Pero si se desea transmitir alegría, es
preciso usar bajos más adecuados y ligeros.
Los bajos como entonación. Los bajos pueden ser usados como entonación, empleándolos en los cambios de cada
acorde, o bien entonando cada sílaba de una canción (siguiendo normas métricas).
Por ejemplo, para el siguiente párrafo los acordes son:
Eres tú, solo tú.
A A
Si se desea un tiempo alegre, puede tocarse los tiempos de bajos de cada acorde. Si
se desea mayor percepción, puede usarse las cuerdas de bajo como un solo sentido,
acompañado de algún arpegio.
Pero si se desea una mayor sencillez, puede tocarse en el bajo, directamente la nota a
la que se hace alusión. En este caso el acorde es A, entonces el bajo se toca en el tono
puro de A.
Los bajos como fondo. Los bajos pueden ser usados como instrumentos secundarios ó de fondo, ya no como
entonación, sino como parte integral en la pieza musical.
Por ejemplo, se tiene a las sinfonías en donde la mayoría de veces no existe un
vocalista que acompañe la música, entonces la composición es más libre, pues no se
sujeta a las entonaciones de una lírica. Entonces los contrabajos dejan de entonar una
lírica y entonan con mayor precisión y libertad la melodía.
Otro buen ejemplo de ello las interpretaciones instrumentales de jazz.
Los bajos como instrumento principal. Como se ha explicado anteriormente, los bajos son muy utilizados como entonaciones,
fondos e instrumentos secundarios. Pero últimamente, los ritmos con fuerte presencia
contemporánea, han optado por ocasiones de utilizar algún instrumento bajo como
instrumento principal, sobre todo en las introducciones musicales.
En este caso, dicho instrumento, deja de entonar una melodía y se convierte en el
ejecutor principal de la melodía.
Preguntas de estudio:
-¿Qué es un bajo?
-¿Cuáles son las características de los sonidos bajos?
-En la música, ¿Qué utilidad tienen los bajos?
-Mencione y describa algunos instrumentos de bajos no citados en esta lección.
-¿Cuáles son las opciones de uso de los bajos?
-¿Qué es un bajo de entonación?
Guitarra y música. 59
-¿Qué es un bajo secundario?
-¿Qué es una bajo de fondo?
Ejercicios de estudio:
Ejercicio # 74.
Tocar los acordes Dm5, Em, F, Am con sus bajos en tiempo de 2/4, un acorde por
compás.
Ejercicio # 75.
Tocar el ejercicio # 74 en un tiempo de 3/4, donde un acorde por compás.
Ejercicio # 76.
Tocar el Ejercicio # 74 en tiempo de 4/4, un acorde por compás.
Ejercicio # 77
Tocar el Ejercicio # 74 en tiempo de 8/4, donde dos acordes por compás.
Guitarra y música. 60
Lección 20 Ritmos adecuados. Objetivo: Aprender sobre la historia y evolución musical de la humanidad.
Música de la prehistoria. La música, al principio de la civilización humana, no era precisamente música, era más
bien ruido, que toscamente había sido aprendida a usar y producirla en instrumentos
de percusión, lo cual era indispensable en ritos de la cacería, en las tribus nativas.
No se sabe precisamente en que momento el ser humano aprendió a apreciar sonidos
y sobre todo, a crear nuevas formas de producirlos.
Los sonidos producidos por el hombre en su prehistoria eran muy vacíos, no
melódicos, monótonos y monofónicos, pues solo eran golpes en rocas o pieles
tensadas.
Música egipcia. En la cultura egipcia deja de apreciarse los sonidos como simple ruido, e inclusive
surgen los primeros instrumentos musicales, que a pesar de ser estos monótonos o a
lo sumo bitonos, eran muy importantes en rituales, que habían pasado de ser
primitivos a religiosos, pues inclusive, se llegó a pensar que las divinidades se
expresaban a través del canto y la música. Debido a ello, las artes musicales se
consideraban como privilegio exclusivo de la alta sociedad.
A partir de esta cultura, la música formo parte crucial, hasta nuestros días, en eventos
religiosos, guerras y niveles sociales.
Música asiática. La música asiática, antes del renacimiento europeo, fue de vital importancia para la
música contemporánea, pues surgieron numerosos instrumentos de viento y de
cuerdas, algunos de ellos que se mantienen en nuestros días.
Estos instrumentos, a pesar de no ser de precisión, presentaban en su mayoría,
principalmente los de cuerdas, la polifonía, pues se podía ejecutar en ellos breves
melodías mayores a 5 sonidos diferentes. Ejemplo de ello es el Arpa y la cítara.
En Asia también surgen los primeros intentos de sistematización musical, por ejemplo,
en la actual india, se optó por dividir los sonidos musicales en 7, subdivididos en 22
notas.
Inclusive se crearon 4 formas de ritmos primarias, las cuales son el ritmo libre (alap),
un ritmo más o menos acelerado (el jog), un ritmo más rápido (jahl) y sobre todo el
ritmo o mejor dicho método de acompañamiento a un solista, (gat), el cual se podría
decir que era una forma rústica y sin métrica de la polifonía.
El islamismo, en otro caso, había dividido los sonidos musicales en cuartos de tonos
creando melodías muy complejas.
La música asiática seguía siendo ocupada en actos religiosos, aunque había surgido
también en una tendencia hacia la plebe.
A pesar de ello, cada civilización Asiática tenía su propia identidad social, el cual era
reflejado en sus composiciones musicales. Prueba de ello era la música profana de los
nómadas, los cánticos de los Salmos. Inclusive, la seriedad de la música china.
Guitarra y música. 61
El baile, empezó entonces, a ser popular, donde las mujeres se movían al ritmo de
percusiones y ligeras entonaciones de cuerdas, acompañadas en ocasiones de
cánticos.
No tardó en invadir a Europa oriental los diversos cantos musicales asiáticos,
despertando inclusive la curiosidad de filósofos griegos por organizar la música.
Tal caso Pitágoras, Platón y Aristóteles, cuyos algunos principios, se basa la actual
escala diatónica más usada en el mundo. Dichos filósofos tocaron vagamente la
acústica, al darse cuanta que un sonido se repetía cíclicamente duplicando su
agudeza. Inclusive, Pitágoras llegó a postular que la actual nota A4 poseía 440
oscilaciones por segundo.
Entonces la música fue apreciada como excelente melodía en narraciones, surgiendo
las clásicas tragedias griegas.
Se llegó a pensar las divinidades se entretenían con música, pues inclusive, se
contaron leyendas de sirenas que hipnotizaban a los marineros con su cántico, o del
dulce arpa tocado por las ninfas.
A pesar de la tremenda importancia de la antigua música asiática, esta seguía siendo
monofónica, e improvisada en bailes, cánticos, actos religiosos, etc. Ya que no se
había ideado un método preciso para graficar cada sonido.
Música Precolombina. No quedan muchos rastros sobre la música de los nativos americanos.
La música, en las diferentes civilizaciones siempre estuvo muy ligada a rituales
religiosos y muy respetados, pues se llegó a creer que los dioses residían en sus
instrumentos musicales, considerados sagrados.
Los escasos instrumentos que todavía se fabrican y no han sido adaptados a la escala
cromática, poseen 5 sonidos básicos. Música medieval. La música de la edad Media estaba prácticamente estancada. No habían ocurrido
muchos cambios desde Roma. Lo que sí había cambiado era una la música dividida
socialmente, pues mientras la plebe bailaba melodías profanas, las iglesias mantenían
una constante distancia de ellas, a la vez que la música de orquesta, era privilegio de
personas de alto rango social.
Entre los pueblos se vuelven populares rústicos instrumentos de cuerdas como la
bandolía y la mandolina.
El progreso musical, se puede decir, es nulo.
Música moderna. La música moderna, empieza propiamente con la música renacentista.
Justo en ese lapso histórico empiezan diversos modos de arte, como el barroco o el
gótico.
El baile y la danza evolucionan sorprendentemente, junto con los ritmos, además de la
creación de nuevos y sorprendentes instrumentos.
Cambia individualmente los cánticos religiosos a cápela, mejorando las técnicas
vocales.
Se idean novedosos métodos para escribir la música, incursionando además, en la
polifonía.
Durante el período Post-renacentista surge la guitarra. Surgen grandes músicos que
establecen fuertes bases musicales, como la polifonía, el pentagrama y el dominio
matemático del tiempo en la música.
Guitarra y música. 62
A partir del siglo XVII la música deja de ser simplemente profana o religiosa,
evolucionando como el romanticismo y el realismo.
Entonces la música descubre su potencial en ámbitos totalmente nuevos, como la
política a ejemplo de ello, la música revolucionaria.
Con la revolución industrial, los instrumentos europeos tuvieron mucho auge en el
resto del mundo, principalmente el occidental.
Con la electricidad y sus aplicaciones, surgen las primeras grabaciones musicales (de
muy baja calidad) impresas en un carrizo magnético, dando la posibilidad de
reproducirlas y prácticamente inmortalizarlas.
Además se incursiona en la electrificación y perfección de los instrumentos musicales,
al punto de hacerlo una ciencia.
La música alcanza su máximo auge, gracias a los medios masivos radiales,
divulgándose una grabación en diversos lugares.
Música contemporánea. Los métodos de grabación se perfeccionan, cambiando el carrizo magnético por cinta
magnética, el cual sufre diversas modificaciones hasta el actual cassette de 10x6.3
mm. Posterior a ello, se descubre la importancia de dos oídos, incorporando el estéreo
a las cintas de audio.
En las últimas décadas del siglo XX, se crean los discos, que graban en dos caras, los
cuales también sufren varios cambios de tamaño y velocidad, hasta llegar a los
actuales discos compactos, que conservan digitalmente la información contenida en
ellos. Mejorando la claridad del audio.
Surgen numerosos géneros musicales, que al combinarse con sus predecesores, crean
una diversidad de sonidos.
La música se perfecciona, adoptando la escala diatónica en la mayor parte del mundo.
Con el surgimiento de la electrónica, se crean nuevas formas de difusión y grabación,
además de nuevos aditamentos que facilitan el oficio musical.
La música deja de ser impersonal, pues se le otorgan los créditos al creador de una
pieza musical llegando hasta el punto de hacer de la música una atracción comercial.
Música del siglo XX. Los intereses políticos e ideologías marcaron a la música, al inicio del siglo XX. Sobre
todo el nacionalismo.
Surgen varios géneros que se venían levantando en los círculos sociales, pues la ópera
era privilegio de acaudalados, mientras los blues eran sonidos de los barrios negros.
A mediados del siglo surgen ritmos muy llamativos, incitadores al baile, sobre todo los
latinos, los cuales evolucionaron y algunos han cambiado radicalmente.
A finales del siglo, existen diversos estilos musicales, ya sean ligeros, pasivos, rápidos
o agresivos. Para diversos gustos, y más sorprendente aún la combinación de ellos.
La música es ahora polifónica y politónica, con varios métodos de representación y
métrica.
Guitarra y música. 63
Preguntas de estudio:
-¿Cuál es la importancia cultural de la música?
-¿En que forma influyen la música del mundo antiguo, en la música
contemporánea?
-Realice un profundo análisis sobre la evolución musical de la humanidad, y de
cómo Ud. Puede aprovechar tal patrimonio.
Ejercicios de aprendizaje:
Ejercicio #78.
Elegir un ritmo, tiempo y melodía de una canción al azar y practicarla, de
preferencia en grupos de 3 a 5 persona.
Guitarra y música. 64
Lección 21 Ritmos aplicados. Objetivo: Aprender a aplicar ritmos, además de conocer los ritmos regionales.
Ritmos asiáticos. Los ritmos asiáticos, se han caracterizado por su elegancia, sobriedad, y sobre todo
nostalgia.
Cada región asiático tiene su propio estilo musical, el cual en nuestros días, parece
fusionarse son la electrónica, la mayoría de las líricas románticas. Expresan un
ambiente entre lo étnico y artificial.
Aún así, se preservan muchos instrumentos antiguos, tocados casi igual que hace
cientos de años, sobre todo en culturas muy conservadoras de su esencia histórica.
Ritmos africanos. Los ritmos africanos siempre han sido excelentes para el baile y la danza.
Las civilizaciones de la región boscosa y sabanera siempre se han caracterizado por
percusiones muy alegres, voces entusiastas y aplausos de palmas.
Contemporáneamente dichos ritmos se mantienen y han mejorado con instrumentos
mejor fabricados y más precisos.
Las civilizaciones de las regiones desérticas se han caracterizado por una dulzura y
precisión además de unas ejecuciones vocales sorprendentes.
La mayoría de sus melodías expresan alegría y nostalgia. Actualmente la música de
esta región entra en una etapa de transición, hacia la electrónica, a causa de los
nuevos interpretes y la influencia europea.
Ritmos europeos clásicos. Lo que caracterizó a Europa durante y después del renacimiento fue sus increíbles
interpretaciones polifónicas de varios instrumentos.
La región occidental europea tuvo muchos logros musicales, como la creación de
varios instrumentos de cuerda, además de su perfección lo que más caracterizó a los
ritmos de esta región fue su soberbia, precisión y nostalgia, llegando a crear bellas
interpretaciones en complejos métodos musicales, como la sinfonía.
En las regiones del actual Reino Unido surgieron inigualables instrumentos de vientos
como la ancestral gaita.
En toda Europa, quizás los más increíbles instrumentos difundidos fueron el piano, el
violín y el chelo. Ritmos europeos contemporáneos. En Europa predomina ahora la electrónica, se llegó a ello cuando los interpretes de
hace una generación incursionaron en el teclado y al presentarse la oportunidad de
recrear electrónicamente el sonido de instrumentos, y más sorprendentes aún, el de
poder utilizar octavas que no se encuentran en un instrumento limitado como la
flauta, se empezó a convertir la música acústica en eléctrica.
Ahora los interpretes y autores enfrentan la dificultad de hacer sonar sus canciones
naturales y no artificiales Reino Unido fue cuna de grandes grupos rock, que han
encontrado el balance entre lo acústico y lo eléctrico.
Guitarra y música. 65
Ritmos Norteamericanos. Norteamérica fue cuna de diversos ritmos que marcaron a varias culturas y
generaciones de las cuales, han servido de base para nuevos estilos muy radicales.
Los principales ritmos norteamericanos son:
*Blues *Country *Disco
*Jazz *Rock.
Ritmos mexicanos. La característica música mexicana es la ranchera, que surgió como ritmos afines entre
las haciendas después del periodo colonial.
Los instrumentos principales de las rancheras son las guitarras, los contrabajos, el
violín, las trompetas y sobretodo una voz fuerte y madura.
Actualmente México es la cuna de nuevos intérpretes, con fuertes influencias
románticas, acústicas, eléctricas y con gran interés en baladas pop ó rock. Ritmos centroamericanos. La principal música centroamericana es la de orquesta, con influencias tropicales, tales
como la salsa, el merengue y la cumbia. Además, se encuentra ahora diversos ritmos
como norteñas (con influencia de rancheras), el pop, el rock, y la música instrumental.
Ritmos suramericanos. Los ritmos predominantes en Sudamérica son ligueros y versátiles, similares a los
españoles, como el tango o la música andina. Tienen mucha importancia los
instrumentos de viento y de cuerdas.
Música caribeña. La música caribeña es música muy alegre y viva, donde los principales instrumentos
son los de viento y percusión. Las líricas ejecutan un juego de voces muy naturales.
La principal cualidad de esta música es la facilidad de expresar tristeza, alegría ó risa
en las líricas, prácticamente sin cambiar la esencia de la música, y sobre todo incitar
al baile.
Arte pop. El arte pop, es en su esencia, la expresión popular entre el pueblo.
Entonces puede decirse que en cada región tiene su propio arte pop, es decir de
dominio común, como la música escuchada en las conmemoraciones de
independencia, pues todo mundo conoce el ritmo y la lírica.
Pero no hay que confundir la música popular con la folklórica, pues esta ultima son
sonidos que identifican a una comunidad ó región, cuyo autor es considerado en
mismo pueblo (ya que el autor quedo en el anonimato), y ha sido transmitido a través
de las generaciones.
Entonces la música folklórica es popular, por ser parte de la esencia del pueblo.
Ahora se maneja el pop como la música más aceptada y escuchada. Entran en el
género pop las baladas, el rock, los ritmos tropicales, etc., pues son ritmos de gustos
masivos. A pesar de ello se considera que el pop es únicamente música ligera,
romántica y de personas “fresas”.
Rock. El rock actual dejo de ser “pasivo” y empezó a ser “agresivo”, dejo de ser bailable
pero mantuvo lo enérgico.
Existen variaciones muy distintas en el rock, desde voces pasivas, hasta voces
agresivas y agudas. Desde baladas, hasta ensordecedoras interpretaciones.
Guitarra y música. 66
Cada tipo de rock tiene su esencia, pero han mantenido la guitarra como instrumento
principal.
Los tipos de rock más populares son:
*Metal *Punk
*No metal *Ska
*Electrónico ó industrial *Heavy metal
*Pop rock *Rock alternativo
*Rock sinfónico
Jazz y blues. Los blues son intensas interpretaciones vocales muy melancólicas, propias de la
cultura afroamericana.
De los blues surgen el rap y R&B, que a pesar de ser muy diferentes, mantienen el
deseo étnico.
El jazz es también música de afroamericanos muy movida y entusiasta, además de ser
muy libre.
Los principales instrumentos son los de viento (trompeta, saxofón tuba), y también los
de cuerda de tonos bajos (bajo, contrabajo) además de un piano tradicional o pipen.
Hip-Hop. El hip-hop es la música cuyas líricas tienen por objeto expresar con franqueza las
vivencias diarias, con una melodía profunda, sin adornos, y sobre todo percusiones.
Los ritmos pertenecientes al hip-hop son:
*Rap *R&B
*Blues
Sinfonía. La música sinfónica es la más compleja y la más sofisticada, conocida también como
música académica.
La principal característica de la sinfonía es que reúne a los más versátiles y