folder_SK2010

Dear Ladies and Gentlemen,

It’s already been six years since we first introduced Warsaw citizens to the most interesting occurrences in world music and culture. It is our great privilege to invite you once again to be a part of Warsaw Cross-Culture Festival, one of the greatest events of this kind in Poland and in our part of Europe. So far, we have hosted over 120 artists from 45 countries. We are proud to say that this year our festival has been included among the 25 best international festivals, selected by Songlines – top magazine on world music. Bearing in mind that only in Europe, there are at present several hundred similar musical events, this is indeed something to be proud of.

This year’s festival will be divided into theme segments: each day has been planned according to the artists’ regions of origin. Music derived from Iberian and Ibero-American tradition is at the heart of the programme – stars such as Concha Buika or Mayra Andrade will be performing in Poland for the first time. Africa will be represented, among others, by Ladysmith Black Mambazo and Salif Keita. Chinese day looks very interesting. Alongside classical quartet Qing Mei Jing Yue, we will have an opportunity to hear the outstanding Mongolian group, Hanggai, as well as Xinjiang-born Kazakh vocalist, Mamer. Cross-Culture will not lack a Polish accent. Osjan, a music group that was one of the pioneers of world music, will be celebrating their 40th anniversary with us.

Our journey together into the most interesting musical regions will be accompanied by music workshops, documentary screenings, a “Off Beijing” exhibition and a special multicultural menu at Cafe Kulturalna near Dramatyczny Theatre. We shall please all your senses.

We heartily invite you to the inauguration of the festival on September 26!

Andrzej MatusiakDirector of Stołeczna EstradaFestival Producer

wArSAwCroSS

CuLturefeStivAL

Marek Garztecki Festival Art Director

3

Gdzie? wHere?

Koncert inauguracyjnySala Kongresowa, PKiN opening Concert Congress Hall, PKiN

Koncerty namiot festiwalowy pod PKiN

Concerts festival tent near PKiN

Klub festiwalowy Café Kulturalna przy Teatrze Dramatycznym festival Club Café Kulturalna in the Dramatyczny Theatre

Pokazy filmów KinotekaMovies Kinoteka

4

Koncert inauguracyjnyivAn LinS, ConCHA BuiKA Sala Kongresowa, PKiN opening Concert ivAn LinS, ConCHA BuiKA Congress Hall, PKiN

Koncerty w namiocie festiwalowym pod PKiN Concerts in the festival tent near PKiN

Koncert dziecięcy w namiocie festiwalowym pod PKiN

Children concert in the festival tent near PKiN

Koncert finałowy warsztatów Muzycznych w namiocie festiwalowym pod PKiN final Concert of Music workshopsin the festival tent near PKiN

Karnety (z wyłączeniem koncertu inauguracyjnego, dziecięcego i finału warszatów muzycznych)the whole festival tickets (excluding the opening, children and final music workshops concert)

filmy – Muzyka w dokumencieMovies – Music in documentary

BiLetYtiCKetS

30, 40, 60 PLN

20 PLN

10 PLN

bezpłatne karty wstępufree admission cards

80 PLN

bezpłatne karty wstępufree admission cards

Bilety do nabycia: www.eventim.pl Biuro Festiwalowe Stołeczna Estrada (22) 628 44 50, ul. Marszałkowska 77/79

tickets available at: www.eventim.pl Festival Office, Stołeczna Estrada (22) 628 44 50, ul. Marszałkowska 77/79, Warsaw

Gdzie kupić?

whereto buy?

5

ProGrAM

dzieCi ŚwiAtA nA SKrzYŻowAniu KuLtur (Bułgaria/Polska)

ivAn LinS (Brazylia)ConCHA BuiKA (Hiszpania)

CACiQue’97 (Portugalia/Mozambik)LAdYSMitH BLACK MAMBAzo (RPA)

tAMBureLLiSti di torrePAduLi (Płd. Włochy)MAYrA AndrAde (Wyspy Zielonego Przylądka)

MAMer (Chiny)QinG Mei JinG Yue (Chiny)HAnGGAi (Chiny)

CArLoS LiBedinSKY & nArCotAnGo (Argentyna)AStiLLero (Argentyna)

Projekt specjalny „oSJAn i goście” (Polska/Japonia)

Koncert finałowy warsztatów Muzycznych

SALif KeitA (Mali)

26/09 (niedziela)godz. 12.00 namiot festiwalowy

26/09 (niedziela)godz. 19.00Sala Kongresowa, PKiN

27/09 (poniedziałek)godz. 19.00 namiot festiwalowy

28/09 (wtorek)godz. 19.00namiot festiwalowy

29/09 (środa)godz. 19.00namiot festiwalowy

30/09 (czwartek)godz. 19.00namiot festiwalowy

1/10 (piątek)godz. 19.00 namiot festiwalowy

2/10 (sobota)godz. 15.00namiot festiwalowy

2/10 (sobota)godz. 20.30namiot festiwalowy

6

ProGrAMMe

CHiLdren of tHe worLd At CroSS-CuLture(Bulgaria/Poland)

ivAn LinS (Brazil)ConCHA BuiKA (Spain)

CACiQue’97 (Portugal/Mozambique)LAdYSMitH BLACK MAMBAzo (South Africa)

tAMBureLLiSti di torrePAduLi (South Italy)MAYrA AndrAde (Cape Verde)

MAMer (China)QinG Mei JinG Yue (China)HAnGGAi (China)

CArLoS LiBedinSKY & nArCotAnGo (Argentina)AStiLLero (Argentina)

Special project “oSJAn & Guest“(Poland/Japan)

final Concert of Music workshops

SALif KeitA (Mali)

26/09 (Sunday)12.00

festival tent

26/09 (Sunday)19.00

Congress Hall, PKiN

27/09 (Monday)19.00

festival tent

28/09 (tuesday)19.00

festival tent

29/09 (wednesday)19.00

festival tent

30/09 (thursday) 19.00

festival tent

1/10 (friday)19.00

festival tent

2/10 (Saturday)15.00

festival tent

2/10 (Saturday)20.30

festival tent

7

ivAn LinSBrazylia/Brazil

Koncert inauguracyjny

26/09Godz. 19.00Sala Kongresowa, PKin

fot.

Leo

Ave

rsa

8

Jego kariera kompozytora, piosenkarza, autora tekstów, pianisty i perkusisty trwa od 35 lat i obejmuje 27 płyt, przy ponad 350 piosenkach nagranych w Brazylii i setkach na całym świecie. Jest jednym z najczęściej nagrywających i najbardziej znanych brazylijskich kompozytorów – wielokrotny zdobywca nagród Grammy i Latynoamerykańskich Grammy.

Ivan Lins współpracował w latach ‘80 z takimi współczesnymi znakomitościami jak George Benson i Quincy Jones, który właściwie odkrył go dla międzynarodowej publiczności. W 1980 r. utwór Linsa Dinorah, Dinorah znalazł się na bijącej rekordy sprzedaży płycie gitarzysty George’a Bensona Give Me the Night.Od tamtej pory wiele znakomitości świata jazzu i popu nagrywało utwory Ivana Linsa, wśród nich Ella Fitzgerald, Barbra Streisand i Sting. Krytycy uznają go za godnego następcę Antonio Carlosa Jobima.

The career of the composer, singer, songwriter, pianist, percussionist and lyricist has spanned 35 years and 27 records, with over 350 songs recorded in Brazil and hundreds more around the world. He is one of Brazil’s most recorded and best-known composers – the multiple Grammy Award winner and Latin Grammy Award winner.

Ivan Lins has collaborated in the 80’s with urban contemporary greats such as George Benson and Quincy Jones who actually discovered him internationally. In 1980 Lins‘ composition Dinorah, Dinorah was featured on guitarist George Benson’s top-selling Give Me the Night album. Since then, many jazz and pop greats, including Ella Fitzgerald, Barbra Streisand and Sting, have recorded songs of Ivan Lins. Critics consider him a worthy successor to Antonio Carlos Jobim.

26 27 28 29 30 01 02 Congress Hall, PKinopening Concert

fot. Leo Aversa

9

Concha Buika urodziła się w 1972 r. w Palma de Mallorca. Dorastała w środowisku cygańskim. Od dziecka ujawniała muzyczny talent. Momentem kluczowym było zaproszenie od Pata Methenego, który ostatecznie przekonał ją do rozpoczęcia kariery muzycznej.

Buika czerpie z tak różnych stylów muzycznych jak copla, tango, bulería, bolero, muzyka kubańska i jazz. Łączy je z niebywałym wdziękiem i spontanicznością.

Jej debiutancki album Buika ukazał się w 2005 roku. Rok później wyszedł drugi album Mi niña Lola, nagrodzony jako Najlepszy Album i Najlepsza Produkcja podczas ceremonii rozdania Hiszpańskich Nagród Muzycznych. Jej trzeci projekt Niña de Fuego, wprowadził ją do świata najlepszej współczesnej muzyki fusion i zdobył dla niej nominacje dla Najlepszego Albumu i Najlepszej Produkcji podczas ostatniej edycji latynoamerykańskich nagród Grammy.

Concha Buika was born in 1972 in Palma de Mallorca. Her family came from Equatorial Guinea and she grew up among Gypsy people. Ever since she was a child her musical talent was evident. An invitation from Pat Metheny to join him on stage was a turning point that convinced her to concider singing as a career.

Buika draws from such different genres as copla, tango, bulería, bolero, Cuban music and jazz, mixing them together with grace and spontaneity.

Her debut album Buika was released in 2005. A year later, her second album Mi niña Lola came out. It was awarded Best Album and Best Production at the Spanish Music Awards. Her third recording project, Niña de Fuego, helped to introduce her into the universe of the best contemporary fusion music, and it was nominated for Best Album and Best Production at the last edition of the Latin Grammy Awards.

26 27 28 29 30 01 02 Congress Hall, PKin

opening Concert

oPeninG ConCert

10

ConCHA BuiKAHiszpania/Spain

26/09Godz. 19.00SALA KonGreSowA, PKin

Koncert

inauguracyjny

26/09Godz. 19.00Sala Kongresowa, PKin

11

CACiQue‘97 Portugalia/MozambikPortugal/Mozambique

27/09Godz. 19.00nAMiot feStiwALowY

fot.

Rita

Ca

rmo

12

Kolektyw afrobeatowy Cacique‘97 powstał w 2005. Cacique to wódz rdzennych plemion brazylijskich. Liczba ‘97 to hołd oddany Fela Kuti – oznacza rok jego śmierci.

Tworzą go muzycy o korzeniach mozambikańskich i portugalskich, z grup takich jak Cool Hipnoise, Philharmonic Weed i The Most Wanted – znanych projektów muzyki funk, reggae i afro sound. Pasja i miłość do muzyki Feli Kuti i Tony’ego Allena połączyła tych muzyków w dążeniu do wspólnego celu: stworzyć kolektyw odzwierciedlający lizbońską mieszankę, łączyć charakterystyczne miejskie rytmy nigeryjskiego afro beatu z tradycją muzyczną afrykańskich krajów portugalskojęzycznych i Brazylii, zawsze obecnych w stolicy Portugalii.

Muzyka Cacique‘97 jest pełna pozytywnych wibracji. Słysząc ten gąszcz tanecznych rytmów nie sposób spokojnie usiedzieć w miejscu.

Afrobeat collective Cacique‘97 was born in 2005. Cacique means chief of indigenous Brazil tribe. The ‘97 is their tribute to Fela Kuti, which denotes the year he died.

With musicians of Mozambican and Portuguese origins, this collective incorporates members from groups such as Cool Hipnoise, Philharmonic Weed and The Most Wanted – well known projects in the areas of funk, reggae and the afrosound. The passion for the music of Fela Kuti and Tony Allen has united these musicians for the pursuance of a common goal: to create a collective that mirrored the Lisbon mixture by crossing the characteristic urban Nigerian rhythm, which is afrobeat, with the musical tradition of the African Portuguese speaking countries and Brazil which has always been very present in the Portuguese capital.

This music is full of positive vibrations. Hearing this multitude of dance rhythms, it is impossible to sit still.

26 27 28 29 30 01 02 festival tent

fot. Rita

Ca

rmo

Koncert transmitowany przez Program 2 Polskiego radia

13

Utworzona we wczesnych latach ‘60 ubiegłego wieku w RPA przez Josepha Shabalalę (wówczas młodego rolnika, a potem robotnika w fabryce), grupa przyjęła nazwę Ladysmith Black Mambazo. Ich filozofią było i jest zachowanie muzycznego dziedzictwa, przy jednoczesnym dostarczaniu rozrywki. Grupa zapożycza z tradycyjnego nurtu muzycznego isicathamiya (is-kot-a-MI-Ja), który rozwinął się w południowoafrykańskich kopalniach, gdzie jedyną rozrywką po sześciodniowym tygodniu pracy było śpiewanie w niedzielne poranki.

Od ponad 40 lat, Ladysmith Black Mambazo łączy zawiłe rytmyi harmonizacje swoich rodzimych południowoafrykańskich tradycji muzycznych z brzmieniem i emocjami chrześcijańskiej muzyki gospel. Rezultatem jest muzyczna i duchowa alchemia, która dotyka serc słuchaczy na całym świecie, niezależnie od przynależności religijnej, kulturowej czy etnicznej.

Assembled in the early 1960s, in South Africa, by Joseph Shabalala(at the time a young farmboy turned factory worker) the group took the name Ladysmith Black Mambazo. Their philosophy was – and continues to be – just as much about preservation of musical heritage as it is about entertainment. The group borrows heavily from a traditional music called isicathamiya (is-cot-a-ME-Ya), which developed in the mines of South Africa, where the workers entertain themselves after a six-day week by singing songs into the wee hours on Sunday morning.

For more than forty years, Ladysmith Black Mambazo has married the intricate rhythms and harmonies of their native South African musical traditions to the sounds and sentiments of Christian gospel music. The result is a musical and spiritual alchemy that has touched a worldwide audience representing every corner of the religious, cultural and ethnic landscape.

26 27 28 29 30 01 02 festival tent

14

LAdYSMitH BLACK MAMBAzorPA / South Africa


fot.Rob

ert Hoffm

an


15

tAMBureLLiSti di torrePAduLi

Płd. włochy / South italy 28/09

Godz. 19.00nAMiot feStiwALowY

16

Tamburellisti są duszą tradycji Pizzica i Taranta. Legendarna grupa z Torrepaduli (Lecce) należy do prekursorów muzycznego odrodzenia regionu Salento, zapoczątkowanego w latach osiemdziesiątych. Na czele grupy stoi wokalista Pierpaolo De Giorgi, znany na świecie filozof i esteta. Część grupy stanowi najsłynniejsza sekcja tamburynistów z Salento, należy też do niej niezwykła tancerka, Serena D’Amato – ikona sceny tanecznej Taranta.

Symbolem, który wiąże się z Taranta jest pająk. Pająki, tak jak kobiety, tworzą wszechświat z własnego centrum, plotąc coś z niczego, prosto z brzucha. Ta wiedza zachowała się w tradycji Pizzica, a taniec Taranta jest wciąż wykonywany zarówno przez mężczyzn jak i kobiety. Tarantata, ktoś kto został ukąszony przez pająka, staje się pająkiem i przedstawiany jest jako kobieta nieposkromiona. Obraz ten nawiązuje do tańca Królowej Pszczoły w kulcie Dionizosa i Kybele, która podobnie jak Tarantata, tańczy w ekstazie i boskim stanie szaleństwa.

Tamburellisti is the soul of Pizzica and Taranta tradition in itself. The legendary band from Torrepaduli (Lecce) is one among the masterminds of Salento’s musical renaissance since the 80’s. They are lead by singer Pierpaolo De Giorgi, internationally known philosopher and aesthete. The band includes the most famous tambourine section from Salento and the exceptional ballerina Serena D’Amato – icon of the Taranta dance scene.

The symbol which is connected with la Taranta, is the spider. The spider – like women – create the universe from their centre, spinning something from nothing, right out of their belly. This knowlege is preserved in the tradition of la Pizzica and still danced today by both men and women. The Tarantata, the one bitten by the spider, becomes the spider, described as a wild woman. She echos the dancing bee priestess of the cults of Dionysus and Cybele, who like the Tarantata, dances in ectasy and divine states of madness.

26 27 28 29 30 01 02 festival tent


17

Mayra Andrade urodziła się na Kubie w 1985 r. Najmłodsze lata spędziła na Wyspach Zielonego Przylądka. Żyła w wielu miejscach, takich jak Senegal, Angola czy Niemcy i ostatecznie osiadła w Paryżu, zachwycona kosmopolityczną mieszanką stolicy Francji. Jest kompletnym muzycznym samoukiem, komponuje na gitarze wolna od ocen i uprzedzeń płynących z akademickich reguł i „logicznych” harmonii. Jej debiutancki album Navega wydany w 2006 r., był zbiorem piosenek czerpiących z najróżniejszych muzycznych stylów i barw. „Tradycyjna muzyka jest bardzo specyficzna. Rozpoznaję ją po pierwszym akordzie. Porusza mnie i jest istotą mojej twórczości” – mówi Mayra. Jej kolejna płyta, Stória, Stória... z 2009 roku, nosi ślad wielu podróży. Słychać na niej muzykę Wysp, na przykład we wskrzeszonej przez nią bandeirze, rytmie charakterystycznym dla wyspy Fogo, afrykańskie rytmy oraz ekspresyjny walc. Mayra Andrade poszukuje własnej muzyki, całkowicie zanurzona w stylistycznej różnorodności.

Mayra Andrade was born in Cuba in 1985, spent her earliest years in Cape Verde. She has lived in several places, including Senegal, Angola and Germany and finally she touched down in Paris, drawn to the capital city’s cosmopolitan blend of many different cultures. She is an entirely self-taught musician who writes on the guitar, free ofthe judgment and prejudice that can come with academic formulas and “logical” harmonies.Her debut album Navega released in 2006, was the collection of songs that are nourished by different musical styles and colours. “Traditional music is very specific. I recognize it after the first bar. It moves me and gives me substance.” – says Mayra. Her next album Stória, Stória..., from 2009, bears the mark of many journeys. We could hear Cape Verdean music presented for example in her revival of the bandeira, a rhythm typical of the island of Fogo, African rhythms and expressionist waltz. Mayra Andrade searches for her own music, fully immersed in the stylistic diversity.

26 27 28 29 30 01 02 festival tent

18

MAYrA AndrAde wyspy zielonego Przylądka /Cape verde


19


MAMerChiny (Sinkiang)China (Xinjiang)


fot.

Dou

g K

ant

er20

Mamer urodził się i wychował w hrabstwie Qitai w północno-wschodniej prowincji Sinkiang – sercu kultury muzułmańskiej w Chinach. To tu dorastał Mamer, wsłuchując się w brzmienie chińskiej muzyki ludowej nadawanej w radiu oraz tradycyjnej muzyki kazachskiej na łąkach i pastwiskach.Artysta nie rozstawał się nigdy na długo ze swoją dumbrą, tradycyjną lutnią koczowniczej Azji Środkowej, którą spotkać można wszędzie w Kazachstanie, Kirgistanie i Uzbekistanie, i na której grają Kazachowie mieszkający w Chinach. Smukły instrument stanowi dar natury dla człowieka i jest symbolem koczowniczego trybu życia.

Mamer w swojej twórczości łączy tradycyjne kazachskie pieśni ludowe z zachodnim folkiem, rockiem i wirtuozerską grą na gitarze. Przejmująca, liryczna, pochłaniająca i subtelna muzyka jest czymś w rodzaju współczesnego podkładu muzycznego dla bezkresnych łąk, tchnieniem życia w starodawne pieśni i instrumenty tego magicznego krajobrazu. Niski, donośny głos Mamera dodaje elementu magii tej często żałobnej, a zarazem rozdzierająco pięknej muzyce.

Mamer was born and raised in Qitai County in Xinjiang Province wich is the heart of Muslim culture in China. This is where Mamer grew up, to a soundtrack of Chinese folk music on the radio and the traditional Kazakh music of the grasslands. Never far from Mamer was his dombra, the traditional lute of nomadic Central Asia, found all over Kazakhstan, Kyrgyzstan and Uzbekistan, and also played by Kazakhs living in China. The slender dombra was nature’s gift to man and is the ultimate symbol of nomadic life.

Mamer combines Kazakh folk songs with Western folk, rock and virtuosic performances on guitar. Haunting, lyrical, ambient and subtle music is a modern soundtrack to the open grasslands, breathing life into the ancient songs and instruments of this magical landscape. Mamer’s low, resonant voice adds a magical element to the often mournful, yet heartbreakingly beautiful music.

26 27 28 29 30 01 02 festival tent

21

Koncert retransmitowany przez Program 2 Polskiego radia

Qing Mei Jing Yue – kwartet klasycznej muzyki chińskiej wydobywający subtelne dźwięki tradycyjnych instrumentów – guzheng, erhu, pipy i yangqin. Nazwa kwartetu pochodzi od nazwisk czterech kobiet-muzyków: FAN Weiqing (Qing), YU Hongmei (Mei), YANG Jing (Jing), LIU Yuening (Yue).

Swój pierwszy koncert muzyki kameralnej dały w Pekińskiej Sali Koncertowej jesienią 1996 r. Ich duch nieustannego doskonalenia się i kreatywności znajduje wyraz nie tylko w ich adaptacjach klasycznych utworów, ale także w ich własnych kompozycjach. Współcześni kompozytorzy, doceniając ich wszechstronność i umiejętności, komponują utwory na wyłączność dla Kwartetu, poszerzając tym samym ich repertuar w sposób świeży i zaskakujący. Ceniony kompozytor Minoru Miki pełni rolę artystycznego doradcy Kwartetu.

Qing Mei Jing Yue – Chinese female string quartet playing the subtle sounds of traditional instruments – guzheng, erhu, pipa i yangqin. The name of the quartet comes from the names of the four female musicians, FAN Weiqing (Qing), YU Hongmei (Mei), YANG Jing (Jing) and LIU Yuening (Yue).

Qing Mei Jing Yue held their first chamber music concert at the Beijing Concert Hall in the autumn of 1996. Their spirit of constant improvement and creativity does not only find its expression in their adaptation of classical pieces but also in their own compositions. Contemporary composers, appreciating their versatility and skills, write exclusively for the quartet, thus expanding their repertoire in a fresh and surprising manner. The noted composer Minoru Miki acts as the quartet’s artistic adviser.

26 27 28 29 30 01 02 festival tent

Sponsor / Sponsored by

22

QinG Mei JinG Yue Chiny/China


23


HAnGGAi Chiny (Pekin)

China (Beijing)


24

Lider Hanggai, Ilchi, był wcześniej frontmanem punkowego zespołu, aż do momentu gdy doświadczył swoistego muzycznego nawrócenia po usłyszeniu tradycyjnego śpiewu alikwotycznego. Udał się do Mongolii Wewnętrznej, miejsca urodzenia swojego ojca, i tam zaczął uczyć się tej techniki odkrywając na nowo muzykę i repertuar pieśni, które odeszły w zapomnienie, ale nie zginęły w burzliwej przeszłości Chin. Tam poznał studentów muzykologii, Hugejiltu i Bagena, którzy dołączyli do grupy. Hugejiltu gra na skrzypcach, a Bagen śpiewa głębokim basem, używając śpiewu alikwotycznego, czyli wydobywania nut o oktawę niższych od tych śpiewanych.

Artyści wykonują adaptacje tradycyjnych pieśni z łąk, śpiewanych po mongolsku, używając m.in. techniki hoomei, śpiewania gardłem, przekazywanej przez stulecia, z pokolenia na pokolenie. Sercem tej muzyki są dwa tradycyjne instrumenty: morin khuur – skrzypki z końskim włosiem, oraz tobshuur – rodzaj dwustrunowej lutni.

Hanggai’s leader, Ilchi, was fronting a punk band until he experienced a conversion after hearing traditional overtone singing. He travelled to his father’s homeland of Inner Mongolia and started to learn the technique – rediscovering the music and the repertoire of songs that had faded but not disappeared during China’s turbulent past. There he met Hugejiltu and Bagen, both music students, who joined the group. Hugejiltu plays lead fiddle and Bagen sings deep bass using a technique of overtone singing, producing a note one octave below the note he is singing.

All the songs are adaptations of traditional songs from the grasslands, sung in Mongolian, many using hoomei, a throat-singing technique that has been handed down over hundreds of years. At the heart of the music are two traditional instruments – the morin khuur – the horse-hair fiddle and the tobshuur – a strummed two-stringed lute.

26 27 28 29 30 01 02 festival tent

25


Narcotango to projekt muzyczny łączący elektronikę i tango, stworzony przez Carlosa Libedinsky’ego w 2003 roku w odpowiedzi na potrzebę włączenia młodych ludzi w muzykę Buenos Aires, stworzenia pomostu między tradycją tanga i XXI wiekiem.

Wydając ten album, Libedinsky napisał:„Narcotango jest niczym głęboki uścisk, w którym złączone są tango i elektroniczna muzyczna atmosfera naszych czasów (…) Gdy kilka par pozostaje jeszcze na parkiecie, pojawia się magia milongi, kiedy ciała zmęczone wielogodzinnym tańcem nie chcą uznać końca wieczoru, w jednym z takich momentów rodzi się Narcotango. W tym momencie zacząłem sobie wyobrażać muzykę, do której pragnąłem tańczyć i oglądać innych tańczących, bo narkotyczna moc tanga potwierdza, że kto raz wkroczył w ten świat, już go nie opuści, bo tango jest jak narkotyk prowadzący do niezwykłego, zmysłowego i silnego uzależnienia.”

Narcotango combines electronics and tango. It was created by Carlos Libedinsky in 2003, in response to the need to involve young people in the music of Buenos Aires, creating a bridge between tradition and twenty-first century tango.

When Libedinsky released this album he wrote:“Narcotango is a deep embrace between tango and the electronic musical atmosphere of our times. (...) When a few couples are still at the dancing floor, and magic visits the milonga, when bodies exhausted after having danced for hours, refuse to put and end to the evening, it is then when Narcotango was born. At that moment I started to imagine the music I wanted to dance and see people dancing, at the time when the narcotic power of tango, confirms that once you have entered this universe, you are most unlikely to leave it, because tango is like a drug which creates an incredible, sensual and powerful addiction.”

26 27 28 29 30 01 02 festival tent

fot.

Luiz

Cla

udio

26

CArLoS LiBedinSKY & nArCotAnGo Argentyna/Argentina


27

AStiLLero Argentyna/Argentina


28

Zespół powstał w 2005 roku i tworzy w nurcie nowego tanga Maquina Tanguera. Muzycy, choć wyposażeni w typowe instrumentarium klasycznego zespołu grającego tango (dwa bandoneony, skrzypce, fortepian, wiolonczela, kontrabas i wokal), nie mają nic wspólnego z tym tangiem, które funkcjonuje w powszechnym rozumieniu. Dźwięk drewna i strun, został powołany do życia w bólu przez przenikliwe pragnienie przełożenia doświadczenia miejskiego życia XXI wieku na język nowej muzyki, zbudowanej na solidnym, tradycyjnym fundamencie tanga z Buenos Aires.

Brzmienie Astillero odzwierciedla niedostosowanie i szaleństwo miejskiej dżungli: kopie, rani, skacze. To zwariowana jazda pulsujących akcentów, modulowanych do wstrząsających tonów pianissimo i jeszcze głębiej. Uzupełnieniem tej powodzi dźwięków są polityczne a zarazem poetyckie obrazy video.

The band was born in 2005 and it creates in Maquina Tanguera – movement of contemporary tango. The orchestra, though featuring the typical instruments of a classic tango ensemble (two bandoneons, violin, piano, cello, double bass, and a singer) is a tango formation that has nothing to do with the tango of our collective consciousness. The sound of just wood and strings, brought to searing life by an acute sense for translating the experience of 21st century urban life into new music, built on a solid traditional foundation of the Buenos Aires tango.

The way they play their music reflects the incongruities and madness of this urban jungle: it kicks, breaks, hurts, jumps. It’s a rollercoaster ride of throbbing accents modulating into earth-shattering pianissimos and beyond. The concept doesn’t limit to the music, developed further by poetic video images.

26 27 28 29 30 01 02 festival tent

29

„Teatr naturalnego dźwięku” – pisał o zespole jeden z dziennikarzy usiłując ująć grupę w ramy jakiejkolwiek etykietki. Na długo, zanim do słownika krytyków i fanów muzyki weszły na stałe takie terminy jak new age, world music czy muzyka etniczna był Osjan. Powstał aby przełamywać schematy, konwencje i przyzwyczajenia, które warunkowały obcowanie z muzyką zarówno u słuchającej go publiczności, jak i tworzących go instrumentalistów.

Osjan zawsze rytualizował swoje koncerty. Działał nie tylko dźwiękiem, ale i obrazem. Podczas 6. Warszawskiego Festiwalu Skrzyżownie Kultur Osjan będzie obchodził 40-lecie. Zobaczymy najnowszy spektakl, Daisuke Yoshimoto, z muzyką zespołu Osjan. Yoshimoto jest wybitnym japońskim aktorem butoh. Jego spektakle to niezapomniane widowiska wprowadzające widza w świat na pograniczu nocy i dnia, na granicy życia i śmierci. Spektakle te zaskakują nie tylko organiką ruchu, ale także malarskością i niespotykanym połączeniem elementów kultury Wschodu i Zachodu.

“The theatre of natural sound”- a journalist once wrote about the group trying to label it somehow. Long before the dictionaries of music fans and critics got new age, world music or ethnic music entries, there had been OSJAN. It was founded to break conventions, clichés and habits which determined the perception of music both by listeners and musicians.

Osjan has always ritualised its concerts, operated both with sounds and pictures. During the 6th Warsaw Cross-Culture Festival, music group Osjan will be celebrating their 40th anniversary. We will see Daisuke Yoshimoto’s latest show performed to the music by Osjan. Yoshimoto is the eminent Japanese butoh actor. His spectacles are unforgettable shows, introducing the audience to the world in between night and day, life and death. Not only do those spectacles amaze with the organic movement but also with how picturesque they are and how they combine the Eastern and Western cultures.

26 27 28 29 30 01 02 festival tent at PKin

dAiSuKeYoSHiMoto

fot.

Ma

ruis

z S

trze

lczy

k30

oSJAn Polska/JaponiaPoland/Japan


Projekt specjalny / Special project

31

SALif KeitA Mali


fot.

Ric

hard

Dum

as

32

Urodzony jako albinos, Salif Keita miał jasną skórę, co było brane za zły omen wśród rodowitych Malijczyków, wśród których dorastał. Jako potomek znamienitego Cesarza Soundjata Keity, którego trzynastowieczne imperium rozpościerało się od Oceanu Atlantyckiego po kres Sahary i Zatoki Gwinejskiej, Salif Keita jest dziś symbolem Afryki dumnej ze swoich korzeni i historii, a zarazem Afryki przygotowanej do stania się częścią świata globalizacji.

Od ponad 40 lat, Salif Keita jest niczym złotnik nowoczesnej muzyki malijskiej, niestrudzenie doskonalący swoje rzemiosło poprzez przesuwanie muzycznych granic w ciągłym poszukiwaniu nowych sposobów nagrywania płyt, tworzący nieustannie nowe uwertury dla otaczającego go świata. Jego głos pozwala mu interpretować prawdziwe emocje, bez względu na to czy śpiewa w języku Malinke, Bambara czy po francusku. Zawsze szuka możliwie najlepszego dźwięku, nie waha się przeplatać tych języków w swoich poszukiwaniach poetyckiej precyzji. Born an albino, Salif Keita had a pale skin-colour that was an ill omen in the ancestral Mali where he grew into a man. As a descendant of the illustrious Emperor Soundjata Keita, whose 13th century empire stretched from the Atlantic Ocean to the confines of the Sahara and the Gulf of Guinea, Salif Keita is today the symbol of an Africa proud of its roots and history, yet an Africa perfectly ready to cast itself into the world of globalisation.

For more than forty years Salif Keita has been the goldsmith of modern Malian music, tirelessly pursuing his craft by extending musical frontiers in a constant quest for new ways to make records; and his own music has multiplied its overtures to the world around him. His voice makes him capable of interpreting true emotions, whether singing in Malinke, Bambara or French. Always looking for the best possible sound, he never wavers in alternating these languages in his search for poetic accuracy.

26 27 28 29 30 01 02 festival tent

33

GórALSKie GrAnietAtrY – BAłKAnY

Podróżując po świecie można zauważyć iż najmocniej do swojej kultury, tradycji przywiązani są górale – zarówno ci nasi, tatrzańscy, jak i ci z Bałkanów czy irańskiego Lorestanu. Górale, silnie kochają góry, głęboko wierzą, że ich kultura opiera się na sile gór, że nie ma możliwości, aby całkowicie odciąć się od swoich góralskich korzeni. Opowiadają o tej swojej wielkiej miłości i pasji w pieśniach, tańcach oraz opowieściach. W nich zawiera się cała historia poprzednich pokoleń, tych dzięki którym trwamy i czujemy się sobą.

W tym roku w ramach koncertu „Dzieci Świata na Skrzyżowaniu Kultur” proponujemy spotkanie dzieci z Podhala – z naszych pięknych Tatr i dzieci z Bułgarii – z bajkowych Bałkanów. Polska grupa muzyczna przygotowana będzie przez legendarnego Krzysztofa Trebunia-Tutkę, założyciela i lidera zespołu Trebunie-Tutki, muzyka i kompozytora. Z Bułgarii przyjadą mali wykonawcy z zespołu Nestinarcze z przepięknej miejscowości Carevo położonej w południowo-wschodniej części kraju. Dzieci przygotowują do występów dwie wybitne artystki bułgarskie – Zlatka Stawrewa Iwanowa oraz Stanka Mihajlowa Dimowa Cernewa.

Obie grupy dziecięce zaprezentują ciekawe, dynamiczne programy prezentujące pieśni i tańce swoich regionów wykonywane w kolorowych pięknych strojach tradycyjnych. Część finałową koncertu, obejmującą wspólne tańce i śpiewy, przygotowuje autorka tego projektu, dr Maria Pomianowska. Kapele dziecięce zagrają i zatańczą Mazurki i inne utwory Fryderyka Chopina w rytmach podhalańskich i bałkańskich. Nauczą też publiczność kroków tanecznych oraz prostych piosenek pochodzących z ich regionów.

dzieCi ŚwiAtA na SKrzYŻowAniu

KuLturBułgaria/Polska

26 27 28 29 30 01 02 namiot festiwalowy

Patron medialny/ Media patron

34

HiGHLAnd MuSiCtAtrA MountAinS – BALKAnSTravelling the world, one can easily notice that the people most attached to their culture and tradition are highlanders. Both ours, from Tatra Mountains, and those from the Balkans or the Lorestan in Iran. Highlanders, with their deep love for the mountains, strongly believe that their culture is based on the strength of the mountains, that there is no possibility one could separate from their highlander roots. They talk about this great love and passion of theirs in songs, dances and stories. They contain the story of previous generations, those we owe our existence and our identity to.

This year, we propose an encounter between children from Podhale – our beautiful Tatra Mountains – and children from Bulgaria – the fabulous Balkans. The Polish music group will be prepared by legendary Krzysztof Trebunia-Tutka, founder and leader of music band Trebunie-Tutki, musician and composer. From Bulgaria, we will welcome children music group Nestinarche from the beautiful town of Carevo in the South-East of the country. The children’s performance is being prepared under the eyes of two eminent Bulgarian artists: Zlatka Stavreva Ivanova and Stanka Mihailova Dimova Cerneva.

Both children groups will present interesting, dynamic shows of songs and dances from their regions, performed in beautiful traditional clothes. The final concert will host them dancing and singing together and will be prepared by the author of the project, Dr. Maria Pomianowska. Children music groups will play and dance mazurkas and other pieces by Frédéric Chopin, to the rhythms from Podhale and Balkans. They will also teach the audience some dance steps and simple songs from their regions.

CHiLdren of tHe worLd at CroSS-CuLture Bulgaria/Poland

26 27 28 29 30 01 02 festival tent

35

KonCert finAłowY

wArSztAtów MuzYCznYCH

W ramach festiwalu jak co roku odbędą się również warsztaty muzyczne (27 września – 2 października). Poza możliwością nabycia unikalnych umiejętności, codzienne spotkania są doskonałą formą spędzenie wolnego czasu. Muzyki i tańca – języków uniwersalnych, może nauczyć się każdy bez względu na wiek, rasę czy kontynent z którego pochodzi, dlatego warsztaty spełniają ważną rolę integracyjną.

Koncert Finałowy Warsztatów Muzycznych jest prezentacją umiejętności uczestników wszystkich klas. Wspólna praca pod okiem Mistrzów zawsze owocuje niezwykłym programem. Na jednej scenie mieszają się wpływy najróżniejszych stylów i gatunków. W rękach mistrzów z pozoru nieprzystające do siebie instrumenty stworzą harmonijne współbrzmienia. To jedyna okazja, żeby taką mieszankę kulturową usłyszeć i zobaczyć na jednej scenie w centrum Warszawy.

MiStrzowie wArSztAtów MuzYCznYCHtAiSeer eLiAS (izrael) Mistrz klasy muzyki arabskiej (oud, teoria muzyki arabskiej)MAHSA vAHdAd (iran)Mistrzyni klasy muzyki perskiej (śpiew)MoHAMMAd rASooLi (iran)Mistrz klasy muzyki perskiej (flet ney)zoHAr freSCo (izrael)Mistrz klasy bliskowschodnich instrumentów perkusyjnychondreJ SMeYKAL (Czechy)Mistrz klasy didgeridooHerMAn HArteL (Austria)Mistrz klasy jodłowania (śpiew)SHAne MCAvinCHeY (irlandia)Mistrz klasy tańca irlandzkiego

26 27 28 29 30 01 02 namiot festiwalowy

36

finAL ConCert ofMuSiC worKSHoPS

Like every year, music works hops will be held within the framework of the Festival (Sept 27 – Oct 2). Aside from the opportunity to gain unique skills, those daily meetings also offer a perfect way to spend your free time. The universal languages of music and dance can be learnt by anyone, regardless of age, race or continent they come from. Therefore, the workshops play an important role in bringing people together.

The Music Workshops Final Concert is a presentation of the abilities of participants in all classes. Working together under the eye of our Masters always results in an extraordinary programme. Influences from the variety of styles and genres, blend on one stage. In the hands of the Masters, instruments that appear not to go together at all create a harmony of sounds. This is the only opportunity to hear and see such a cultural mix on one stage in the centre of Warsaw.

MuSiC worKSHoPS MASterStAiSeer eLiAS (israel)Master of Arabian Music Class (oud, theory of Arabian music)MAHSA vAHdAd (iran)Mistress of Persian Music Class (singing)MoHAMMAd rASooLi (iran)Master of Persian Music Class (ney)zoHAr freSCo (israel)Master of Middle-Eastern Percussion Instruments ClassondreJ SMeYKAL (Czech republic)Master of Didgeridoo ClassHerMAn HArteL (Austria)Master of Yodel Class (singing)SHAne MCAvinCHeY (ireland)Master of Irish Dancing Class

26 27 28 29 30 01 02 festival tent

37

MuzYKAw doKuMenCie

KrótKi PrzeGLĄd fiLMowY nA

SKrzYŻowAniu KuLtur

Wybrane filmy dokumentalne to krótka podróż po różnych zjawiskach muzyki świata. Pokazuje muzykę tradycyjną w kontekście współczesności, przemian politycznych i religii. W ramach cyklu filmowego zobaczymy 5 tytułów. Autorem trzech z nich jest Simon Broughton, który będzie gościem Festiwalu.

SiMon BrouGHton – reżyser, pisarz i dziennikarz muzyczny od wielu lat związany z muzyką świata, redaktor naczelny brytyjskiego pisma Songlines, autor filmów dla BBC, współautor pierwszego wydania „Rough Guide to World Music”. Ma na swoim koncie również realizacje radiowe dla brytyjskiego Radia 1 i Radia 4 cyklu „That’s What I Call Mali” – muzycznej podróży z biegiem Nigru oraz filmy dokumentalne dla BBC2 z serii „Rhytms of the World”.

MuSiCin doCuMentArY

A SHort fiLM review At CroSS-CuLture

Selected documentary films are a short journey through different phenomena in world music. It shows traditional music in contemporary context of political changes and religion. The review will include 5 titles. Three of them are directed by Simon Broughton, a special guest of the Festival.

SiMon BrouGHton – director, writer and music journalist, engaged in world music for years, chief editor of the British magazine Songlines, author of BBC films, co-author of the first issue of the “Rough Guide to World Music.” He's also made a series of radio programmes for the British Radio 1 and Radio 4, entitled “That’s What I Call Mali” – a musical journey along River Niger, as well as a series of documentaries for BBC2 “Rhythms of the World.”

26 27 28 29 30 01 02 Kinoteka, Pl. defilad 1, PKin

38

AMAndLA! rewolucja w czterogłosowej harmoniiW 1948 r. biały rząd RPA rozpoczął budowanie jednego z najbardziej brutalnych systemów segregacji rasowej jaki świat kiedykolwiek poznał. Apartheid uczynił z Afrykańczyków obcymi na ich własnej ziemi. Miliony ludzi zostało pozbawionych najbardziej podstawowych praw obywatelskich. Przez ponad 40 lat odpowiadali na ataki protestem pozbawionym przemocy. Ich bronią była muzyka. Amandla w języku Xhosa i Zulu oznacza siłę. Film opowiada o wieloletniej walce o wolność Republiki Południowej Afryki. Dla opozycjonistów muzyka stała się podziemną formą komunikacji. Piosenki jednoczyły represjonowanych, pozwalały wyrazić co myślą. O tamtych czasach opowiadają artyści, którzy użyli swego głosu do walki z nierównością: Miriam Makeba, Abdullah Ibrahim, Hugh Masekela, Mbongeni Ngema i wielu innych. W dokumencie wykorzystano wiele cennych archiwalnych zdjęć.

AMAndLA!A revolution in four-part harmonyIn 1948, the white South African government began creating one of the most violent race segregation systems ever known. Apartheid made Africans strangers in their own land. Millions of people were deprived of their basic human rights. For over 40 years, they replied to attacks with a non-violent protest. Their weapon was music. Amandla in the languages of Xhosa and Zulu means strength. The movie talks about the long-lasting struggle for the freedom of the Republic of South Africa. For the opposition, music became the underground form of communication. Songs united the repressed, they allowed them to express their thoughts. The story of those times is told by artists who used their voices to fight against inequality: Miriam Makeba, Abdullah Ibrahim, Hugh Masekela, Mbongeni Ngema and many others. This document features many valuable archival photographs.

Produkcja: Nu Metro Home EntertaimentAutor: Lee Hirschrok produkcji: 2002Czas trwania: 99’

Produced by: Nu Metro Home Entertaimentdirected by: Lee HirschYear of Production: 2002time: 99’

26 27 28 29 30 01 02godz. 17.00

MuzYKA w doKuMenCieMuSiC in doCuMentArY

39

MArizA i historia fado

Film dokumentalny o historii fado i śpiewaczce Marizie – charyzmatycznej artystce z Lizbony. To opowieść o nostalgicznej, emocjonalnej muzyce, która doskonale ilustruje charakter stolicy Portugalii, pełnej małych, nieformalnych klubów.Film pokazuje archiwalne zdjęcia fadistas (pieśniarzy) oraz śmiało mówi o tym, że fado to muzyka, która w XIX w. narodziła się w portowych tawernach, a jako pierwsze śpiewały ją kobiety lekkich obyczajów. Muzykolodzy wspominają największych wykonawców fado, m. in. Amalię Rodrigues, która wyniosła ten gatunek do rangi muzyki narodowej, a Portugalczycy czcili ją jak divę. Fado to „los”, „przeznaczenie” - muzyka, która oczyszcza dusze lizbończyków ze smutków, bo jak mówi Mariza, po wyśpiewaniu całego utworu, który jest poematem - Portugalczycy uśmiechają się.

MArizA and the story of fado

A documentary about the history of fado and the singer Mariza – charismatic artist from Lisbon. It is a story of the nostalgic, emotional music that illustrates perfectly the character of the capital of Portugal, full of small, informal clubs.It watches world’s great concert halls and in Lisbon. It is the first documentary that shows archival images of fadistas (fado singers) and bravely reveals that fado music was born in the 19th century in port taverns. The first who sing it were women of easy virtue. Musicologists remember the greatest fado performers, such as Amalia Rodrigues who brought it to the level of national music and was adored by the Portuguese as a diva. Fado means „fate,” „destiny” - it is music that cleanses Lisbon souls of sadness, because - as Mariza says - having sung an entire poem as a song - the Portuguese smile.

Producent: Songlines/MWTV (Anglia)

Coproducent: Telewizja RTP (Portugalia)Autor: Simon Broughton

rok produkcji: 2006Czas trwania: 58’

Produced by: Songlines/MWTV (Anglia)

Co-Producer: Telewizja RTP (Portugalia)

directed by: Simon Broughton

Year of Production: 2006time: 58’

26 27 28 29 30 01 02godz. 17.00


40

Producent: Songlines/MWTV (Anglia)Autor:Simon BroughtonMike Wooldridgerok produkcji: 2002Czas trwania: 60’

Produced by: Songlines/MWTV (UK)directed by: Simon BroughtonMike WooldridgeYear of Production: 2002time: 60’

26 27 28 29 30 01 02 godz. 17.00


PrzełAMuJĄC CiSzĘ – myzyka AfganistanuW Afganistanie za reżimu Mujaheddina i Sowietów muzyka pozostawała w politycznym ogniu walki. Za rządów Talibów była zakazana. Publicznie niszczono instrumenty. „Uliczne egzekucje” kaset oraz odbiorników radiowych były czymś powszednim. Telewizory wieszano na słupach. Uprawianie muzyki było skazaniem się na śmierć. Film opowiada o powrocie muzyki do Afganistanu, powolnym jej odradzaniu się po upadku rządów Talibów. Przybliża historie ludzi takich jak Mashinai – muzyk, który za Talibów musiał zostać rzeźnikiem. Pokazuje fragmenty pierwszego publicznego koncertu w Kabulu i słucha opinii Afgańczyków, którzy w ważnym dla Afganistanu momencie zmian, mówią o potrzebie rekonstruowania duszy narodu poprzez odradzanie się muzyki.

BreAKinG tHe SiLenCe– music of AfganistanDuring the Mujahideen and Soviet regime in Afghanistan, music remained in the political front line. During the Taliban government, it was forbidden. Musical instruments were destroyed publicly. “Street executions” of music tapes and radios happened on daily basis. TVs were hung on poles. Performing music equalled death. The film is about the return of music to Afghanistan, its slow rebirth after the fall of the Taliban regime. It tells stories of such people as Mashinai – a musician who, during the Taliban time, had to become a butcher. It shows fragments of the first public concert in Kabul and hears out the opinion of the Afghan street, in the key moment of change in Afghanistan, speaking about the necessity of reconstructing the nation’s soul through the rebirth of music.

41

Producent: Noland Films

Autor: Kiluanje Liberdade

Ines Goncalvesrok produkcji: 2008

Czas trwania: 57’

Produced by: Noland Filmsdirected by:

Kiluanje LiberdadeInes Goncalves

Year of Production: 2008time: 57’

LuAndA – fabryka muzykiPo 32 latach wojny domowej Luanda, stolica Angoli, wraca do normalnego rytmu życia. Podczas wojny do miasta w poszukiwaniu bezpieczeństwa przybyła ludność z całego kraju, osiedlając się na przedmieściach i zakładając prowizoryczne osiedla w wolnych przestrzeniach miejskich. W mieszkaniu DJ Budy może nie być mebli, ale sprzęt muzyczny, komputer i mikrofony zajmują każdą możliwą przestrzeń. Pod jego studiem nagraniowym co rano ustawia się kolejka chętnych, którzy chcą nagrać swoje demo. To między innymi tutaj rodzi się kuduro – muzyka miejska łącząca elementy techno, hip hopu i angolańskiej semby. Towarzyszy jej taniec – zaskakująca mieszanka break dance i angolskich tańców tradycyjnych. Teksty wykrzykiwane w ulicznym slangu komentują luandyjską codzienność, która wciąż nie jest łatwa. Młodzi ludzie widzą w kuduro swoją szansę na lepsze życie, sukces albo czują potrzebę wyrażenia siebie. W Angoli nie można żyć bez muzyki.

LuAndA – factory of musicAfter 32 years of civil war, Luanda, the capital of Angola, returns to the normal rhythm of life. During war, people from all over the country came to this city in search of security and safety, settling in the suburbs and setting up rows of temporary shacks.In DJ Buda’s apartament there may be no furniture, but musical equipment, computers and microphones occupy all available space. A line of those wanting to record a demo stands in front of his recording studio every morning. Here, among other places, is where kuduro is born: a city music which combines techno, hip-hop and Angolan semba. It is accompanied by dancing: a surprising mix of break-dance and traditional Angolan dances. The lyrics, shouted out in the street slang, comment on the everyday life in Luanda, which still isn’t easy. Young people see kuduro as their opportunity for a better life, a success; they feel it allows them to express themselves. In Angola, life without music is impossible.

26 27 28 29 30 01 02 godz. 17.00

26 27 28 29 30 01 02 godz. 17.00


42

Produced by: Songlines/MWTV (UK)directed by: Simon Broughtonfeaturing: Gerard Evans KhanRahat Fateh Ali KhanAbida ParveenKudsi ErgunerYoussou N’DourThe Whirling Dervishes from Galata Lodge (Istambul)Year of Production: 2005time: 50’

26 27 28 29 30 01 02 godz. 17.00

26 27 28 29 30 01 02 godz. 17.00


SufiCKA duSzA – mistyczna dusza islamuSufizm to islam mistyczny mówiący o pokoju, tolerancji i pluralizmie, a jego muzyka ma być drogą do znalezienia się bliżej Boga. Muzyka sufijska jest jedną z najbardziej zachwycających form muzycznych na świecie. Muzycy tak jak trubadurzy w średniowiecznej Prowansji, wykonują poematy i poezje przemierzając z nimi islamski świat.

Film pokazuje różne formy interpretacji muzyki sufijskiej w świecie islamu – wędrujemy przez Syrię, Turcję, Pakistan i Maroko, idąc śladami rozwoju sufizmu, spotykając po drodze zarówno wierzenia dewotów i narastający strach przed fundamentalizmem, jak i magnetyczne performance największych muzyków sufijskich. Sufizm to antidotum na wszystkie negatywne stereotypy związane z Islamem.

Sufi SouL– the mystic music of islamSufism is the mystical dimension of Islam that speaks about peace, tolerance and pluralism, and its music is the way to be closer to God. Sufi music is one of the most enchanting music forms in the world. Musicians, like Middle-Age Provence troubadours, sing poems and poetry, travelling the Islamic world with them.

The film shows different forms of interpretation of Sufi music in the world of Islam. We travel through Syria, Turkey, Pakistan and Morocco, following the evolution of Sufism, coming across the beliefs of bigots and devotees, the growing fear of fundamentalism and the magnetic performances of the greatest Sufi musicians. Sufism is an atidote to all the negative stereotypes of Islam.

Producent: Songlines/MWTV (Anglia)Autor: Simon Broughtonudział wzięli: Gerard Evans Khan Rahat Fateh Ali KhanAbida ParveenKudsi ErgunerYoussou N’Dourgrupa Wirujących Derviszy z Galata Lodge (Istambuł)rok produkcji: 2005Czas trwania: 50’

43

wYStAwA „off BeiJinG”

Wystawa fotograficzna „Off Beijing” Piotra Sadurskiego to podróż pełna niesamowitych spotkań z artystami tworzącymi we współczesnym Pekinie.

Fotograf przemierzył 20-milionową metropolię, aby pokazać przede wszystkim nowe oblicze chińskiej sceny muzycznej. Jego przewodnikiem po niszowych klubach i scenach był mongolski zespół Hanggai, który jest jedną z gwiazd festiwalu.

wernisaż odbędzie się 27 września o godzinie 17.30 w namiocie festiwalowym.

eXHiBition “off BeiJinG”

festival tent / Café Kulturalna in the dramatyczny theatre, PKin

Piotr Sadurski’s photographic exhibition “Off Beijing” is a journey full of incredible meetings with the artists creating in modern Beijing.

The photographer travelled the twenty-million metropolis with the purpose of showing mainly the new face of the Chinese music scene. His guide through underground clubs and stages was the Mongolian group Hanggai, which is one of the festival’s stars.

the exhibition will take place on September 27, at 17.30, in festival tent.

wYStAwA eXHiBition

26 27 28 29 30 01 02 namiot festiwalowy/

Café Kulturalna przy teatrze dramatycznym, PKin

Partnerzy / Partners

Patron medialny/ Media patron

Piotr Sadurski Jako fotograf pracuje od

1997 roku. Początkowo związany z Gazetą

Wyborczą, potemfreelancer. Od 2001 na stałe pracuje dla

tygodnika Newsweek Polska. Ma na swoim

koncie fotoreportaże z Alaski, Beninu, Burkina

Faso, Ghany, Indii Kazachstanu, Mali, Rosji,

Togo, Tybetu, USA oraz Chin.

Piotr Sadurski He has been working as

a photographer since 1997. At first, he collaborated with Gazeta Wyborcza,

later he went on to work as a free lancer. Since 2001, he has been working for

Newsweek Polska weekly magazine. He has made

photoreports from Alaska, Benin, Burkina Faso,

Ghana, India, Kazakhstan, Mali, Russia, Togo, Tibet,

USA and China.

44

KLuB feStiwALowYCafé Kulturalna przy teatrze dramatycznym, PKin

W tym roku klubem festiwalowym będzie Café Kulturalna przy Teatrze Dramatycznym. To znane i charakterystyczne miejsce z różnorodnym i ambitnym repertuarem. Zapraszamy na spotkania z artystami i gośćmi festiwalowymi.

W tym roku nowością będą wieczory DJ-skie. zagrają: dJ Mamadou (30.09), dJ ziutek (1.10), dJ eric Soul (2.10)Start o godz. 23.

Ponadto będzie można skosztować specjałów z wielokulturowego menu oraz doskonałych win z krajów naszych festiwalowych artystów, m. in. Argentyny i Południowej Afryki.

feStivAL CLuBCafé Kulturalna in the dramatyczny theatre, PKin

This year, the festival club will be Café Kulturalna in the Dramatyczny Theatre. It is known and appreciated for its consistently diverse and ambitious repertoire. We invite you to meet the following artists and festival guests.

A new proposition we have for you this year are DJ evenings.featuring: dJ Mamadou (30.09), dJ ziutek (1.10), dJ eric Soul (2.10)We begin at 23.00 hrs.

There will also be an opportunity to taste special meals from the multicultural menu and delicious wines from the countries of origin of our festival artists like Argentina and South Africa.

Goście:Simon Broughton – twórca dokumentów prezentowanych w ramach cyklu filmowego, redaktor naczelny brytyjskiego pisma Songlines.Katarzyna i Krzysztof Świdrak – autorzy nowej książki „Ucho na świat” wydanej przez Carta Blanca, z której dowiemy się jak brzmi zimowy wiatr na szczycie Everestu czy pulsujący nocą Stambuł. Pomogą nam w tym znane postaci: Wojciech Mann, Jasiek Mela, Martyna Wojciechowska, Marek Niedźwiecki, Hirek Wrona i inni.

Guests:Simon Broughton– author of documentaries presented as part of the film cycle, chief editor of the British magazine Songlines.Katarzyna and Krzysztof Świdrak – authors of a new book “Ucho na świat” (“Ear for the world”), published by Carta Blanca, which will tell us what winter wind on the top of Mount Everest and Istanbul pulsing at night sound like. We can learn all that with the help from renowned personages, such as: Wojciech Mann, Jasiek Mela, Martyna Wojciechowska, Marek Niedźwiecki, Hirek Wrona and many more.

45

6. wArSzAwSKi feStiwAL SKrzYŻowAnie KuLtur

orGAnizAtor feStiwALu / feStivAL orGAnizerStołeczna EstradaInstytucja Kultury m. st. Warszawy / Cultural Institution of the Capital City of WarsawAndrzej Matusiak – Dyrektor/Director

twórCY ProGrAMu / ProGrAMMe CreAtorSMarek Garztecki – Dyrektor Artystyczny / Artistic Director Maria PomianowskaMaciej SzajkowskiMarta Dobosz

KierowniK ProduKCJi / feStivAL ProduCtion Wiesława Tyszkiewicz

KierowniK ProMoCJi feStiwALu / feStivAL ProMotion MAnAGerKatarzyna Adamska

Biuro feStiwALowe / feStivAL offiCeJoanna Płóciennik+48 22 628 44 40/[email protected]łeczna Estrada, ul. Marszałkowska 77/79, 00-683 Warszawa

Biuro PrASowe / PreSS offiCeAlicja Leszczyńska+48 601 844 [email protected]

ProJeKt i łAMAnie / viSuAL And GrAPHiC LAYout Katarzyna Rogowiec

druK/PrintOmikron Sp. z o.o.

Copyright: Stołeczna Estrada 2010

46

folder_SK2010

Documents

festival tickets

years festival

festival office

music group

warsaw crossculture

pioneers of world music

concert congress hall

concha buika congress