Universidad Centroccidental “Lisandro Alvarado” Decanato Experimental de Humanidades y Artes Programa Licenciatura en Artes Plásticas EL COLOR Y LA LÍNEA COMO ELEMENTOS DE EXPRESIVIDAD EN LAS ARTES PLÁSTICASY LA MÚSICA Estudio presentado como requisito parcial para optar Al grado de Licenciado en Artes Plásticas Autora: Mirdza Sánchez Tutor: Prof. Andor Sironi Asesor plástico: Arqto. Fabiana Zapata Barquisimeto, octubre del 2012
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Univers i dad Cent rocc i den ta l “L i sandro Al varado” Decanato Exper i ment a l de Hu man idades y Ar tes
Progra ma L i cenc ia tu ra en Ar tes P lá s t i cas
EL COLOR Y LA LÍNEA COMO ELEMENTOS DE
EXPRESIVIDAD EN LAS ARTES PLÁSTICASY LA MÚSICA
Estudio presentado como requisito parcial para optar Al grado de Licenciado en Artes Plásticas
Autora: Mirdza Sánchez
Tutor: Prof. Andor Sironi
Asesor plástico: Arqto. Fabiana Zapata
Barquisimeto, octubre del 2012
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Univers i dad Cent rocc i den ta l “L i sandro Al varado” Decanato Exper i ment a l de Hu man idades y Ar tes
Progra ma L i cenc ia tu ra en Ar tes P lá s t i cas
APROBACIÓN DEL TUTOR
En mi carácter de tutor del Trabajo de Grado “El color y la línea como
elementos de expresividad en las artes plásticas y la música” presentado por
la bachiller Mirdza Sánchez, para optar por el titulo de Licenciada en Artes
Plásticas, considero que dicho trabajo reúne los requisitos y méritos
suficientes para ser sometido a la presentación pública y evaluación por
parte del jurado examinador que se designe.
En la ciudad de Barquisimeto a los ______ días del mes de
__________ de ______.
________________
Andor Sironi
C.I. 4.725.552
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Univers i dad Cent rocc i den ta l “L i sandro Al varado” Decanato Exper i ment a l de Hu man idades y Ar tes
Progra ma L i cenc ia tu ra en Ar tes P lá s t i cas
APROBACIÓN DEL ASESOR PLÁSTICO
En mi carácter de asesor plástico del Trabajo de Grado “El color y la
línea como elementos de expresividad en las artes plásticas y la música”
presentado por la bachiller Mirdza Sánchez, para optar por el titulo de
Licenciada en Artes Plásticas, considero que dicho trabajo reúne los
requisitos y méritos suficientes para ser sometido a la presentación pública y
evaluación por parte del jurado examinador que se designe.
En la ciudad de Barquisimeto a los ______ días del mes de
__________ de ______.
________________
María Fabiana Zapata
C.I. 14.482.262
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Progra ma L i cenc ia tu ra en Ar tes P lá s t i cas
EL COLOR Y LA LÍNEA COMO ELEMENTOS DE EXPRESIVIDAD EN LAS
ARTES PLÁSTICAS Y LA MÚSICA
Por: Mirdza Sánchez
Trabajo de Licenciatura en Artes Plásticas aprobado en nombre de la
Universidad Centroccidental “Lisandro Alvarado”, por el siguiente Jurado, en
la ciudad de Barquisimeto a los 10 días del mes de Octubre de 2012, con
una valoración de ______ puntos, correspondientes a la escala de _______.
_______________ ______________
María Emilia Sangines Johan M. Luna C.I. 11.060.565 C.I. 16.737.430
(Jurado) (Jurado)
_____________
Andor Sironi
C.I. 4.725.552
(Tutor)
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DEDICATORIA
A Dios, el único Dios verdadero, que me salvó y me ha dado vida en
abundancia, quien me fortalece para enfrentar cualquier situación, quien me
ha dado conocimiento, sabiduría y habilidad para las artes, el creador de los
cielos y de la tierra, y quien se merece toda la gloria, la honra y la alabanza.
A mis padres quienes me han dado todo su amor, su apoyo, sus consejos, su
vida, y han guiado mis pasos, por el camino de bien, el camino de bendición,
para que hoy pueda ser quien soy.
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AGRADECIMIENTOS
Agradezco a Dios que me ha dado las fuerzas, el gozo la paz y la paciencia a
lo largo de la carrera.
Gracias a mis padres Mario y Carolina, por su apoyo incondicional, su
paciencia y su guía y ayuda durante mis estudios, y por haberme dado la
educación.
Por soportarme con paciencia, ser mis mejores amigas y darme su apoyo y
su inmensa ayuda en todas las áreas de mi vida, gracias a mis hermanas
Marion, Muriel y Andrea.
A Brigit Cruces por su disposición, orientación y guía durante ésta
investigación. Por estar para mí en cada momento de mi vida, mi segunda
familia, Gracias Samuel y Lisa Paris.
A mi tutor Andor Sironi por orientar este trabajo de investigación a cumplir
con lo planteado. A mi asesora María Fabiana Zapata por sus valiosos
aportes en la parte plástica de esta investigación.
Gracias a Nahuel Martínez por su apoyo en oración, su paciencia, y
compañía en todo momento.
También agradezco a mis amigos Katherine, Damelis, Jaqueline, Lisbeth,
Manuel, Leandro, Yeison, Víctor, Maurinel, Deibys y Ricardo por ser mi
compañía durante la carrera, compartiendo alegrías y tristezas, momentos de
estrés y de diversión, gracias por su ayuda, y su amistad.
Por último gracias los profesores de la licenciatura en Artes Plásticas por sus
enseñanzas y su guía en este maravilloso mundo de las artes.
Tabla 1: relación de los términos utilizados en el color y el sonido ............... 69
Tabla 2: Comparación del acorde musical con el acorde de color. ............... 71
Tabla 3: Resultados del test realizado .......................................................... 75
Tabla 4: Resumen y comparación de los hallazgos de la investigación
obtenidos a través de las entrevistas ............................................................ 85
Tabla 5: Similitudes entre A, B y C ............................................................... 89
Tabla 6: Comparación de la línea con la línea melódica ............................... 91
Tabla 7: Medidas de los cortes de los tubos ............................................... 127
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Progra ma L i cenc ia tu ra en Ar tes P lá s t i cas
EL COLOR Y LA LÍNEA COMO ELEMENTO DE EXPRESIVIDAD EN LA
LAS ARTES PLÁSTICAS Y LA MÚSICA
Estudio presentado como requisito parcial para optar Al grado de Licenciado en Artes Plásticas
Autora: Mirdza Sánchez
Tutor: Prof. Andor Sironi
Asesor Plástico: Arqto. Fabiana Zapata.
RESUMEN
Las artes plásticas y la música llevan una profunda vinculación, que se manifiesta en el hecho de ser una expresión que plasma en sonidos y formas la compleja gama de ideas y emociones del hombre, en ese sentido, para el artista plástico son mucho más que sólo manifestaciones de la física y la frecuencia, pues permiten ver, crear, recrear y vincularse con el mundo en la multiplicidad de los universos que cada ser representa. Muchos investigadores como Kandinsky, John Cage, Piet Mondrian, entre otros, han trabajado esta relación entre la música y la plástica, tema que sigue subyugando el alma de noveles aprendices, y guiándolos a nuevas investigaciones y creaciones, éste es el tema en el cual se basa la presente investigación. La metodología utilizada es la hermenéutica como método que permite interpretar la información documental y la información obtenida por medio de los test realizados a los colaboradores, con la intención de conocer sus percepciones y analogías entre color-sonido, línea-melodía, tomando en cuenta los elementos que puedan tener en común, así como los elementos emocionales subyacentes. Finalmente se propone y se realiza una instalación artística donde el sonido y la melodía se hacen presentes por medio de la línea y el color, y el público funge como co-creador al interactuar con la obra.
Jesús Soto, artista venezolano, también usó el sonido, y la
música como excusa para la creación de una de sus obras, como lo es el
“Penetrable sonoro”, con tubos sin color, o en blanco, con diferentes
grosores que ofrecen al espectador una experiencia sonora, puesto que al
entrar, se van produciendo sonidos según se vayan moviendo en el espacio,
y los tubos se choquen entre sí, (Imagen 6).
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Imagen 6: Penetrable blanco – Penetrable sonoro. Artista Jesús Soto Ubicación: Museo Jesús Soto Ciudad Bolívar.
Por otra parte, se encuentran otros artistas que han estudiado y
trabajado el sonido desde otro punto de vista, donde el color no es lo más
importante; como por ejemplo Alexander Calder, que aunque su obra en
general no se basó en este tema, una de sus obras conocida como “Las
nubes acústicas” de Alexander Calder, ubicada en el Aula Magna de la
ciudad universitaria de Caracas, relaciona las artes con el sonido, se tuvo
que realizar una profunda investigación sobre éste, de cómo actúa el sonido
en los diferentes espacios, su acústica, aparte de un perfecto estudio del
espacio, que ubica a cada nube en un punto específico cumpliendo una
función en la acústica del lugar. (Imagen 7).
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Imagen 7: Nubes Acústicas Artista: Alexander Calder Ubicación: Aula Magna de la ciudad universitaria de Caracas
Estas “Nubes acústicas” no producen sonidos, y su color no tiene que
ver con los sonidos, sin embargo están basadas en este elemento, pues sin
ellas, el aula magna carecería de acústica, siendo un lugar donde es
realmente necesaria. Con esta obra se puede observar que existen
diferentes maneras de incluir el sonido, más aún, la música en una obra
plástica.
Al igual que las obras Schöffer, Soto, y Calder, en la propuesta
plástica que surgió a partir de esta investigación, se crea un ambiente
sonoro, una interacción de la obra con el espacio, y el espectador, dándole la
posibilidad al público de tener una experiencia visual, sonora, y cinética,
creando nuevos sonidos a través del movimiento.
John Cage (1912-1992) es otro de los que anteceden esta
investigación, pues trabajó tanto las artes plásticas como la música, fue
inventor de una música vivida como "agregación de sonidos" y, por lo tanto,
también de "silencios", definidos como "sonidos inaudibles". Es también uno
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de los máximos representantes de la música aleatoria, en la que el
compositor deja aspectos a la libre interpretación. Una de sus obras
importantes con respecto a la música aleatoria es “Music of Changes (1951)”
otra de sus obras es la conocida como 4’ 33’’ (4 minutos 33 segundos) la
cual consistió en una música producida por el sonido del ambiente, de las
personas en el auditorio mientras lo veían a él sentado en el escenario frente
al piano durante 4 minutos con 33 segundos. (Imagen 8).
Compositor y Artista: John Cage
John Cage es un antecedente importante para este proyecto pues la
obra que se propone consiste en una composición que usa la plástica como
su partitura gráfica, siendo una composición de una música aleatoria, pues
deja aspectos, combinaciones de sonidos y melodías libres a la
interpretación del espectador.
Imagen 8: 4’ 33’’
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Entre los músicos venezolanos de la actualidad que preceden esta
investigación esta Elvis Suarez (1978) un músico compositor, introduce la
plástica en sus partituras, sus obras tienen triple función, espacial, sonora y
visual. Para componer se basa en el alfabeto plástico de Auguste Herbin
quien asocia cada letra del alfabeto con un color, un grupo de sonidos y
figuras geométricas, también compone con el arqueómetro que es una
especie de mandala, donde cada sonido tiene un color y una letra. Lo que los
músicos van produciendo en sonido Suarez lo evoca de manera visual
utilizando las figuras geométricas, por lo que al igual que lo que se propone
en esta investigación, sus partituras se apoyan en los elementos plásticos
para su existencia. (Imagen 9, 10)
Compositor: Elvis Suárez
Imagen 9:Delta Modulor Nº2
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Compositor: Elvis Suárez Estos han sido los antecedentes que más influyeron en el trabajo
plástico realizado en esta investigación, en cuanto al concepto, trabajado, sin
embargo si se habla de su forma y estructura, existe un referente de gran
importancia, este es el artista plástico Ernesto Neto (Río de Janeiro 1964),
por su trabajo realizado con materiales experimentales. Para sus obras utiliza
telas flexibles, o hilos con tejidos como el croché, interviniendo espacios
públicos con instalaciones donde el espectador muchas veces es integrado a
la obra, pasando a formar parte de esta.
Sus obras las realiza en espacios grandes, o espacios abiertos,
algunas veces creando especies de laberintos con las telas o los tejidos, que
parecen levitar en el espacio, siendo como paisajes orgánicos, donde el
público se compenetra directamente con el arte, al tener la experiencia
sensorial donde puede tocar, oler sus diferentes aromas de clavos o azafrán;
captando la atención del espectador. (Imagen 11-12).
Imagen 10:Doble Circulo Modulor Nº3
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Imagen 12: Faena de Art Artista: Ernesto Neto Fecha: 2012 Dimensiones: Variadas
En la propuesta plástica realizada, se toman los elementos colgantes
como referencia, creando un pequeño recorrido que lleve al espectador a
interesarse en acercarse a cada uno de los elementos, produciendo sonidos,
y mostrando los colores de estos, basándose en el sistema realizado por
Newton. Todos estos artistas nombrados, y sus trabajos, formaron parte en la
creación de lo propuesta final de esta investigación.
Imagen 11: Faena Arts Center Artista: Ernesto Neto Fecha: 2012 Dimensiones: Variadas.
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BASES TEÓRICAS
LA LÍNEA COMO MELODÍA.
La línea es la voz de la imagen, es la que nos expresa las ideas del
artista, es en la línea donde reside la mayor parte del significado de la obra,
pues es solo gracias a ella que existe la forma.
La línea es la encargada de escribir una forma. Significaría que por mediación de una línea que escribe (que dibuja, diríamos en términos plásticos) queda visualizada y por lo tanto concretada la realidad de la forma. Siguiendo nuestro razonamiento, afirmaremos que si la línea es escritura está colocada en el papel o en la tela porque tiene algo que decir. López Chuhurra (1970 p.43)
Kandinsky (1995) define a la línea como una melodía, y a la línea
geométrica le da la siguiente definición “Es un ente invisible. Es la traza que
deja el punto al moverse y es por lo tanto su producto. Surge del movimiento
al destruirse el reposo total del punto.” (Punto y línea sobre el plano, p. 57)
Las líneas son capaces de expresar por símismas un conjunto de
emociones o sentimientos, según sea su movimiento en el plano muestran
fuerza, o debilidad, hasta pueden dar la sensación de sonidos diferentes
según el tipo de línea.
Kandinsky realizó un estudio sobre las diferentes líneas y lo que
expresa cada una de ellas:
Según lo expresa Kandinsky en su libro “punto y línea sobre el plano”
(ob.cit.) Las líneas vertical y horizontal, se comparan con el
blanco y el negro, los colores acromáticos, así como el
blanco y el negro quedan fuera de la gama de color, así estas
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líneas quedan siempre solitarias, pues si se les ubica en la posición central
son irrepetibles, parafraseando lo que expresa Kandinsky, la
línea vertical se puede asociar al blanco, y la horizontal al
negro, ya que, en temperatura el blanco es cálido mientras que
el negro es más bien frío, el blanco da altura y el negro
profundidad lo que permite identificarlos con la vertical y la horizontal.
La diagonal vendría siendo un gris, o si se quiere en color, un rojo, o
un verde, pues estos dos colores son “frío-cálido” según lo
define Kandinsky en su libro, pues están a la mitad en la
escala tonal, y poseen, la característica de situarse
firmemente sobre el plano, al igual que la diagonal que se
coloca decididamente sobre el plano. Es decir que da sensación de
seguridad y firmeza. Las rectas libres las asocia con el azul y el amarillo.
Kandinsky llama al color amarillo un color cálido, y lo compara con el
blanco en la escala de grises, pues ambos reciben mayor cantidad de luz,
siendo casi de la misma manera el color naranja, mientras que el azul lo
compara con el negro y los llama fríos, pues se asocia con lo profundo, la
sombra, donde poco llega la luz, de igual manera podría referirse del violeta,
quedando el rojo y el verde en el medio, con una temperatura a la que llama
frío-cálido, pues sería más bien tibia, él hace esta comparación del color con
las líneas, para hacer más claro lo que expresa cada línea en el plano.
Pero no solo se debe observar una línea por sí sola, sino también el
ángulo que forman las líneas, un conjunto de líneas encierran una gama de
expresividad, sonido y color. Siguiendo con los estudios realizados por
Kandinsky sobre las líneas quebradas, dos líneas simultaneas que forman un
ángulo donde dos fuerzas se concentran en un solo punto, y según sea la
amplitud del ángulo será su relación con el mundo exterior.
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El ángulo agudo de 45º tiene mayor tensión su
ángulo es muy cerrado provocando la sensación de un
sonido agudo y controlado de temperatura cálida, y en
cuanto a su traducción grafica, lo sumamente activo del
pensamiento (visión) y su coloración vendría siendo el
amarillo. Cuando este ángulo se une con otro igual forman un triangulo
equilátero, de modo que la coloración del triangulo es el amarillo.
El ángulo recto, 90º por su condición de vertical–
horizontal tiene una temperatura “frío-cálida”, con un
sonido de tendencia hacia una tensión más o menos
aguda, tiene la disposición de conquistar el plano, y su
color vendría siendo el rojo. Cuatro ángulos rectos
forman un cuadrado, asignándole el color rojo a esta figura.
El ángulo obtuso, tiene una mayor conquista del
plano, es lo torpe, débil y pasivo, lo frío, contiene un
presentimiento de curva, su color es el azul. Este
ángulo por ser abierto queda casi desprovisto de ángulo, asemejándose más
a una curva, por lo que podría decirse que es de donde sale el círculo,
teniendo esta figura entonces una coloración azul.
Tomando en cuenta la teoría de los ángulos de Kandinsky se puede
deducir entonces que si se tiene una línea compuesta con curvas ésta
provocaría una imagen sonora de un sonido grave, profundo, color azul, si
hablamos de los colores primarios, o violeta si se habla de los secundarios.
Si la línea es un zigzag de ángulos rectos su color seria el rojo o el verde, y
sería un sonido medio, y si es de ángulos más cerrados, tal y como lo es el
ángulo agudo, sería un sonido alto, y su coloración amarilla o naranja.
En la obra plástica propuesta con esta investigación, se utilizaron
líneas más orgánicas, es decir que se basan en las curvas expresando un
130º
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paisaje sonoro donde los sonidos son más graves, siendo interrumpido en
ciertos momentos por sonidos agudos, con las líneas rectas verticales, y
algunos otros sonidos medios logrando un contraste en medio de la armonía,
tanto del color y la línea, como de la música. La unión de todas las líneas en
la obra, un infinito número de éstas, dando la sensación de un sinfín de
sonidos que forman nuevas melodías según sea el detenimiento del
espectador para observarlas.
LA MELODÍA DENTRO DE LA OBRA PLÁSTICA
Así lo define la Enciclopedia Hispánica (2001) “…melodía, es la
sucesión en el tiempo de sonidos de diferente altura y duración que
conforman un determinado pasaje musical.” (p. 47) La melodía se
desenvuelve en un sentido lineal combinando alturas y ritmos, Kandinsky
decía que la línea es una melodía. Podría decirse que es el trazo que deja el
sonido al moverse.
La Enciclopedia Salvat de la Música (1967) la define como: “noción
general que se refiere, grosso modo, a todas las relaciones sonoras posibles
en el orden de la sucesión.” (ob. Cit. p. 314) Lo que sigue siendo una
sucesión de sonidos, causados por su movimiento. Por lo que se puede
relacionar el concepto de melodía con el de la línea, se puede decir que la
línea es melodía.
La melodía que utilizada en la propuesta plástica es la diatónica, “Una
melodía diatónica será formada únicamente por grados diatónicos” (Herrera,
1995“Teoría musical y armonía moderna”, p. 35). Se empleó una escala
diatónica, aquella que está formada por intervalos de segunda consecutivos;
la escala de Sib mayor. A las siete notas diatónicas se les llama grados, y
tienen además un nombre propio cada uno:
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I. tónica
II. supertónica III. mediante IV. subdominante V. dominante
VI. superdominante VII. sensible
Se resaltan la tónica, subdominante y dominante, pues son las bases
para formar la composición, aplicándole entonces estos nombres de los
grados a la escala de Sib mayor quedaría de la siguiente manera.
I. tónica………………… SIb
II. supertónica……………DO III. mediante……………….RE IV. subdominante………. MIb V. dominante…………….FA
VI. superdominante……….SOL VII. sensible………………..LA
Predominando estos tres grados tónica, subdominante y dominante (Sib,
Mib, Fa), que serán las bases para la composición musical y plástica. La
melodía en la instalación que surgió a partir de esta investigación, está
representada por las diversas líneas que forman las esferas, así como
también, surgen nuevas melodías al espectador mover las esferas logrando
sonar las notas de la escala de Sib mayor, el movimiento de estas esferas
que son los sonidos produce la melodía.
EL COLOR COMO SONIDO
Definiendo el color de acuerdo al mundo de la física podríamos decir
que el color es luz; Chuhurra (1970) menciona que “el color natural de un
objeto no es otra cosa que la propiedad que tiene éste de absorber una
determinada cantidad de luz” (Ob. Cit. P. 89-90) las ondas luminosas son en
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sí mismas incoloras, es decir que el objeto no posee el color que
observamos, pues el color surge es en el ojo o el cerebro del hombre,
gracias a la frecuencia de las vibraciones según su longitud de onda.
El color es luz blanca descompuesta al atravesar un prisma de cristal,
fue Newton quien realizó el estudio de la descomposición de la luz, lo que se
conoce como refracción. Que consistía en dejar pasar un rayo luminoso a
través de un prisma de cristal, el cual la descompone en los colores del
espectro.
El ser humano sólo logra percibir por medio de la vista las ondas
luminosas comprendidas entre 400 y 700 µm (micrón unidad de medida de
las ondas luminosas)
1 micrón = 1 µ = 1/1.000 mm;
1 milimicrón = 1 µm = 1/1.000.000 mm
A continuación se muestran los colores del espectro con su longitud
de onda y su número de vibraciones por segundo
.Color Longitud de onda Numero de
vibraciones
Rojo 800-650 µm 400-470 billones
Anaranjado 640-590 µm 470-520 billones
Amarillo 580-550 µm 520-590 billones
Verde 530-490 µm 590-650 billones
Azul 480-460 µm 650-700 billones
Añil 450-440 µm 700-760 billones
Violeta 430-390 µm 760-800 billones
Johannes Itten (Arte del Color p. 17)
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Aunque los colores son infinitos, se pueden resumir en estos 7 que
salen de la descomposición de la luz a través del prisma. Pero cuando se
habla de color no solo se refiere a los conceptos técnicos, es decir a su
longitud de onda, el origen del color, sino que también es importante conocer
lo que expresa el color para la sociedad. Según los estudios que se han
realizado de la psicología del color el que se tomó por referencia por la
cantidad de detalles, y su asociación con los sonidos en algunos de los
casos es el expuesto por Eva Heller en su libro “Psicología del color” (2008).
El color azul:
Según el libro “Psicología del color” de Eva Heller, (utilizado como
referente de este aparte) el azul es el color preferido del 46% de los hombres
y el 44% de las mujeres, es el menos rechazado, es el más usado para vestir
en toda ocasión, es el color de los buenos sentimientos, de lo positivo, color
de la armonía, la amistad, la confianza, el color básico, el más adecuado.
Es asociado con el cielo, y por el cielo con lo divino, con lo eterno, la
lejanía y lo infinito. Cuanto más lejos están las cosas, más azuladas se ven,
debido a las capas de aire que las cubren, si se acumulan grandes masas
de algo transparente se tornan azules, como el agua, el aire, el vidrio, por
eso es este el color de las dimensiones ilimitadas, es un color grande.
Es este el color de la paz, la tristeza, el miedo, lo apacible. Color de la
fidelidad, por ser el de la lejanía, pues la fidelidad solo se pone aprueba
cuando se da la ocasión para la infidelidad. Es también el color de lo irreal, la
ilusión, el espejismo y los milagros. El azul se asocia con las mentiras, solo
las inofensivas.
El azul con el blanco simboliza en todos los lugares los valores
supremos, la verdad, el bien y la inteligencia. Es también el color más frío, el
hielo y la nieve muestran en el lado de la sombra tonos azulados, incluso la
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piel se pone azul con el frío, una habitación azul da sensación de ser más
fría y espaciosa que una naranja.
El azul es el principal color en las cualidades intelectuales, la
inteligencia, la ciencia, la concentración e independencia. Actualmente se
considera un color masculino, aun cuando antes de 1920 se consideraba un
color femenino, puesto que es el polo pasivo, tranquilo, pero lo que hizo que
se considerara masculino fue el vestir a los niños recién nacidos de azul y las
niñas de rosa, sin embargo en la antigüedad era al contrario.
El azul ha sido el color más usado en las vestiduras, antiguamente por
lo fácil que resultaba teñir las telas de este color, aunque el azul de las
clases bajas era más bien turbio y sucio, el azul real, un azul brillante era el
usado por los cortesanos. Actualmente el color azul se hizo popular en la
moda por los jeans usados por casi todos y de todas las clases sociales.
En la pintura, el azul es utilizado para lograr la perspectiva aérea, con
un toque de azul los objetos dan la sensación e encontrarse más lejos, las
montañas más lejanas se observan azules. Todas las sombras en la pintura
llevan azul, esto da sensación de profundidad, es un color alejado de la luz.
En la música algunos científicos y músicos le atribuyeron este color a
la nota musical Sol o al Sol#, algunos con una cierta tendencia hacia los
verdes pero sin dejar de ser azul.
El color rojo:
Existen más de 205 tonos de rojo, descritos en el libro de Eva Heller
“Psicología del color”; parafraseando lo que este libro habla del rojo, fue el
primer color al que el hombre le dio un nombre, este color agrada tanto a los
hombres como a las mujeres en igual medida, aunque estas estadísticas
podrían cambiar de acuerdo al contexto, por ejemplo en Venezuela este color
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lleva a las personas a pensar rápidamente en política, lo que afecta el grado
de interés que las personas tienen hacia este color.
La mayoría de los niños asocia el rojo con lo dulce, el caramelo, es el
primer color que los niños aprenden y probablemente el primer color que
observan al nacer, incluso antes. Muchas personas nombran siempre el rojo
cuando se les pide nombrar un color, no quiere decir que sea el preferido de
las personas, simplemente está asociado a la palabra color.
El color rojo presenta dos simbolismos que son, el fuego y la sangre.
Culturalmente, el rojo es el color de las pasiones, tanto malas como buenas,
cuando alguien enrojece puede ser por timidez, por enamoramiento, por
vergüenza, por ira o excitación.
Si se combina con negro lleva un significado negativo, mientras que
con el blanco su significado es contrario. El rojo es color que muestra fuerza,
vida, seguridad, también es símbolo del sacrificio, pues en todas las
religiones era común, y en algunas todavía lo es, el ofrecer sacrificios con
derramamiento de sangre. También es símbolo de la sangre que derramo
Cristo en la cruz, la sangre que limpia de todo pecado.
El rojo es el color del calor, pues se asocia con el fuego, por lo tanto
un color alejado de las tinieblas, aunque es intermedio pues tampoco está
tan cerca de la luz. Esta asociación con el fuego y el calor hace de éste un
color positivo para los lugares fríos. Es un color amenazador, muchas veces
asociado con lo demoníaco, en algunas culturas como la de los egipcios
simbolizaba “matar”.
Goethe denominó a este color como “el rey de los colores” desde
siglos atrás el rojo se asocia con lo masculino, por su fuerza, actividad y
agresividad.
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También el rojo se asocia con la felicidad, en la cultura china los
adornos son rojos, la celebración de su año nuevo la decoran con rojo,
entregan a los niños sobres rojos con dinero, y hasta las novias se casan de
rojo, igualmente las mujeres en la india.En navidad la gente coloca adornos
rojos, flores rojas. San Nicolás también viste de rojo, y su bolsa donde lleva
los regalos es de este color, por lo que los niños asocian este color a los
regalos y la felicidad.
Entre los colores el rojo es un color primario, no se origina de la
mezcla de otros colores, y aquel que es puro, que no contiene ni amarillo ni
azul, se denomina “magenta” muchos lo tienen como especie de violeta, y al
que toman por rojo puro es la mezcla del magenta con amarillo.
Relacionándolo con la música, Newton, Jameson, Rimington, Bishop,
Scriabin, Klein, Aeppli, y Belmont, coincidieron en asociar el color rojo a la
nota Do. (2004, Fred Collopy–Rhythmiclight.com)
El color amarillo:
Existen 115 tonos de amarillo, siguiendo con las investigaciones de
Eva Heller, el amarillo es el color más contradictorio, color de optimismo y los
celos, la diversión, el entendimiento y de la traición.
Este color es mayormente preferido por los adultos, es el color favorito
del 6% de los hombres y mujeres, y es el que menos gusta al 7%. Es uno de
los colores primarios, pues no resulta de la mezcla de colores, y es el más
claro de todos los colores vivos, está relacionado con el sol, la luz y el oro. Es
el color más inestable, si se le aprecia con un fondo blanco es radiante,
mientras que con un fondo negro parece escandaloso.
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Es el más contradictorio, pues es el color del optimismo, pero también
del enojo, la mentira y la envidia. Color de la iluminación al mismo tiempo que
de los despreciables y los traidores.
El amarillo es radiante, muestra felicidad, amabilidad, se compara a
una radiante sonrisa, a la energía. Es un color luminoso y ligero, cerca del
blanco, parece venir de arriba, combinado con el naranja y/o el rojo resulta
un color cálido. Es asociado con la inteligencia, asociado a Dios.
Se le compara con lo bello y valioso, también es el color de todo lo
que disgusta, aunque no el mismo del sol, sino más bien un amarillo azufre,
éste se asocia con la envidia, los celos, la mentira, la avaricia, el egoísmo. Es
también el color de la bilis, las personas que se irritan demasiado, su cuerpo
ya no conduce la bilis al intestino, sino que va directamente a la sangre,
dando a la piel una coloración amarilla.
Es también el color de la inseguridad, pues otros colores influyen
fácilmente en él; lo transforma inmediatamente en marrón, naranja o verde, la
más mínima mezcla con otro color.
En cuanto a las sensaciones de gusto, el amarillo es ácido,
refrescante y amargo. Para los chinos el amarillo es un color imperial, color
del Estado y de la religión, es éste para ellos siempre un color que refleja lo
bueno y lo masculino.
El amarillo puro es símbolo de lo nuevo, un amarillo sucio pasa a ser
algo viejo, páginas amarillentas, los dientes, la tez, el blanco de los ojos
cuando pasan a ser amarillentos es signo de envejecimiento y decadencia.
La enfermedad se visualiza amarilla, hasta el mal olor muchas veces en
ilustraciones aparece de color amarillo.
El amarillo es el color menos utilizado en el diseño, en los envases de
comida, aunque es el color de muchos alimentos. En el arte, en la pintura
48
todas las luces contienen amarillo. En la música, Newton, Castel, Jameson,
Seemann, Rimington, Bishop, Klein, Aeppli y Belmont asociaron el color
amarillo a la nota Mi, (ob. cit.).
El color verde:
Siguiendo lo expuesto por Heller (ob.cit) hay 100 tonos de verde, es
este el color de la fertilidad, la esperanza y de la burguesía; esta el verde
sagrado, y el verde venenoso. Es un color intermedio.
Este color se hace preferido en las personas mayores, es el color
preferido del 16% de los hombres, y el 15% de las mujeres. El verde es más
que un color, es la quintaesencia de la naturaleza, es una ideología, un estilo
de vida, amor a la naturaleza, consciencia medioambiental, rechazo a la
sociedad dominada por la tecnología.
Es la mezcla del azul y el amarillo, aunque antiguamente era
clasificado como un color primario, pues era basado en su efecto psicológico,
y debido a que el verde es un color elemental lo clasificaban de esta manera.
Es elemental para el ojo humano, pues en el verde el hombre descansa, la
vista descansa, en el verde se respira, pues es el color de la naturaleza.
Es un color muy independiente, el amarillo con una pizca de azul se
hace verde, en cambio el verde puede contener todos los colores y seguir
siendo verde.
El verde es de temperatura agradable, húmeda, tranquilizadora, es un
color intermedio, es símbolo de la vida, no sólo del ser humano sino de todo
lo que crece, también es lo sano, pues las comidas verdes, como hortalizas y
verduras son sanas, es el color de la vida vegetariana.
49
El acorde verde-azul sugiere frescura mientras que el rojo-verde
vitalidad máxima; el acorde amarillo-verde lo ácido, naranja-verde lo
aromático, marrón-verde lo agrio y amargo.
El verde tiene mucho sabor, aunque para muchos probablemente no
sea el más agradable, como aquellos que prefieren comer carnes a comer
verduras y hortalizas, o cuando se observa un pan verde es señal de que no
está apto para comer. A las frutas se les dice que están verdes cuando no
están maduras, no están listas para comerlas, aun cuando su color antes de
madurar no sea el verde. Por lo tanto es también el color de la inmadurez.
El verde es también el color de la esperanza, la renovación, es el color
sagrado para los islámicos, es el color del descanso, en un desierto las
personas encuentran equilibrio y bienestar al encontrar una zona verde,
igualmente en las ciudades se busca descanso en el color verde.
En contraste, el verde siendo el color de lo saludable, también es el
color de lo venenoso, también es el color de lo horripilante, muchos asocian
este color a los monstruos y demonios, pues no es un color natural en la piel
del ser humano, también asocian a los extraterrestres con el color verde.
Entre los franceses y alemanes el verde es color de mala suerte o de ira. El
verde era también el color de la burguesía, de la riqueza, por lo costoso que
resultaba la coloración verde en las telas.
En la pintura el verde es intermedio, mientras que el rojo se acerca, el
azul se aleja, el verde permanece en el medio. En la música, Newton,
Jameson, Seeman, Rimington, Bishop, Klein, Aeppli y Belmont asociaron el
color verde a la nota Fa,(ob. cit.).
50
El color naranja:
Según Heller existen 45 tonos de naranja, este es un color rechazado
por muchos. Su color procede de la fruta, la naranja, en otros tiempos era un
fruto exótico, por lo que el color quedó como un color exótico. Este color es
muy poco apreciado, normalmente las personas no notan los colores naranja
que se encuentran a su alrededor, pues se habla de cabellos rojos, cuando
en realidad sería más exacto decir naranja, gatos rojos, zorros rojos, hierro
fundido como color rojo, o los peces dorados que no son sino naranjas, el
tigre es negro con naranja, las tejas. El color naranja es muy poco
observado, aunque se encuentre alrededor de todos.
La naranja es originaria de India, fueron ellos quienes le colocaron el
nombre nareng a este color, del cual se deriva el nombre naranja. Es el color
con más aromas. El rojo es dulce, el amarillo ácido, y el naranja agridulce.
Muchas comidas son color naranja, como aliños, y flores; etc.
Es el color de la diversión, de la sociabilidad y de lo alegre, por lo tanto
el color que se toma menos en serio. Al principio era el color de la
vanguardia del diseño moderno, pero con el tiempo ha pasado a ser
identificado como el color del diseño de ayer y de anteayer.
Naranja es el color del peligro, los venenos se identifican con una
calavera en un fondo naranja; las luces intermitentes son de este color pues
es el color más luminoso que puede verse al atardecer. También es el que
más contrasta con el azul del mar, por lo que los chalecos salvavidas, los
botes y flotadores son naranja. Incluso los basureros en muchos países
visten de naranja.
El naranja es el resultado de la mezcla entre el rojo y el amarillo, y es
el color complementario del azul. En la música, Newton, Jameson, Seemann,
51
Rimington, Bishop, Klein, Aeppli y Belmont le asignaron al color naranja la
nota musical Re,(ob. cit.).
El color violeta
Siguiendo con lo expuesto por Heller (Ob. Cit.)el violeta, es el color del
poder, de la teología, la magia, el feminismo y el movimiento gay. Existen 41
tonos violeta, pocos lo nombran como su color preferido. Es la unión del rojo
y el azul, de lo masculino y lo femenino. En la antigüedad era el color de los
que gobernaban, el color del poder.
Es el color que más raramente se ve en la naturaleza, de ahí que su
nombre sale por las pocas flores de este color que hay, la violeta, lila.
También es el color de la violencia, su nombre en muchos idiomas tiene
relación con lo violento, color violeta o violado, tiene relación con violación,
violencia, etc.
El violeta era símbolo de eternidad, pues las telas teñidas de este
color eran las que mantenían su color al pasar el tiempo, mientras que las
demás iban perdiendo su color, el tinte púrpura era sacado de los moluscos,
y se necesitaban miles para lograr teñir un tejido de un vestido, por esta
razón eran los poderosos, los pudientes, quienes se daban el lujo de tener
vestiduras púrpuras.
Vestir de púrpura era más que un privilegio en la antigüedad, era
mayor que el oro, estas cosas se pueden observar en el Antiguo Testamento,
también era el color para honrar a Dios, Dios le indicó a Moisés cuáles
debían de ser los colores del velo del templo, púrpura azul. Púrpura rojo y
rojo escarlata bordadas en oro.
52
En el imperio romano, sólo el emperador, su esposa y el heredero
podían llevar vestiduras púrpuras, cualquier otra persona que tiñera sus
vestidos en este color podía ser castigado con la pena de muerte.
El color violeta o el purpura es también el color de lo divino, de la fe.
Es el color de duelo en ceremonias religiosas. Es un color contradictorio ya
que se le asocia con la humildad, contradiciendo el simbolismo del púrpura
con el poder.
El violeta se hace distinguir de la masa, es extravagante, el color de la
vanidad, por eso es conocido como el color de los “pecados bonitos” o
“pecados dulces”, combina la sensualidad y la espiritualidad, el sentimiento y
el entendimiento, el amor y la abstinencia, en este color se funden todos los
opuestos. Es el color de la fantasía, las alucinaciones, el anhelo de hacer
posible lo imposible.
El violeta también es interpretado como el color de la sexualidad
pecaminosa, es un color atrevido, es el color mas artificial, representa lo no
natural. Por ello también es el color de la homosexualidad, pues reúnen lo
masculino y lo femenino, era utilizado como signo discreto para los que
entendían, era el símbolo gay.
En la pintura, se obtiene este color por la mezcla del rojo y el azul,
aunque a menudo se obtiene marrón si no se utiliza un rojo puro, ya que con
la más mínima pizca de amarillo en el rojo se forma el marrón. La mejor
manera de obtenerlo es mezclando el rojo puro, magenta, con un azul puro
que no contenga amarillo.
Varios científicos y músicos asociaron este color a la nota Si, y La,
pues a menudo se confunde este color con el índigo el color del fondo del
mar, pero más predomina el color violeta en la tonalidad de Si, (ob. cit.).Los
que la asociaron con el Si son: Newton, Castel, Jameson, Rimington y Aeppli.
53
Violeta – Amarillo – Verde
La propuesta plástica se realizó con los colores equivalentes a los
centros tonales de la escala de Sib mayor, según lo expuesto en el sistema
de Newton, la nota Sib es de color violeta, siendo esta la nota, y el color
fundamental, o la tónica, siguiéndole el verde, como el 5to grado, el
dominante, de la escala de Sib mayor, el cual es la nota Fa, y luego el
amarillo como subdominante, el cuarto grado de la escala, la nota Mib. Cada
una de estas notas lleva su propio acorde:
Acorde de Si bemol mayor: Sib - Re - Fa
Acorde de Mi bemol mayor: Mib – Sol - Sib.
Acorde de Fa mayor: Fa - La – Do
54
Resaltando aun más la Tónica - Subdominante – Dominante, que es
el siguiente acorde de colores:
Entonces según la psicología del color, predomina el color violeta,
símbolo de la fe, divinidad, humildad, al mismo tiempo que el poder, riqueza,
se une con la alegría, amabilidad y resplandor del amarillo, y con la
tranquilidad, lo saludable, la naturaleza, y la independencia del verde.
Teniendo un contraste al mismo tiempo que una armonía en el color, pues el
amarillo y el verde son colores de un mismo tinte, colores análogos, que
logran una armonía, mientras que el violeta y el amarillo son colores
opuestos, que se complementan; el amarillo alcanza la máxima luz, el violeta
está más alejado de la luz, y el verde se sitúa intermedio, ni cerca ni lejos.
Utilizando así las tres claves tonales del color.
EL SONIDO COMO COLOR
El sonido se produce por la vibración de los cuerpos, el cual se
transmite en forma de ondas sonoras a través del aire que nos rodea y llega
hasta nuestros oídos, mientras que la frecuencia es el número de
oscilaciones (o vibraciones) completas que realiza una partícula por unidad
de tiempo.
Los sonidos que los seres humanos perciben son aquellos que tienen
una frecuencia entre 16 Hz y 16.000 Hz, las que se encuentran en un
espectro más alto son imperceptibles por el oído humano. Sin embargo
55
podrían ser percibidas por medio de la vista, pues el color tiene una
frecuencia mucho mayor que la de los sonidos, entonces, podría decirse que
son sonidos visibles.
En las notas musicales, una octava es el intervalo entre dos notas
cuyas frecuencias tienen una relación de uno a dos. La ley de la armonía
afirma que dos o más notas producen un sonido agradable al sonar de forma
simultánea si la relación entre sus frecuencias corresponde a números
enteros pequeños; si las frecuencias no presentan dichas relaciones, se
produce una disonancia.
El sonido se transmite en forma de ondas, al igual que la luz, por lo
tanto se relaciona con el color. El sonido es frecuencia, el color también lo
es. Las cualidades del sonido son la intensidad, (cómo se percibe el sonido,
más, o menos fuerte), el tono o altura, (grave o agudo), y el timbre (permite
distinguir un violín de una flauta, etc.) y las cualidades del color son la
intensidad, o saturación (como se percibe el color; del color puro hasta su
grado máximo de saturación, el gris), el tono o valor, (bajo medio o alto) y el
tinte, (permite distinguir un color de otro). De modo que se relacionan
claramente los conceptos sonido-color.
TONALIDAD EN EL COLOR Y LA MÚSICA
En las artes se habla de tonalidad como la resultante de las diversas
relaciones del tono, el cual provoca un orden del color, que se manifiesta
moviéndose hacia la armonía, el contraste o la temperatura. En una obra
siempre va a dominar una tonalidad, puede entenderse como el predominio
de un solo color, o su contraste, o la temperatura, que vendría siendo lo
cálido o lo frio.
Se denomina tono al efecto que produce un color mezclado con el
blanco, el negro o su complementario, es decir podríamos clasificar una obra
56
en una escala tonal alta, cuando hay mayor incidencia de luz, o baja cuando
la incidencia de luz es menor.
La tonalidad en la música es el grado que jerarquiza la escala
musical, la “Enciclopedia Salvat de la Música” (1967) lo expone como:
“conjunto de relaciones, convertidas en necesarias para el oído occidental”
(p. 423) es decir son las notas más importantes, las que resaltan en la
escala, es la llave en torno a la cual giran las demás notas, y por lo tanto
resaltan en una melodía.
El sistema musical que usamos trabaja con 12 sonidos, organizan una
sucesión de semitonos, el semitono es la medida más pequeña que existe
entre un sonido y otro; según nuestro sistema occidental. Estos 12 sonidos
son conocidos como la escala cromática, o dodecafónica.
Cuando los doce sonidos citados constituyen conjuntamente una organización, un sistema, la nota que entre ellos desempeña la función de eje, centro o jefe, toma el nombre de tónica, y el todo, de tonalidad. Cualquiera de los 12 sonidos puede desempeñar la función de tónica. Bastará que, en el mecanismo del sistema, se manifieste como tal, haciendo sentir su soberanía, y que las demás notas, en su funcionamiento respectivo, cooperen debidamente a ello. Cuando un sonido cesa en su función de tónica, pasa la misma a ser desempeñada por otro, con el consiguiente cambio de funciones de todos los demás sonidos, y tiene lugar un cambio de tonalidad.
(Zamacois, 1972 p. 21)
La escala musical natural conocida como escala diatónica, que es la
utilizada en esta investigación; consta de siete sonidos, de los cuales
siempre van a destacar tres, jerarquizando sobre los demás, éstos son la
primera nota, la cuarta y la quinta, si por ejemplo están en este orden do, re,
mi, fa, sol, la, sí; las notas do, fa, sol sobresalen de las demás, resaltando
entre estas tres, la primera y la quinta, do y sol, y siendo finalmente la más
importante, la nota fundamental y quien le da el nombre a la tonalidad; la
57
primera nota, en este caso el do, por lo que diríamos que nos encontramos
en la tonalidad de Do.
La tonalidad diatónica, esto es: la tonalidad reducida a los solos elementos que proporcionan los grados diatónicos, representa la concepción más pura, los límites más estrechos de desenvolvimiento tonal. En cambio la tonalidad cromática, esto es la tonalidad integrada por todos los elementos, diatónicos y cromáticos del sistema, representa la concepción más amplia que cabe alcanzar para dicho desenvolvimiento.
(Zamacoisob. Cit. P 24)
Tanto en las artes plásticas como en la música la tonalidad está
presente, es la nota que predomina, y en la plástica el color y su valor tonal.
La propuesta se realizó con la tonalidad de la escala diatónica de Si bemol
mayor, utilizando solo la fundamental, que sería la nota Sib, la cuarta (Mib) y
la quinta (fa); pues la fundamental o primer grado, la IV y la V de la escala,
son las bases para toda composición armónica, como se dijo anteriormente
éstas son las que jerarquizan en la tonalidad. Relacionándolas con la clave o
amarillo), conciencia limpia, metas y deseos por un mundo mejor, (verde).
Que se asemeja a la descripción del acorde utilizado, el violeta, amarillo y
verde.
61
EL ACORDE COMO COMBINACIÓN DE COLORES Y SONIDOS
En las artes plásticas, la combinación de colores, tres o más colores,
no en mezcla, sino uno al lado de otro, forman un acorde de color, un acorde
puede ser armónico, o de contraste.
En la música acorde es aquel que se forma por tres o cuatro sonidos
simultáneos, y se le llama perfecto al que se compone del primer sonido, o
fundamental, la tercera y la quinta, el tratado practico de armonía de
Korsakov (1997, p. 19) lo define así: “se llama acorde perfecto al acorde
compuesto por su sonido fundamental, su tercera y su quinta…” mientras
que el tratado de armonía de Joaquín Zamacois (1972, p. 28) lo define como:
“entidades sonoras a las cuales la armonía concede personalidad propia y
que distingue con nombres particulares, según los intervalos armónicos que
están constituidos…”
En toda melodía que se quiera armonizar deben usarse acordes
encuadrados en una misma tonalidad, haciendo combinaciones y enlaces
entre ellos; Korsakov (ob. Cit. p. 24) expone como acordes perfectos
fundamentales los I, IV y V grados de la tonalidad.
LA ARMONÍA COMO EQUILIBRIO PARA LA VISTA Y EL OÍDO
Wilhelm Ostwald en su libro ABC de los colores define lo armonioso
como “aquellos grupos de colores que producen un efecto agradable (…)
Armonía = composición” (citado por Itten, p. 21) para él la armonía en el color
consistía en agrupar los colores de un mismo tono, o de un mismo tinte, es
decir los colores análogos.
En contraste con Ostwald; Ewald Hering decía “el gris neutro crea en
el ojo un equilibrio perfecto” (ob. Cit. p. 21) para él la armonía consiste en un
62
equilibrio en el ojo “El ojo se esfuerza por restablecer un estado de equilibrio”
(ob. Cit.) y ese estado lo busca siempre en un color complementario, si se
observa un cuadrado rojo, y luego se cierran los ojos, la imagen residual que
deja nuestro cerebro es un cuadrado verde y si se mezclan estos dos colores
con blanco se obtiene un gris neutro que era a lo que se refería Hering con
decir que el gris neutro crea el equilibrio perfecto; por lo tanto para él, la
armonía del color esta en los colores complementarios.
En la música para Joaquín Zamacois, (ob. Cit. p. 28) la armonía es la
parte de la tecnicología musical que trata de todo lo referente a la
simultaneidad de los sonidos. Es la combinación de sonidos que se halla
agradable para el oído. La armonía que llamamos tradicional es el resultado
del análisis y múltiples observaciones de las obras musicales de los más
grandes maestros, por lo tanto es la herencia que nos dejaron los
contrapuntistas medievales.
La propuesta plástica según lo ya descrito, será armónica, pues se
usaran los acordes de Sib, Mib y Fa, basándose en los principios de
composición de la armonía, que sus colores son el violeta-amarillo que son
colores complementarios, amarillo-verde, colores análogos, por lo tanto se
cumple la armonía tanto en el color como en la música.
LA MÚSICA ALEATORIA, MÚSICA INFINITA.
Esta técnica compositiva se difundió en la década de 1950, consistía
en una música no regida por pautas establecidas, es decir, sin ritmos,
melodía, principio o final específicos; en ella predomina la improvisación a
partir de una secuencia sin estructura, depende de la creatividad del músico,
o de quien la interpreta, una música al azar, John Cage, Bruno Maderna,
Franco Donatoni, Luis de Pablo, Alberto Ginastera, Mauricio Kagel y Pierre
Boulez son los principales representantes de esta música.
63
La música aleatoria es la utilizada en esta investigación, y para la
propuesta plástica, ya que solo se tendrán tres grupos de acordes, acorde de
Sib, Mib y Fa mayor, se tendrán estos sonidos a disposición del público y
será éste quien decida como interpretar la música a su preferencia y según lo
que esté a su alcance.
ARTE PÚBLICO, ARTE AL ALCANCE DE TODOS
El arte público es aquel que está dirigido al pueblo, a una determinada
sociedad, está al alcance de todos, e invita a interactuar, se encuentra en los
espacios de libre acceso, buscando un encuentro casual con el ciudadano.
“El arte público no trata de uno mismo, sino de los demás. No trata de los gustos personales, sino de la felicidad y bienestar de los demás. No trata del mito del artista, sino de su sentido cívico. No pretende hacer que la gente se sienta empequeñecida e insignificante, sino de glorificarla. No trata del vacío existente entre la cultura y el público, sino que busca que el arte sea público y que el artista sea de nuevo un ciudadano.” Siah Armajani (Madrid; Museo de Arte Reina Sofía, 2000, p. 73)
El arte público tiene como interés acercar el arte a las personas
que comúnmente no tienen acceso a éste, tal vez por sus tantas
ocupaciones que le quitan el tiempo de recreación, de disfrutar de la
vida, de lo que se observa, de los sonidos, siendo éste el arte público la
manera de, en cierto sentido, obligar a tales personas a detenerse un
momento, y deleitarse con lo que tienen a su encuentro, tener un
momento en donde todas sus preocupaciones se pierdan en su mente,
quedando solo el “aquí” y el “ahora”, aunque esto solo ocurra por unos
segundos.
64
Lamentablemente en las ciudades de este país, Venezuela, el
arte no se ha tomado en cuenta como algo realmente necesario para
las personas, no lo aprecian ni le dan el valor que merece, antes, mas
bien, hacen de la política, el comercio, la violencia, algo público, y que
todos desde el más pequeño hasta el más anciano deben conocer,
dejando atrás el nivel espiritual, y la parte recreacional, que es tan
importante en el ser humano.
Para que las ciudades prosperen, para que sean comunicativas y estén vivas y para que funcionen como catalizadores de la vida pública, es necesario estimular la participación cívica y el compromiso de la comunidad. (…), y la finalidad de los entornos urbanos puede consistir más en concebir ventajas de creación de marca para atraer inversores que en proporcionar condiciones adecuadas para sus habitantes. (Douglas García, 2008)
El arte es capaz de crear ambientes adecuados para los habitantes de
las ciudades, y la mejor manera de lograrlo es haciendo que sea público,
que aun las personas que salgan de sus hogares con planes diferentes al de
ir a un lugar de recreación, puedan encontrarse con una propuesta artística
en su entorno urbano.
Es por esto que en esta investigación se propone un arte público, que
le da al espectador una experiencia sinestésica, permitiéndole por algunos
segundos perderse en un mundo de colores, y sonidos, olvidándose de sus
preocupaciones, importándole solo el momento. En esta ocasión está
ubicada en un espacio público pero no de libre acceso a todos, sin embargo,
son muchas las personas que pueden llegar a deleitarse con esta obra sin
necesidad de dirigirse a una galería o un museo, por lo que sigue siendo una
obra de arte público.
65
Esta investigación no culmina con esta propuesta, pues éste es solo
una puerta que se abre, dejando ver todo un camino por delante, llevándole
en el futuro, a las personas, un encuentro con dos mundos, dos
manifestaciones artísticas que se unen para formar una obra de arte público.
66
CAPITULO III
Teoría o método pertinente para la investigación
Para éste estudio se empleó el método hermenéutico, pues es éste
fue el más adecuado para realizar la interpretación tanto de los textos e
informaciones, como de la definición que se obtuvo de la línea, desde el
punto de vista de las artes, música, psicología, simbolismo, igualmente con
el color, y el sonido.
El término Hermenéutica proviene del verbo en griego ἑ ρμηνεύειν
(jermeneueien) que significa interpretar, declarar, anunciar, esclarecer y
traducir. La hermenéutica es el estudio del significado de cualquier símbolo,
va mas allá de la comprensión simple, esta necesidad surge por las
complejidades del lenguaje, de entender lo que realmente quiere decir quien
escribe.
Para Schleiermacher (1768-1834) la hermenéutica debía tener una
dimensión objetiva, relacionada con la construcción del texto, y otra subjetiva
y adivinatoria, que consiste en trasladarse al lugar del autor, es la
“Reconstrucción histórica y adivinatoria, objetiva y subjetiva, de un discurso
dado.”
Para la parte objetiva se debe usar una interpretación literal, o
figurativamente literal, es decir sin ir más allá de lo que se observa a simple
vista, solo preguntarse de qué, quién, cuándo, qué lugar, se habla en el
texto, o si existen figuras del lenguaje como símil, metáforas, personificación,
eufemismo, hipérbole, etc., si existen símbolos, palabras que se usan en
lugar de algo, todas estas cosas deben tomarse en cuenta al momento de
realizar una interpretación objetiva.
67
Para la interpretación subjetiva o adivinatoria, es necesario conocer
quien escribe el texto, en que época vivió, en qué contexto, cuál era su
medio, si artístico, musical, científico, entre otros; el lugar desde donde
escribió, y a quien está dirigido, estos aspectos son necesarios para
comprender lo que va mas allá de lo que se observa a simple vista,
obteniendo así una interpretación completa, e inequívoca.
El empleo de la hermenéutica, en esta investigación, también busca
comprender la interpretación realizada por el grupo de personas a las cuales
se les aplicóun test, donde se les pidió que interpretasen en sonido, o
melodía, un conjunto de líneas con colores, con el fin de conocer la
creatividad del espectador a la cual va dirigida la obra, saber cuál es su
concepción de sonido, cómo lleva una línea o un punto al sonido.
La interpretación subjetiva ya mencionada, ayudó a conocer si en las
personas con conocimientos musicales, existe alguna influencia del
pentagrama musical, al momento de la interpretación de la línea. Así mismo
al observar el contexto de la persona es posible comparar su interpretación
con personas en un contexto similar.
Esta información obtenida con las entrevistas fue comparada con la
obtenida mediante fuentes documentales acerca de la línea y el color, para
llegar a una conclusión que dio como resultado final una instalación donde la
línea y el color prevalecen, llevando en sí mismas un significado mayor al
que se observa a simple vista, una relación con el sonido, la música y la
composición musical.
Naturaleza de la Investigación
Esta investigación se rige bajo el método hermenéutico, teniendo
como fuentes de información diferentes áreas, la teoría investigada, los test
realizados, y la interpretación de éstas, lo que dará como resultado la
68
ejecución de la obra, y una serie de ensayos previos que se presentarán en
la bitácora de la artista.
La información recolectada de las fuentes documentales, es de
aquellos personajes que se han interesado en estudiar el sonido, el color y la
línea. El test se realizó con el objetivo de conocer la interpretación en sonido
que le dan las personas a las diferentes líneas, se tomó tres grupos de
personas. El grupo A todos aquellos músicos académicos, es decir que
tienen conocimiento y práctica en cuanto a la lectura de la partitura musical y
ejecutan algún instrumento; el grupo B formado por estudiantes de Artes
plásticas que tienen conocimiento acerca de las líneas, el espacio visual, el
color, la perspectiva, (grupo con las dos características) entre otros, y el
grupo C aquellas personas que no se han especializado en ninguna de las
dos artes.
Esta información recolectada, tanto por fuentes documentales, como
por los test tienen una interpretación que dio como resultado el
cumplimiento de la sinergia entre la plástica y la música, entre el color-
sonido, y entre línea-melodía, para verse reflejada en la obra de arte final.
69
CAPITULO IV
HALLAZGOS DE LA INVESTIGACIÓN
Para la investigación se utilizó la hermenéutica como método para el
análisis, e interpretación de la información recolectada tanto del sonido, la
música, como del color y la línea, para luego llegar a una conclusión que
relacione tanto los términos utilizados con relación al sonido, como los que
se usan con el color. Igualmente se llegó a relacionar la línea con la melodía,
basándose en la información documental, y la extraída de las distintos test
sobre imágenes y sonidos facilitados a los colaboradores de esta
investigación, quienes pertenecían a distintos grupos cognitivos como se
especificó en el capítulo 3.
A continuación se muestran algunos cuadros que exponen la relación
existente entre el color y el sonido, haciendo relación con lo expresado en el
objetivo específico 1 el cual declara lo siguiente: Describir la relación entre
color y sonido, línea melódica y línea geométrica.
Tabla 1: relación de los términos utilizados en el color y el sonido
Términos Color Sonido
Armonía Combinación agradable
de colores.
Combinación agradable de
sonidos.
Acorde Conjunto de colores
Conjunto de notas:
70
Sistema a
utilizar basado
en el de
Newton y D. D.
Jameson.
Si
Sib- La#
La
Lab - Sol#
Sol
Solb –Fa#
Fa
Mi
Mib- Re#
Re
Reb- Do#
Do
Clave Tonal
clave
Alta
media
Baja
Mientras más luz tenga el
color, es decir, cuando se
acerca al blanco, se trata
de una clave tonal alta. Si
se acerca al negro está
en una clave tonal baja.
Si se encuentra en medio
de la alta y la baja, es una
clave tonal media.
Clave de Sol: Alta
Clave de Fa: Baja
En la música no se habla de las
claves tonales, sin embargo existe
la Clave, es la que da el nombre a
las notas en el pentagrama, y
delimita su altura. La clave de Sol
podría compararse con la clave
tonal alta, pues en ésta se
escriben las notas altas. Las notas
bajas se escriben en clave de Fa
por lo que podría compararse con
la clave tonal baja. Y la clave de
Do es usada para las notas
medias.
71
A continuación se hace una relación del sonido con el color por medio
de la psicología, tomando de la información documental obtenida, la
personalidad, asociada a las tonalidades, usando entonces los tres grados
principales de la tonalidad, la tónica, subdominante y dominante,
asociándolos con los tres colores que representarían, y relacionándolos con
lo que expresan psicológicamente.
Tabla 2: Comparación del acorde musical con el acorde de color.
Acorde musical Personalidad Acorde de color Personalidad
Do Mayor Alegre, guerrero,
completamente
puro. Inocencia y
simplicidad.
Rojo es guerrero,
amarillo alegre,
azul inocencia y
simplicidad
Do# Mayor Tristeza, éxtasis y
sonrisa.
Azul-verde con
mas azul que
amarillo es
tristeza, lejanía.
Naranja es
peligro, sonrisas,
lo alegre.
Re mayor Feliz y muy
guerrero. El triunfo,
Aleluyas, júbilo,
victoria.
Naranja está entre
lo guerrero y la
diversión, la
alegría, el azul
violáceo, la
victoria, el verde
naranja
aromatizan.
72
Mib mayor Crueldad, dureza,
amor, devoción,
conversación
íntima con Dios.
El amarillo no es
puro, es mentira,
crueldad, violeta
amor, azul y
violeta divinidad,
relación con Dios.
Violeta color para
honrar a Dios.
Mi mayor Querellante,
chillón, gritos
ruidosos de
alegría, placer al
reírse.
Violeta es
extravagante,
ruidoso,
fantástico, el
amarillo es chillón,
alegre, el azul la
ilusión.
Fa mayor Furioso y
arrebatado.
Rojo es furioso,
azul violáceo y
verde lo
venenoso.
Fa# Mayor Triunfo sobre la
dificultad, libertad,
alivio, superación
de obstáculos.
Violeta es
superación,
vanidad, poder,
triunfo, verde
azulado,
tranquilidad,
naranja alegría.
73
Sol Mayor Dulcemente jovial,
idílico, lírico,
calmado, pasión
satisfecha,
gratitud por la
amistad verdadera
y el amor…
Violeta atrevido, el
rojo es lo dulce,
rojo-violeta es la
pasión el amor
verdadero, lo
jovial,
contrarrestando
con el azul de lo
calmado, lírico
idílico.
Lab Mayor Gravedad, muerte
y putrefacción.
Amarillo sucio es
la mentira, rojo y
azul, la fuerza, lo
chocante, odio, lo
inmoral.
La mayor Alegre, campestre,
declaración de
amor inocente,
satisfacción,
juventud, aplausos
y creencia en Dios.
Amarillo-naranja,
alegría diversión,
la verdad,
juventud. Azul
divinidad.
Sib mayor Magnífico, alegría,
amor alegre,
conciencia limpia,
metas y deseos
por un mundo
mejor.
Violeta: lo
magnifico, ilusión,
amor, naranja:
alegría, verde:
deseos por un
mundo mejor,
conciencia limpia.
74
Si mayor Duro, doliente,
deslumbrante,
fuertemente
coloreado,
anunciando
pasiones salvajes,
enfado, odios y
resentimientos.
Violeta y amarillo:
fuertemente
coloreado, violeta:
pasiones, verde
azulado doliente,
amarillo no puro
es duro, odios y
resentimientos
En la propuesta se usan tres acordes, el de Sib mayor, Mib mayor, y
fa mayor, siendo el más importante, resaltando más que los demás el acorde
de Sib mayor.
De esta manera se ha relacionado el color con el sonido, con las
notas musicales, haciendo una concordancia entre los términos usados con
el color, el sonido o la música, así como también entre las emociones, y
sentimientos que expresan cada acorde.
Para completar la relación color sonido, y unirla con la línea se realizó
un estudio para ver cómo las personas interpretan las líneas en sonido, y
como asocian el color con el sonido, tomando tres diferentes grupos a los
cuales se les aplicó un instrumento de evaluación. El grupo A que son todos
aquellos músicos académicos, es decir que tienen conocimiento y práctica
en cuanto a la lectura de la partitura musical y ejecutan algún instrumento; el
grupo B formado por estudiantes de Artes plásticas que tienen conocimiento
acerca de las líneas, el espacio visual, el color, la perspectiva, entre otros, y
el grupo C aquellas personas que no se han especializado en ninguna de las
dos artes.
75
El instrumento de evaluación o test consistió en 12 cartulinas
pequeñas en las cuales se encontraban diferentes tipos de líneas, y
agrupaciones de puntos de color, y se le pedía a las personas colaboradoras
que interpretasen esas figuras en sonido, es decir cómo se imaginaban que
sonarían las diferentes figuras si fuesen sonidos. El test se sustenta en las
teorías de Kandinsky, sobre la idea de la línea como melodía, y los sonidos
que él asoció a cada una de las líneas. También se tomaron las ideas de
Murray Schafer vinculadas a establecer la relación de los sonidos con el
movimiento de las líneas, y la posible interpretación musical de las mismas.
Todos los ítems del instrumento están relacionados con el objetivo específico
1 que reza lo siguiente: Describir la relación entre color y sonido, línea
melódica y línea geométrica.
Estas líneas usadas en el test fueron el resultado del estudio y
observación de diferentes partituras, tomando pequeños fragmentos para
crear algunos ítems, y a su vez creando melodías improvisadas en la flauta,
visualizándolas gráficamente para obtener nuevas líneas y completar los
ítems. Siendo ésta una interpretación personal, con la finalidad conocer las
diferentes interpretaciones, para al momento de la creación de la obra no
basarla en una sola interpretación sino en el resultado de un conjunto de
éstas.
Luego de realizar los ítems el test fue aplicado, y a continuación se
puede observar una tabla que muestra la finalidad de cada uno de éstos y su
resultado, mostrando los sonidos que predominaban; lo que hizo posible
llegar a una conclusión, mostrado en las tablas siguientes.