Celebrating 10 years

GALERIE D’AVIGNONART CONTEMPORAIN

CONTEMPORARY FINE ART

10ièmeAnniversaired u 1 0 a u 2 9 a v r i l 2 0 0 8

r é c e p t i o n s a m e d i l e 1 2 a v r i ld e 1 4 h à 1 7 h

Celebrating10 years

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Les oeuvres de Sue adressent principalement la forme humainemais elles démontrent aussi une préoccupation pour les anciennesphilosophies sur l'esthétiques du Classicisme et des Humanistes.La passion, la beauté, la fragilitée et la mort sont les thèmes les plusprésents et importants dans ses sculptures. Sue examine la relationet non pas les différences entres certaines forces contraires. L'espritet le corps sont représenté comme étant des forces dynamiqueslorsqu'ils sont unis.

Sue works primarily with the human form, drawing from the historicaland aesthetic attitudes of Classicism and Humanism. Driven by thequest to understand the dynamics of being with special emphasis onthe balance between the mind and body, Sue’s art is a response tolife based on the centralities of human experience. Renewal, decay,beauty, frailty, passion and reason — these are ever present themes inher work. Undeterred by humanity’s inherent contradictions, she givesvoice to the silent dialogue between the fair and the foul, the past,present and future.

Sue Adams

Sacred and profane, 26 x 78 x 18 inches, sculpted hydrocal

David est inspiré par son vécu. Il peint cequ'il voit, touche et ressent. Voyageant

seul, il visite des lieux inédits afin decapturer des images et des idées qui

vont inspirées ses toiles plus tard, dèsson retour en studio. Les paysages

décrits dans ses œuvres témoignent sesaventures aux régions arctiques des

Rocheuses, aux rivages du Greenland,aux îles de Baffin et en Islande où ses

œuvres ont été exhibés à l’InstituteHafnarborg des Beaux Arts.

David has always relied on first-handexperience as a source of inspiration forhis landscape paintings. His wildernesshikes have taken him into remote areasof the Rockies, along the rugged shores

of Greenland and Baffin Island to thedeserts of New Mexico, and finally to

Iceland where his work was exhibited atthe Hafnarborg Institute of Fine Arts.

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Water reflection 2007, 57 x 66 inches, acrylic on canvas

Ses paysages combinent les traditions artistiques Canadiennes face à lareprésention de paysages ainsi que la vision d'une artiste contemporaineunique. Son amour de la poésie et ses habiletées techniques en peinturesont toujours misent en évidence dans ses toiles vibrantes. Un des thémesperpétuels que l'on retrouve dans son travail est le mythe du vol et de lachute d'Icare. C'est une histoire qui peut être interprétée de différentesfaçons et ceci plaît beaucoup à l'artiste. Les interprétations, qui gardentle mythe vivant et lui donne une profondeur accrue, font de l'histoired'Icare quelque chose d'intense, de personnel et de contemporain.

Exploring the legacy of Canadian landscape painting, Catherine's richlytextured evocations of the Eastern Townships and Georgian Bay areexecuted with her own poetic sensibility and technical assuredness.An ongoing theme in her paintings is the ancient Greek myth of Icarusand his determined, though eventually perilous, flight towards the horizon.

CatherineYoung Bates RCA

Shore II, downriver, 30 x 32 inches, oil on canvas

Anne-Marie applique la peinture encouches afin de créer de la texture etl'effet du mouvement. Unes par unes,les couches s'accumulent et la figuredevient de plus en plus difficile àdistinguer et parfois fracturée. Une foiscomplété, le tableau s’ouvre au regardet nous expose a des moments simplesmais révélatoires. Selon Anne-Marie,pour qu’une pièce soit bien réalisée,elle doit parfaitement capturer unmoment précis.

Ann-Maries method involves the useof encaustic and oil on canvas. By usingoverlapping layers to impart a sense ofmotion and texture, the built up layers inher paintings obscure and fragment thefigures underneath. The resulting effectis revelatory as the whole of the paintinghighlights a single glance or a gesture.According to Anne-Marie, a piece iscomplete when it fully articulates asingle moment in time.A

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Flying Falling I, 48 x 48 inches, oil & encaustic on canvas

Le visionnement d’œuvre de Chris Carbone est une expérience en soi. Noussommes non seulement encouragés de nous approcher de la toile, mais aussiséduis par ces profondeurs atmosphériques. Certaines formes se prononcent etnous semblent même familières, mais, en peu de temps, notre imagination prendcontrôle et ces formes se mélangent aux désirs de notre subconscient. Carbonecombine parfaitement ses habiletés techniques avec son intuition, que ce soitenvers son application de la peinture ou ses choix de couleurs. Dans une sociétécomme la nôtre, si préoccupée par la productivité et la rapidité, ses œuvres sontdes oasis de tranquillité. Elles offrent une évasion: l’occasion de plonger dans uneatmosphère où la sérénité règne. Parfois paisible, parfois dramatique, les œuvresde Chris Carbone ont une résonnance poétique qui est à la fois rare et inoubliable.

Viewing a Chris Carbone painting is an experience. Not only are we, the viewers,encouraged to approach the painted surface but we are lured into its atmosphericdepths. Although we may recognize certain forms at first, it does not take longbefore our mind delves into the imaginary. Carbone’s masterful application of paintis immaculately combined with his intuitive approach to color. They offer an escape,an opportunity to immerse oneself in an atmosphere where the senses guide us.Sometimes serene, sometimes dramatic, Chris Carbone’s work has a poeticresonance that makes it both rare and unforgettable.

Chris Carbone

Crimson adagio, 48 x 48 inches, oil on canvas

Un sculpteur accompli qui travailleexclusivement en bronze, la tête est le

motif principal de ses œuvres.Universelles mais personnelles, ses têtes

échappent les stygmes attachés al’ethnicité, a la religion et aux sexes.

Pour Dunning, la tête est un objet decontemplation — un mirroir qui refléte lessouvenirs, pensées et émotions cachées

dans nos subconscients.

Specializing in sculpture, Dunning worksexclusively in bronze. The head is thecentral visual theme in his work: “My

representation of the head is non-specificas to gender, time, colour or creed. As anobject of contemplation it functions as a

mirror of the viewers’ experience,reflecting and evoking conscious and

subconscious memories, thoughtsand feelings.”

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Evergreen, Bronze, ed. 1/1 Life-size

« Le temps m'a toujours interpellée, et avec le temps,justement, avec le recul, je constate que, dans monparcours pictural, ma manière de temps. Maintenant,ce qui m'intéresse, c'est la durée, la notion detransmission, celle du savoir, certes, mais aussi celledes objets, des cultures. »

"The concept of time has always been of great interestto me, and appropriately, with time I have realized thatmy pictorial journey or the way in which I treat mysubject has changed. When I was younger and attendinguniversity, I painted what I perceived as a lack of time.Now what interests me is duration, the notion oftransmission, the generational transfer of knowledgethrough objects and cultures."

Renée duRocher

Vie Urbaine I, 60 x 48 pouces, technique mixte sur toile

« Mes recherches sont axées sur l’explorationdes formes humaines, naturelles ousynthétiques.À travers ces éléments, j’exprimemes pensées et sentiments et représente lescomplexités de l’esprit.« Je travaille la surfaceen la brûlant, la raclant, ce qui permet à l’œuvred’évoluer et de me diriger vers de nouveauxhorizons jusqu’à ce qu’elle soit achevée».

“In my work, I like to explore formations orforms, whether man made, natural, or human.Through these elements, I like to express mythoughts or feelings, and represent thecomplexities of the mind. I work the surfacethrough a repeated process of painting, burningand scraping, allowing the work to evolve,and lead me into new directions, until it feelscomplete”.

Ron Eady

Balanced, 60 x 40 inches, oil & encaustic on canvas & board

The true work of art is not only looked at, it really looks

back. It not only changes depending on who looks at it, but it

also has the capacity to change the one who looks at it.

There is no right or wrong; it is a mirror, it reflects. It is the

relation of man to man and of man to his environment.

It must take from the one who looks some of his life with

which to increase its own. It is magical and it is taboo.

It is lover and beloved. So, once born, it walks by itself,

it has its own life, its own destiny.

F r i t z B r a n d t n e r 1 8 9 6 - 1 9 6 9

L’œuvre d’art ne se contente pas d’être regardée;

elle envoie au spectateur son regard. Non seulement

change-t-elle suivant ce regard, mais elle a le pouvoir de

changer le regardeur. L’œuvre n’a pas à être moral : c’est

un miroir qui reflète les relations entre les humains ou entre

humains et environnement. À la fois magie et tabou,

amante et animée, l’oeuvre d’art emprunte une partie de sa vie

au spectateur et échappe à son créateur. Une fois née,

elle s’engage seule dans son propre destin.

F r i t z B r a n d t n e r 1 8 9 6 - 1 9 6 9

Les oeuvres séduisantes de Fink, représentantsdes objets présents dans nos vies quotidiennes,nous apportent subtilement à revisiter cedont nous voyons a tous les jours maisoublions d'observer. Étant plus que de simplesreprésentions de, par exemple, roses ou defraises, ses sujets se transforment enintermédiaires entre le spectateur et un monderiche en formes, couleurs et textures; familièresmais soudainement un peu étrangères.

Aaron’s iconic images of everyday objectschallenge us to evaluate what we see and whatwe think we see. To call them simply paintingswould be an understatement. He uses commonobjects as subject matter and, along with hisdeft handling of paint, creates evocative illusionsof form, colour and texture. It is because ofthese qualities that Aaron Fink is consideredone of America’s contemporary masters.

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Scholars cup (Celebration) 30 x 24 inches, oil on canvas

Love is in the air, 36 x 48 in oil on canvas

Présentement, Helman se spécialise en natures mortes.Elle se préoccupe de la simplicité des objets individuels.Pour la plupart, elle compose ses sujets en solitude afin decapturer leur essence, l'action de la lumière et des ombres.

Specializing in the still life genre, Helman focuses on thesimplicity of individual objects. She often places her subjectsin solitude to capture their essence, whilst exploring theplay of light and shadows. The result is an expanding oeuvredelineated by a clean, disciplined palette and jewel-likesubjects.

Joanne Helman

Blue Top, 16 x 20 inches, oil on panel

Au cœur de ses tableaux, on retrouve l’explorationdu mouvement et de l’espace. Fasciné par lespropriétés éphémères de la lumière, Elzbietatravaille beaucoup sur les changements et lescontrastes de couleurs. Ses tableaux démontrentl’harmonie entre les techniques traditionnelles desgrands maîtres et les sensibilitées personnellesde l’artiste.Elzbieta a beaucoup été inspiré par ses multiplesvoyages autour du monde. Sensible aux culturesdifférentes, elle peint des sujets qui résistent autemps puisque ce qu’elle peint se retrouve dansnos mémoire collective. Ceci est surtout évidentdans ses superbes tableaux représentant des ciels.Ce sont des vues qui sont accessibles autour dumonde mais qui nous donnent souvent l'impressiond'etre la pour nos yeux seulement.

“My paintings are an exploration of movement andspace. Through experimenting with colour shiftsand contrasts, I observe the transient nature of lightand other elements that qualify a landscape. I aminterested in large areas and open spaces, such asskies and surfaces defined by pattern formations.I use thick, opaque paint often applied in parts witha palette knife followed by translucent glazes ofthinner washes. This creates texture and depththrough contrast while giving the paintings weightand substance. I am working towards a style thatcombines traditional painting techniques withpersonal experiences.My inspiration comes from my travels and exposureto world cultures. Perhaps this accounts for why mywork seeks out subjects that resist change. Despitetheir variance, my skies refer ultimately to a univer-sal space of collective memory.”

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Alabaster, 24 x 30 inches, oil on masonite

Jimmy est versé en divers média, de la bijouterie et le collage àla sculpture et, naturellement, la peinture. Arthur Lismer, membrereconnue du Groupe des Sept, était son instructeur. Ses tableauxparlent avec une langue visuelle méticuleusement developpé etunique à lui. Selon John Ivor Smith, les tableaux de Jones nousdonnent l’accès à un rêve occupé par les équestres, les femmesnues et leurs étalons. C’est un rêve rempli de tendresse, d’humour,d’érotisme et de variations.

Jimmy has worked in such diverse media as jewelry, collage,sculpture, and of course painting, which he studied with none otherthan Arthur Lismer.Over the years, Jones’ work has evolved intowell-defined, colourful and distinctive still-lifes and equestrian nudes.John Ivor Smith describes these latter paintings as “female nudesand their stallions, tender and lightheartedly erotic in a thousandluscious, ingenious variations.”

Henry Wanton Jones

Les tableaux de Kai représentent des espacesintérieurs ou l’air est chargé d'une certaine tensionmystérieuse et psychologique. Le théâtrevoyeuriste de l'artiste est dirigé par des narratifsincomplets mais quand meme très suggestifs.Comme un roman manquant des chapitres,il est difficile d'attribuer une interprétation solonellea ces oeuvres. Les narratifs de ces toiles sontéternellement suspendus et ambiguës."A l'origine, un tableau commence par mettre enprésence deux forces qui s'opposent. Le conflit quien résulte génère l'élan qui porte l'histoire de l'avant".

Psychologically charged figures locked in theatricalinteriors immediately beg the viewer to search for anarrative in the work of Kai McCall. Yet, the hints ofnarrative in these paintings are mere fragments, nevercommitting themselves to a single closed reading.Like a work of fiction with the concluding chaptersmissing, the outcome of the narrative in each workis suspended in time, its final meaning ambiguous."A painting begins by setting two opposing forcesagainst each another. The resulting conflict becomesthe motor that advances narrative in the paintings".

Kai McCall

Lemon tree, 62 x 44 inches, oil on canvas

Volcada, 60 x 84 pouces, Technique mixte

Les femmes et les chevaux sont les motifs perpétuels deses œuvres. Elle explore le lien sacré entre les bêtes et leshumains. Dans les caves de Lascaux, l'homme a crée lespremiers dessins avec les crayons fait de la manganèse etl’argile. À ce moment là, l’héritage profond entre l’homme etle cheval était formé. Toujours un mystère, le cheval vive dansnos mémoires collectives. Il est une force qui nourrit nosmythes, contes des fées et légendes. En manière primordiale,il sert l’inspiration de nos peintres et poètes.

The common theme in Lea’s work is women and horses.She explores the sacred link that unites horses and humans,a link that has deep roots in humankind’s conscious andsub-conscious history. In the caves of Lascaux, men(or perhaps women) used crayons made of manganese andclay. With these tools, they engraved the first prehistoricdrawings and thus, the link between human and horse wasestablished. Their magical or religious significance is elusive tous yet. However, in our collective memories the horse gallopson, a powerful prototype whose symbol nourishes myths,fairy tales and legends and serves as an inspiration topainters and poets alike.

Léa

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André explore son imaginaire à pleintemps a travers la peinture. Toujourspréoccupé par ce qu’il vit, son art estl’expression transcendée de sarecherche intérieur.

André explores his imagination throughpainting on a full-time basis. Alwayspreoccupied by his life experiences,his art reveals his reflections and hisdeepest thoughts.

André Séguin

sans titre, 39 x 24 pouces, technique mixte

« Un soir en août, j’ai visité Jan dans son studio. L’intensité etl’énergie de la lumière qui pénètrait ses pivoines — ils m’ontcoupé le souffle. Immédiatement, j’ai pensé à Vermeer et sontraitement de la lumière et des ombres. Je me souviens lapremière fois que j’ai vu les tableaux de Jan. C’était en 1998.Elle avait créé des œuvres en encaustique de vesseaux et debols somptueux où la lumière rayonnait à travers.. La lumièreest vraiment le sujet constant dans son travail. »-Jane Lind, auteur de Joyce Wieland Artist on Fire.

“On an August evening when I visited Jan in her countrystudio, her peony paintings made me catch my breathbecause of the intensity of the energy and light I saw inthem. Immediately I thought of Vermeer, the way he usedlight and shadow. Then I remembered the first time I hadseen Jan’s work in 1998, encaustic paintings of vessels,round generous pots glowing with light on the inside, andsome with light spilling from them. Light is the continuumin her work, regardless of the image.”- Jane Lind, author of Joyce Wieland Artist on Fire

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Vessel, 72 x 48 inches, oil on panel

La figuerie II, 36 x 60 pouces, Huile sur toile

Le monde crée par Ognian Zekoff est chargé d’émotion, sans être imagé ou narratif.C’est un univers spirituel, où s’exprime une réalité et la limite des illusions de l’éveilet de l'incertitude des rêves. Il construit son île d'espoir sur la conviction en contenuspirituel de l’espace plastique, dans la vie émotionnelle de la couleur et de la forme,dans l'innocence du corps nu …

Ognian’s creative world is loaded with content and emotion, without being pictorialor narrative. It is spiritual, yet it has not lost the elements of the creative realitythat exist on the borderline between the illusions of awakening and the troubleduncertainty of dreaming. He builds his island of hope on the belief in the spiritualcontent of plastic space, in the emotional life of colour and shape, in the innocenceof the nude body…

Ognian Zekoff

102 avenue Laurier ouest, Montréal , Qc.5 1 4 . 2 7 8 . 4 7 7 7w w w . g a l e r i e d a v i g n o n . c a

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