MONADAS ‘MADE IN JAPAN’ // EDIFICIOS CON HISTORIA // TRIBAL FUSIÓN: DANZA ORIENTAL // MODA PARA LAS FIESTAS DICIEMBRE / 11 - ENERO / 12 #64 LA REVISTA DE LA NUEVA CULTURA
Calle20#64
Mar 02, 2016
La revista de la nueva cultura
Welcome message from author
This document is posted to help you gain knowledge. Please leave a comment to let me know what you think about it! Share it to your friends and learn new things together.
Transcript
MONADAS ‘MADE IN JAPAN’ // EDIFICIOS CON HISTORIA // TRIBAL FUSIÓN: DANZA ORIENTAL // MODA PARA LAS FIESTAS
DICIEMBRE / 11 - ENERO / 12 #64 LA REVISTA DE LA NUEVA CULTURA
PD
F D
E C
LIE
NT
E C
HE
QU
EA
DO
PO
R
52
3
DIRECTOR: Juan Carlos Avilés ([email protected]). REDACCIÓN: Pilar Sanz (jefa de redacción) ([email protected]).DISEÑO Y PRODUCCIÓN: Marta de los Dolores ([email protected]). CORRECCIÓN: Raquel Martín. PUBLICIDAD: Lola Díaz (jefa de publicidad) ([email protected]) Tel.: (34) 917 015 600, ext. 603. DISTRIBUCIÓN ([email protected]) Guillermo Estébanez (Madrid), Xavier Pons (Barcelona y Bilbao), Antonio Carmona (Valencia).FOTOMECÁNICA: Espacio y Punto. IMPRESIÓN: Rotocayfo (Impresia Ibérica). EDITA: Línea 20 Revistas, S. L. Sociedad unipersonal. www.20minutos.es, [email protected]. Condesa de Venadito, 1, 28027 Madrid. Tel.: (34) 917 015 600. Fax: (34) 917 015 660. CEO: Eduardo Diez-Hochleitner. Director editorial: Arsenio Escolar. Director comercial: Luis Alberto Rivero. Directora comercial adjunta: María Jesús Rodríguez. Directores de publicidad: Antonio Verdera (Barcelona), Beatriz Martínez (Levante), Rosana López Balsategui (Bilbao). Director de marketing: Rafael Martín. Distribución: Héctor María Benito.Producción: Francisco Fernández Perea. Administración: Luis Oñate. Sistemas: Juan José Alonso. 20 MINUTOS ESPAÑA: Presidente: Sverre Munck.Depósito legal: M-40343-2005. Calle 20 no se hace responsable de las fi rmas que en ella aparecen, ni de sus opiniones, artículos o comentarios.
PORTADA: Fotografía de Óscar Carriquí (moda en páginas 36-43). La modelo lleva vestido de Miriam Ocariz y cazadora de Redskins.
EJEMPLAR GRATUITO en establecimientos públicos de Madrid, Barcelona, Valencia y Bilbao. Localiza tu punto de distribución más cercano en nuestra web.
Al día, y a diarioNo esperes un mes para saber lo que se cuece ahí fuera. En nuestra web te ponemos todos los días al día de lo último en cultura urbana.
wwwcalle20
.es
«NO SE VEN UNAS BASES DEL 15-M EN LA CULTURA» 4 El escritor y cineasta Ray Loriga publica El bebedor de lágrimas, un libro para adolescentes
EL LADO MÁS SÓRDIDO Y BOHEMIO DE NUEVA YORK 6 Luc Sante nos avanza el primer capítulo de su libro Mata a tus ídolos, un recuerdo de juventud
LOS LÍMITES ATÁVICOSDE LA VOZ HUMANA 7 El MUSAC de León acoge una muestra colectiva con el grito como forma de expresión artística
BETINA LA PLANTE,COMO LA VIDA MISMA 10 «Hacer fotos es una simple reproducción selecti-va de la realidad», dice la retratista argentina
AGENDA Las ofertas culturales más interesantes del mes
DICIEMBRE 11 / ENERO 12
KAWAII, UNA MANERA DE ENDULZAR LA VIDA 16 El arte más naíf de Japón es un estallido de felicidad que rebasa fronteras
«RESULTA DIVERTIDO REVOLVER EN EL PASADO» 20 Juan Gatti expone lo mejor de su obra en Contraluz, 40 años de trabajo
EDIFICIOS QUE TIENEN MUCHO QUE DECIR 22 Sus paredes cobijaron a grandes mitos de la historia de la cultura
LOS ZOMBIS MONTAN SU CLUB DE LA COMEDIA 26 Juan de los muertos, del cubano Alejandro Brugués, satiriza la casquería
SALOMÉ YA NO QUIERE LA CABEZA DEL BAUTISTA 28 El tribal fusión, inspirado en los bailes orientales, pone los ritmos en danza
MATADERO MADRID REVISA LAS CLAVES DEL ARTE 32 El Ranchito reúne a gestores y artistas para refrescar la cultura institucional
TALLÍN, LA MARCHA QUE SURGIÓ DEL FRÍO 34 La capital de la República de Estonia es un hervidero, a pesar del fresquito
16 22 28 44
¿Por qué un público más joven? ¿Te gustó la experiencia con Los indios no hacen ruido?
Los indios no hacen ruido era más infantil. Este es juvenil, pero no está hecho para cualquiera. Tengo
hijos adolescentes y es una temática que me divertía, me desahogaba de escritos más densos.
En tu relato hay fantasmas. ¿No te has sentido tentado por la fiebre del vampirismo?
El mercado de los vampiros está saturado. Como el de los zombis. Así que pensé que los fantasmas
también tenían sus derechos.
Se ambienta en Estados Unidos para que haya una distancia con el lector. ¿No crees que, en el fondo, ya hemos asumido su cultura como si fuera nuestra?
EE UU se ha convertido es un lugar común, todos sabemos cómo es el centro comercial, el sheriff,
cómo viven la adolescencia... Me baso en ese mundo que es nuestro aunque no hayamos estado allí.
Este libro inicia una trilogía. ¿Es tu manera de asegurarte el pan con la que está cayendo?
Un escritor se gana la vida escribiendo. No es la forma más efectiva de hacer dinero... aunque hoy
en día no se sabe, el trabajo más inseguro es aquel que antes era fijo.
¿Por qué crees que no ha surgido un movimiento cultural como respuesta a la indignación social? El punk nació en un contexto parecido, hace cuatro décadas...
Es verdad que no se ven unas bases del 15-M en la cultura. Pero estoy convencido de que debe
de haber algo, aunque creamos que lo que no sale en los medios no existe, sí sé que hay teatro
alternativo, teatro en las calles, están saliendo editoriales pequeñas como setas... Personalmente,
utilizo los libros como vía para canalizar mi indignación, aunque no tengo madera de líder ni de
flautista de Hamelín.
Por último, ¿es posible compatibilizar la vida del escritor bohemio con los horarios de una familia con hijos?
Cuando tienes familia no te queda más remedio. Antes escribía de noche, y ahora, por la
misma razón, me levanto a las 8.30 horas, y lo hago, porque es una hora tranquila antes de que
comiencen las llamadas y el jaleo por el trabajo. Pero como todos: escribes, recoges a los niños
del colegio, les das de cenar...
� � � � � � � � �� � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � �� � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � ! � � "ESCRITOR, AUNQUE TAMBIÉN GUIONISTA Y DIRECTOR DE CINE, ACABA DE PUBLICAR ‘EL BEBEDOR DE LÁGRIMAS’, SU PRIMERA INCURSIÓN EN LA LITERATURA JUVENIL, EN LA QUE MEZCLA LO HUMANO CON LO PARANORMAL. NO, NO ES OTRO ‘CREPÚSCULO’ PARA QUINCEAÑERAS HORMONADAS...
POR JAUME ESTEVEDE TWEET A TWEET
4
PD
F D
E C
LIE
NT
E C
HE
QU
EA
DO
PO
R
EL AUTENTICO ESPECIALISTA
PARA E PERTOS EN NIEVE
DESCUENTO*40%HASTA UN
EN TABLAS DE ESQUÍY SNOWBOARD
* EN UNA AMPLIA SELECCIÓN DE MARCAS
La recopilación de artículos Kill all your darlings: Pieces 1990-2005 se publicó en 2007 y por fin se ha traducido al español. Esta expedición
al epicentro de la cultura contemporánea nos traslada a Nueva York en el recuerdo de Luc Sante, que recrea su juventud dejando que el humo,
los locales lúgubres y las drogas, pero sobre todo la música, la pintura, la fotografía y la poesía, guíen nuestros pasos. «Todo parecía posible por
aquel entonces; no se había agotado ninguna opción y aún no se había sacrificado nada». Este fragmento pertenece al artículo que abre el libro:
Mi ciudad perdida. Ya en librerías. Libros del K.O., 397 páginas, 20 euros (precio aproximado). http://librosdelko.com/
Mata a tus ídolos
6
TEXTO LUC SANTE TRADUCCIÓN ZULEMA COUSO ILUSTRACIÓN CELSIUSPICTORGALERADAS
En aquella época, gran parte de Manhattan se veía
despoblada incluso a la luz del día. Al margen de los
refulgentes edificios del Midtown y del distrito financiero,
el lugar parecía habitado sobre todo por muertos de
hambre y ociosos; vendedores de porros y sacacuartos
adolescentes, mendigos y borrachos de plaza fija, personas
a las que sus hoteles mugrientos ponían de patitas en la
calle a las ocho y solo permitían su reentrada a las seis.
Muchos negocios parecían seguir abiertos con el único
propósito de dar cobijo a sus dueños contra los elementos.
¿Con cuánta frecuencia algún dólar podía cruzar el mostrador
de esos negocios con rótulos de plástico, o los escaparates
en los que se exhibían prótesis ortopédicas, o el lugar que
supuestamente comerciaba con mobiliario de oficina, pero
que mostraba a través de sus ventanas una máquina de
escribir china y un becerro disecado con dos cabezas?
Aquellos lugares no eran exactamente establecimientos
comerciales, sino que más bien parecían habitaciones de
tu propia casa. Se limitaban a anunciar tan solo el servicio
que ofrecían; sus nombres, como los de las deidades,
permanecían en secreto y solo se descubrían al leer la licencia
enganchada en algún lugar detrás de la caja registradora.
Fuera, bajo un toldo, durante las tardes calurosas, veías
una mesa de juego con la textura de una maleta vieja
con cuatro esquinas de metal y, alrededor, a cuatro tipos
en una partida de dominó. Otras veces, colocaban sobre
una caja de plástico una pequeña televisión conectada
a la base de una farola para ver el béisbol. (...)
LUC SANTE nació en 1954 en Bélgica, pero hace 50 años que reside en EE UU. Escribe habitualmente en The New York Review of Books y The New York Times Magazine y da clases de historia de la fotografía. Disfruta con las ciudades, los desiertos, las fotos antiguas y la música de la diáspora africana. Le gustaría saber tocar algún instrumento.
CELSO MARTÍNEZ, alias Celsiuspictor (Ourense, 1978), estudió ilustración y diseño gráfico y vive en Madrid. Ha trabajado como arte en publicidad para Acciona, Movistar o Micrópolix y con varias editoriales. Ha sido seleccionado por Pictoplasma para exponer su trabajo en París durante este mes. www.cargocollective.com/celsiuspictor
Me dejé llevar desde el Upper West Side hasta el Lower
East Side en 1978. La mayoría de mis amigos hicieron la
transición por la misma época. Podías alquilar un apartamento
entero para ti por menos de 150 dólares al mes. Además,
todo se cocía allí. Se cocía, al menos, en dos o tres bares
lúgubres que hacían las veces de clubes nocturnos,
en una librería, en una o dos tiendas de discos y en un
montón de apartamentos e imaginaciones particulares.
CORREVEIDILE
Si alguien ha pensado que el título de
esta exposición es un guiño a Edvard
Munch, está en lo cierto. Y no solo
el nombre: también su contenido. Es
verdad que ha pasado más de un siglo
desde que el noruego le puso rostro a
la angustia, pero no es menos cierto
que la desesperación existencial es
una constante que atraviesa todas las
épocas. Y estéticas. Para comprobarlo,
nada mejor que darse una vuelta por
el MUSAC de León, porque la muestra
colectiva que acoge hasta enero tiene
mucho de eso, de angustia y extrañeza
ante el entorno o la humanidad. Además,
invita a pensar, que no es poco en los
tiempos que corren.
La exposición está conformada por
una gran variedad de estilos, puntos
de partida, técnicas y enfoques sobre
un gesto común, muy expresivo y
potente, tan primigenio como actual:
el grito. Un acto físico —pero también
artístico— entendido como llamada
de atención, como muestra de placer,
como necesidad de liberar tensiones,
de congregar fuerzas y, por qué no, de
denunciar. Como explican en el museo,
«El grito aborda una misma expresión
que podrí a señ alar tanto liberació n y
gozo como disconformidad y batalla. Las
obras que presentamos exploran esta
cuestió n para marcar las transiciones
entre circunstancias tanto micropolí ticas
e í ntimas como macropolí ticas y de
contundencia social».
Es difícil recorrer la muestra y no
pensar en el 15-M, sobre todo en la
instalación de Lara Favaretto, donde hay
varios silbatos suspendidos esperando
labios con ganas de protesta. Pero
también es un reto contemplar las
piezas y no pensar en la soledad.
Un buen ejemplo de esto último es
Recados póstumos, la propuesta de
Teresa Margolles. En esta serie de
fotografías tomadas en 2006, la artista
mexicana superpone fragmentos de
ese grito que resuena en el musacUna exposición explora la potencia y la expresividad del grito como fenómeno social y creativo
cartas de suicidio con marquesinas de viejos cines y teatros abandonados, muchos ya
inexistentes. Así, toca una combinación dura, casi tabú: la de la muerte y la memoria
llevadas hasta la decadencia y la ruina; la del grito atormentado que adopta forma de
la palabra escrita. «Pido perdón a Dios por no haber llegado a ser una buena artista,
pido perdón a Dios por quemar mi alma con thinner». Basta leer una frase como esta
para saber que el silencio es una apariencia, que las fotos también pueden aturdir.
Qué | El grito (The Cry). Exposición colectiva que aborda el significado del grito en el
arte contemporáneo.
Quiénes | Absalon, Allora & Calzadilla, Hernan Bas, Irina Botea, Luisa Cunha, el
Resplandor, Lara Favaretto, Terence Gower, Jesper Just, David Maljkovic, Christian
Marclay, Teresa Margolles, Loreto Martínez Troncoso, Olivia Plender, Ugo Rondinone,
Javier Téllez y Von Calhau. La muestra está coordinada por Cynthia González García.
Dónde | Salas 3.1 y 3.2 del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
(MUSAC). Avenida de los Reyes Leoneses, 24. León. www.musac.es
Cuándo | Hasta el 8 de enero. La entrada es gratuita. Loreto Martínez Troncoso
presentará su performance el 3 de diciembre y repetirá el 7 y el 8 de enero.
POR LAURA CAORSI
Obras de Teresa Margoles (arriba), Absalon (debajo, izquierda) y Von Calhau para la muestra.
7
GENIOSFERA
8
Estamos todos ciegos. Entramos en
una sala. Se escuchan gritos, risas,
comentarios descosidos. En medio del
espacio, tocamos el cuerpo desnudo de
una mujer. Cada uno actúa libremente:
la golpeamos, la olemos, la acariciamos.
El que seamos todos ciegos tiene una
ventaja: creemos que nadie nos mira.
Pero una cámara lo graba todo. Sonría;
es protagonista de una performance de
Regina Galindo (1979), una artista de
Guatemala, una mujer de Guatemala.
Dos afirmaciones que dicen más de lo
que dicen: por allí pasa una carretera
hacia Estados Unidos y es un país con
un currículum machista tan amplio que
no cabe en un PDF. La performance es
su medio, y su cuerpo, su mensaje. Crea
obras sin eufemismos que hablan sobre
el maltrato a la mujer, las violaciones, los
regina galindo
«La sociedad ha sido y será por siempre malévola. La ley del más fuerte no es una metáfora»
abusos, la política. También reflexiona
sobre el arte contemporáneo y el papel
del espectador. A través de una poética
con hueso reconsidera temas actuales
o atemporales basándose en su visión
personal: «La sociedad humana ha sido y
será por siempre malévola. Todos quieren
sobrevivir a costa del otro, sociedades
enteras se sustentan sobre otras. La ley
del más fuerte no es una metáfora».
En su performance Looting incrustó
en sus molares ocho piezas de oro
de Guatemala para que luego fueran
extraídas en Berlín. En Himenoplastia
se sometió a una operación quirúrgica
en la que le reconstruyeron el himen, y
con él, su virginidad. En Punto ciego se
expuso desnuda en una sala habitada
por personas ciegas. Y en Ablución, un
expandillero se limpió la sangre humana
que antes la artista había vertido sobre
él... «Al pan, pan, y al vino, vino. Soy
literal, sí. No me molesta. Al contrario,
me parece que eso hace más sencillo mi
camino. Si hablo de humanidad, ¿por qué
usar sangre animal, qué sentido tendría?
Hay que ser precisos».
A través del menudo cuerpo de Regina
Galindo gritan las mujeres que sufren la
violencia degenerada de género, hablan
las personas que viven la represión más
literal o más sutil e inconsciente, se
expresan los fantasmas del progreso más
regresivo. Unas veces de forma brutal y
otras rozando un venenoso sentido del
humor, teatraliza las noticias del periódico
y la intrahistoria colectiva. La letra
pequeña se hace grande. A partir del 27
de enero podremos ver en el Artium de
Vitoria su Piel de gallina. JUANJO SANTOS
GENIOSFERA
Dolores > Así suenan las heridas
¿Cuántas lágrimas hacen falta para rebosar una copa? La pregunta te asaltará en cuanto termines de ver el vídeo de Cortafuegos, la canción que abre el debut de Dolores. Presentarse en sociedad con un Disco póstumo (Origami) y regalarlo durante un mes en Internet a partir de su fecha de salida (14 de noviembre) no parece aconsejable, pero cuando hay talento nada puede fallar. Siguiendo la estela de Triángulo de Amor Bizarro y El Columpio Asesino, pero bastante más despreocupados y menos nítidos que ellos (¿he oído frescura?), el cuarteto madrileño formado por Teresa Cobo, Juan Rodríguez, Pablo Costa y Tahiche Guillem surgió de las cenizas de Frida y Cuerpos. Ella pone la voz y los cuadros inquietantes; ellos, la distorsión y la oscuridad. El próximo 28 de enero actúan en Siroco (Madrid) y se puede comprar su vinilo azul y una entrada para el concierto en la web de su sello por 16 euritos. Volviendo al vídeo de Cortafuegos: cortarse la lengua, serrar el mástil de tu guitarra, quemar un buen libro... son cosas que duelen. Pero sin dolor, no hay felicidad.www.doloresde.bandcamp.com y www.origamirecords.com
Gerardo Herrero > Decisiones que pueden cambiar tu vida
Más de 30 premios por su corto Picnic confirman el talento de Gerardo Herrero (Oviedo, 1979. Ninguna relación con el otro Gerardo Herrero, también cineasta), que plasmó con poesía y una crudeza casi insoportable las terribles consecuencias de una guerra. Desde el pasado verano está embarcado en el rodaje de su nuevo cortometraje, La acróbata, protagonizado por Nora Moles y Marta Pérez (una niña de once años). Las decisiones difíciles que te pueden cambiar (o no) la vida inspiran esta historia rodada entre Oviedo —donde reunió en una secuencia a cientos de extras para llenar el Teatro Campoamor— y la Gran Vía madrileña, con un espectacular salto desde un hotel. Se estrenará el año que viene, y después el asturiano se centrará en preparar su primera película.
Cecile Collage > Únicos, ecológicos y divertidos
Se declara «revista-adicta»: toda página que caiga en sus manos termina convertida en collage, tijeras mediante. «Mis padres adoraban la fotografía y las diapos. Crecí rodeada de instantáneas y cámaras... y me gustaba decorar los álbumes de fotos con pegatinas, frases, colores y dibujos». Se atreve con libretas, agendas, álbumes... pero también imagina sus collages sobre etiquetas de vino, ropa de cama, libros o fundas de iPad. Elabora sus creaciones a mano, les da el toque maestro con el ordenador y fabrica en una imprenta de Barcelona, con materiales ecológicos y libres de cloro. El 15 de diciembre colgará sus servilletas customizadas (The napkin project) en una colectiva en la galería Mad is Mad (Madrid). Lo próximo serán camisetas y cajitas de la suerte. Más información y puntos de venta, en www.cecilecollage.es.
POR JOSE ÁNGEL GONZÁLEZ REVELADOS
10
BETINA LA PLANTE«Con mis retratos quiero ir pelando capas y revelar a la persona que hay debajo»
REVELADOS
11
En sus fotos hay un muy escaso amaneramiento. Ni siquiera la posproducción (tramas para viñetear expresiones, máscaras de enfoque, ojos cristalizados...) extravía un deseo de pura evidencia. La foto de la izquierda es el encuentro casual de dos amigos en el que ella muestra un tatuaje recién estrenado. La de arriba —los zapatos ascendiendo— es la anticipación de un romance. El niño con la lágrima colgando en la siguiente página es uno de los hijos de Betina que, tras un accidente escolar, pidió el retrato para verse y comprobar los daños. Para esta fotógrafa de lo cotidiano, hacer fotos es una simple «reproducción selectiva de la realidad».
NACIÓ en 1964 en Buenos Aires (Argentina), estudió Art Foundation en Londres y Arte
Dramático en Roma. Trabajó varios años en departamentos de producción de cine y
televisión y ahora es «madre a tiempo completo y fotógrafa a tiempo parcial». EMPEZÓ
haciendo fotos de bodas y eventos. Ahora es retratista freelance. VIVE en el pequeño pueblo
de Ojai, en el condado de Ventura (California, EE UU), entre montañas y a pocos kilómetros
del Pacífico. ESTÁ CASADA con el escritor y músico Richard La Plante y acaban de poner en
marcha una editorial independiente, Escargot Books. UN RETRATO de Betina al actor Terence
Stamp —amigo de la pareja y responsable de que ella se haya animado a dar el paso
definitivo hacia la fotografía— acaba de ser seleccionado, entre miles de imágenes, como
finalista del premio anual de National Geographic. HA EXPUESTO en Londres, Buenos Aires
y Ojai. ADMIRA a Elliot Erwitt, «un verdadero purista» al que conoció y por el que se siente
especialmente orgullosa de considerar amigo. www.flickr.com/photos/7470307@N06
REVELADOS
12
Estudiaste arte y teatro, ¿por qué te
decidiste por la fotografía? Me ayuda
a mirar el mundo de otra forma. Sin una
cámara soy propensa a dar todo por
bueno, pero cuando llevo una es cuando
realmente soy capaz de ver y buscar en
las caras de la gente. La fotografía me
ha enseñado a prestar atención a lo que
ocurre a mi alrededor. Eso me gusta.
¿Eres capaz de recordar la primera
foto que hiciste? Desde niña me apa-
sionó la fotografía. A los 14 años me
regalaron una cámara por Navidad, una
Nikon muy básica, pero completamente
manual. Hice el carrete entero aquella
misma noche: fotos de la familia, de los
perros... No tenía ni idea de cómo hacer
fotos con poca luz y al revelar el carrete
me lo devolvieron totalmente negro. No
salió ni una foto.
Pero la primera desilusión no fue
suficiente para dejarlo... Supe que
debía aprender haciendo fotos a diario,
practicando, experimentando, viendo las
fotos de otros, yendo al cine, a galerías,
exponiéndome al arte en todas sus mani-
festaciones. Cartier-Bresson dijo que «las
primeras 10.000 fotos son las peores».
Aún estoy en el camino de llegar a las
10.000, ¡me queda mucho por aprender!
¿Cuándo empezaste a tener la impre-
sión de que estabas en el camino de
crear algo satisfactorio? No siempre
soy consciente de la creación, porque en
la fotografía las oportunidades se presen-
tan por sí mismas, sin que tú intervengas
en planearlas.
¿De qué manera sabes que has toma-
do una buena foto? En los retratos
posados hay una especie de clic y todo
encaja. Sucede cuando la conexión entre
el modelo y yo se ha establecido. Es
como una idea luminosa, una visión más
clara que llega a tu mente y puede ser
totalmente distinta de la que habías pre-
concebido.
¿Es ese el momento cumbre del pro-
ceso? Sí, la interacción con el modelo y
el momento en el que sé que he logrado
capturar a la verdadera persona y no
al personaje que ese modelo cree que
conviene mostrar. Casi siempre es mucho
más interesante la persona que realmente
es y no la persona que piensa que el resto
del mundo debe ver.
¿En qué medida ha cambiado tu estilo desde que
empezaste? Creo que el cambio más notable es el sujeto.
Solía fotografiar de todo y ahora me concentro en los retratos.
En el camino he conseguido tener una idea más exacta de la
luz y la composición.
¿Por qué retratos? La gente me fascina. Todos queremos
controlar cuánto de nosotros mostramos y me gusta ir pelan-
do las capas y revelar a la persona que hay debajo.
¿Qué debe transmitir un retrato? Una mirada interior, un
momento esencial que cuente la historia del retratado.
¿Cómo te relacionas con tus modelos? No todos nos sen-
timos cómodos ante un objetivo; soy una de esas personas, por
eso sé cuán importante es hacer que la cámara sea un amigo
y no una amenaza. Si acabo de conocer a quien voy a retratar,
me tomo un tiempo para que nos conozcamos mejor. Sean
minutos u horas, es tiempo bien invertido, me beneficia en dos
sentidos: le conozco y me conoce. Desarrollamos una confian-
za mutua que desemboca en la suficiente relajación como para
que incluso un retrato posado no parezca estático.
¿Te atreverías a definir la fotografía? Es difícil, para cada
persona es algo diferente. Para mí se trata de capturar lo que
es, dar forma física a una reproducción selectiva de la realidad,
hacer una obra de arte que puedas aprehender y a la que pue-
das responder emocionalmente.
¿Y tu fotografía? ¿Cómo la definirías? No me atrevo, las
opiniones me llegan de los demás. Me basta con que mis
fotos tengan interés para el espectador, quizá que guarden un
toque de magia. Con eso las considero un triunfo.
IAS HIA HSHFI GFUIGF LEVI'S 508
LAS MEJORES
RECETAS
PARA ALIMENTAR
TU EGO
SWAROVSKI PARA UNO DE 50. No han querido celebrar su aniversario solos, y por eso Uno de 50 se une a Swarovski en la colección con la que cumple quince años. Se trata de piezas creadas en la aleación de metales con baño de plata propia de la marca y adornadas con cristales Swarovski, que dan un toque de distinción a los collares, anillos (como este unisex) y pulseras.www.unode50.com
LOMOGRAPHY: FUERON FELICES Y COMIERON... SARDINAS. ¿Una cámara o una lata de conservas? Lomography le da una vuelta de tuerca a La Sardina, la novedad que cautivó a sus seguidores el verano pasado, con una edición deluxe inspirada en el caviar y disponible en dos modelos: Czar (la azul con brújula) y Beluga (en rojo). Para que inmortalices tus momentos más felices en formato gran angular dondequiera que vayas. www.lomography.es
DE VIAJE CON LOUIS
VUITTON. Cinco sorprendentes destinos (Bari, Birmingham, Odessa, Salzburgo y Zagreb) se suman a la lista de guías de viaje de Louis Vuitton, en las que grandes conocedores de la ciudad te recomiendan lugares y locales con encanto, fuera del circuito convencional. En packs (100 euros) o por separado (25 euros). www.louisvuitton.com
14
EL AROMA NOCTURNO DE HALLOWEEN FEVER
El frasco del nuevo perfume de Jesús del Pozo está decorado con el skyline de Nueva York, ciudad en la que se inspira y a la que rinde homenaje HWN Fever, una invitación a la fiesta nocturna con su tapón de bola de espejos. Este es el divertido legado que nos deja Jesús del Pozo, al que despedimos en agosto y con el que se perdió un talento que al menos podremos recordar entre aromas orientales y afrutados: esencia de rosa, bergamota, loto, jazmín, ylang-ylang, vainilla... www.jesusdelpozo.com
ESCUCHAS PROFESIONALES CON MARSHALL
Con un papel fundamental en la historia del rock'n'roll, Marshall ha ampliado su abanico en los últimos años diseñando auriculares profesionales para melómanos. A través de su web puedes seguir la pista de los roadies que han contribuido a difundir la música en EE UU en los doce capítulos del documental On the rocks, ya en su segunda temporada. Jesse Hughes (Eagles of Death Metal) y Tim Harrington (Les Savy Fav) ejercen de guías en este viaje en furgoneta al corazón del rock. www.marshallheadphones.com
LAS RAY-BAN DE JOHNNY MARR. Resurge un modelo clásico en edición limitada escogido por Johnny Marr (The Smiths) como su favorito de Ray-Ban. Solo saldrán a la venta 1.500 gafas con la firma del guitarrista en su patilla. ¿La mala noticia? Que no se venden en las tiendas españolas, aunque sí podrás comprarlas on line en la versión americana de ray-ban.com.
15
LAURENT-PERRIER
CUVÉE ROSÉ. Si estás buscando un champán distinto para brindar en estas fiestas, prueba con el rosado Cuvée Rosé de Laurent-Perrier, una combinación de frescor y frutos rojos que sorprenderá a los paladares más exigentes. Además, su cofre especial de edición limitada para Navidad te ayudará a quedar bien con un detalle sofisticado y de buen gusto en cualquier celebración.www.laurent-perrier.fr
TONIGHT WE TANQUERAY. Con un sabor inconfundible y rabiosamente actual, Tanqueray es una de las ginebras más premiadas del mundo. Fue creada por Charles Tanqueray hace más 180 años y el denominador común de su receta responde siempre al número cuatro. Tanqueray London Dry Gin se diferencia de las demás por sus cuatro ingredientes botánicos: enebro, cilantro, angélica y regaliz. Además, se obtiene en cuatro pasos de destilación que dan a esta ginebra el balance perfecto de sabores y aromas. Por ello, el combinado estrella de Tanqueray no podía llevar un nombre distinto a Quatro, una bebida sofisticada, audaz y con un toque atrevido que hace honor a estos cuatro componentes: ginebra Tanqueray, tónica, hielo y una rodaja de lima. Si quieres aprender la receta en detalle para conseguir la mezcla perfecta, puedes ver un vídeo de su preparación en www.tanqueray.com.
En estos tiempos de malas noticias y futuro gris, el kawaii ilumina nuestro día a día con su espíritu positivo y su humor. El arte más naíf que vino de Japón ensalza lo tierno y lo adorable sin prejuicios.Un estallido de felicidad que traspasa fronteras y no entiende de edades.POR LETICIA BLANCO
En esta página, logo y personajes creados por la española Charuca. Sobre estas líneas, una
obra de Murakami que se expuso en el Museo Guggenheim de Bilbao, The world of Sphere
(2003). En la esquina derecha, diseños de mantelitos de Vanessa Linares para Laroom.
Japón es la nación de los trabajadores
incansables y de los hombres de honor,
el imperio milenario donde tradición y
futuro conviven como vecinos ejemplares.
Un país que ha sabido levantarse ante
las dificultades, una y otra vez; también
ahora. El tópico facilón ha exportado sus
sofisticadas geishas, el delicioso sushi y
las hordas de turistas siempre pegados
a una cámara de fotos, enamorados de
Gaudí y del flamenco. Pero hay más, claro.
Mucho más.
El mundo entero se rindió hace tiempo
ante el kawaii o, lo que es lo mismo, la
elevación a categoría de arte de lo mono, lo
tierno, lo achuchable. Un fenómeno social
y estético que abraza sin complejos lo naíf
y lo infantil con la única finalidad de provo-
car placer visual; que fusiona sin remordi-
mientos entretenimiento y cultura (algo de
lo que los europeos podríamos aprender) y
apunta directamente al corazón.
Sus fans en Occidente son legión, y sus
embajadores, oficiales o aupados por la
popularidad —lo crean o no, el Ministerio
LAS MONADAS
‘MADE IN JAPAN’
HACEN FUROR
1717
de Asuntos Exteriores de Japón designó hace dos años a tres embajadoras kawaii que
visitaron el Salón del Manga de Barcelona en calidad de diplomáticas—, hace tiempo
que entraron en nuestras vidas, casi sin darnos cuenta. Desde la pionera, una coqueta
gatita llamada Hello Kitty que genera millones de euros al año, hasta el cotizadísimo
Takashi Murakami, objeto de una gran exposición en el Guggenheim bilbaíno en la
primavera de 2009 y solicitado por marcas de lujo como Louis Vuitton, que le contrató
para darle ese inconfundible toque pop a su prestigioso holograma.
El fenómeno no da síntomas de agotamiento. Como ejemplo, un botón: la muestra
Japón: paraíso de las mascotas podrá verse en el Museo ABC de Madrid hasta el
próximo 8 de enero, tras su paso por Casa Asia de Barcelona. La exposición recorre la
peculiar y muy íntima relación que guar-
dan los japoneses con las mascotas, un
exponente de que lo kawaii se filtra en
los recovecos más cotidianos del día a día
nipón. Peluches que dan la bienvenida en
las comisarías, muñequitos que decoran
las libretas de ahorro y los abonos de
transporte... no importa el cuándo ni el
quién o el cómo. Lo kawaii es parte intrín-
seca de lo japonés. Y es uno de los mejo-
res exponentes de que una imagen vale
más que mil palabras. Según The Otaku
Encyclopedia, «kawaii es una palabra que
aparece prácticamente en todas las con-
versaciones de las chicas japonesas» y
asegura que «en Japón, lo kawaii es un
culto universal que se aplica a todo, desde
mascotas hasta estrellas del pop, dibujos
animados o merchandising». Todo es sus-
ceptible de pasar por el filtro kawaii.
Kawaii a la española
La fiebre es contagiosa. Takashi Murakami
y Martin Chin han traspasado fronteras
con sus trabajos, llegando a una audiencia
planetaria. Y aquí, los nombres propios
patrios que facturan un kawaii made in
Spain se multiplican exitosa y exponen-
cialmente. Es el caso de la diseñadora
gráfica Terelo, que se gana la vida con
su particular interpretación del universo
más dulce y esponjoso. Como la mayoría
de militantes kawaii, Terelo descubrió el
fenómeno cuando era una niña, con series
de animación como La pequeña Memole
y La pequeña Polon. «Tuve un flechazo
con la cultura kawaii conociendo la obra
Arriba, ilustración de Marcos Chin. Sobre
estas líneas, una obra de Terelo. A la dere-
cha, Flower matango, de Murakami, que se
pudo ver también en la exposición que le
dedicó el Guggenheim de Bilbao.
de artistas contemporáneos japoneses
como Takashi Murakami, Yoshitomo Nara
y Mr. y leyendo el manga Dr. Slump, de
Akira Toriyama», cuenta. ¿Qué es lo que
la enganchó? «Es difícil explicarlo con
palabras. Me gusta el hecho de que no sea
considerado algo infantil, como haríamos
en Occidente, sino algo que gusta a todos.
Supone un rechazo a la etapa adulta
entendida como un mundo de responsabi-
lidades en el que dejamos de imaginar, de
ser niños. También me atrae la dimensión
sobrenatural, lo fantástico, su sentido del
humor y el amor hacia la naturaleza».
Terelo recuerda su primera visita a
Japón como «un choque cultural» a la par
que como «una experiencia inolvidable». El
primer contacto con el lejano archipiélago
asiático no deja indiferente a nadie. «Para
mí fue interesante comprobar en qué
somos tan distintos y en qué nos parece-
mos. Me gusta mucho el respeto que se
practica hacia las personas, la seguridad
que se puede sentir, el contraste entre el
18
bullicio y el silencio, la importancia que se
le da al patrimonio inmaterial. También hay
cosas que veo muy nuestras: la vida en
la calle, el encuentro social en los bares,
el amor por la gastronomía... sorprende
cuánto podemos llegar a parecernos»,
resume. Tan lejos, tan cerca.
Felicidad instantánea
Charuca, el alias de Rosario Vargas, es
otro de los nombres que vienen pisando
fuerte desde hace años. En su oficina,
tres relojes marcan las horas de España,
Japón y Brasil mientras esta cordobesa
afincada en Barcelona acaba de perfi-
lar una colección de mochilas. Charuca
diseña varias líneas temáticas kawaii y
aplica sus creaciones sobre infinidad de
productos. Bolígrafos, muñecos, vinilos...
es una mujer de negocios. «Lo que más
me divierte es hacer gráficos nuevos, no
hay límites. Para mí, el haber llegado al
punto en el que no tengo limitaciones
creativas es una gozada. Ahora mismo
Los cuadros de Vanessa Linares son el trabajo más personal de esta pintora e ilustradora
enamorada del kawaii. Sobre estas líneas, su obra Mi hogar.
191919
me hace muchísima ilusión una línea de
productos que yo misma voy a producir»,
cuenta emocionada.
Con Charuca pasa lo mismo que con
muchos artistas pseudomainstream de
esta estética: puede que el público no los
identifique con nombres y apellidos, pero
sí reconoce sus productos. «Es algo que
sucede con Hello Kitty, Pocoyó... o incluso
Tokidoki, no creo que el nombre de su
creador, Simone Legno, haya llegado a
ser reconocido a nivel masivo, aunque su
producto sí».
Para ella, las diferencias entre manga y
kawaii están muy claras: uno es cerebral,
y el otro libera endorfinas, es un chute de
felicidad instantáneo y estimulante. «El
manga es un estilo en el que prima más
el guión que el diseño del personaje. No
puede separarse del texto. Son como
los actores de carne y hueso llevados
al mundo de la ilustración. El kawaii, en
cambio, es algo visceral. A nivel gráfico, cada personaje es único, su diseño casi raya
las características del logotipo y apunta directo al corazón. El kawaii no tiene por qué
ir acompañado de una historia. Es más una cuestión de sensaciones, lo que ya se ha
catalogado como cutegasmo [de cute, mono en inglés, y orgasmo]», apunta.
Hasta el infinito y más allá
La lista de artistas que cultivan lo kawaii es interminable. Vanessa Linares practica un
surrealismo pop más bien californiano, pero no ha renunciado al toque naíf y surrealista
que la ha llevado a galerías de arte y a adentrarse en el mundo del complemento con Yoshi
& Olivia. Karina Kampos es salvadoreña y, aunque todavía no ha visitado Japón, su mejor
amiga vive allí y asegura que conoce el país mejor que ella. Desde su página web vende
figuritas de pasteles, helados, tartas y cupcakes que compra en Japón y luego ella misma
decora. «El decoden ha llegado a Latinoamérica, poco a poco la gente va conociendo
este arte japonés de decorar dulces de mentira», explica. «Es una tendencia que en los
últimos años ha crecido a pasos de gigante», corrobora Eva Minguet, editora de Monsa y
responsable de libros como Cute illustration, y afirma que le encanta «tanto el kawaii más
japonés y bizarro como el europeo». Entre sus favoritos están Marcos Chin (Japón), Tado
(Inglaterra), Adolie (Francia) y Fawn Gehweiler (EEUU), todos en Cute illustration.
A la hora de recomendar, cada experto tiene su criterio. Guillermo Martínez-Taberner,
profesor de Historia Contemporánea de Japón en la UPF y coautor de El manga y la
animación japonesa, se decanta por el estudio Kosen, Enrique Fernández e Irene Roga
como estandartes del kawaii facturado en nuestras fronteras. «El kawaii tiene esa
esencia positiva porque está vinculado a la cultura de masas, hecha por expertos para
el gran público con el objetivo de entretener. Esa visión ha perdurado hasta la actualidad,
a pesar de la crisis japonesa de finales de los ochenta y del posterior estancamiento,
cuando surgió mucho anime catastrofista», aclara.
Hoy, kawaii significa algo así como cool, guay o adorable, y engloba un universo
paralelo de personajes tan cabezones como juguetones, dispuestos a edulcorar el día
más gris que venga por delante. Es el arcoíris que ilumina el mundo entero desde Japón.
Porque a nadie le hace daño un dulce en los tiempos que corren. n
Premio Nacional de Diseño, fotógrafo de moda, director de arte, diseñador gráfico, hombre
clave de la Movida... En lo profesional, Juan Gatti ha sido, y sigue siendo, el hombre de las
mil caras. Su relación profesional con Almodóvar —solo comparable con la de Saul Bass
y Alfred Hitchcock— ha dado origen a algunas de las obras más recordadas de la historia
del cine. Siempre cómodo en un segundo plano, este argentino afincado en Madrid desde
los alocados ochenta sale de su escondrijo para mostrarnos su cara más íntima. Contraluz,
exposición que podrá verse en la Sala Canal de Isabel II hasta abril, reúne su obra más
personal a la vez que recorre una extensa carrera de cuarenta años. Gran parte de estos
trabajos se recogen también en PhotoGraphics (La Fábrica Editorial), una monumental
obra de 620 páginas en dos volúmenes imprescindible para los coleccionistas.
Debutas en una sala de exposiciones después de cuatro décadas en activo...
Hasta ahora preferí estar en la sombra y no mostrar mi trabajo, independientemente del
medio para el que había sido creado, porque me gustaba mantenerme detrás de la gente
con la que colaboraba. En cambio, en este momento quiero exponer y exponerme. Lo veo
como la conclusión de una etapa, y, descubriendo mi trabajo al público, creo que cierro un
ciclo y puedo entrar en otro.
En Contraluz podemos ver una serie de fotografías en blanco y negro de gran
formato que han permanecido inéditas hasta ahora. ¿Cuál es su origen?
Contraluz es un trabajo que llevo más de diez años realizando en mis ratos libres como
una búsqueda personal; empezó con la idea de hacer un libro, luego me propusieron la
exposición en el Canal y vi que se prestaba a ello.
¿Te da pudor mostrar tu trabajo más íntimo?
No soy más pudoroso a la hora de mostrarlo, pero sí me siento más vulnerable.
Además, la exposición recorrerá extensamente tu obra como diseñador gráfico y
fotógrafo. ¿Te ha costado mucho rebuscar en el baúl de los recuerdos?
Revolver en el pasado me ha proporcionado muy buenos momentos. Además, viendo
estas cosas me da la sensación de que he tenido un trabajo placentero con el que siempre
me he divertido. En la selección hay obras por motivos estéticos y porque tienen vigencia;
otras están por razones personales, por los recuerdos que tengo de esos trabajos, del
momento en el que los hice o porque han sido importantes a la hora de experimentar.
20
¿Uno llega a sentir vergüenza de sus
primeras obras?
No, en absoluto. Estoy orgulloso de todo
lo que he hecho y no reniego de nada —al
menos profesionalmente— de mi pasado,
presente y espero que futuro.
Una vez comentaste que compartes
con Almodóvar una visión parecida de
la vida a la que se suma el hecho de
ser solteros. ¿Ser single marca tanto
la diferencia?
Sí, yo creo que la marca, porque significa
una elección de forma de vida, y en la sol-
tería se asumen una serie de circunstan-
cias que son comunes entre los solteros.
Tantos años vinculado al cine, ¿nunca
te ha picado la curiosidad por ponerte
detrás de una cámara?
Alguna vez me ha tentado lo de dirigir, pero
con asistir a un rodaje se me han quitado
las ganas. Hay demasiados tiempos de
espera y el ritmo de trabajo no se adapta a
mi forma de ser.
¿Cómo se lo monta uno para mante-
nerse en la pomada durante 40 años?
Supongo que no perdiendo la excitación
ante cada trabajo, haciendo de él un
desafío y no dejando que se convierta en
algo rutinario.
¿Alguna vez has dicho que no a un
cliente con el que no encajabas?
Muchas veces he dicho que no a clientes,
porque la propuesta no me excitaba; no
trabajo solo por dinero, tengo que creer en
los proyectos.
¿Qué te queda por hacer profesional-
mente?
Una película de animación o algo relacio-
nado con el teatro de sombras de Praga.
POR NANI F. CORES FOTOGRAFÍA JUAN GATTI R. LABOUGLE
JUAN GATTIJUAN GATTI
«Me siento vulnerable mostrando mi trabajo más íntimo»
2121
Joni Mitchell describió su des-
pertar en el Hotel Chelsea, refu-
gio de poetas y músicos. A la
derecha, Yoko Ono y el solemne
y trágico Dakota neoyorquino.
Viajamos en el tiempo para recorrer los pasillos de inmuebles que han marcado la historia del arte y la cultura contemporánea, y nos asomamos a sus ventanas para recordar los acontecimientos que se grabaron en sus paredes. El Edificio Dakota es la primera parada de la ruta que nos lleva de Nueva York a París, Tánger o Madrid.POR PATRICIA GODES
2323
Hay lugares que han marcado la historia del arte y de la cultura. Hablamos de esce-narios de acontecimientos y fuentes de inspiración de obras maestras, edificios y casas donde han ocurrido cosas importan-tes y donde vivieron personas fascinantes.
Algunos están al doblar la esquina; otros, en lugares exóticos,
y muchos, en el asfalto de grandes ciudades.
Todos nos hacen pensar en sus mora-
dores y visitantes: gente cuyas obras, acciones y
destinos han quedado gra-badas en la memoria colec-tiva del mundo del arte y de la cultura. El guía que hemos elegido para nuestro viaje por el espacio y el tiempo en
busca de esos rincones es el diseñador gráfico Óscar Mariné,
Premio Nacional de Diseño 2010. Cosmopolita y afable, ha compar-tido con nosotros algunos de sus recuerdos y conocimientos.
La ciudad que nunca duerme
Nuestro primer destino es Nueva York. Allí, en la calle 72 esquina con
Central Park West, está el edificio Dakota (1880). Lauren Bacall, Leonard Bernstein, Bob Crewe, Roberta Flack, Judy Garland y Boris Karloff recorrieron los corredores del gigantesco bloque de apartamentos. Imitando la arquitectura de los castillos bávaros, el Dakota se proponía cubrir todas las necesidades de los inquilinos con un gran portón para carruajes y caba-llos, una enorme cocina, comedor, gimna-sio y otras utilidades. Fue escenario de la película La semilla del diablo y de la enter-
SI LAS PAREDES HABLARAN...
CH
AR
LO
TTE K
EM
P K
UH
L &
SEA
N L
EN
NO
N ©
YO
KO O
NO
necedora novela sobre viajes en el tiempo Hoy como ayer, pero también del ataque demente que costó la vida a John Lennon. Su viuda, la inteligente y polémica Yoko Ono, sigue ocupando las habitaciones que ambos compartían. «Yo pasaba todos los días por delante», recuerda Óscar de una de sus temporadas neoyorquinas.
En el número 222 de la calle 23 del lado oeste encontramos el Chelsea Hotel (1884), un edificio aparentemente anodino que, según Mariné, cobra personalidad gracias a la forja de los balcones y el letre-ro que indica su nombre. Dylan Thomas, Bob Dylan, Bukowski, Janis Joplin, Nico, Patti Smith, Iggy Pop... La habitación donde Leonard Cohen escribió su primer álbum, el asesinato de Nancy Spungen a manos de Sid Vicious, la solitaria muer-te de Jobriath, la localización del filme Chelsea Girls... El Hotel Chelsea, cerrado desde agosto, ha vivido dramas y aventu-ras, aunque en la canción de Joni Mitchell
es recordado como lugar idílico con el sol brillando a través de cortinas amarillas. Mariné, conocedor y enamorado de Nueva York, añade que el bar del hotel era un mesón español y que Patti Smith y Robert Mapplethorpe desayunaban y se reunían con sus amigos, rodeados de toros, flamencas y castañuelas.
No se puede hablar de Nueva York sin citar a Andy Warhol. El Decker Building (1892) en el 33 de Union Square West fue construido para una tienda de pianos, pero ha pasado a la historia como sede de la Factory de Warhol. El edificio que la albergaba anteriormente ha sido derribado, pero la influencia de Warhol en el pensamiento y arte posmodernos es imborrable. Óscar es amigo personal del amigo y novio de Warhol, John Giorno. Poeta y militante gay, Giorno se hospeda en su casa cuando visita Madrid y le ha contado historias y cotilleos de la Factory, incluyendo sus trifulcas con Andy. La vida allí se nutría de drogas, sexo y música. También, de la interacción entre los indescriptibles visitantes que dejaban los convencionalismos de lado cuando entraban en contacto con la personalidad catalizadora de Andy.
Mientras tanto, en Europa...
Cruzamos el Atlántico, aterrizamos en Londres y nos acercamos a lo que en 1967 era el 304 de Great North Road (ahora Holloway Road), donde la extravagante y desbordada imaginación de Joe Meek estableció su Meeksville Sound Ltd. (1963-1967). A Óscar Mariné le atraen las ventanas de guillotina: «En España no las fabrican. Quise ponerlas en casa, y es imposible», mientras que su ingenioso mecanismo es propio de países nórdicos con poco sol donde su uso está generalizado.
Meek marcó una época en la música popular con éxitos inolvidables y dio a luz una fantasía pop donde naves ovoidales surcan el espacio sideral al son de extraños soni-dos estratosféricos como Just like Eddie, Johnny, remember me y Telstar. El edificio de ladrillo rojo donde Joe tenía su casa, su oficina y su estudio fue cuna e inspiración de su música. La historia terminó en tragedia: el 3 de febrero de 1967, Robert George Joe
Meek asesinó a su casera y se disparó un tiro en su estudio.Menos trágica es la huella de Serge Gainsbourg, cuyo entierro paralizó París en
1991. Veinte años después, su hotel particular en Saint Germain des Près (5 bis Rue de Verneuil) se ha convertido en lugar de peregrinación para los fans del compositor, que se sienten impelidos a añadir algún trazo a los miles de dibujos, versos y firmas que ensucian la fachada. Charlotte, su hija, no lo piensa limpiar, y los vecinos ya se han hecho a la idea de que la maraña de rayajos y colores estará ahí para siempre. Las vallas del Hotel Gainsbourg ocultan al paseante el interior de la vivienda y guardan celosamente la intimidad de sus habitantes anónimos. El padre del músico descubrió el edificio en uno de sus paseos por los alrededores del Sena y el cantante se enamoró del lugar, lo compró, pintó sus habitaciones de negro y se instaló allí en 1969 a disfrutar de su romance con Jane Birkin.
La belleza de Bardot está aso-
ciada irremediablemente a Casa
Malaparte. En la página siguien-
te, Andy Warhol y el edificio que
albergó su Factory.
A orillas del Mediterráneo
El cartel del filme de Jean Luc Godard Le Mèpris (1963) tiene para Óscar remi-niscencias griegas. Gracias a la película, la fachada pintada de rojo de la villa del escritor italiano Curzio Malaparte y su vertiginosa escalinata permanece en nuestra memoria colectiva, con la actriz Brigitte Bardot tomando el sol en su azotea cubierta solo por el libro que pere-zosamente está leyendo. Abandonada durante mucho tiempo —ha hecho falta crear una fundación para mantenerla—, Casa Malaparte (1937) está en el Golfo de Salerno, en la italiana isla de Capri. Su construcción, de particulares líneas, se fusiona con la naturaleza llena de color y formas irregulares de la isla mediterránea. Malaparte había sido miembro del Partido Fascista Italiano antes de la II Guerra Mundial, pero fue expulsado por su hete-rodoxia y críticas.
Descendiendo todavía más hacia el sur luminoso del Mediterráneo, el palacio Sidi Hosni en la Rue Amrah de la Medina de Tánger es una construcción limpiamen-te encalada y cubierta de enredaderas. Adquirida en 1956 por la millonaria esta-dounidense Barbara Hutton, sus fiestas han pasado a la historia por su desenfre-no y sus excesos y por la presencia de invitados fascinantes como Paul y Jane Bowles o la desafortunada cantante Libby Colman. Los muros protectores de Sidi Hosni reunían a los expatriados yanquis
de Tánger: poetas, músicos, escritores y aventureros que buscaban en tierra extranjera un espejismo de libertad exclusivo. Como tantos artistas e intelectuales, Óscar Mariné es un entusiasta de Marruecos: «Esto es una arquitectura típica: desde fuera no se adivina nada. Todo se reserva para los que viven allí».
De vuelta a casa, un paseo por el madrileño barrio de Prosperidad nos descubre el Ateneo Libertario (1977-1981) de la calle Mantuano, 51. Actual sede del Centro Cultural Nicolás Salmerón, hace 35 años fue escenario de una aventura memorable en los primeros momentos de libertad posfranquista. La iniciativa vecinal dio nueva vida al viejo edificio abandonado convirtiéndolo en Ateneo Libertario y sede de la asociación de vecinos. Locales de ensayo, galería de arte, talleres, guardería... «Todo el mundo iba por el Ateneo», recuerda Óscar: Pedro Almodóvar, Alaska, el Gran Wyoming, el cineasta Enrique Gabriel o el pintor Manolo Campoamor dieron allí sus primeros pasos. Almodóvar presentó sus primerizos cortos-chapuza y el concierto de Pegamoides con Fanny McNamara del filme Pepi, Luci y Bom y otras chicas del montón fue, asimismo, rodado en el Ateneo. José Miguel Beneyto que, con su hermano, fue presidente, coordi-nador y fundador del Ateneo, mantiene un blog que recoge datos y links sobre su super-vivencia, hasta 1981. Para Óscar es un edificio práctico y sin adornos que se integra perfectamente en el entorno urbano, una de las escasas muestras que han quedado de la arquitectura utilitaria de la República. n
2525
26
No hay lugar mejor en el mundo que Sitges para estrenar una
película de zombis. Hablamos de un festival de cine consagrado
como la mejor cita con el género fantástico de todo el globo
por cinéfilos y críticos, y que incluso dedica un día a hacer una
zombie walk, ese extraño desfile en el que puede participar todo
aquel que tenga ganas de disfrazarse de no muerto y dar un
paseo por el pueblo catalán (siguiendo los cánones, es decir, a
medio kilómetro por hora).
El día escogido para celebrar el citado desfile fue también el
elegido para presentar en el festival Juan de los muertos, una
de esas películas llamadas a marcar el año por condensar en 94
minutos una comedia de género ambientada en La Habana. Narra
la historia de Juan, un cubano cualquiera que ante la invasión
zombi ve la oportunidad de su vida para hacer negocio, ofreciéndo-
se para matar (por segunda vez) a los seres queridos de aquellos
que todavía viven. El 6 de enero llegará a las salas de cine.
Zombis invasores del Imperio
Alejandro Brugués (Buenos Aires, 1976), argentino de naci-
miento pero cubano de toda la vida, es el responsable de haber
creado la primera cinta cubana de zombis. Una etiqueta que,
por cierto, no le impone lo más mínimo: «Cuando entras en un
videoclub no hay una estantería que diga “Pelis cubanas de zom-
bis”. No me gusta pensar en términos de ser el primero en algo».
Pero aunque no le guste, es un hecho que Juan de los muertos
es la primera de su género en un país, Cuba, en el que la crisis
económica es el pan de cada día. Una crisis, eso sí, que no fue
impedimento para sacar adelante el proyecto. «[La película] es
una coproducción con España. Le dije a mi productor que quería
POR JAUME ESTEVE
ZOMBIS CUBANOS: NO ES
SERIO ESTE CEMENTERIOHan pasado casi diez años desde el estreno de ‘28 días después’, y el género zombi sigue pegando fuerte, ya sea en el cine, el cómic, la literatura o las series de televisión. Frente a esta saturación, el cubano Alejandro Brugués tiene su propia receta: ‘Juan de los muertos’, cinta que revisita el género en clave de humor.
2727
llenar La Habana de zombis y que la prensa oficial dijera que son disidentes pagados por
el Imperio. Me preguntó cómo lo iba a hacer, porque era carísimo, y le respondí que sabía
cómo hacerlo más barato», relata el realizador, al que acompaña una cuchilla colgando
de la oreja a modo de pendiente durante toda la conversación.
El secreto para abaratar costes era sencillo: ser fiel al lenguaje cinematográfico. «Hay
que equilibrar la pura gramática del cine (recordando algunas cosas geniales del cine
mudo), no gastar dinero donde no hay que gastarlo y saber mezclar trucos clásicos con
elementos digitales. Sentarte, diseñar un buen plan de trabajo, saber qué no tienes y cómo
hacer que parezca grande lo que sí tienes», explica. Todo ello, unido a una temática que le
interesa porque permite «matar de formas imaginativas», porque remite a «nosotros mis-
mos» y porque da la oportunidad de «mostrar un mundo destruido que, por alguna razón,
siempre es muy atractivo», forma el cóctel que ha desembocado en Juan de los muertos,
una producción en la que se ha sabido jugar con el poco presupuesto disponible y que
explota esa vertiente cutre derivada de rodar con cuatro duros.
Mientras Brugués saborea un mojito —las raíces son las raíces— a las seis de la tarde
(«el mejor que he probado en mi vida me lo sirvieron en Granada»), es inevitable tocar
el tema político por el origen de la cinta y el género que explota, muy dado a la crítica
social. Brugués, eso sí, deja bien claro que la política no le interesa en absoluto cuando
se trata de hablar de Juan de los muertos, aunque en la película haya veladas referencias
al comunismo. Por ejemplo, cuando la prensa oficial llama «invasores del Imperio» a la
plaga zombi. «No me gusta usar el tema político. Soy un observador de la sociedad, me
gusta el enfoque social y, en ese sentido, creo que es más crítica con un sector de Cuba,
inmóvil, que no deja que las cosas cambien, que no le importa lo que está sucediendo
a su alrededor, que deja que La Habana se destruya y que tiene una reacción pasiva
ante lo que sucede».
Esta ausencia tan marcada de crítica política en favor del humor, con el zombi como
telón de fondo, tiene un claro referente: Shaun of the dead. La cinta de Edgar Wright
(realizador de Scott Pilgrim) mezcla comedia romántica con un apocalipsis zombi en
Londres y se ha ganado a pulso el estatus
de culto entre los seguidores del género.
«Es una película para admirar como meta
inalcanzable. Se la puse a todo el equipo»,
reconoce Brugués.
Un respeto a Romero
Su admiración por Shaun of the dead no
es de boquilla —viste una camiseta en
homenaje a la cinta—, como tampoco lo
es su afición a un género que se ha estu-
diado hasta el milímetro y que desemboca
en detalles como bromas a lo largo del
metraje sobre zombis lentos y zombis
rápidos. «La segunda película que vi en
mi vida fue Posesión infernal. Sé que no
es de zombis, pero cuando tienes menos
de diez años, para ti lo son. Toda la vida vi
mucho cine de género, y cuando estaba
haciendo Juan de los muertos, mucho
más. Había temporadas que solo veía
películas, me las estudiaba. Leía libros,
cómics... Me aprendí todo su universo, vi
qué reglas podía respetar y cuáles no, y
a partir de ahí elaboré mi propia versión,
siempre siendo respetuoso con Romero.
Ahora ya no quiero verlas en un tiempo»,
bromea Brugués.
No hace mucho tiempo que llegó a nuestro país, pero el número de practicantes de este nuevo estilo de danza aumenta cada día que pasa. Coreografías e improvisaciones, vestuarios detallistas, tatuajes de impacto, músicas inesperadas... Un universo muy particular que merece la pena conocer.POR JORDI URPI
29
TODAS LAS DANZAS EN UNA
Tercer domingo de septiembre, a unos pocos días de empezar el
otoño. La presencia de Rachel Brice en Barcelona durante este
fin de semana ha superado todas las expectativas de la organiza-
ción. A pesar de que su actuación y sus talleres se anunciaron en
pleno verano, las plazas para descubrir su espectacular estilo de
danza y sus exigentes clases se agotaron en apenas unos días.
Decenas de mujeres (algunas llegadas desde Francia, Italia o las
islas Canarias) disfrutaron de tres días intensos, durante los cuales
no hablaron entre ellas de otra cosa que no fueran ondulaciones,
posturas, improvisaciones y cambios de nivel. La fiebre del tribal
fusión se extiende como un virus, sin mostrar visos de detenerse.
Casi cualquier música se puede bailar así
Para las personas vinculadas al tribal fusión, Brice es una especie
de diosa. También Sharon Kihara, Mardi Love o Mira Betz, quienes
guían esta novedosa disciplina de baile, derivada de la danza
oriental (la popular danza del vientre) y que, desde hace unos años,
gana posiciones entre las practicantes de la disciplina más clásica
al tiempo que despierta enorme interés en quienes nunca se han
sentido cómodas con los pañuelos y los solos de derbuka.
¿Pero qué es el tribal fusión? ¿Cómo surgió y por qué llama
tanto la atención? Una de las principales características (y, al
mismo tiempo, uno de los máximos atractivos) del tribal fusión es
la libertad, abre un universo de posibilidades creativas práctica-
mente infinito. Olvidando los rígidos cánones estéticos, musicales
o de interpretación propios de la danza del vientre, el tribal fusión
permite que cada bailarina —aunque también podemos encontrar
bailarines, es un género esencialmente femenino— investigue,
encuentre y defina su espacio, adaptando
a su personalidad tanto el vestuario como
el estilo e incluso la música.
Frente a los característicos patrones
rítmicos, basados en la música árabe,
que identifican la danza del vientre, los
movimientos del tribal fusión se pueden
adaptar a numerosos estilos musicales,
siempre dentro de una cierta cadencia que
permita el desarrollo de las coreografías.
No es extraño que suenen canciones
como 4 Ton Mantis, de Amon Tobin, o algu-
na de Evanescence y The Cure (en el caso
de los estilos burlesque y gótico, respec-
tivamente), junto a otras más habituales
como Adir Adirim, de Balkan Beat Box (una
de las preferidas por quienes optan por el
estilo gypsy balcánico), o cualquier tema de
Beats Antique, con la famosa bailarina Zoe
Jakes entre sus componentes.
Dame una señal
Aunque su verdadera explosión es a partir
de 2004, tras la gira mundial protagoni-
zada por The Indigo (formado por Rachel
Brice, Sharon Kihara y Michele Campbell),
los orígenes del tribal fusión se encuentran
en los años sesenta, concretamente en
la ciudad de San Francisco, de la mano
de Jamila Salimpour. Profesora de danza
oriental, Salimpour añadió diversos ele-
mentos étnicos a sus coreografías, crean-
do unos pasos que se siguen utilizando en
la actualidad.
La segunda figura de gran relieve en
esta historia es Carolenna Nericcio, que
durante los años ochenta y en la misma
ciudad californiana desarrolló el lenguaje
de señales, el concepto de la improvisa-
ción grupal y un vestuario que destacaba
por usar grandes faldas de evocación
gitana y adornos, joyería y tatuajes de gran
exhuberancia. Este concepto de improvi-
sación grupal, denominado american tribal
style (o ATS), se basa en las figuras de la
líder y las seguidoras. Como si se tratara
de un juego infantil, el trabajo en grupo
se desarrolla a través de un lenguaje de
señales que marca los pasos y las combi-
naciones a realizar, permitiendo ofrecer en
el escenario un espectáculo improvisado.
Considerado el estilo clásico de esta disci-
plina artística, el conocimiento del lenguaje
de señales resulta imprescindible para
todas las bailarinas de tribal fusión.
Como tal, el concepto de tribal fusión
no aparece hasta los años noventa, cuan-
do bailarinas relacionadas con Carolenna
Nericcio y su escuela, Fat Chance
Bellydance, buscan nuevas formas de
expresión a partir de los conceptos apren-
didos junto a ella. Entre estas bailarinas
destacaron Jill Parker y Heather Stants,
quienes incorporaron elementos de músi-
ca moderna y danza contemporánea, así
como cambios radicales en los comple-
mentos del vestuario. Lo cierto es que,
hasta el año 2004, el tribal fusión era una
disciplina que básicamente se practicaba
en California. Pero la estela de The Indigo
alcanzó incluso a las bailarinas españolas.
Barcelona, capital tribal
The Indigo aterrizó en Barcelona en junio
de 2004, dentro de un espectáculo que se
llamaba Bellydance Superstars. Quienes
asistieron al teatro todavía recuerdan el
impacto causado por la música, el vestua-
rio y la presencia escénica que exhibieron
aquellas mujeres. Y ya nada volvió a ser lo
mismo en la escena de la danza oriental.
Desde la capital catalana, la fiebre tribal se
fue extendiendo por todo el país a través,
primero, de DVD con los que se emprendía
un aprendizaje prácticamente autodidacta
30
y, posteriormente, con la celebración de clases, seminarios, reunio-
nes, festivales y visitas como la reciente de Rachel Brice o la próxi-
ma (febrero de 2012, séptimo año consecutivo) de Sharon Kihara.
En la dinámica de grupos y encuentros que salpican la geo-
grafía peninsular, Barcelona sigue ejerciendo de punto centrípeto
de la escena tribal fusión. Lo confirman el funcionamiento desde
enero del año 2009 de Tribalona, única escuela estable dedicada
en exclusiva a la enseñanza del género (en sus diversas y múlti-
ples formas); y la celebración durante el pasado mes de julio del
festival Umrah (encuentro itinerante internacional organizado, en
esta ocasión, por Alma Oriental), que reunió a una veintena de
profesoras y cerca de trescientas bailarinas, llegadas en algunos
casos desde Irlanda, México o Croacia. Ante la efervescencia de
la comunidad tribal, desde Tribalona se ha creado un curso de
formación de profesoras de tribal fusión que iniciará su primera
edición en enero.
Tal vez en tu ciudad
La fiebre tribal se extiende sin remisión y otras muchas ciudades
españolas tienen ya sus propios grupos. En Sevilla, Valencia, Vigo
y Madrid, por citar algunas, han aparecido compañías que se han
sumado al movimiento y han contribuido a la creación y consoli-
dación de una base estable y creciente de alumnado y público.
Incluso algunas bailarinas, las más atrevidas, se han incorporado a
proyectos de otra índole, como es el caso de la colaboración que
las dos componentes de Makosh Corporation han mantenido con
Balkatalan Experience, un colectivo muy particular de DJ y VJ
que trabajan la conexión audiovisual entre las músicas gitanas de
Cataluña y los Balcanes.
¿Pero qué busca y qué encuentra una bailarina en el tribal fusión
que no le ofrezcan otras disciplinas? ¿Una estética alternativa, el
carácter innovador, la fuerza del grupo, la libertad de movimientos?
Responde Eva Tallada, una de las dos profesoras de Tribalona: «De
entrada, el tribal fusión te ofrece una mayor libertad de expresión
y de creatividad, así como el desarrollo de estéticas que no casan
con disciplinas más clásicas. Además, puedes utilizar músicas de
cualquier estilo y explorar tu personalidad. Las chicas que vienen a
clase buscan aprender y divertirse. También mantenerse en forma,
porque la práctica del tribal fusión aporta una mayor consciencia
del cuerpo y un profundo control muscular. Finalmente, no pode-
mos obviar un evidente espíritu de comunidad (tribal deriva de
tribu), un espíritu que ayuda a que las alumnas sientan que forman
parte de algo que va más allá de un simple estilo de baile. Se trata
de compartir tu pasión con otras personas». n
En la primera doble, las bailarinas Rachel Brice y
Mardi Love [Fotos: Meri Santos]. A la izquierda y
arriba, una practicante de tribal fusión y detalles
de su vestuario [Fotos: Mar Moreno].
313131
32
Como la energía, el arte ni se crea ni se destruye: se trasforma. De alguna manera, ese
es el espíritu que alienta un proyecto abierto, participativo, dialéctico y universal que
el equipo de Matadero Madrid ha denominado El Ranchito. No interesa tanto la obra
final, sino el proceso discursivo y permeable que conduce a ella, y que, como cualquier
ser vivo y dinámico, sufre mutaciones por el camino. Pablo Berastegui, coordinador de
Matadero, sostiene que la intención de El Ranchito es «crear una plataforma perma-
nente desde la que ‘poner en crisis’ los principios asumidos durante largo tiempo por la
llamada ‘institución arte’». Creación desde la crisis y para la crisis y elaborada a partir
de materiales de desecho.
¿Pero por qué El Ranchito? Porque se trata de un espacio de vivencia y de conviven-
cia. Durante un tiempo, una serie de artistas residentes de diferentes procedencias han
compartido experiencias no solo entre ellos, sino con otros colectivos de creadores e
instituciones locales designados por los grupos de trabajo generados en Matadero. «El
Ranchito es un experimento —sostiene Manuela Villa, responsable de contenidos del
centro—, como esas construcciones espontáneas en las que cada habitante participa con
sus trozos de madera, sus planchas de metal, sus plantas o sus pinturas».
Año y medio intercambiando experiencias
La idea comienza a cobrar forma en la primavera de 2010 y a las mesas de trabajo se
van sumando diferentes agentes culturales, como Gema Melgar, coordinadora artística de
Matadero Madrid; Catarina Saraiva, productora cultural; Nerea Calvillo, arquitecta; Luisa
Fuentes Guaza, comisaria especializada en la joven escena artística latinoamericana, o
Iván López Munuera, crítico y comisario independiente, entre otros participantes e insti-
tuciones de Madrid como Medialab-Prado o Intermediae, ambas con mucha experiencia
acumulada en la creación de redes y espacios participativos.
Una de las cuestiones que más se barajaron dentro de los grupos de discusión de El
Ranchito fue la necesidad de establecer un programa de residencias, un lugar de encuentro
CREAR EN
TIEMPOS
REVUELTOSDesde el 15 de diciembre, Matadero de Madrid abre al público las puertas de El Ranchito, un proyecto experimental de investigación y creación que reúne a artistas y gestores en busca de nuevas fórmulas, tanto de confrontación con el público como de organización dentro de las instituciones culturales.
en el que los artistas pudieran interactuar
y relacionarse con la realidad cultural de la
ciudad. El resultado fue un apartamento en
el barrio de Arganzuela por el que han ido
desfilando artistas generalmente latinoa-
mericanos. «Iberoamérica configura una
nueva geografía cultural y artística —dice
Luisa Fuentes Guaza— que nos obliga a
fortalecer y ramificar los vínculos entre
las distintas escenas y generar nodos de
interacción e intercambio».
Por el depa han desfilado inquilinos como
el arquitecto colombiano Antonio Yemail, el
pensador argentino Franco Ingrassia, el
3333
La intención de El Ranchito no es, ni
mucho menos, la provisión de contenidos
para Matadero de Madrid, sino generar
todo un entramado de propuestas no cen-
tralizadas, ni capitalizadas por ninguna
institución, que contribuyan a definir un
nuevo concepto de arte más y mejor adap-
tado a la metamorfosis de los tiempos.
Pablo Berástegui lo resume así: «Parece
que es el momento de arriesgar, de salir
de los territorios en los que nos sentimos
cómodos y cuestionar nuestro papel como
centro de creación contemporánea, como
ciudadanos o, incluso, como sociedad».
seleccionados espacios de trabajo por un
periodo de tres meses (hasta final de año)
con el compromiso de explicar el proceso
de producción de su obra en visitas guia-
das, mientras que en la segunda son los
agentes culturales quienes proponen una
serie de creadores foráneos con los que
desarrollar proyectos conjuntos.
Desde el 15 de diciembre, El Ranchito
ofrecerá una presentación pública de
resultados en la Nave 16 de Matadero.
Además, en 2012 se publicará una memo-
ria con las experiencias recogidas durante
todo el proceso.
diseñador mexicano Jerónimo Hogerman,
la artista puertorriqueña Carolina Caycedo,
el brasileño André Komatsu, los también
mexicanos Tercerunquinto y Begoña
Morales, los serbios Teorija Koja Hoda...
Entre los asiduos se encuentra Jerónimo
Hegerman, que ha creado la instalación
Archipiélago para la Plaza Matadero y
que es la primera de las obras surgidas
del proyecto. Durante este año fueron
invitados otros dos colectivos más: los
británicos Critical Practice y los argentinos
Situaciones, que llegaron a Madrid coin-
cidiendo con el proceso de formación del
Movimiento 15-M y del que absorbieron
bastantes de sus premisas.
Una rigurosa selección
Otra de las vías promovidas desde El
Ranchito es la convocatoria abierta a
agentes culturales, instituciones y artis-
tas vinculados a Madrid. Desde mayo de
2011 ha recibido más de 70 solicitudes,
de las que ha elegido las 14 que mejor
se adaptan a las directrices de este pro-
yecto cultural. En una primera modalidad
de esta convocatoria se ofrece a los
Archipiélago, instalación realizada por Jerónimo Hegerman en la Plaza Matadero.
34
La primera vez que viajé a Estonia me
sorprendió lo rápido que se llega en ferry
desde Helsinki. Cuando volví por segunda
vez me ahorré el mareo en barco y me
sorprendieron otras muchas cosas. Sus
habitantes no se ofenden si los llamas
estonianos —un gentilicio muy Primos leja-
nos—, pero sí cuando acentúas y pronun-
cias Tallin como si fuera aguda. Consumen
bebidas raras con nombres aún más raros,
se meten en unos barriles de caníbal a
modo de sauna para ver las competiciones
de esquí, conducen sobre el mar helado,
conservan tradiciones centenarias en una
isla (Kihnu) llena de ancianas, usan a los
conductores de autobús como mensajeros
gratuitos y disfrutan de una agenda cultu-
ral desbordante para tan poca población.
Alquilar una bici es la mejor manera
de adentrarse en la cara B de la ciudad
que regaló a Rosa de España el séptimo
puesto eurovisivo. Pedaleando por el lla-
mado Kilómetro Cultural se nos aparece la
POR IAGO FERNÁNDEZ
María Minerva, sensación de la nueva vanguardia musical, procede de Estonia. Clara advertencia de que el diminuto país excomunista no solo esconde rincones de cuento de hadas. Descubre el lado alternativo de Tallín, capital europea de la cultura.
Kultuurikatel [Tetera Cultural], una vieja fábrica inmortalizada en la película rusa de culto
Stalker que hoy acoge exposiciones varias y fiestas de música electrónica. Muy cerca de
allí se encuentran el Eesti Disainerite Liit [Casa del Diseño Estonio] y los talleres de artis-
tas de la cárcel de Patarei, antaño un búnker que hacinaba y ejecutaba a presos políticos.
Para compensar semejante chute de realidad basta con avanzar unos pocos metros y
contemplar el Mere Museuum [Museo Marítimo], obra del premiado arquitecto KOKO.
Williamsburg, Kreuzberg, Malasaña... Kalamaja
Cuando nos queramos dar cuenta, estaremos ya en pleno barrio de Kalamaja con sus
decadentes casas unifamiliares ocupadas por jóvenes modernos y bohemios. Tras una
parada en el antiguo astillero de Nobelesser, donde han desfilado desde óperas de
Wagner hasta diseños de moda, llegamos a Telliskivi Loomelinnak [Industrias Creativas
LA CARA B DE UNA
CIUDAD DE CUENTO
TALLÍNTALLÍN
3535
sin tarjeta, los fumadores se apiadan y dejan que entres con ellos al bar cuando acaban su cigarro.
Por estas latitudes, el clima y la escasez de luz parecen no animar a la fiesta, pero no te confíes. La ruta sigue en el Popular, apreciado por los que gustan de compartir una buena pipa de agua, y continua en el Kohvik Noorus, perfecto para los amantes de lo retro y las terrazas a prueba de lluvia sin salir del cogollo del casco medieval. Si la batería aguanta, Vabandust! [¡Disculpa!] es un after que invita a bailar casi tanto como el Levist Väljas [Inalcanzable], que también abre hasta altas horas, camu-flado en un portal de la ciudad vieja que parece cualquier cosa menos la entrada a un lugar de trasnoche. La oferta para gol-fos trendy se completa con el Von Krahl, quizá el más alternativo de los locales que aguantan hasta el desayuno.
Paraíso de ‘fashionistas’ modernos
Cuentan que lo mejor para superar las secuelas de la parranda estonia es comen-zar el día con un generoso bol de seljanka,
la sopa que resucita a quienes amanecen como un muñeco de trapo. Pero si lo que quieres es comprar trapos, los distri-tos de Rotermanni (asómate a Loovala) y Baltika (calle de la moda) funcionan como grandes centros comerciales de espíritu fashion. Añade a tu itinerario consumista la boutique con peluquería Fankadelik, la tienda Nolita Vintage y otros negocios regentados por jóvenes diseñadores como NuNordic, Nikkolo o Liina Viira, una sueca nieta de estonios que basa sus creaciones en patrones antiguos de la zona.
La cultura, como el diamante, es para siempre, así que antes de regresar a casa hazte con alguna de las novelas de Sofi Oksanen traducidas a varios idiomas y ambientadas en Estonia. Si dominas la lengua del lugar, apuesta por un libro de Andrus Kivirähk, Jürgen Rooste, Karl Martin Sinijärv o Mihkel Raud, el líder del mítico grupo Singer Vinger y hoy estrella mediática que en Musta pori näkku airea los trapos sucios de la escena punk de los soviéticos años ochenta. Además de la última reina del synthpop, María Minerva, escucha los discos de gru-pos como Oreliposs, Antonina o Röovel Ööbik, porque cualquiera de ellos puede ser tu souvenir definitivo de Tallín. Con permiso del licor Vana Tallinn y el choco-late Kalev, claro.
Telliskivi], otra factoría abandonada que en su día diseñó componentes para el satélite Sputnik y hoy acoge un área autogestionada con eventos, talleres, coworking y mercadillos de gangas y anti-güedades (Telliskivi Kirbuturg). Cuenta además con un restaurante, el F-hoone, que en ocasiones atiende el escritor Robert Randma.
Recomendar lugares para comer en Tallín exigiría como mínimo dos páginas más, porque abundan las cartas de cali-
dad a buen precio, como las del Boheem, a un paso del alucinante mercado ruso, o el Kohvik Moon, asequible a pesar de pertenecer a los mismos chefs del Ö, considerados los mejores del país.
Tras el postre, apetece acercarse a Tops para el primer refresco y planificar la noche rodeado de la fauna cool de la ciudad. NoKu [la traducción literal es pene, pero funciona como acrónimo de jóvenes artistas] es un buen punto de partida y, aunque no se puede acceder
FOTOGRAFÍA ÓSCAR CAR
RIQUÍ I ESTILISMO NOEL
IA ORTEGA I M
AQUILLAJE GUILLERMO
MATELLANO
I AYUDANTE DE FOTOGRAFÍA ESTHER VIL
LAR
3737
A la izq
uie
rda
, ab
rig
o d
e D
uyo
s, ve
stid
o d
e V
icky M
art
ín B
err
ocal, z
ap
ato
s d
e Z
ara
y c
olla
r d
e S
waro
vski.
En e
sta p
ág
ina
, ve
stid
o d
e Y
ola
nC
ris, c
aza
do
ra d
e C
ara
melo
y c
olla
r d
e S
waro
vski.
38
Ch
ale
co d
e R
ob
ert
o V
eri
no
y t
ocad
o d
e J
osé L
uis
Día
z M
eg
ía.
Ve
stid
o y
gu
ard
ap
olv
o d
e e
ncaje
de Y
ola
nC
ris, e
sto
la d
e p
lum
as
de Z
ara
, za
pato
s d
e J
imm
y C
ho
o y
bo
lso d
e E
. Ferr
i.
A la
de
rech
a, v
est
ido d
e V
icky M
art
ín B
err
ocal y
co
llar
de S
waro
vski.
Ab
rig
o d
e M
igu
el M
ari
nero
, po
lain
as
de L
ott
usse
, ci
ntu
rón d
e H
TC
, co
llare
s d
e H
ote
l P
art
icu
liere
y b
ufa
nd
a d
e p
elo
de
l est
ilist
a.
40
4141
En la p
ág
ina a
nte
rio
r, ve
stid
o d
e D
olo
res P
rom
esas H
eaven
y p
on
ch
o d
e A
maya A
rzu
ag
a.
Aqu
í, ve
stid
o d
e M
iria
m O
cari
z y
ca
zad
ora
de R
ed
skin
s.
42
Ch
ale
co d
e R
ob
ert
o V
eri
no
y t
ocad
o d
e J
osé L
uis
Día
z M
eg
ía.
Ab
rig
o d
e D
uyo
s, ve
stid
o d
e V
icky M
art
ín B
err
ocal, z
ap
ato
s d
e Z
ara
y c
olla
r d
e S
waro
vski.
A la
de
rech
a, v
est
ido d
e N
ihil O
bsta
t, c
aza
do
ra d
e Z
ara
, co
llar
de S
waro
vski
y p
uls
era
de C
ara
melo
.
Ab
rig
o d
e M
igu
el M
ari
nero
, po
lain
as
de L
ott
usse
, ci
ntu
rón d
e H
TC
, co
llare
s d
e H
ote
l P
art
icu
liere
y b
ufa
nd
a d
e p
elo
de
l est
ilist
a.
44
FOTOGRAFÍA ALEX DOUCET (WWW.ALEXDOUCET.COM) I ASISTENTES DE FOTOGRAFÍA MARTA GABALDÓN Y ENRIQUE BUCETA I
ESTILISMO MAR PULIDO RICO I MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA CYNTHIA DE LEON
Ella: Abrigo de Gio-Goi, sudadera de Roxy, falda de Moschino Cheap&Chic, leggins de Quiksilver, botines de Bershka.
Él: Plumas de Love Moschino, leggins de Jockey, botas y orejeras de Bershka.
4545
46
4747
Él: Abrigo de Love Moschino, camisa de Dsquared2, pantalones de Datch, botas y gorro de Bershka y collar de la estilista.Ella: Chaqueta de See by Chloe, camisa de Dsquared2, vestido de Hoss, orejeras de Claire’s y botines de Bershka.
48
Camisa de DonDup, chaleco vaquero de Dsquared2, pantalones de Datch, cinturón de Wrangler y botines de Geox.
Camisa denim de Wrangler, chaleco de Dsquared2, pantalones de Love Moschino, cinturón de Wrangler, botines de UGG.
4949
CAMON Alicante: avenida Ramón y Cajal, 5 | Tel. 965 905 949. CAMON Cigarreras, Alicante: calle San Carlos, 78. Antigua Fábrica de Tabacos | Tel. 965 205 903.
CAMON Madrid: Plaza de Moncloa, 1; acceso por Princesa | Tel. 915 437 036. CAMON Murcia: calle Madre Elisea Oliver Molina, s/n. Antiguo Cuartel de Artillería, Pabellón 5. Primera planta | Tel. 968 259 667.
CULTURARTE UN LUGAR DE ENCUENTRO PARA ESPACIOS CULTURALES
50
Actividades de CAMON Madrid (diciembre 2011)
En busca de las reglas del 'Juego de la vida'El Espacio CAMON de Madrid será la sede del Day global code retreat, que tendrá lugar el sábado 3 de diciembre, de 9.30 a 18.00 horas. Un code retreat es un evento en el que grupos de programadores afrontan el reto de crear el denominado Juego de la vida, diseñado por el matemático británico John Horton Conway. Este desafío lógico reunirá durante un día a más de 1.500 desarrolladores de software en 80 ciudades de todo el mundo. Durante el evento que acoge CAMON se intentará programar las reglas del juego en sesiones de 45 minutos. En cada una de las sesiones se enfocará un punto de vista sobre la programación con el fin de optimizar su lenguaje. Más allá del ejercicio de programación, el Juego de la vida tiene importantes connotaciones filosóficas y ha conseguido un notable seguimiento durante las cuatro últimas décadas.
El diseño audiovisual, a examenBroad.cat dual es un encuentro distendido e informal que huye de la típica conferencia descriptiva y unidireccional para centrarse en el intercambio de ideas. Así, ofrece la oportunidad de conocer y debatir sobre el diseño y la creatividad audiovisual. El objetivo de esta charla, en la que los asistentes pueden participar en todo momento, es dar a conocer un talento emergente y establecer una discusión sobre un tema audiovisual con un profesional ya consolidado. Ven a CAMON Madrid el jueves 15 de diciembre y comparte e intercambia ideas.
www.tucamon.es
twitter:@tucamon
Viernes 2, de 19.00 a 20.30 horas | Podcast en directo: Dantesko Podcast LiveSábado 3, de 9.30 a 18.00 horas | Taller Day of global code retreat MadridLunes 12 y viernes 16, de 17.30 a 20.30 horas | Taller: Processing para instalaciones interactivas*Martes 13, de 19.00 a 20.30 horas | Conferencia: Pasado y futuro del desarrollo web
*Jueves 15, de 19.00 a 20.30 horas | Conferencia: Broad.cat Dual. Compartiendo ideas sobre diseño audiovisual Lunes 19, martes 20 y miércoles 21, de 17.30 a 20.30 horas | Taller: Creación musical con tracker Jueves 22, de 10.30 a 13.30 horas | Taller: Cursos formativos Apple ImovieMartes 27, de 19.30 a 20.30 horas | Presentación de Madrid DJ presenta: Heroku, con Raúl Murciano
*Retransmisión en streaming en www.tucamon.es/directo_mad
Debate sobre el futuro de las websA lo largo de todo el año 2011, la Asociación de Desarrolladores Web de España (ADWE) ha organizado un encuentro mensual en el espacio CAMON Madrid. En ellos, se ha planteado cuál es el presente y cuál debe ser futuro de las páginas web. Como colofón a todos los encuentros, ADWE repasará cada una de las temáticas que han sido tratadas a lo largo de 2011 con los ponentes que también han participado durante este año. Se trata de profundizar en todos los temas abordados hasta el momento y en el planteamiento de lo que sucederá a partir del 2012. ¿Qué nos deparará en cuanto a desarrollo web?
CULTURARTE
51
Algunos artistas y colectivos que te encontrarás en El RanchitoEnrique Radigales, Sally & Gabriela Gutiérrez, Guillermo Mora, Husos, Todo por la Praxis, Zira02, Zoohaus, André Komatsu (Brasil), Walking Theory (Serbia), Tercerunquinto (México), Ricardo Miranda y Brooke Singer (Estados Unidos) / Bongore, Arquitectura Expandida (Colombia) / El Gato con Moscas, Bineural-MonoKultur (Argentina) / Cía. Puctum, Miquel García / Pensart, Jerónimo Hagerman (México), Toxic Lesbian, Debajo del Sombrero...
Descubre qué es El Ranchitoen Matadero MadridPara todos los que os preguntáis qué es El Ranchito, a partir del 15 de diciembre podréis empezar a conocer este proyecto de investigación, promovido por Matadero Madrid, en el que se experimentan nuevos modelos de organización dentro de una institución cultural y se exploran alternativas a los formatos convencionales de exhibición. Los puntos de partida son el trabajo transdisciplinar, la creación sitio específico, la producción colectiva de significados, la construcción de una comunidad o la economía de recursos, entre otros. Tras año y medio de trabajo con más de 30 artistas y colectivos locales e internacionales y un grupo de trabajo constituido por varios agentes locales, ha llegado la hora de presentar al público algunos de los resultados. El día 15, la mayor parte de la recién reformada Nave16 de Matadero Madrid (casi 3.000 m2) abre sus puertas para mostrar el proceso creativo y las experiencias desarrolladas por los artistas durante este tiempo, en el que se incluyen tanto los proyectos presentados a El Ranchito como las producciones resultantes, así como las reflexiones propiciadas por todos los implicados. Ven, observa y elabora tu propia hipótesis sobre qué es El Ranchito. | Presentación pública: Inauguración, 15 de diciembre, 20.00 h. Del 15 de diciembre de 2011 al 22 de abril de 2012.
Matadero Madrid, Nave 16. Entrada libre.
Enrique Radigales para Gran amarillo. Espacios de trabajo de El Ranchito en la Nave 16.
Puertas abiertas de la Nave de la Música. Visitas guiadas a este nuevo espacio de Matadero Madrid y a la exposición El ruido de las burbujas, organizada con motivo de la recién clausurada Red Bull Music Academy. Hasta el 18 de diciembre. Consultar horarios.
Ciclo de documentales de Martin Scorsese. Durante los meses de diciembre y enero en Cineteca. www.cinetecamadrid.com
OTRAS ACTIVIDADES EN MATADERO MADRID www. mataderomadrid.org
Vuelve 'La avería', dirigida por Blanca Portillo. Naves del Español, hasta el 1 de enero. De mar. a sáb., 20 h; dom., 18 h. www.teatroespanol.es
Sonidos de Arganzuela. Instalación sonora titulada 6552199. En Intermediae. Hasta el 8 de enero. www.intermediae.es
'Tableaux Tables'. Diseño francés en Central de Diseño. Hasta el 8 de enero. www. dimad.org Una escena de La avería.
52
no encontrarás todo lo que hay, pero sí todo lo que te interesaPOR NANI F. CORES
ASVOFF: EL IDILIO ENTRE CINE Y MODA
EL FESTIVAL DE CORTOS CELEBRA SU PRIMERA EDICIÓN ESPAÑOLA
Su relación es tan estrecha que a veces
es imposible distinguir quién inspira a
quién. La moda es un elemento más del
cine, y el cine, a su vez, ha servido para
reflejar la forma de vestir de diferentes
épocas y tribus urbanas, y como fuente de
ideas para los diseñadores. París, Milán,
Tokio, Nueva York, México, Londres... y,
ahora, Barcelona son algunas de las sedes
por las que ha pasado un festival que
explota esta fructífera unión: A Shaded
View on Fashion Film (ASVOFF).
Creado en 2008 por la crítica, cineasta,
fotógrafa y gurú Diane Pernet partiendo
de su blog (del que toma su enrevesado
nombre), esta cita itinerante que viene del
Pompidou parisino es anual y participativa.
Pernet se encarga de programar la sección
oficial, que reúne los mejores cortos que
han competido en ediciones anteriores de
ASVOFF. Este año destacan un documental
sobre Vivienne Westwood firmado por Mike
Figgis, quien también presenta
The four dreams of Miss X, protagonizado
por la supermodelo Kate Moss; Valentino
masters of style, de Madeleina Czigler;
City limits, de Kris Moyes; y Lust, Lust,
de Martin Grauds, uno de los títulos
más premiados en 2010 en París.
Por su parte, la sección competitiva se
divide en tres categorías: profesionales,
estudiantes y móviles. En el apartado
de profesionales, la inspiración es the
muse (la musa); el límite de duración,
cinco minutos, y se pueden presentar
propuestas hasta el 1 de enero. En cambio,
los estudiantes han partido de la idea to
amuse (divertir) para idear sus cortos.
Las cintas que compiten por el premio
en la categoría de móviles son historias
de menos de un minuto, rodadas con
el teléfono en una sola toma. El 1 de
diciembre se cerró el plazo para presentarse
a esta sección en la que el premio no
lo decidirá un jurado, sino el público del
festival votando a través de su página
web. Una selección de las cincuenta
mejores propuestas se proyectará dentro
de la programación de ASVOFF.
Fuera de concurso, se verán otros
cincuenta cortometrajes escogidos por la
experta en moda Charo López bajo el título
Narraciones, ciclo que será un recorrido por
la memoria visual de la escuela de moda de
Barcelona y un homenaje a la ciudad.
BARCELONA. Del 25 al 27 de enero, en el
CaixaForum. www.asvoff.es
DICIEMBRE 11 / ENERO 12
Mercadillo estilo londinenseVuelve el Beefeater London Market
Ya no hace falta viajar a Londres para hacer las compras navideñas, porque el espíritu de los mercadillos callejeros de Covent Garden, Portobello, Spitalfields y Camden se traslada a Madrid, durante un fin de semana, con el regreso del Beefeater London Market. Para que te sientas más british, si cabe, tendrás que hacer tus compras en inglés y pagar en libras, sobre todo si quieres aprovechar el descuento de un diez por ciento que conlleva utilizar moneda inglesa (se podrán cambiar euros en el recinto). El mercadillo contará con un gin bar (donde podrás probar la ginebra de edición limitada que se lanza con motivo del evento) y artistas de calle amenizando el ambiente. En los puestos venderán ropa y complementos vintage, música, arte, diseño, decoración, gastronomía del prestigioso Borough Market... El éxito de ediciones anteriores dejó fuera a muchos shoppers tardíos, así que, si no quieres perdértelo, te recomendamos que te acerques temprano.
MADRID / 17 y 18 de diciembre / Serrano, 127 / Entrada: 3 y 5 (con gin tonic) euros
Música catalana y balearLos Conciertos Sublimes se dedican en diciembre a bandas con una procedencia común: Cataluña y Baleares. Petit y Steve Munar abrirán el ciclo el día 12. A ellos les seguirán El Petit de Cal Eril y Espaldamaceta (13), Litoral y Amigos (19) y Nacho Umbert y La Compañía [foto] como clausura, el día 20.
MADRID / 12, 13, 19 y 20 de diciembre / Teatro Lara / www.verticalpop.com
El primero del año que vieneNingún otro festival español puede batir su marca, porque el Actual de Logroño es siempre el primero del año. Además de con actividades complementarias, la ciudad del vino vuelve a tentarnos para que recibamos el año yendo de conciertos. Pau Riba, Corizonas, Anntona, Los Enemigos, Lori Meyers, The New Raemon [foto], The Pains of Being Pure at Heart y Fernando Alfaro, entre otros, se han unido a la celebración.
LOGROÑO / Del 2 al 8 de enero / www.actualfestival.com
53
Calle 20 no se hace responsable de los posibles cambios en la programación reflejada en esta agenda.
Indies contra el hambreLa tercera edición del festival benéfico No Hunger ha reunido un cartel muy suculento: Sidonie [en la foto], Klaudia, Inspira, Verkeren, Seward y Thug Ladies DJ. El dinero que se recaude se destinará a paliar la desnutrición infantil en el África Subsahariana, a través de la ONG Acción Contra el Hambre.
BARCELONA / 4 de diciembre / Sala Apolo /10 y 15 euros / www.nohungerfestival.org
Pasión por el reciclajeLa asociación Drap Art celebra, por octavo año, su festival de reciclaje artístico, con actividades participativas como talleres y charlas, pero también con cine, conciertos, mercadillo y exposiciones colectivas de arte y objetos de diseño elaborados con elementos inservibles o recuperados del cubo de la basura.
BARCELONA / Del 16 al 30 de diciembre / CCCB y FAD / www.drapart.org
Quinquis de los ochentaDentro del ciclo El grito de la calle, que trata de reflexionar sobre las consecuencias de la crisis actual, se engloba la exposición Quinquis de los 80. Cine, prensa y calle, sobre el cine quinqui que reflejó la particular situación de España entre 1978 y 1985.
BILBAO / Hasta el 8 de enero / Alhóndiga / Entrada: 2 y 3 euros / www.alhondigabilbao.com
Pon una postal personalizada en tu vidaEl proyecto Remite se inició el año pasado inspirado en los originales métodos de financiación del Royal College of Art de Londres. El mecanismo es sencillo: la EASD pone en circulación postales con una cara en blanco que cualquiera puede decorar. Después, recibe esas postales, las expone unos días y las vende (14 de diciembre) a un precio módico (10 euros). El dinero se emplea en becas, talleres, materiales... para los alumnos.
VALENCIA / Hasta el 14 de diciembre / www.easdvalencia.com
Escena ContemporáneaAunque al cierre de esta edición aún no se ha presentado su programación, queremos poneros en guardia: el próximo 25 de enero arranca Escena Contemporánea, el festival de artes escénicas que cada año inunda la capital con una amplísima programación.
MADRID / Del 25 de enero al 18 de febrero / www.escenacontemporanea.com
CINE
54
‘THE ARTIST’: SUEÑOS EN BLANCO Y NEGROLA PELÍCULA SORPRESA DEL 2011 ES MUDA
Los Ángeles, 1930. Segunda entrega de los premios Oscar. El primer gran musical de la historia del cine, La melodía
de Broadway, recibe el galardón a la mejor película. Fue el primer premio importante para el cine sonoro y supuso el impulso definitivo de este género.
Cannes, 2011. The artist, un filme mudo —ha leído bien— rodado en blanco y negro, consigue colarse en la sección a concurso de su prestigioso festival. Su protagonista, Jean Dujardin, recibe el premio al mejor actor por un papel en el que no pronuncia palabra. Unos meses después obtiene cuatro nominaciones a los Premios de Cine Europeo, entre ellas, la de mejor película. La Weinstein Company adquiere los derechos para su distribución en Estados Unidos. Después de ochenta años de cine sonoro, ¿llegará una película muda a los Oscar?
En estos tiempos revueltos para la industria cinematográfica, donde el 3D parece la única salvación de las
salas, un director francés se ha atrevido con un proyecto tan romántico como utópico: rodar una película muda en pleno siglo xxi. Michel Hazanavicius llevaba años fantaseando con la idea y su perseverancia y fe han dado como resultado The artist, un sentido homenaje a la edad dorada de Hollywood que nos devuelve a un periodo excitante: el que supuso el paso del cine mudo al sonoro.
Allí se sitúan sus dos protagonistas, una estrella que se niega a asumir el cambio (Durjadin) y una extra desconocida (Bérénice Bejo) que, de la noche a la mañana, se convierte en la voz que atrae a los espectadores en masa a los cines. Melodrama de los de antes, homenaje confeso a clásicos que también tocaron el tema como Cantando bajo la lluvia y Ha
nacido una estrella, factura asombrosa y mimo en cada detalle. Película valiente y gran sorpresa de la temporada.
THE ARTIST. Francia, 2011 / Dir.: Michel
Hazanavicius / Estreno: 16 de diciembre
Aunque John Le Carré no ha sido muy afortunado con la mayoría de las adaptaciones al cine de sus libros, después de ver esta la definió como «una obra de arte por derecho propio». El artífice del milagro no es otro que el realizador Tomas Alfredson, auténtica revelación de hace tres años por la vampírica Déjame entrar. Apoyado en un elenco que quita el hipo: Gary Oldman (en el papel al que dio vida antes Alec Ginness), Colin Firth y John Hurt, el sueco revitaliza el género de espías.
EL TOPO. Reino Unido-Francia-Alemania, 2011 /
Dir.: Tomas Alfredson / Estreno: 23 de diciembre
¿DÓNDE SE ESCONDE EL TOPO?
El tándem formado por el realizador Ken Loach y su guionista de cabecera, Paul Laverty, nos trasladan al conflicto de Irak para hurgar en uno de sus aspectos más oscuros: la comercialización y el negocio económico que se genera en tiempos de guerra. La muerte de un soldado a sueldo en la Route Irish da pie a una crítica mordaz, que tiene como último objetivo señalar a los gobiernos y empresas que toleran y se benefician de dichos actos.
ROUTE IRISH. El Reino Unido, 2010 / Dir.:
Ken Loach / Estreno: 23 de diciembre
EL NEGOCIO DE LA GUERRA¿Cine mudo en pleno siglo XXI? Afirmativo.
55
Nada mejor que esta época navideña de buenos
sentimientos y deseos para acercarnos al
cine a calentarnos el alma con un poquito de
optimismo. En su segunda película rodada en
Francia, el finlandés Aki Kaurismäki se enfrenta,
desde su personal óptica —la de un narrador
siempre próximo al absurdo, al surrealismo y lo
retro—, a uno de los valores que más parecen
escasear en estos tiempos que corren: la
fraternidad. Todo comienza con el proverbial
encuentro entre un escritor reconvertido en limpiabotas y un menor africano. La inminente
deportación del muchacho dará pie a un maravilloso cuento —con la inmigración como telón
de fondo— que demuestra que un solo individuo, cuando se lo propone, mueve montañas.
EL HAVRE. Finlandia-Francia, 2011 / Dir.: Aki Kaurismäki / Int.: André Wilms, Blondin Miguel, Kati
Outinen, Jean-Pierre Darroussin / Estreno previsto: 28 de diciembre
CUENTO SOBRE LA FRATERNIDAD
El típico cigarrito de ‘después de’ da pie a
una discusión entre dos mujeres amantes
que, a su vez, origina el encuentro místico
de una de ellas con un power ranger
muy fan de Jesucristo Superstar. Y todo
esto, señores, sin necesidad de salir
de una habitación de hotel en Murcia.
¿Rocambolesco? No, sublime. Ahora que
acaba de ganar el premio Rizoma gracias
a su primer largometraje autofinanciado,
Diamond flash, conviene recuperar la
breve pero intensa filmografía en corto de
su director, Carlos Vermut. Quédate con
su nombre porque dará que hablar.
MICHIRONES. Dir.: Carlos Vermut / 8 minutos /
Puedes verlo en: vimeo.com/14031575
EXPERIENCIA MÍSTICA EN MURCIA
Por poco religioso que uno sea, la
expresión «setenta veces siete» evoca
rápidamente en nuestro imaginario la
idea del perdón. Del perdón, y también
de la culpa que le precede, habla este
cortometraje dirigido al alimón por
Rosa Cabrera Díez y Ricardo Ibáñez
Ruiz. Partiendo de un hecho misterioso
—dos mujeres se despiertan unidas
por una cuerda sin saber dónde ni por
qué—, poco a poco descubriremos que
los lazos que las unen son mucho más
fuertes y dolorosos. La intensidad de sus
protagonistas corta el aliento.
SETENTA VECES SIETE. 15 minutos /
Puedes verlo en: vimeo.com/24864584
LA CULPA Y EL PERDÓN
Miranda July y Mike Mills forman uno de los
matrimonios más políticamente indies del cine
norteamericano. Obsesionados por el devenir de
la pareja en los tiempos modernos, él proponía
hace unos meses Beginners (protagonizada por
Ewan McGregor y Mélanie Laurent); mientras que
de ella no sabíamos nada desde que deslumbró
en Sundance y Cannes con Tú, yo y todos los
demás (2005). Seis largos años después, la
recuperamos para la causa con El futuro, una
película repleta de escenas surrealistas (y alguna performance) que, sin embargo, esconde
un mensaje muy realista y humano: el miedo al compromiso y a la madurez dentro y fuera de
una relación. Música de Jon Brion, habitual de Paul Thomas Anderson y Charlie Kaufman.
EL FUTURO. EE UU, 2011 / Dir.: Miranda July / Int.: Miranda July, Hamish Linklater, David Warshofsky /
Estreno previsto: 16 de diciembre
GRITOS DE INDEPENDENCIA
Presten mucha atención a la última sensación del
Festival de Sitges (premio al mejor director en su
pasada edición). The yellow sea es el segundo
largometraje del realizador surcoreano Hong-jin
Na, quien ya logró la misma catarsis entre el
público del festival catalán el pasado año con
su debut, The chaser. Sus actores principales
repiten también en esta ocasión dando vida a los
protagonistas de un thriller de tintes negrísimos
que ya ha sido comparado como la versión
asiática de una película de Michael Mann (Heat, Collateral). ¿La sorpresa? Un arranque de
estilo costumbrista, con dramón personal incluido, que acaba dando un inesperado giro de
180 grados y muta en una sangrienta y muy desmelenada historia de acción.
THE YELLOW SEA. Corea del Sur, 2010 / Dir.: Hong-jin Na / Int.: Jung-woo Ha, Yun-seok Kim,
Seong-Ha Cho / Estreno previsto: 5 de enero
UN MAR DE DESGRACIAS (SANGRIENTAS)
CINE EN CORTO
BIENVENIDO AL OTRO BARRIO
LA TRANSICIÓN: AQUELLOS MARAVILLOSOS AÑOS
56
Durante cuatro décadas, la compañía catalana Comedians ha tocado en sus montajes los más diversos temas universales: la fiesta, la noche, los sueños, el tiempo... Era de prever, por tanto, que pronto le llegaría el turno a la muerte. ¡Voilá! Perséfone supone su particular acercamiento a este terrible momento, que ellos aligeran a ritmo de cabaré. Inspirándose en los espectáculos de varietés, los musicales (aunque este se sitúe en las antípodas de los anglosajones) y la cultura del cómic, la compañía nos invita a emprender un delirante viaje al más allá. Afortunadamente —y solo por esta vez—, de ida y vuelta. Nuestra anfitriona será Perséfone (la actriz Àngels Gonyalons), convertida en reina del inframundo tras ser raptada por Hades y responsable desde hace siglos de acompañar a hombres y mujeres en este difícil trance. Junto a ella constataremos cómo nuestra civilización, obsesionada como nunca por alargar la esperanza de vida, se niega, cada vez más, a mirar de frente a la muerte.
PERSÉFONE. Teatre Lliure (Barcelona) / Del 15 de diciembre al 8 de enero / www.teatrelliure.com
ALTERNATIVO Y CONCENTRADO
Desde hace ocho años, la Red de Teatros Alternativos desarrolla un circuito que facilita a las compañías de teatro y danza que la integran girar por salas de toda España. La experiencia da un salto cualitativo este otoño con la puesta en marcha de Escena M, un programa que concentra en apenas quince días y ocho salas madrileñas —Cuarta Pared, DT Espacio Escénico, El Montacargas, Teatro Lagrada, Teatro Liberarte, Teatro Pradillo, Sala Tarambana y Sala Triángulo— una docena de obras procedentes de otras comunidades autónomas. Entre los seleccionados, montajes dirigidos al público infantil como Dulce de leche, de la compañía cántabra Escena Miriñaque; versiones de grandes clásicos del teatro del absurdo como La cantante calva, de Ionesco, a cargo de Estudi Zero de Baleares; o propuestas a camino entre la danza y el teatro como Días pasan cosas, de la compañía andaluza de Guillermo Weickert [en la imagen].
ESCENA M. Varias salas (Madrid) / Del 3 al 18 de diciembre / www.redteatrosalternativos.org
TEATRO
Desde que en 1999 fuera nominado al Premio Max por su primera obra, Como los griegos, Alfredo Sanzol (1972) se ha labrado una sólida trayectoria como autor y director teatral. Montajes como Días estupendos, Delicadas o Sí, pero no lo soy le han convertido en un observador minucioso de las historias humanas y los hechos cotidianos. En su nuevo trabajo, En la luna, hurga en sus propias experiencias personales hasta trasladarse a su niñez y, por ende, a los años de la Transición española. Aquellos momentos de cambio político y social, de despertar a la democracia, de ilusiones y temores, dan como resultado un mosaico de quince piezas que rebuscan en los recuerdos más íntimos de Sanzol, aquellos con los que empatizarán plenamente los que ahora ronden los cuarenta. Un trocito de nuestra historia reciente se nos revela a través de esa niñez que, como el propio autor comenta, «va ligada a la infancia de la democracia» y refleja el ambiente especial y eufórico que vivieron nuestros mayores en aquellos años. «La vida pública entraba en la vida privada como un torbellino. Para un niño era imposible saber qué estaba pasando, pero la excitación quedó grabada en nuestra memoria. Son los surcos de nuestro disco duro».
EN LA LUNA. Teatro de La Abadía (Madrid) / Hasta el 8 de enero / www.teatroabadia.com
DA
VID
RU
AN
O
PA
CO M
AN
ZA
NO
THE HORRORS, ROZANDO LA PERFECCIÓNPRESENTAN SU NUEVO DISCO, ‘SKYING’
Cuando a uno le cae encima un
sambenito, despojarse de él puede
resultar más complicado que salir vivo
de debajo de una piedra de cien kilos.
Miren, si no, al gremio de las rubias,
obligadas sin motivo aparente a demostrar
que debajo de su dorada cabellera hay
también un cerebro que funciona. Pues lo
mismo ha pasado con The Horrors.
Tras un debut garajero, Strange house,
repleto de canciones que provocaban
en los oyentes auténticas convulsiones
epilépticas —para muestra, Sheena is a
parasite—, llegó a considerárseles hype
de un solo disco. Gran parte de la prensa
musical pensaba por aquel entonces que
lo que les preocupaba era salir en revistas
de moda y tendencias (han posado en
varias ocasiones para el mismísimo Vogue)
o liarla parda en sus directos (en Youtube
encontrarás varios vídeos de una sonada
actuación en la madrileña sala Moby Dick
de la que algunos salieron magullados).
Sin embargo, el tiempo se ha ocupado
de demostrar que detrás de las anécdotas,
de la estética gótica y los pelos cardados
había un enorme talento. El primero en
apreciarlo fue el miembro de Portishead
Geoff Barrow, que se recluyó con ellos
en el estudio para producirles su segundo
álbum, Primary colors, un soberbio ejercicio
de kraut y afterpunk que les devolvió el
respeto de la crítica (mejor disco del 2009
para la revista NME, entre otras).
La reválida la han dado este 2011 con
Skying, un trabajo grabado y autoproducido
por los propios The Horrors que ofrece
reminiscencias a clásicos de los ochenta
como The Chameleons o Psychedelic Furs.
Por si fuera poco, apenas unas semanas
antes aparecía el estupendo debut de
Cat’s Eyes, proyecto paralelo de su líder
Faris Badwan y su novia. No cabe duda:
sambenito más que superado.
THE HORRORS. 1 de diciembre, Barcelona /
2, Madrid / 3, Bilbao / thehorrors.co.uk
Su nombre ha aparecido hasta la
saciedad en el cartel de la mayoría de
los festivales de verano de este país. Sin
embargo, los de Brooklyn se merecían
una gira de presentación como Dios
manda para su segundo y soberbio disco
de estudio, Belong, en el que han contado
con dos pesos pesados: Flood (U2,
Björk), a la producción, y Alan Moulder
(My Bloody Valentine) en las mezclas. La
oportunidad, en enero: Festival Actual de
Logroño (5), San Sebastián (7), Madrid
(9), Valencia (10), Sevilla (11), Granada
(12) y Barcelona (13).
THE PAINS OF BEING PURE AT HEART. www.thepainsofbeingpureatheart.com
MELODÍAS DE BROOKLYN
Tras su paso fugaz este verano por el
festival Vigo Transforma, Junior Boys
se acercan de nuevo para presentarnos
su último disco: It’s all true (Domino).
Considerado uno de los dignos
sucesores de maestros como Pet Shop
Boys, el dúo canadiense ofrece otra
vuelta de tuerca en este álbum que los
aleja de la electrónica obsesiva, oscura y
opresiva de sus anteriores trabajos para
mostrarnos su lado más upbeat.
JUNIOR BOYS. 20 de diciembre, Barcelona /
21, Madrid / juniorboys.net
CANADIENSES A RITMO DE ‘BEATS’
The Horrors, cada vez más iluminados.
MÚSICA
57
58
A mediados de la pasada década
irrumpía en el mercado una hipnótica
canción titulada Atlas, que parecía, poco
menos, fruto de la unión entre un pitufo
cantarín y la banda de kraut CAN.
¿Los padres de tan extraña criatura?
Un cuarteto norteamericano llamado
Battles, que poco después publicaba
un disco igual de singular, Mirrored. La
crítica musical de medio mundo andaba
desconcertada ante tal experimento
sonoro y recuperaron para definirlo
el término match rock, una evolución
del rock progresivo que apareció en
los ochenta donde una canción se
construye a partir de un ritmo que cada
vez se va haciendo más complejo. El
suyo fue un golpe de efecto de los
gordos. Sin embargo, han tenido que pasar cuatro años para que Battles nos sorprenda
con una nueva propuesta. La culpa, en parte, la tuvo la marcha inesperada de su cantante
Tyondai Braxton en plena grabación. Sin embargo, Gloss drop ha superado con creces
la prueba del algodón incorporando cuatro vocalistas invitados de lujo: Kazu Makino de
Blonde Redhead, el icono de los ochenta Gary Numan, el músico electrónico chileno
Matías Aguayo y Yamantaka Eye, de la banda de noise japonesa Boredoms. Adictos a los
extraños sonidos, ya estáis tardando en comprar la entrada.
BATTLES. 1 de diciembre, Madrid (Joy Eslava) / 2, Bilbao (Kafe Antzokia) / bttls.com
Corría el año 1978 cuando un joven
Nick Lowe publicaba Pure pop for now
people. El álbum se convirtió en toda
una declaración de intenciones: la
luminosidad de la new wave frente al
negativismo punk imperante. Treinta años
después, el músico y productor británico
sigue demostrando que el buen pop
nunca envejece. Con nuevo disco bajo el
brazo, The old magic, pone punto y final
a esta temporada de Heineken Music
Selector (15 de diciembre, Valencia; 16,
Madrid; 17, Bilbao). Además, Real State y
Beat Connection en programa doble
(1 de diciembre, Valencia; 2, Madrid).
HEINEKEN MUSIC SELECTOR. musica.heineken.es/hms
PURO POP PARA LA
GENTE DE AHORA
ESE EXTRAÑO SONIDO
Billy Corgan resucita, por fin, a su mítica
banda. Completamente renovada en
su formación y tras una gira íntima
por teatros en Estados Unidos, los de
Chicago recalan a este lado del océano
para presentar lo que será su nuevo
álbum, Oceania (que verá la luz en 2012),
y recuperar temazos incluidos en los ya
clásicos Gish o Siamese dream, que se
reeditan, además, este otoño.
THE SMASHING PUMPKINS. 6 de
diciembre, Barcelona / 7, Madrid
La leyenda de Sheffield
como capital de la mú sica
independiente se remonta
a la dé cada de los
ochenta. En aquella época,
bandas tan dispares como
The Human League,
Cabaret Voltaire y Def
Leppard se convirtieron en
referentes a nivel mundial.
Desde allí también
operó el sello Warp, que
popularizó la escena electró nica en Inglaterra; y más tarde llegó Pulp, la banda liderada
por Jarvis Cocker. En 2006, unos jovenzuelos oriundos del barrio periférico de High Green
revolucionaban el panorama musical gracias al boca a boca en Internet (se suele hablar
de ellos como el primer grupo que la Red llevó al éxito masivo) y convertían su disco,
Whatever people say I am, that’s what I’m not, en el debut más comprado en su primera
semana de ventas en la historia de la música hasta ese momento. Lo demás ya es historia
y, desde entonces, la banda liderada por Alex Turner no deja de sumar adeptos y buenas
críticas. Las últimas, por su cuarto trabajo, Suck it and see, un disco de madurez, bastante
más sosegado que sus predecesores, en el que huyen del rock nervioso y excitado para
centrarse en los medios tiempos y ese tono vintage al que Turner ha sacado tan buen
provecho tanto en sus proyectos en solitario como en The Last Shadow Puppets.
ARCTIC MONKEYS. 27 de enero, Madrid (Palacio de los Deportes) / 28, Barcelona (Palau San Jordi) /
arcticmonkeys.com
MARCADOS POR LA LEYENDA DE SHEFFIELD
MÚSICA
ANSIADO RETORNO
59
El líder de Deerhunter, Bradford Cox, se ha
puesto en manos del veterano fotógrafo
Mick Rock (autor de la venerada portada
de Transformer de Lou Reed) para ilustrar
el tercer trabajo de su proyecto en solitario:
Atlas Sound. Cual croner pálido y doliente,
el músico de Atlanta da rienda suelta a sus
indomables ansias creativas ofreciéndonos
uno de los mejores discos de este 2011
que se nos va. Canciones lo-fi de ritmos
ondulantes, amor manifiesto a las melodías
de los cincuenta y sesenta y colaboraciones
de lujo como la de Andrew Vanwyngarden
de MGMT. La gran esperanza del siglo xxi.
http://4ad.com/artists/atlassound
ATLAS SOUND
PARALLAX
No se ha embarcado en ningún proyecto
cinematográfico desde que dirigió Inland
Empire en 2006, sin embargo, David Lynch
sigue siendo uno de los culos (con perdón)
más inquietos de la galaxia. Tras dejarnos
algo noqueados con un primer single de
corte electropop, God day today, Lynch nos
ofrece ahora su debut musical al completo.
Como su cine, Crazy clown time es capaz
de crear atmósferas inquietantes, oníricas
y sugerentes (para lo que cuenta con
colaboradores como Karen O de Yeah Yeah
Yeahs). Podemos confirmar que su talento
para la música, como para el cine, es innato.
davidlynch.com
DAVID LYNCH
CRAZY CLOWN TIME
Los devotos de la desaparecida cantante
de Broadcast, Trish Keenan, encontrarán
a su digna sucesora en Tessa Murray.
Ella lidera el cuarteto londinense Still
Corners, cuyo disco debut en el mítico
sello Sub Pop supone un soplo de aire
fresco para los amantes del dreampop,
el shoegaze y la psicodelia practicada
otrora por bandas como Cocteau Twins o
Stereolab. Sus principales bazas: teclados
fantasmagóricos y eclesiásticos, un sonido
vintage que bebe de los sesenta y una voz
melancólica y aterciopelada, la de Murray,
que hipnotiza cual canto de sirena.
www.myspace.com/stillcorners
STILL CORNERS
CREATURES OF AN HOUR
Siempre es un auténtico gustazo y una
apuesta segura echarse al reproductor un
trabajo del maestro Tom Waits. Hacía siete
años que no teníamos esa oportunidad —su
anterior disco de estudio, Real gone, data
del 94—, así que esperábamos con ansias
el que hace el número 25 de su discografía.
Como siempre, da continuidad a la marca
de la casa: esa elegancia en la que se
entremezclan la tradición del rock, el blues y
el folk norteamericano. Todo ello, sin olvidar
su característico toque tarbernario y canalla,
su voz de ultratumba y ese regusto a rito
fúnebre propio de Nueva Orleans.
badasme.com
TOM WAITS
BAD AS ME
DISCOS
Olaf Bender (Byetone) fundó hace 15 años
el proyecto Raster-Noton junto a Carsten
Nicolai (Alva Noto) y Frank Bretschneider.
El reputado sello alemán ha servido desde
entonces como laboratorio a exquisitos
proyectos de música experimental y
minimalista. Sin embargo, en 2008
Byotone provocaba un impactante cambio
de rumbo con la publicación de Death of
a typographer, en el que por primera vez
el tecno y el electro se fundían con el
ruido digital. Toda una sorpresa a la que
ahora pone continuación con Symeta. Un
visionario del ruido más avanzado.
www.raster-noton.net
BYETONE
SYMETA
Puede que Plus ultra no contenga uno de
esos temas con los que logras empatizar
y emocionarte a la primera escucha, como
ocurría con aquel Si desaparezco, incluido en
su anterior trabajo, El bosque en llamas. Sin
embargo, en su conjunto, este es el álbum
que consagrará a Pumuki como un grupo
en estado de gracia. Producido por Raúl
Pérez (Blancanova, Pony Bravo), el proyecto
liderado por el tinerfeño Jaír Ramírez se alza
victorioso con un disco más elaborado y
arriesgado que gana a cada escucha y en el
que sigue latente su devoción total y absoluta
por el pop de aristas oscuras.
pumuky.bandcamp.com
PUMUKI
PLUS ULTRA
ARTE
60
MARTIN CREED:
EL PODER DE LO BANALEL PREMIO TURNER DESEMBARCA EN MADRID
«Cuando contemplo un cuadro no puedo
separarlo de la pared donde está colgado.
Igual sucede con la gente, sin la que nada
tiene sentido. Cuando creo, pienso que
lo que estoy haciendo necesita espacio
y necesita gente». El que así habla es
Martin Creed, artista británico nacido en
1968, Premio Turner 2001 y uno de los
más interesantes y controvertidos de su
generación. Para él solo hay una cosa
clara: una buena obra parte de lo banal.
Mientras otros artistas se rebanan los
sesos para dejarnos turulatos con lo nunca
visto, Creed se inspira en objetos, palabras
o sonidos de la vida diaria, convirtiendo lo
cotidiano en algo realmente inesperado;
sobre todo, en una sala de arte.
Así, su pieza Work No. 227: The lights
going on and off era una obra invisible
que sorprendía al espectador al dejarle a
oscuras cada cinco segundos; mientras
que su Work No. 850 le enfrentaba a
atletas que corrían a toda velocidad por la
Tate. Para el británico, el papel del público
es esencial, como pudo comprobarse
hace bien poco en el MARCO de Vigo
con su trabajo Work No. 247 Half the air
in a given space, que invitaba al visitante
a desplazarse entre 50.000 globos azules
repartidos en la planta baja del centro.
Con Martin Creed: Things/Cosas,
exposición que organiza la Comunidad
de Madrid en Alcalá 31, tenemos la
oportunidad de descubrir sus intensos
veinte años de trayectoria artística. El
espacio se convertirá en una gran sala
donde el autor mostrará algunas obras
concebidas para la ocasión —entre
ellas, sus nuevas pinturas murales—,
combinándolas con algunas de sus piezas
más conocidas: Work No. 88: A sheet
of A4 paper crumpled into a ball [Una
hoja de papel A4 hecha una bola], o su
vídeo Work No. 670: Orson and Sparky,
hasta ahora nunca vistas en España.
Bienvenidos al universo Creed.
MARTIN CREED: THINGS/COSAS. Sala
Alcalá 31 (Madrid) / Hasta el 26 de febrero
No llegó a cumplir los 24 años, pero en
la obra de Francesca Woodman se palpa
el dolor de quien ha sufrido el olvido y la
soledad. Dos fueron las constantes de su
obra: la exploración del cuerpo humano
a través del autorretrato [imagen: From
polka dots] y los escenarios melancólicos,
cercanos a lo gótico. Coincidiendo con la
retrospectiva que le dedica el SFMoMa
(San Francisco Museum of Modern
Art), La Fábrica Galería presenta veinte
fotografías que resumen su particular
american horror story.
FRANCESCA WOODMAN. La Fábrica Galería
(Madrid) / Hasta el 21 de enero
RETRATO DE LA MELANCOLÍA
Desde su apertura hace ahora 14 años,
el Museo Guggenheim de Bilbao atesora
una colección propia que en la actualidad
supera el centenar de obras. Selecciones
de la Colección del Museo Guggenheim
Bilbao II profundiza en el trabajo de siete
artistas europeos —entre ellos, Georg
Baselitz [en la imagen: La Sra. Lenin y
el ruiseñor], Francesc Torres o Gerhard
Richter— que originaron el debate
artístico en las décadas de los setenta y
ochenta con sus obras de claro carácter
ideológico y político.
SELECCIONES... Guggenheim (Bilbao) / Hasta
el 28 de octubre / www.guggenheim-bilbao.es
LAS JOYAS DEL GUGGENHEIMWorks No. 251, 2000. Things/Cosas. Colección Bergé, Madrid. Cortesía © Hauser & Wirth.
61
Cuando dos individuos altamente atractivos toman la decisión común de procrear, los resultados, por regla general, suelen ser más que satisfactorios. En este caso, dos gigantes de la cultura, el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) y la Fundación La Caixa, inician una relación en principio duradera que ya ha dado a luz su primer vástago: ¡Volumen! Se trata de una exposición que reúne 350 obras de 75 artistas y que ofrece una nueva lectura de los inmensos fondos de ambas instituciones (alrededor de 5.500 piezas). Tan en serio se han tomado esta unión, que continúa este mes con La persistencia de la geometría [ver noticia inferior] y, posteriormente, con El espejo invertido en el Guggenheim. ¡Volumen! propone una nueva interpretación del cambio del siglo xx al xxi, insistiendo en el papel del sonido y la voz como materiales fundamentales de la producción artística a partir de los ochenta, así como en la supremacía de la escultura y la fotografía durante esa época. Entre las obras seleccionadas, piezas claves como Shit in your hat, de Bruce Nauman; y artistas tan importantes como James Coleman, Jena Dubuffet, Rodney Graham, Samuel Beckett [en la imagen: No yo, 1987], Alan Sekula o el padre del pop art, recientemente desaparecido, Richard Hamilton.
¡VOLUMEN! MACBA (Barcelona) / Hasta el 23 de abril / www.macba.cat
Desde que le concedieran el León de Oro en la Bienal de Venecia de 2001 por su obra La casa muerta, al alemán Gergor Schneider se le considera uno de los artistas más siniestros del mundo. Desde hace dos décadas, su trabajo gira en torno a un tema obsesivo: su propia vivienda (Haus u r), que ha reconstruido en salas de exposiciones de medio mundo. Para su primera muestra en un museo español ha creado la pieza Dead
end, un impresionante y claustrofóbico sistema de tuberías por donde el visitante debe circular casi a oscuras hasta descubrir insólitas estancias.
PUNTO MUERTO. CA2M (Madrid) / Hasta el
26 de febrero / www.ca2m.org
CON LA CASAA CUESTAS
EN OCASIONES, OIGO VOCES
Dos universos femeninos opuestos se dan cita en la primera exposición individual en España de la holandesa Iris van Dongen (1975). Por un lado, sus retratos en pastel de estilo renacentista, que representan delicadas imágenes de mujeres. Por otro, su trabajo junto al colectivo Kimberly Clark [en la imagen: Temporary devotion], que muestra el lado más canalla y narcisista de las mismas.
IRIS VAN DONGEN. Galería Luis
Adelantado (Valencia) / Hasta el 20 de enero
La segunda colaboración entre el MACBA de Barcelona y la Fundación La Caixa se centrará en el uso de la geometría en el ámbito de la escultura y la instalación. El viaje parte de los años sesenta y desemboca en la actualidad, recorriendo, extensamente, los trabajos de artistas como Donal Judd, Bruce Nauman [en la imagen: Black
stones under yellow light, 1987], Gordon Matta-Clark, Richard Long, Francesc Torres, Àngels Ribé o Rodney Graham. A partir de una serie de esculturas, videoinstalaciones, fotografías y documentos de performances, la exposición se ha organizado en torno a tres líneas argumentales. La primera de ellas nos habla de la crisis de la representación y la aparición de propuestas minimalistas que utilizaban las formas geométricas para evitar la narratividad. En ese momento, las obras se reducían a una forma elemental (cubo, círculo...), un sistema matemático (serialidad...) o un gesto repetitivo. A continuación, se explora el despliegue de la geometría en terminos espaciales, lo que invita al espectador a interactuar con la obra; y, para finalizar, la exposición tratará la incorporación de contenido figurativo y significado político en las piezas.
LA PERSISTENCIA DE LA GEOMETRÍA. CaixaForum (Madrid) / Hasta el 25 de marzo
A VUELTAS CON LA GEOMETRÍA
DE DOBLES CARAS
«En Norteamérica hay tres grandes escritores: primero
está Wolfe, después yo, y después Hemingway». Las
palabras de William Faulkner merecen ser tenidas en
cuenta. Por si no bastaran, oigamos a Jack Kerouac:
«Una de las máximas aspiraciones de cualquiera de
nosotros sería llegar a escribir algo con la altura y la
poesía de El niño perdido». Como es bien sabido que los
borrachos, sobre todo si son escritores, nunca mienten,
poco queda por añadir sobre este libro que pesa como
un irrecuperable «recuerdo sin fin» sobre la memoria de sus muchos lectores a
través de los tiempos. Thomas Wolfe (1900-1938), muerto de tuberculosis cuando
despuntaba como el mejor narrador estadounidense de su tiempo, escribió la novela
en estado de gracia, poseído por los ecos de un hermano muerto. El tiempo no la ha
mancillado. Sigue siendo inigualable.
EL NIÑO PERDIDO. Periférica / 96 páginas / 15,50 €
LECTURAS POR JOSE ÁNGEL GONZÁLEZ
62
Una lavadora-mujer (o una mujer-lavadora, no queda claro);
una epidemia de suicidios que baja hasta los cuarenta años
la esperanza de vida de los hombres estadounidenses y da
lugar a una «raza nueva, brillante y lustrosa»; la viuda de un
granjero de cerdos que recibe cartas de un hombre sobre «el
dulce dolor indefinible del espíritu»; un ambicioso constructor
de carreteras que emplea su tiempo libre con los trenes en
miniatura... Leer de nuevo a Kurt Vonnegut (1922-2007) es
siempre beneficioso por las ganas que te entran de practicar
la maldad y predicar la moral. Quien crea que su obra se limita a la nunca bien ponderada
Matadero Cinco (1969) —la primera novela bélico-lisérgica— haría bien en pasearse
por el volumen de cuentos Mientras los mortales duermen, una colección saturada de la
indecencia que tanta falta hace de un ácrata que nos tenía bien calados: «Somos una
enfermedad. Así que, como la sífilis con conciencia, deberíamos dejar de reproducirnos».
MIENTRAS LOS MORTALES DUERMEN. Sexto Piso / 256 páginas / 19,95 euros
VONNEGUT, NECESARIA INDECENCIA
«Voy a utilizar hojas como vendas
impregnadas no de tinta, sino de lo que
mi vieja herida supura». El narrador,
Víctor, 34 años, escritor agotado de
una vida que no entiende, escondido
de sí mismo en una casa solitaria de
los Cárpatos, confiesa bien pronto
que su intención es vaciarse del
gran lastre, del «veneno» de estar en
compañía de monstruos —acaso no
sea el menor de ellos uno mismo—,
pero quiere abordar el exorcismo
mediante el «artificio» de la literatura...
¿Resultado? La congelación ante la
estilográfica, «preguntándome con
qué letra convendría empezar el
libro, pero sin atreverme a trazar ni
siquiera una sobre la página oscura».
El rumano Mircea Cartarescu (1956),
gran revelación editorial en España
el año pasado con el pasmoso
cuento-nouvelle El ruletista, entrega en
Lulu —el título original, Travesti, es más
explícito— una novela de iniciación,
una «lucha con el ángel» oscuro que
habita en el alma, un flashback hacia
la imagen del espejo, una hemorragia...
A partir de una experiencia sexual
adolescente, he aquí el relato-verdad
vital que todos deberíamos afrontar.
Mircea Cartarescu, una de las voces
más poderosas en la Europa literaria
de hoy, nos enseña con este libro a ser
valientes incluso cuando nos jugamos
la cordura en el envite.
LULU. Impedimenta / 160 páginas / 17,50 €
HEMORRAGIA
DE UN VALIENTE
El filosófico gato Teodoro W. Adorno de Cortázar; el tití Mitz
que distraía a los aduaneros nazis mientras el matrimonio
de Virginia y Leonard Woolf (él, judío) atravesaba fronteras;
el terranova Boatswain al que Byron salvó de morir
ahogado; el loro Seth que se pavoneba por Tánger en
el hombro de Paul Bowles... La editorial Errata Naturae
propone a once autores españoles (Martínez de Pisón,
Trapiello, Puértolas, Llop...) que escriban sobre el animal
de compañía como «sombra del escritor» y, en ocasiones,
como depositario único de sus turbaciones. Algunos hablan de sus bichos, otros
prefieren glosar a los bichos de otros. Todos comparten la carta de Capote desde
la gélida Kansas de A sangre fría a su adorado bulldog: «Querido Charlie: aquí todos
los perros tienen miedo y pulgas, no te gustarían nada. Te echo de menos. ¿Quién te
quiere? T (quién si no)».
PERROS, GATOS Y LÉMURES. Errata Naturae / 208 páginas / 18,90 €
BICHOS PROPIOS Y AJENOS
RECORDANDO SIN FIN A WOLFE
63
Premio Pulitzer pero, sobre todo, crónica de la Gran Depresión escrita no desde la torre de marfil de un especialista, sino desde las suelas de los zapatos de Francis Phelan, vagabundo, sepulturero, exjugador de béisbol... Tallo de hierro es una novela necesaria y, como alguien ha apuntado, «maravillosamente triste». Ambientada en Albany, la ciudad de su admirable autor, William Kennedy (1928), no conviene abordarla con el alma blanda. Un libro sobre botellas de whisky y destinos vacíos.
TALLO DE HIERRO. Libros del Asteroide /
304 páginas / 13,95 €
LA GRAN DEPRESIÓN, VISTA DESDE LOS ZAPATOS
Boris Zaidman nació en 1963 en Kishinev, en la antigua Unión Soviética, y emigró a Israel en 1975. En esta novela juega al desquite: contra lo que dejó atrás y contra lo que encontró. El protagonista, como el autor, tiene dos nombres: el judío, Tal Shani, y el ruso-judío, Anatoli Schneiderman. En un tono de humor, por momentos de gruesa ironía, aborda la doble identidad de los desplazados y así lastra su primera novela, el canto patriótico a Israel.
HEMINGWAY Y LA LLUVIA DE PÁJAROS MUERTOS. Errata Naturae / 248 páginas / 19,90 €
DOBLE IDENTIDADDE UN DESPLAZADO
Vladímir Korolenko (1853-1921), cuyo eco llega hasta Gorki, era un hombre bueno. Quizá por ello pasó largas temporadas en la cárcel tras publicar, como periodista, intensos alegatos contra el abuso de poder. El músico ciego es una fábula sobre la belleza natural de Ucrania, la indeleble unión del país a la música y la necesidad de cultivar la solidaria entrega al prójimo. Una hermosa búsqueda existencial y física sobre «la pasión de un alma por alcanzar la luz».
EL MÚSICO CIEGO. Editorial Barataria /
216 páginas / 18 €
PASIÓN POR ENCONTRAR LA LUZ
Òscar Pujol Riembau (1959) confiesa en una nota introductoria que profesa «un optimismo radical, tal vez de la más negra desesperación (...), un optimismo de rebote o de carambola: (...) sin argumentos, pero con risas», porque «el pesimismo, como la tristeza, es un lujo» demasiado caro. Enamorado de la India y sus muchas formas de amor, Pujol escribe un ensimismado ensayo sobre la querencia basada en el laberinto y el vuelo de los amantes.
EL LABERINTO DEL AMOR. Libros del
Silencio / 168 páginas / 15 €
AMOR: LABERINTOY VUELO
Si usted tiene un amigo adicto al cómic y a la música y le regala este libro, podemos asegurarle que la llama de su relación se mantendrá intacta hasta la muerte. Robert Crumb comenzó a dibujar cubiertas de discos en 1968, cuando la mismísima Janis Joplin le pidió una para su Cheap
thrills. El padre del cómic underground no se lo pensó dos veces y la colaboración consiguió tal éxito que dio pie a cientos de portadas, tanto para nuevos artistas como para interpretaciones de singles de 78 rpm de antiguas leyendas del jazz, el country y el blues de los años veinte y treinta. Un total de 450 ilustraciones a todo color dan forma a este R. Crumb: la colección de
portada de discos. Un tesoro que no debe faltar en el hogar de cualquier melómano que se precie.
R. CRUMB: LA COLECCIÓN... La Cúpula /
112 páginas / 25 €
PARA MELÓMANOS
POR NANI F. CORES
EN VIÑETAS
TÍA Y CON HUEVOSDice Mireia Pérez, la jovencísima autora de La muchacha
salvaje, que su protagonista posee el punto más animal de una fémina y, a la vez, el más divertido. El último Premio Internacional Fnac-Sins Entido de Novela Gráfica sitúa su historia en una remota edad de piedra para postular un mensaje que sigue vigente tropecientos años después: la necesidad de la mujer de rebelarse y mostrar su disconformidad con las rígidas normas establecidas que le impone la sociedad. Muy influida por El valle de las maravillas, del francés Joann Sfar, Nómada forma parte de un tríptico que se completará en sucesivas entregas. Hasta el 10 de enero, Fnac Castellana (Madrid) dedica una exposición al universo de esta creadora.
LA MUCHACHA SALVAJE #1: NÓMADA. Sins Entido / 112 páginas / 20 €
64
MAMI LOU CUPCAKE
«Amor al primer mordisco». Eso es lo que promete Mami
Lou Cupcake, y damos fe de que lo cumple. Ubicado en el
corazón de la ciudad, el local se inauguró hace pocos meses,
y ya ha logrado enamorar a quienes gustan de los dulces
hechos con mimo. Nati y Alain llevan esta tienda de cupcakes
artesanos que, con una atmósfera cálida y acogedora, se
convierte en un lugar ideal para resguardarse del frío y
disfrutar de estas deliciosas miniaturas.
BILBAO. Barrainkua, 7. Tel. 944 244 086. www.mamiloucupcake.com
TAMMY DONOHOE’S
Ropa para niños y niñas de cero a doce años confeccionada
con mimo y unos materiales excepcionales. Esto, además de
complementos, ropa de cama y una colección de preciosas
cunas, es lo que ofrece la nueva tienda de Tammy Donohoe’s
que se ha inaugurado en el centro de Barcelona, junto al Turó
Park. Uno de los sellos de identidad de la firma es que recupera
el tejido artesanal, con el que se obtienen preciosas prendas de
punto elaboradas a mano para vestir a los pequeños.
LOCALIZADOS
BELLÁPIERRE
Por fin ha llegado a España esta prestigiosa firma de belleza
estadounidense, que ha elegido como sede un local del Mercado
de Fuencarral. Es el lugar ideal para que descubras los colores
de este otoño-invierno y te hagas un regalo, porque Bellápierre
fabrica productos cien por cien minerales a base de mica
micronizada y están recomendados por dermatólogos incluso
para las pieles más sensibles. Cosmética natural a un precio que
puedes permitirte para estar guapa cuidando la salud de tu piel.
MADRID. Fuencarral, 45. Planta 1, local 13. www.bellapierre.eu
NATURALMENTE
Fascinante tienda en la que descubrir pequeños tesoros,
artículos de diseño con valor añadido: todo está fabricado con
materiales orgánicos, ecosostenibles o reciclados. Aquí puedes
encontrar cosas realmente bonitas hechas con objetos que de
otra manera serían basura, como bolsos creados con cinturones
de seguridad o neumáticos, pendientes de papel de periódico o
lámparas realizadas con botellas. Además, ropa de Ethos Paris,
zapatos de El Naturalista, decoración de La Mediterránea...
VALENCIA. Dr. Collado, 6. www.naturalmentevalencia.com
BARCELONA. Ferrán Agulló, 5. www.tammydonohoe.com
65
ASIANA NEXTDOOR
La sencillez del interior de este restaurante que fusiona
gastronomía asiática y peruana contrasta con la explosión de
sabores de su carta. Si pensabas que no podías probar nada
nuevo, el chef Jaime Renedo te sorprenderá con sus creaciones
en las que carnes y pescados se combinan con lima, cilantro,
ají, leche de coco, tamarindo... en curris, ceviches, ensaladas y
originales entrantes. El menú desgustación (45 euros) incluye
platos que no están en la carta. Para darse un homenaje.
MADRID. Travesía de San Mateo, 4. www.asiananextdoor.com
VICTORIA’S CAKES
Era cuestión de tiempo que alguien se diera cuenta de que los
preciosos pastelitos que inundan algunos de los más novedosos
escaparates de las ciudades parecen, sencillamente, joyas.
Victoria Ballesta se percató de la feliz coincidencia y decidió unir
sus dos pasiones, la repostería y la joyería, para crear «pedacitos
de felicidad». En su mágico local podrás encargar pasteles
personalizados y cupcakes de autor, además de aprender a
hornear galletas, decorar dulces y elaborar tartas caseras.
VALENCIA. San Fernando, 4. www.lapetiteplanethe.com
LA PETITE PLANÈTHÉ
Digna de un cuento de hadas, esta encantadora tienda
está llena de aromas y sabores irresistibles. En ella puedes
encontrar más de 140 tés e infusiones con los que deleitar
todos tus sentidos y una amplia variedad de galletas,
chocolates y delicatesen, además de preciosas teteras, tazas
y latas. Repleta de pequeños detalles, seguro que hallas aquí
ese regalo único con el que sorprender o sorprenderte y
dejarte transportar a mundos lejanos.
BARCELONA. Laforja, 17. Tel. 931 765 515. www.victoriascakes.es
POUPEÈ CHIC
La propuesta más urbana y cosmopolita de Mercedes de
Miguel tiene nombre y apellido, al igual que su creadora.
Es elegante, soñadora y coqueta, y se llama Poupeè Chic.
Inspirada en unas muñecas muy divertidas y femeninas, la
firma ofrece ropa y complementos originales para darle mucho
vuelo al armario. Y la tienda, cómo no, va a juego. El color y
las poupeès son las protagonistas del local, que acaba de
ampliarse con una tienda on line.
BILBAO. Correo, 21. Tel. 946 574 184. www.poupeechic.com
666666
Hace tiempo que el videojuego dejó de mirar al cine y pasó a
crear su propia mitología, con referentes nacidos en el mismo
seno de la industria. Ahí está Mass Effect para los que dicen
que ya no se hacen buenos juegos de Star Wars, Oblivion para
quienes echan de menos a Tolkien o el título que nos ocupa,
Uncharted, una revisión del mito de Indiana Jones. El héroe de
turno se llama Nathan Drake (aunque guarda un buen parecido
con Gerard Butler); es, a partes iguales, aventurero, seductor
y bromista, y viaja hasta la Península arábiga en busca de una
ciudad perdida bajo las arenas. ¿Qué hace a esta versión digital
del doctor Jones tan apetecible? Dos factores: una historia muy
bien contada, al estilo del cine de aventuras de Hollywood, y
una jugabilidad que sabe mezclar como pocos lo mejor de las
plataformas y de los juegos de acción en tercera persona.
Silicon Valley debe de llevar unos meses con aquello de «El rey ha muerto, viva el rey» en la cabeza. A pesar de la muerte del netbook —aquel ordenador barato pensado para consultar Internet, el correo y poco más—, la industria informática ha encontrado otro filón: el ultrabook. Basado en el MacBook Air, tenemos un ordenador de dimensiones y peso mínimos y grandes prestaciones. El Acer Aspire S3 es uno de ellos: procesador i5, 4 gigas de RAM, pantalla de 13” y disco duro de memoria sólida o, lo que es lo mismo, un regalazo para Reyes. [Desde 799 euros]
POR JAUME ESTEVE
Campero: dícese del tipo que se dedica a darle horas y horas en Internet a juegos bélicos del estilo de Call of duty con el único propósito de encontrar un buen lugar, cómodo y apartado, y derribar, uno a uno, a todos los jugadores que pueblan las partidas de turno. Pues bien, camperos del mundo entero, Ardistel acaba de lanzar un rifle calcado al de los mejores juegos para Wii que es la guinda que le faltaba al pastel. Píntate la cara y coge provisiones, porque con este periférico estarás más cerca de la realidad que nunca. [Precio: 29,95 euros]
¿Es segura la nube? Para aquellos a los que iCloud, DropBox y otras alternativas no les hacen mucha gracia, Western Digital vuelve a la carga estas Navidades con sus discos duros portátiles de tamaño compacto y gran capacidad de almacenamiento. El modelo para Mac se conecta por USB 2.0, viene en tres modelos (500 gigas, 750 gigas y 1 terabyte) y se puede utilizar incluso como unidad para Time Machine. La versión para PC tiene la misma capacidad y ofrece también conexión firewire.
[Precios: entre 99 y 179 euros]
FOTO: CHESCO LÓPEZ
PD
F D
E C
LIE
NT
E C
HE
QU
EA
DO
PO
R
Related Documents
