Billy wilder raquel sánchez amorós

Billy Wilder

Raquel Sánchez Amorós Universidad Complutense de Madrid

Billy Wilder es considerado uno de los mejores directores de comedia hasta el momento. Aunque no fue el único género que hizo, ya que probó con todo, menos con películas el oeste. En su momento sus películas eran atípicas con las de sus contemporáneos. Se mezcla su sensibilidad europea con la moralidad poco ortodoxa de los estadounidenses inconformistas. Stephen Farber sumó “la principal aportación de Wilder al cine americano es la inteligencia”. Sus films se basan en la seducción y en la mentira. Con ritmos despiadadamente impetuosos. Los personajes acaban encontrando su momento de verdad, con diálogos picantes, enlaces de diferentes situaciones, líneas argumentales claras, con mezclas de compasión y falta de pretensión. Desvela todos los tabús, muestra las cosas tal y como son. Porque como él dice, a la sociedad no le gusta confrontar las cosas que son verdad y que duelen. Para Wilder los aspectos masculinos han sido representados en sus films con tres actores diferentes: atractivo y simpático como Lemmon. Sale en El Apartamento, Irma la dulce, Primera plana, En Bandeja de plata y ¿Qué ocurrió entre mi padre y mi madre?. El aspecto de americano, hombre de negocios y poderoso con William Holden con Crepúsculo de los dioses. Y el gracioso y retorcido con Walter Matthau en Primera plana, Aquí, un amigo y En Bandeja de plata. A nivel de temas, tiende a repetir ciertas temáticas: como mujer mayor millonaria que conoce a hombre joven y arruinado. Ella se enamora, pero él está con ella por su dinero. Los celos y la venganza son consumidos por la muerte de un ser amado. El amor como escalón que se pensaba que nunca se alcanzaría. La codicia y el deseo de poder. Crítica a la prensa por sensacionalista. Y crítica a los estados totalitarios (Nazismo y a la URSS) y al sistema capitalista y consumista. Austriaco residente en EE.UU. Sus películas tratan sobre Europa: Berlín ciudad de conflictos y París paraíso del amor y el deseo. Billy Wilder nació en 1906 en un pueblo cercano a Viena. Vivió en su infancia la I Guerra Mundial. Empezó a trabajar como periodista en deportes y en la sección de sucesos. Se fue a Berlín en 1920, con un banda de jazz, siguiendo trabajando como periodista y escribía guiones para la UFA. Ahí se influenció por un movimiento italiano que nació en la segunda mitad del siglo XIX: el verismo. Se basaba en el naturalismo y realismo en el ámbito social. Describir lo grotesco, lo burlesco y lo pintoresco de la naturaleza humana. Wilder lo traspasa, de ser una corriente en la poesía y en la pintura; al cine. Desde su visión se traduce con temas como: las drogas, los travestidos, las prostitutas, la corrupción y los gigolós. Pero cuando Adolf Hitler subió al poder y fue canciller en el año 1933, como judío que era, tuvo que exiliar y se fue a París; donde estuvo un año, para acabar finalmente en EE.UU. Una vez ahí se interesó por el deporte, la cultura popular y la radio. Como no sabía inglés fue a clases nocturnas y seguía escribiendo guiones en alemán, mientras que una vez acabados los pasaba al inglés. Una vez aprendido el idioma, fue empleado de la Paramount: una majors que tenía un estilo europeo y realizaban films con una complejidad visual elevada. Además otorgaba una mayor

libertad en cuanto al estilo propio de los directores. Ahí trabajaban Cecil B. Demille, Ernst Lubitsch y los Hermanos Marx, entre otros. Wilder quería empezar a dirigir sus propios guiones, porque así tenía un mayor control sobre su película, ya que los directores borraban escenas enteras que para Wilder eran fundamentales en la película, y porque le parecía una tarea más divertida. Pero el sistema era estricto, hasta que no tenían un nombre no podían dirigir. Hasta que un día Paramount se arriesgó y ya que hacían alrededor de cuarenta o cuarenta y cinco películas anuales dijeron: “nos gusta el equipo Brackett Wilder. No queremos perderlos, pero si ese bobo quiere romperse el cuello, no sabemos que puede dar de sí”. Así que le dejaron rodar lo que sería su primera película. Lo hizo a “prueba de idiotas” con una película muy comercial y que obtuvo mucho éxito: El mayor y la menor, en 1942. Narraba la historia de una mujer que no tenía suficiente dinero para pagarse el tren, pero sí para pagar el de niño que costaba la mitad. Una vez en el tren, el revisor se siente inusualmente y sorprendentemente atraído por ella. Según su director es una versión “blanda y casta” de Lolita (Kubrick, 1962). Estaba hecha bajo el Código Hays. El cual es un código que duró desde 1934 hasta 1967, al finalizar dio lugar al código de clasificación por edades de la MPAA. El Código Hays es una censura cinematográfica formada por las propias majors. Se inició por las demandas de censura de ciertos sectores de la sociedad, que pedían limitar los contenidos de las películas. Por lo que, Hollywood se autorreguló, marcando que se podía y no hacer. Llamado homónimamente a uno de los líderes del partido republicano y máximo representante del código: Will H. Hays. Los principales temas eran: el mal está castigado, no se puede rebajar el nivel moral de los espectadores. No se puede tener una posición en contra del orden establecido, si en algún personaje sucede, este será castigado. Estaban regulados también los desnudos y el sexo, ya que tenía que aparecer en guión y no de forma gratuita. Había restricciones a su vez sobre los crímenes, la vulgaridad, el alcohol, la religión, el vestuario, decorados, los bailes… Esto hacía que los directores fuesen más creativos para burlar las normas de forma sutil. Pero también es cierto, que hacía el final, hubo menos restricciones sobre los temas y la forma de representarlos. Su siguiente película, Cinco tumbas al Cairo de 1943. Como género de ficción propagandístico sobre la II Guerra Mundial, con melodrama de espionaje. Advierte de los peligros del nazismo, resaltando la naturaleza de los enemigos y la de los aliados. Narra la historia de la caída de la fortaleza de Tobruk bajo el poder de Alemania. El único superviviente se refugia en un hotel. Aparentemente un lugar seguro, pero los alemanes marcan ahí su cuartel general antes de avanzar por Egipto. El soldado asume la misión de vigilar a los alemanes para descubrir donde guardan los depósitos de suministros para atacar a Egipto. Presentado como comedia, acaba convirtiéndose como una película de espionaje. Rodada en el desierto de Arizona y en los estudios de Paramount, gastó un millón de dólares y obtuvo tres nominaciones a los Oscar: montaje, dirección artística b/n y fotografía b/n. El cine estadounidense mostraba la imagen ideal del país durante la II Guerra Mundial, pero la realidad, sobre todo en la postguerra no era así. Se creó un

contraste con la situación real: divorcios, discriminación racial, diferencias sociales por parte de los soldados que no habían acabado sus estudios y tenían secuelas psicológicas por la guerra, por lo que nadie quería contratarles. Por lo que, en 1946 aparece el cine negro, es un cine basado en las novelas francesas de detectives: novelas negras. Wilder se adelanta un par de años y hace Perdición (Double indemnity), de 1944. Con atmósfera oscura, basándose en claro oscuros, con una clara influencia del expresionismo alemán. Enseñando la hipocresía de la sociedad americana. MacMurray es un vendedor de seguros que tras enamorarse de la mujer de un cliente, planean juntos el asesinato del esposo de ella, para quedarse con el dinero de la póliza. Todo sale como lo esperado, pero ella tenía otro plan, que era deshacerse de su amante e involucrar al novio de su hija postiza, para que quede libre de cargos. Finalmente, en una disputa entre amantes, ambos son disparados y muertos. Está narrado con voz en off que es MacMurray y que pertenece a la grabación que realiza antes de su muerte a su jefe, explicando todo el caso. Es un melodrama y cine policiaco, ya que se basa en la lucha de la justicia por saber la verdad sobre la muerte del esposo. Basado en la depravación y en la codicia humana. Los personajes son antihéroes: a él le pudo la ambición del dinero y las mujeres siendo la realidad que se quedó sin ninguna de las dos cosas. Decepcionado por la realidad en la que vive, decide apoyar a una prácticamente desconocida timando a su propia empresa, arriesgando su trabajo y su vida. Ella es una femme fatale, incapaz de enamorarse de los hombres, pero gracias a su belleza y seducción con mucha facilidad para que ellos se enamoren de ella; y poder así manejarlos a su antojo. Le mueve el dinero y el poder. En la secuencia donde están los dos amantes en el coche y matan al marido, se resuelve con un plano fijo de la cara de ella, y ahí, sin palabra, ni gestos, confirma que le ha matado y que ha salido como lo paneado. Como él mismo cita “Al público no hay que dárselo todo masticado, como si fuera tonto. A diferencia de otros directores que dicen que dos y dos son cuatro, Lubitsch dice dos y dos... y eso es todo. El público saca sus propias conclusiones.” Sucede lo mismo en la muerte de Berlín Occidente, donde la linterna cae al suelo durante la discusión, pero se entiende que es lo sucedido. Ver anexo fotograma 1. Cumple con todas las características del cine negro, tanto de temática, personajes, como tratamiento técnico. Tuvo siete nominaciones a los Oscars. En el cine negro, como reflejo de la sociedad del momento, los personajes están en la ciudad. Por la emigración del campo a la ciudad. Adquiriendo la ciudad un significado de pecado, donde el ser humano se pervierte y deja de ser inocente. En la postguerra Hollywood tiene el dominio internacional del cine, ya que Europa está destruida. En el propio país, tiene grandes audiencias, por lo que mueve a mucha gente, pero surgen los problemas. Las causas fueron que en la industria del cine hubo cierre de productoras independientes, lo que llevó al paro del 25% del sector audiovisual y eso desembocó en huelga de los estudios. Hubo un juicio contra el monopolio de las majors, con lo que obligaba a desprenderse de una de las actividades y lo hicieron de la exhibición. Aumentó el precio de Eastman y Dupont, por lo que encareció el cine. En 1946 se crearon aranceles para la

importación de películas a parte de Europa. Todo esto creo una inflación, siendo la producción de películas algo más caro y costoso. Las consecuencias de la guerra fueron un aumento en la calidad de los guiones, se dedicó menos dinero a las producciones, se dejaron de hacer películas espectaculares y se planificaban las escenas minuciosamente para no tener que perder tiempo en volver a rodarlas y sobre todo, dinero: preplanificación. Como la sociedad cambia, el cine lo hace con ella; y los temas se vuelven más humanos. Sobre problemas sociales, realismo social y psicológico y corrupción moral. Nacen nuevos géneros como el cine social. Wilder realiza en 1945 Días sin huella (The lost weekend). Película de este género sobre el alcoholismo y como puede destrozar las vidas de las personas. La última película mencionada se basa en personajes cotidianos, americanos corrientes que podrían ser nuestros vecinos, no siendo héroes de guerra, sino más bien todo lo contrario. Esto es un detalle también nuevo del momento, la realidad llega a los personajes, la seducción por las fuerzas del mal porque el ser humano es pecador. En Días sin huella el protagonista, treintañero sin trabajo, mantenido por su hermano es un bebedor incansable, con el apoyo de tres mujeres que le aman y de su hermano para que deje la bebida. Pero todo parece en vano. Hasta el momento, sobre este tema únicamente se habían hecho comedias ligeras. Ganadora de cuatro Oscars: mejor película, director, actor y guión adaptado. Con tres nominaciones más. Mantiene la estética del cine negro. Sus películas de cine negro tienen la influencia de Orson Welles en la voz en off y en los flashbacks. Perdición y Días sin huella son relatos de una confesión, que los protagonistas lo hacen con la voz en off. Hay un principio de alucinación de la realidad médica, por la falta de alcohol. El citado en el film Delírium trémens. En la película se crea esa sensación: primero en un teatro, donde los personajes desaparecen y aparecen únicamente sus abrigos bailando, y después con una sobreimpresión de una botella dentro de uno de un bolsillo de los abrigos. Anexo 2. Entra al espectador en el mundo de la bebida: la sensación que siente el personaje al beber. Lo hace con un zoom que acaba con fundido a negro. Como en el anexo 3. También la desesperación del protagonista, cuando con toda la angustia se acuesta, sudando y con la corbata desabrochada, ve en la pared el reflejo de la botella y su salvación. Anexo 4. Berlín occidente (A Foreign affair) de 1948. Wilder mostró su opinión sobre la traición de los nazis a Europa. Al finalizar la guerra participó en el ministerio de defensa y posteriormente hizo esta película. Quería concienciar al mundo de lo sucedido en los campos de concentración, del horror que había sucedido y el trato que se hizo a los judíos. Además toda su familia murió en los campos de exterminio nazi. Como las heridas de la guerra estaban muy abiertas a Alemania no gustó. En el preestreno que se realizó allí quedaron 75 de 500 personas que estaban en la sala y como queja nadie rellenó el cuestionario. Lo que quería decir con todo ello, es que EE.UU. nunca había vivido una guerra mundial en su propia tierra, lo máximo ataques por el atlántico o el pacífico en Pearl Harbor. Pero Europa sí, había sido destrozada y quería enseñar eso. Otra vez más, se adelantó a su época y eso es lo que hizo en forma de documental Alain Resnais en Noche y niebla, 1955 y el

Nuevo Cine Alemán entre los 60 y los 80. Como forma de cerrar la guerra, el sufrimiento y los miedos. Dos años más tarde, dirige El Crepúsculo de los dioses (Sunset Boluevard). Se basa en el género de romance gótico con la atmósfera del cine negro y siendo un metacine. El principal director de este estilo es Alfred Hitchcock. Se basa en un guionista sin trabajo que huye de la aseguradora de su coche, de repente se encuentra en una mansión; siendo de una antigua estrella del cine mudo. Ella le dice que reescriba su guión que significa su regreso a la gran pantalla y mantienen una relación de jefa y empleado, hasta que la relación se estremece. Él aburrido de la vida en la mansión, se va por las noches a escribir un guión con una empleada de la Paramount. La joven se acaba enamorando de él, pero él tiene que decidir entre la vida de lujo o la de un pobre guionista. Elige la primera, pero en un arrebato de sinceridad con la actriz, ella como no quiere saber la verdad, le mata. Es una película oscura. En vez de la ciudad, el mundo está en la casa, pero una casa llena de fantasmas, de historias pasadas, del cine mudo, de ego y de caviar. Guarda similitudes con Luz que agoniza (George Cukor, 1944), ya que en esta, el marido de Paula intenta crear un submundo sobre ella, llevándola a la locura y asumiendo que está enferma, cuando todo es un complot. Pero en El Crepúsculo de los dioses, la actriz se recrea en su submundo, en sus experiencias vividas, en su mansión y cuando el guionista le intenta parar los pies y decirle la verdad, le asesina. Porque ella no quiere la verdad, quiere seguir pensando que es una actriz de Hollywood, como las de antes. Película que según Wilder rozaba lo cómico en algunas situaciones. Narra con voz en off y narrador omnisciente, que es el protagonista siendo un flashback. Empieza donde acaba, con su muerte en la piscina. Es un fotograma muy representativo porque Wilder quería que se viese el muerto en el agua, pero que el agua reflejase a los policías y fotógrafos, por lo que lo consiguió vaciando la piscina, poniendo un espejo en el fondo (ya que lo azules no reflejaban lo suficiente) y volviendo a llenar la piscina. Resultado en el fotograma 5 del anexo. Fue galardonada por tres Oscars: guión, dirección artística b/n y bso. En total tuvo once nominaciones. Al final de la guerra, fue uno de los primeros directores de Hollywood que decidió rodar en decorados naturales. Como sucede en Días sin huella, Perdición y El Crepúsculo de los dioses. En Días sin huella, sobre todo, lo hacía para captar la atmósfera de Nueva York, con sus rascacielos y sus calles. Pero más tarde confesó que no le gustaba grabar en exteriores por la inestabilidad climática y meteorológica y por el acoso de los fans y los curiosos. Desde finales de los cuarenta se crea cambios sociológicos importantes en EE.UU.: se eleva el nivel medio de vida, ya se ha pasado la resaca de la II Guerra Mundial y por lo tanto se estabiliza la economía. Se toma más atención a la vida privada de los ciudadanos, estalla el Baby Boom. Por eso se crean los barrios residenciales a las afueras de las ciudades, fomentando el ocio y el prototipo de mujer ama de casa, preocupada por la limpieza y la cocina. Nace la conciencia y el gusto por la cultura. Y la sociedad se introduce bajo el terror de la conspiración comunista. Por lo tanto,

la década de los cincuenta entra con la tensión comunista (que será explicada más adelante) y la aparición de la televisión. La televisión aparece en 1949 como competidora del cine, ya que tiene en sus inicios un millón de espectadores y la taquilla de los cines baja veinte millones de espectadores. Por lo que Hollywood se cierra a la televisión no vendiendo sus productos hasta 1956. Además, como competencia, impidió que los actores estrellas de Hollywood saliesen en televisión. Ya que parte del reclamo del público en el cine podía ser dado por los actores, y si estos salían en la televisión, el cine perdería más audiencia. El golpe fue tan fuerte que se crea una crisis en Hollywood con la consecuencia de cierre de salas, se reducen los salarios y se anulan contractos millonarios con las estrellas. Para enfrentarse a ello, Hollywood lo solventa creando sistemas técnicos, para que así el espectador vaya al cine por la novedad. De aquí nace la llegada al color, los géneros espectaculares, la pantalla panorámica. Marcando el fin del cine clásico y de los años dorados de Hollywood. Wilder lo analizó de forma cómica diciendo “La televisión es lo más maravilloso que podía habernos sucedido. Siempre hemos sido lo más bajo de lo bajo, pero ahora han inventado algo a lo que podemos mirar desde arriba.” En 1951 saca su siguiente película: El Gran carnaval. Explora los métodos de la prensa amarilla, como crítica hacía ella. Tanto, que el protagonista deja morir a un hombre en una cueva por tener la exclusiva. Y remontar así su carrera, que había sido destruida por la adicción a la bebida. Pero como si de una película de Fellini se tratase: el personaje es perdonado al final, de forma espiritual, saboreando un final agridulce. La aportación de Wilder, es que bajo las creencias cristianas, él se atormenta por lo sucedido y asume la culpabilidad de la muerte. Wilder no satisfecho con hacer el guión y dirigir, queriendo un mayor control de la situación, produce esta película. Produciendo finalmente, la mayoría de su filmografía. La caza de brujas encaminada por el Tribunal McCarthy. Que se tomaba a la URSS como el máximo enemigo, por lo tanto se vigiló de cerca a las principales influencias de la opinión pública: los profesores, los escritores y los directores de cine. Con ellos se llevó a cabo una busca y captura de cualquier persona que tuviese relaciones con partidos comunistas o cualquier mínima relación con ellos. Tanto es así, que los directores que fueron obligados por el estado, ha simpatizar con la URSS como ayuda de los aliados extranjeros en la IIGM con el componente común de la lucha contra el nazismo; fueron severamente castigados y perseguidos. Cuando una persona era considerada simpatizante del comunismo, se le incluía en las “listas negras” y no podía volver a trabajar. Se llevan a cabo alrededor de 324 despidos. Los estudios deben colaborar por temor a que se cree una censura estatal, pero provocando un malestar e inseguridad a las productoras. De ahora en adelante se persigue el género social y los programas semidocumentales por asociarlos con el comunismo. Se mantienen los géneros espectaculares, por ser neutros y a la vez por competir contra la televisión. Llenando la pantalla de lo más espectacular, colorido y grande. Entonces Wilder hace Traidor en el infierno (Stalag 17) en 1953, como simpatía al Tribunal McCarthy, ya que los hechos están situados en la II Guerra Mundial, en un campo de prisioneros alemán. Ahí cientos de alemanes viven en un barracón. El día de Nochebuena, dos querían huir pero son descubiertos por los alemanes y

ejecutados. El resto de la cuadrilla, sospecha que hay un soplón entre ellos, siendo el sargento Sefton: que sobrevivía a base de provisiones que los alemanes le otorgaban a cambio del chivatazo. Sigue las características del director como burlarse de los prototipos y sobre todo ridiculizarlos. Por ejemplo, el comandante alemán recibe al enviado de la convención de Ginebra sin botas, el sargento Schultz que se encarga de los prisioneros, tiene una relación agradable con ellos y bromean juntos. Los alemanes disfrutan jugando a vóley. Chimpancé es el desvergonzado, pero eso no quita que sea el más sensible. Sigue siendo un drama, pero con ciertos toques de humor y el protagonista es la voz en off, que sitúa y orienta al espectador. Paramount propuso cambiar la nacionalidad de algunos villanos alemanes por polacos. Para que así no ofendiese a los espectadores del mercado lucrativo alemán. Se llevó el Oscar a mejor actor por William Holden. Se crean películas más light, sin tanta crítica política. En la comedia nacen diferentes tipos: el humor picante y agudo, el humor absurdo y chico contra chica o llamado de almohada, cuando son matrimonios enfrentados. Wilder se centra durante una temporada en el primer tipo de comedía. Como en Sabrina, La tentación vive arriba, Ariane, Con faldas y a lo loco y El apartamento. De ahí nace Sabrina en 1954. Con Bogart y Hepburn. Ella adopta su papel por excelencia, Como en Desayuno con diamantes: joven, soñadora, sensible, pueril, encantadora, seductora, adorable, amable, inocente y alocada. En cambio Bogart es retratado como un hombre de negocios, mayor, cuadriculado, con impotencia de expresar sus sentimientos, hermético y adusto. La historia narrada otra vez en voz en off por la protagonista, explica el amor platónico de Sabrina, la hija del chofer por el hijo menor de una familia acomodada. Para olvidarle, se va dos años a París a aprender a cocinar. Sabrina vuelve tan cambiada y madura, que David se desvive por ella, pero a su hermano mayor, Linus también se siente atraído por ella. Un triangulo amoroso entre hermanos, que al final, triunfa el amor y no el convenio social o de clases. Donde Sabrina y Linus acaban juntos, otra vez, en París. A pesar de ser una comedia romántica, tiene ciertos toques políticos. Como en la conversación entre Sabrina y su padre en el coche; cuando él le dice “la democracia suele ser injusta en sus apreciaciones Sabrina, los demócratas no consideran como tal al pobre que se casa con un rico”. Aunque Wilder se consideraba “no un hombre de mensajes” y no intentaba llenar sus películas de propaganda. Sabrina se basa en la lucha de clases, alcanzar una posición elevada es imposible. Ya que antes de irse a París su padre le repite “no pretendas alcanzar la luna” y a su regreso, ella le contesta “la luna intenta alcanzarme a mí”. Aunque parezca un guión muy elaborado y premeditado, la verdad es que no es cierto. Wilder escribía por la noche y esas mismas escenas se rodaban al día siguiente. La única en saberlo era Hepburn, que a veces alargabas las escenas para que no diese tiempo a acabar y así tener un poco más de tiempo. Se creó una gran relación entre los dos, tanto que volvieron a repetir en Ariane. Pero no sucedió lo mismo con Bogart el cual se sentía un poco desplazado. Oscar a vestuario b/n.

Aquí se le acabó el contrato con Paramount y se fue tras 18 años de éxitos cinematográficos. La tentación vive arriba es de Twentieth Century Fox Film Corporation de 1955. Un cabeza de familia tiene que trabajar en verano mientras su familia está de vacaciones en la playa. En su estancia de Rodríguez aparece su vecina, la seductora Marilyn Monroe, que le llevará más de un quebradero de cabeza. Con voz en off del protagonista. Wilder experimenta con la Fox nuevas cosas. En primer lugar, es un su primer film en color; ya que era lo que se estaba poniendo de moda en ese momento. Se usó el sistema de Kodak: Eastmancolor. Se basa en la creación de un negativo que es sensible a los tres colores. Creando una mejor impresión, más sensible, y mejor definición que el Technicolor. Consistía pues de un revelado normal y las cámaras eran más ligeras, por las que podían tener un mayor movimiento. El laboratorio donde se hacía era en el De Luxe. El sonido es en stereo, lo que permite una mayor mezcla de sonidos. Siendo en el mono 3 pistas de sonido, en el stereo permite 7 pistas distintas. Usa también cinemascope, que se comercializa para competir contra el 3D. Se basa en el sistema anamórfico: se filman imágenes amplias, comprimidas en el negativo de 35 mm. Por lo que tienen un espacio de visión mayor, captando más espacio en el mismo lugar. Luego se descomprimen en la proyección. La fama de esta película fue por la aparición de Monroe y su famosa escena cuando el aire del metro levanta su vestido, donde se le ven las bragas. Anexo 6. Dos años más tarde viene Ariane, con la productora United Artists. Comedia romántica menos conocida. Sitúa a Hepburn de nuevo en París, mientras su padre es un detective privado. Ella observa las anotaciones de su padre y se ve envuelta en su caso: con un seductor millonario. Empieza un juego de seducción y deseo, que acaba en amor. Rodada en blanco y negro y en sonido mono. Ese mismo año hace un drama judicial que tiene toques de humor, pero es un paréntesis en su temporada de comedias románticas y picantes. Deslumbra con una de sus mayores películas: Testigo de cargo. Basado en una novela de Agatha Christie. Wilder tenía una idea clara, que era “quiero hacer una película de Alfred Hitchcock”. Explica el juicio sobre la sospecha de asesinato de un hombre que simpatizaba con una mujer mayor solitaria y rica. El protagonista es el abogado que lucha para que su cliente se libre de la acusación. Y así acaba siendo, pero todo es un complot entre el acusado y su esposa, ya que ella testifica por la parte del fiscal y no de la defensa. A pesar de ello, el marido tenía otro plan con su amante, que excluía a su mujer. Quién dolorida por el sufrimiento, mata a su marido. Esta película tiene muchos componentes de anteriores películas de Wilder. Como por ejemplo, los personajes de femme fatale, llevado a cabo aquí por la esposa Christine. Como sucedió en Perdición. Mujeres fuertes, seguras de sí mismas, con ansias de poder y que a las dos les movía el dinero. Pero a Christine también su amor hacía su marido. Los celos, el amor, la impotencia de las femme fatales lleva a matar de forma irracional a sus amantes. Irracional porque están enamoradas, pero les puede la venganza y la ira. Prevaleciendo los impulsos y los sentimientos, que la lógica.

Por otro lado, está la relación entre un pobre, joven y atractivo hombre que se relaciona, al principio de forma amistosa, con una mujer mayor y millonaria. Sucede a su vez en El Crepúsculo de los dioses. Ambas mujeres, aparentemente se sienten atraídas por el joven, ya que en Testigo de cargo pone su testamento a nombre del varón y en Crepúsculo de los dioses mantienen una relación amorosa y formal. En definitiva, personajes tan complejos y contradictorios, como lo es su trama judicial, que cuando el espectador piensa saberlo todo, se da cuenta de que lo único que sabe: es que no sabe nada. Un extraordinario guión, que hace mantener la tensión hasta el último momento. Técnicamente, una escena que se puede resaltar es por el uso del anteojo que usa el abogado para así intimidar a sus entrevistados. Se basa en un foco, que hace perder toda la atención en él. Ver anexo 7. Como el código Hays cita que no puede haber sangre, cuando se mata al personaje no aparece ni una gota de sangre a pesar de haber sido disparado con un arma de fuego. Sucede lo mismo en Perdición. En Con faldas y a lo loco de 1959. Bajo las productoras United Artists, Ashton Productions y The Mirisch Corporation. Rodada en blanco y negro y en sonido mono. Dos músicos presencias un tiroteo entre dos bandas rivales de la mafia. Como son perseguidos, huyen en un tren dirección a Florida y para disimular se disfrazan de mujeres, para así tocar en una orquesta femenina. Uno de ellos es cortejado por un millonario que quiere casarse con él y él otro quiere conquistar (de hombre) a la cantante de la orquesta. Con uno de los mejores finales, que sitúan a Wilder en la cabeza de los mejores directores de comedia con un simple: “bueno, nadie es perfecto”. Sigue teniendo tintes políticos y se cambia en este momento la visión de los gánsters, no es la misma de la que se tenía en el cine negro. Ahora se consideran medio comunistas, medio simpatizantes. Ya que sus fórmulas son las mismas: redes de contacto por toda la ciudad y hacen actos vandálicos. Como metáfora este último, a las matanzas y guerras de los soviéticos. De Monroe resaltó que tenía una actitud contradictoria, bipolar: a veces se sabía ocho páginas de guión y otras no se acordaba de su frase. Pero resalta “Marilyn era un absoluto genio como actriz cómica, con un sentido extraordinario para los diálogos cómicos. Tenía ese don. Nunca después he vuelto a encontrar una actriz así.” Para mostrar esa seducción y belleza de Monroe, al aparecer en escena, en la estación el tren le silba. Anexo 8. También se muestra cuando besa al hombre, él levanta el pie como metáfora a su excitación sexual, con su sexo masculino. Era una forma de burlarse y salir de paso ante la censura. Anexo 9. Monroe quería que la película fuese en color. Ya que tenía un contrato con 20th Century Fox, en el que todas sus películas debían de ser en color, pero esta era de United Artist. Aun así insistió a Wilder de que fuese en color. Él lo odiaba y dijo al respecto “incluso el diálogo suena a falso, cuando el film es en color”. Pensaba que Con Faldas y a lo loco iba a ser una farsa de humor grueso, ya que quedarían indefenso antes acusaciones de travestismo: si tenía poco maquillaje quedaría como insuficiente. Sin en cambio si fuese demasiado sería vulgar. Por lo que el blanco y negro suavizaba los tonos de la piel, sin dar demasiado detalle del maquillaje y otros detalles sobre los invertidos. Wilder intentó la misma táctica En Irma la dulce, pero el papel de Lemmon era muy distinto.

El gánster principal se apoda “botines”, los cuales el espectador no ve, hasta que un borracho le tira un café en los pies. Con un plano detalle los introduce en la acción. Anexo 10. Después de esta presentación, aparecen en diversas ocasiones posteriores. Se llevó el Oscar a mejor vestuario y el Globo de Oro a mejor película. Al año siguiente, otorga con uno de sus mayores éxitos: El apartamento. Con United Artists y The Mirisch Corporation. Rodada en blanco y negro y en sonido mono. Empieza con una magnifica intro. Situando al espectador de forma macro hasta lo más micro, es decir hablando de Nueva York, su empresa, hasta su vida más privada. Baxter es un soltero empleado de una gran empresa. Ocasionalmente presta su modesto apartamento a los directivos de su empresa. Hasta que se enamora de la ascensorista, que es la amante de uno de los habituales en el préstamo del apartamento. El apartamento muestra la depravación del sistema capitalista y como un hombre puede hacer carrera mediante trucos sucios. Con una increíble puesta en escena. Donde se crea un punto de fuga en la oficina, con cientos de planos y cada actor tiene su propia tarea y trabajo. A Fellini y como a imitación a Berlanga, se les consideran directores especialistas en esto: crear muchos planos, cada uno con una historia, pero que sean un conjunto en sí mismos. Llamado fresco social. Anexo 11. Usa el espejo, de forma más expresiva, ya que el espejo está roto, como metáfora del corazón del protagonista. Acompañado con el guión de: “-‐El espejo… se ha roto. -‐ Ya lo sé, me gusta así. Así me veo tal y como me siento”. Anexo 12. Tiene 5 Oscars: película, guión original, director, dirección artística y montaje. Y Globo de Oro a mejor película. Se han creado desde esta última década problemas en los estudios. Como la enorme competencia de la televisión, pérdida por otra parte del público que se va a la tv, aumento de las producciones independientes, la inflación en aumento y la pérdida de las majors de las salas de exhibición. Las consecuencias de esto se traduce en: se producen menos películas, el cierre de la productora RKO comprada por Universal. La mitad de de las producciones se ruedan fuera de los estudios de Los Ángeles, ya que es más económico grabar en Italia, España o Yugoslavia. Sobre todo en los blockbuster, que tienen una duración de tres horas. Desde 1948 en las salas se proyecta cine europeo, que empieza por las diferentes corrientes de nuevos cines: francés, italiano, inglés y alemán. Por lo tanto no tienen la censura del código Hays, porque esta es únicamente para las majors. Y adquiere éxito el cine europeo y el cine estadounidense independiente y acaba por derrumbar el código Hays, que será eliminado en 1968. Imponiéndose el código por edades. Pero estaba en crisis desde 1955, porque empezaban a aparecer temas como el erotismo, la homosexualidad, la delincuencia juvenil, las drogas y se humanizaba al criminal. Se acaba el star system y los contratos de participación de beneficios. Los actores crean sus propias productoras independientes, convirtiéndose en freelance.

Estrena en 1961: Uno, dos, tres. Comedia satírica entre el comunismo y el capitalismo. El representante de Coca-‐Cola en Berlín occidente, quiere ampliar su negocio a Berlín oriental, pero su superior, le encarga cuidar a su hija en Berlín durante unas semanas. Ella se enamora y se casa con un comunista revolucionario. Lo que acaba convirtiéndose en un quebradero de cabeza para el protagonista. Como hizo su amigo Ernst Lubitsch con Ninotchka; rompiendo los tabús políticos sobre las “purgas en Rusia”. En Uno, dos, tres anticipa las relaciones comerciales entre EE.UU. y Rusia, mostrándolo de forma micro con los esfuerzos del colonialismo de Coca-‐Cola. La crítica fue dura con Wilder y no tuvo éxito comercial, se justificaba que no se podía jugar con algo que había hecho sufrir a tanta gente. Bromas contadas de forma muy rápida, con un montaje acelerado y donde más se mueve la cámara de todas las películas de Wilder. Otra vez vuelve con los estereotipos: desde el joven revolucionario comunista que ni si quiera sabe comer con tenedor, vestirse bien (no lleva calzoncillos) y el capitalista es agresivo y egoísta. La puesta en escena es similar a la de El apartamento, con mucho aire en el fondo y con planos de la oficina largos, donde todos los empleados permanecen sentados y trabajando. En un bar ruso suceden muchas cosas interesantes de analizar. Primero, se le lanza al director de orquesta una llama que es recibida de forma que llegue por la parte apropiada. Se ha hecho marcando el camino con un hilo. Anexo 13. Las mujeres bailan con uniforme militar, parejas lésbicas. Símbolos transgresores, que muy seguramente había visto Wilder en el Berlín de los 20. Anexo 14. Y la broma de que con los golpes que se dan, se cae el cuadro con el retrato de Nikita Jrushchov, dirigente de la URSS en la Guerra Fría, por el de Stalin. Anexo 15. En 1963 sigue con las comedias románticas, con Irma la dulce. Envuelto en el mundo de la prostitución y una relación amorosa, donde los celos como en El crepúsculo de los dioses y en Testigo de cargo, hacen que él cree una doble personalidad. Inventándose un cliente que le paga 500 francos por sesión. Ella contenta de que no tendrá que trabajar más, hasta que se enamora de su cliente “ficticio”. El novio hace como que le mata por amor. Igual que películas citadas de Wilder. Al final, la pareja acaba casándose y teniendo un hijo. Utiliza el espejo, que será una de las obsesiones de Fassbinder. Junto con las prostitutas. Se crea como enfrentamiento de los personajes a su realidad y al mismo tiempo lo separan. También significa la doble cara o personalidad. En este caso, ella deja subir a un chico a su casa, deja su faceta de prostituta para mantener una relación. Y el espejo hace esa función, mostrándose a través de él, simboliza su “yo” más íntimo. Anexo 16. Que los personajes de Wilder se disfracen o adopten otro rol, ha salido en numerosas películas. Hecha en color con Technicolor y en sonido mono. El Technicolor es un sistema que se basa en juntad dos negativos, cada uno de un color, a suberponerlos se crea un tercer positivo. Llamado interpositivo. Al año siguiente, con Bésame, tonto. Una comedia basada en el amor y la santidad del matrimonio. En 1966 estrena En Bandeja de plata. Película que no tuvo éxito en taquilla, pero que se llevó el Oscar a mejor actor secundario y tres nominaciones más. Basada en el intento de fraude por parte de un periodista cuando en un

partido de fútbol es lesionado por un jugador. Por lo tanto, intenta creer que la farsa sobre su ruptura vertebral y su parálisis, es cierta. Hasta que al final, en un momento de angustia y de discriminación contra los negros, el protagonista se revela y se ve que está en plena forma, por lo que no es indemnizando. Tiene algunas innovaciones técnicas como en una llamada telefónica, muestran la relación entre el protagonista y su mujer. Él locamente enamorado de ella, y ella mantiene otra relación, ya que están divorciados. Para mostrar que la mujer está con alguien, se hace a través del reflejo de su silueta sobre la cortina de la ducha. Anexo 17. En el anexo 18 se muestra de forma sutil, la cámara que les espía. Ello se consigue otra vez, a través del espejo. Usa el espejo como forma de mostrar la realidad. En 1969 la sociedad estadounidense empieza a cambiar. Llamándose a esto la contracultura. El contexto social en el que se embargan para que suceda es que son los jóvenes que han vivido la postguerra, ahora tienen un aumento del la capacidad adquisitiva. Las clases medias están acomodadas, tienen estudios superiores no como sus padres, han vivido bajo la cultura popular de la televisión y el anti-‐establishment. Basado en movimientos de desobediencia civil y pacifismo. Porque empieza la Guerra de Vietnam, donde Vietnam del sur pide ayuda a EE.UU. Donde este país empieza un reclutamiento obligatorio para ir a luchar. Los soldados elegidos son la sociedad sin estudios, que en su mayor mayoría eran negros. La contracultura se rebela contra ello, contra una guerra que no tiene nada que ver con el país, con el único objetivo marcado es matar al enemigo, pero sin alabar una bandera, arroparse bajo una moral o defender sus propias tierras. Por lo que surge una mentalidad crítica ante lo establecido, ante las instituciones como la administración, el gobierno, la policía… y ante los propios principios nacionales. En los cines se involucra porque la corriente independiente adquiere fuerza. Siendo el fin de la era de los estudios. Dando mayor libertad artística. Viene dado a su vez, por la inflación de los grandes espectáculos con su elevado coste de producción. Siendo ahora lo demandado cine de autor, como influencia del cine italiano. Los antecedentes más sonados son la serie B, los realizadores de televisión y las productoras independientes, sin restricciones temáticas, ni expresivas; ya que no estaban amparadas bajo ningún código de censura. Ya que los jóvenes se refugian en el cine, en el autocine, mientras la generación anterior ve la televisión. El cine del new Hollywood se convierte en un arma de reflexión ideológica, cambiando su temática no siendo causal los acontecimientos y sí casual. Los personajes están perdidos, sin un rumbo definido, dudosos e inseguros. Se representa gráficamente la violencia, y no se tienen restricciones estilísticas, ni temáticas. Los finales son ambiguos y abiertos, no se trata la moral convencional, hay sexo de forma explícita. Se rompe con la lógica del montaje y la cámara invisible. El primero por influencia de la escuela de Moscú y el segundo por influencia de la televisión, ya que ahí la cámara tiende a ser a hombro y es más dinámica. Creando así nuevos encuadres. Hay dos olas de directores para este movimiento: la primera formada por cine independiente hecho por directores en televisión. Y la segunda por universitarios formados específicamente en cine, como Coppola y Spielberg. Que llevará al High Concept.

Billy Wilder empezó a cansarse del cine que se hacía, por lo que su trayectoria cinematográfica descendió considerablemente. Como también lo hizo su éxito en taquilla. En 1972 estrena ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? Comedia romántica de un hombre que tiene que ir a Italia a recoger el cuerpo de su padre muerto en un accidente de coche. Una vez allí descubre que murió con su amante, y su hija también fue a Italia para hacer la misma misión. Hecha a color fue un fracaso en taquilla. Dos años después en Primera plana, critica a la prensa, por su falta de veracidad y de objetivad y la sitúa como si su único objetivo fuese el sensacionalismo y la búsqueda de la exclusiva. Como en El Gran Carnaval y en Crepúsculos de los dioses. Primera plana trata sobre un periodista que quiere dejar su trabajo e irse a Filadelfia con su futura mujer y dedicarse a la publicidad. Su jefe hace lo posible para que se quede y cubra la noticia de un condenado a muerte por matar a un policía. El condenado consigue escapar en un examen médico y se topa con el periodista. Este le ayuda a cambio de una entrevista en exclusiva. Misma temática que con Perdición y El Gran carnaval, la codicia del hombre por encima de la ética. A Wilder el new Hollywood le influyó de forma indirecta, ya que el tema de menospreciar los medios de comunicación, era algo común en la contracultura, pero Wilder ya lo llevaba haciendo. Posiblemente porque conocía mejor que nadie ese mundo, ya que sus inicios en el mundo laboral fueron como periodista en el Berlín de los años veinte. Retrata como parodia el Temor Rojo y la corrupción política y policial: siendo el sheriff un incompetente y el alcalde avaricioso. Pero aun así la influencia fue poca porque en esa misma época fue el deterioro del director, siendo sus años dorados en el cine negro con Perdición y El crepúsculo de los dioses, y en la comedia con Con faldas y a lo loco, El apartamento, La tentación vive arriba y Sabrina. Su última película fue Aquí, un amigo en 1981. Un asesino a sueldo antes de retirarse debe matar a los testigos de un juicio contra un mafioso. En el hotel donde se aloja, se encuentra con un hombre que se quiere suicidar por el abandono de su mujer. Sus vidas se entrecruzan y se hacen amigos. Bibliografía: SCHLÖNDORFF, Volker; GRISCHOW, Gisela. Billy Wilder habla. [Documental]. Estados Unidos: Bioskop Film. 2006. STUART, Mel. Y Dios creó a Billy Wilder. [Documental]. Estados Unidos: American Masters Production, 1998. TRESGOT, Annie, CIMENT, Michel. Billy Wilder: Un hombre perfecto al 60 por ciento. [Documental]. Estados Unidos: Action Films. 1980. HOPP, Glenn. Billy Wilder. Filmografía completa. Barcelona: Taschen, 2003. ISBN 3-‐8228-‐2251-‐5 RENTERO, Juan Carlos. Billy Wilder. Madrid: Ediciones J.C. WOOP, Tom. ¿Quién diantres eres, Billy Wilder?. Barcelona: Laertes, 1970. SIMSOLO, Noël. Billy Wilder. Prisa innova, 2007

Anexo: Fotograma 1: Perdición. 49:21.

Fotograma 2: Días sin huella. 32:33

Fotograma 3: Días sin huella. 22:31

Fotograma 4: Días sin huella. 1:00:47

Fotograma 5: Crepúsculo de los dioses. 1:39:17

Fotograma 6: La Tentación vive arriba.

Fotograma 7: Testigo de cargo. 23:26

. Fotograma 8: Con faldas y a lo loco

Fotograma 9: Con faldas y a lo loco

Fotograma 10: Con faldas y a lo loco

Fotograma 11: Apartamento. Aprox. 00:55

Fotograma 12: Apartamento

Fotograma 13: Uno, dos tres. 57:21



Fotograma 16: Irma la dulce. 41:37

Fotograma 17: En Bandeja de plata. 53:42

Fotograma 18: En Bandeja de plata. 1:04:13

Billy wilder raquel sánchez amorós

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