ARTE GRIEGO HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO
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ARTE GRIEGO
HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO
Algunas preguntas previas
Diadúmeno, de Polícleto
Templo de Aphaia (Egina)
¿Qué significa “Clásico”?
¿Qué es la “Belleza”?
¿Clásico? ¿Clasicismo?
El término “clásico” se utiliza con mucha
frecuencia, pero en la Historia del Arte
sólo hay un arte clásico, y éste nació y
se formó en la antigua Grecia y tuvo su
continuación en la época del Imperio
Romano.
El “arte clásico” es un concepto de la
Historia del Arte que nos remite a la
Antigüedad, época en la que se forjaron
las bases formales y estéticas del arte
occidental. Unos ideales a los que se
volverá, de forma recurrente, en diferentes
momentos de la historia, como
comprobaremos a lo largo del curso.
Pero quizás deberíamos plantearnos
primero la siguiente pregunta: ¿qué
entendemos por “clasicismo”? ¿Algo
pasado de moda? ¿algo que representa un
ejemplo o paradigma de perfección? ¿la
encarnación de un ideal?
El ideal de belleza platónico
PLOTINO
«¿Qué es lo que te impresiona cuando al mirar
una cosa sientes interés, atracción,
desbordante placer?
La opinión general, atreveríame a decir, es que
la relación de las partes entre sí y de
aquéllas con el conjunto constituye la
belleza sensible; es decir, que la belleza de las
cosas que vemos, como la belleza de todo lo
demás, se compone de simetría y
proporción.
Según este criterio, nada simple y desprovisto
de partes puede ser bello, sólo un compuesto».
CONDICIONANTES HISTÓRICOS:
• ¿QUIÉNES ERAN LOS GRIEGOS?
• EL ESPACIO GEOGRÁFICO
• EL TIEMPO HISTÓRICO
• CLAVES DE LA CIVILIZACIÓN
GRIEGA
EL CONCEPTO DE “CLÁSICO”
MANIFESTACIONES
ESTÉTICAS
ARQUITECTURA ESCULTURA
ACARACTERÍSTICAS
GENERALES:
EL ORDEN ARQUITECTÓNICO
CARACTERÍSTICAS
GENERALES
PRINCIPALES
OBRAS ARQUITECTÓNICASEVOLUCIÓN Y OBRAS
MÁS REPRESENTATIVAS
El arte griego
ANTECEDENTES HISTÓRICOS
(II - I Milenio a.C.):
• LA CIVILIZACIÓN CRETENSE
• LA CIVILIZACIÓN MICÉNICA
• LAS INVASIONES
INDOEUROPEAS
(dorios, rodios y aqueos)
EL ESPACIO GEOGRÁFICO
(LA HÉLADE)
EL TIEMPO HISTÓRICO:
• LA POLIS ARCAICA (ss. VIII -VI a.C.)
• LA POLIS CLÁSICA (ss. V-IV a.C.)
• LA ETAPA HELENÍSTICA (ss. IV-II
a.C.): del Imperio de Alejandro Magno
a los reinos helenísticos
LA INFLUENCIA DE EGIPTO Y EL PRÓXIMO ORIENTE
LA HÉLADE
LA COLONIZACIÓN GRIEGA
EL IMPERIO DE ALEJANDRO MAGNO
LOS REINOS HELENÍSTICOS
Los condicionantes históricos: ¿quiénes
eran los griegos?
El espacio de las civilizaciones cretense y
micénica
El origen histórico de los griegos se remonta a los grandes movimientos de pueblos
que se produjeron en la llamada Edad del Bronce (entre el II y el I milenio antes de
nuestra era).
Las llamadas invasiones indoeuropeas trajeron a la península Balcánica a estas
tribus, los aqueos.
La civilización cretense
La civilización micénica
El espacio originario de los griegosLos griegos nunca constituyeron una nación o
estado unitario en el sentido moderno del
término.
Se trataba más bien de un conjunto de tribus
que tenían en común la lengua, la creencia en
unos mismos dioses y mitos ancestrales, así
como unos mismos antepasados. Es decir,
compartían una misma cultura.
Nunca llegaron a constituir un estado homogéneo
y siempre estuvieron organizados
políticamente en “polis” o “ciudades-Estado”
independientes entre sí y, a menudo, rivalizando
entre ellas en continuas guerras.
El espacio originario de los griegos
El espacio originario de los griegos
El espacio originario de los griegosCaracterísticas del espacio geográfico en
el que nació la cultura griega: la Hélade es
una península y, además, tiene un
relieve muy accidentado y
compartimentado.
La península Balcánica se relaciona,
asimismo, con multitud de islas en las
proximidades, sobre todo en el Mar Egeo.
El período arcaico: tiempo histórico y
expansión del espacio originario
Kourós griego arcaico
El período arcaico (700-500 a.C.) es una
época de formación, de tanteo y concreción
de algunas de las formas que culminarán en la
siguiente etapa.
En estos primeros tiempos afloran y se
perfeccionan, sobre el sustrato propio, las
diferentes influencias que concurren en el arte
griego: la de la civilización cretense, la
civilización micénica y, sobre todo, las grandes
civilizaciones orientales, especialmente la
egipcia.
Es una época en la que el arte evoluciona
desde el geometrismo y la abstracción de
raíz oriental hacia el naturalismo
expresivo.
La colonización griega (ss. VIII-VI a.C.)
Factores:
Un medio físico
montañoso y
fragmentado en
más de 8.000
islas: escasez de
tierras,
acaparadas por la
aristocracia.
La vocación
marinera y viajera
de los griegos.
Ello determinó un amplio movimiento migratorio por todo el Mar
Mediterráneo, que se llenó de colonias griegas.
La colonización griega (ss. VIII-VI a.C.)
Allí, los griegos implantaron su civilización, que a veces se desarrolló más que en la madre patria (metrópolis).
Así pues, al hablar de la civilización griega, nos referimos al amplio, diverso y rico mundo de la “civilización griega”.
Esta civilización extendió su lengua, mitos, dioses…; su modo de vida, en definitiva, convirtiendo la cuenca mediterránea en el verdadero crisol de la civilización clásica.
La colonización griega (ss. VIII-VI a.C.)
El período clásico (siglos V-IV a.C.)
El período clásico (s. V-IV a.C.) representa la culminación y perfeccionamiento de todas las manifestaciones artísticas griegas,
tanto a nivel formal como técnico.
El siglo V a.C. es el verdadero siglo de oro de la cultura griega.
Coincide con el apogeo político, económico y cultural de las “polis”
griegas, en especial Atenas.
En estos años nace la “democracia” como forma de organización política del Estado.
La decadencia política de las polis a lo largo del s. IV a.C., consecuencia directa de las
guerras del Peloponeso, marca un cambio fundamental en el arte, que evoluciona hacia
nuevas formas de expresión.
El período helenístico: el Imperio de
Alejandro Magno
El imperio creado por Alejandro Magno (336-323 a.C.) hará posible la difusión de
la cultura griega por un amplísimo espacio geográfico.
Con la cultura griega viajaron sus formas artísticas y soluciones técnicas, que
desde entonces se convirtieron en el referente estético indiscutible en toda la
cuenca mediterránea.
Para muchos historiadores, esta etapa está ya fuera de los límites cronológicos del arte
griego, por considerar que sus resultados estéticos son distintos del arte griego
clásico.
El período helenístico: los reinos
helenísticos
Tras la prematura muerte de Alejandro Magno, el imperio se fragmentó en varios
reinos donde la cultura griega siguió floreciendo en contacto con las culturas
originarias de los territorios “helenizados”.
El progresivo avance de Roma por el Mediterráneo oriental acabará integrando los
reinos helenísticos en el vasto imperio romano.
Con la fusión de estas dos grandes corrientes surge lo que se conoce como cultura
clásica, fundamento de la civilización occidental.
El mundo helenístico en el siglo I a.C.
El resultado es, sin embargo, una
civilización con caracteres y
resultados unitarios. Y es el arte
el mejor testimonio de ese pasado
griego.
Hoy, cuando viajamos, podemos
encontrar un templo griego en la
isla de Sicilia, un teatro en las
costas de Turquía, o restos de la
bella ciudad de Alejandría, en
Egipto.
Todos ellos son el mejor
testimonio de aquella civilización
que legó a la Humanidad un ideal
de belleza que hoy, casi
veinticinco siglos después,
seguimos considerando clásico.
UNA COMUNIDAD DE CIUDADANOS
LA POLIS O CIUDAD-ESTADO. EL CIUDADANO
LIBERTAD INDIVIDUAL E ISONOMÍA.
LA DEMOCRACIA.
ANTROPOCENTRISMO“El Hombre es la medida de
todas las cosas” (Protágoras)
Pericles
IMPORTANCIA DEL INDIVIDUO
CONCIENCIA DEL ARTISTA
• Escuelas locales
(época helenística)
• Figura reconocida
• Trabaja en su polis,
fundamentalmente
• Técnica e
investigación, al
servicio del arte
Claves de la civilización griega
UNA RELIGIÓN HUMANIZADA
DIOSESY HÉROES HUMANIZADOS(los griegos crean a sus dioses a su imagen y semejanza)
NO HAY UN CLERO PROFESIONAL:• Libre albedrío
• La religión es un elemento cohesionador de la ciudad
ICONOGRAFÍAY PROGRAMA TEMÁTICO
DEL ARTE• Dioses y héroes
• El mito
LA MITOLOGÍA:• Fuente de inspiración para el arte
• Vínculo entre los griegos
Estatua de
la diosa
Afrodita
Claves de la civilización griega
Los dioses griegos
Los dioses griegos
LIBRE EJERCICIO DEL PENSAMIENTO
LA NATURALEZA ES CUESTIONADA A
TRAVÉS DE LA OBSERVACIÓN, EL
RAZONAMIENTO Y LA EXPERIENCIA(nacimiento de la Ciencia)
EL NÚMERO, CLAVE ORDENADORA
DEL MUNDO (Pitágoras)
LA BELLEZA ES ARMONÍA
Y PROPORCIÓN (Platón)La diosa Atenea,
pensativa
Claves de la civilización griega
1. CONTEXTO HISTÓRICO
Aunque Grecia en la Antigüedad estuvo dividida en
pequeños estados, la civilización griega tuvo caracteres
unitarios. Los rasgos de conjunto son el racionalismo, el
amor por la belleza entendida como suprema armonía
entre las cosas, y el antropocentrismo, ya que
consideraban al hombre medida de todas las cosas, de
acuerdo con la máxima de Protágoras. El
antropocentrismo influyó en la religión (los griegos eran
politeístas y sus dioses tenían forma y actuaban como
seres humanos) y en el arte, que buscó la medida y la
proporción. El arte griego, no está apegado a la religión
ni a la magia; es arte por el arte como ideal de belleza.
1. CONTEXTO HISTÓRICO
Tras la invasión de los Dorios, que destruyeron el mundo
micénico, Grecia entró en una época oscura, el periodo
geométrico, que se extiende hasta el s. IX a.C. A partir del
s. VIII comienza la Etapa Arcaica (siglos VIII y VI a.C.),
cuya forma de organización política fue la polis
oligárquica, pequeña ciudad estado gobernada por los
aristócratas terratenientes. En esta época los griegos
comienzan las colonizaciones por el Mediterráneo.
Las polis griegas
Expansión griega
Colonia griega
1. CONTEXTO HISTÓRICO
En la Etapa Clásica (siglos V y IV a.C.), Grecia siguió
organizada en polis, en algunas de las cuales (Atenas,
Corinto...) nació la democracia. A principios del s. V a.C.
los griegos vencieron a los persas en las Guerras Médicas,
y Atenas, bajo la dirección de Pericles, se convirtió en la
capital de la democracia, la cultura y el arte. Sin embargo,
a finales de este siglo, las Guerras del Peloponeso entre
Esparta y Atenas sumieron a las polis en una crisis que
aprovechó Filipo, rey de Macedonia, para unificarlas.
Esparta
La sociedad espartana
Atenas
La democracia ateniense
Pericles
1. CONTEXTO HISTÓRICO
Alejandro Magno, su hijo, conquistó el Imperio Persa,
incluido Egipto. Con su muerte, en el año 323 a.C., se
abrió la Etapa Helenística, que dura hasta la conquista
por Roma iniciada en el siglo II a.C. La cultura griega se
difundió por Asia y Egipto, territorios del imperio de
Alejandro, a la vez que asimilaba elementos orientales.
Imperio de Alejandro Magno
1. CONTEXTO HISTÓRICO
El marco geográfico del arte griego es muy extenso
debido a las colonizaciones. Encontramos restos artísticos
en la Grecia continental e insular, en las costas de Asia
Menor y en las colonias del Mediterráneo, es decir, en el
sur de Italia y Sicilia, Ampurias, Marsella, etc. Este ámbito
se amplió con las conquistas de Alejandro.
Grecia, relieve
1. CONTEXTO HISTÓRICO
Etapas:
Período Arcaico, siglos VIII al VI a.C., desde el final de la
llamada Edad Oscura hasta las Guerras Médicas (490-480 a.C.).
Etapa Clásica, siglos V y IV a.C., desde las Guerras Médicas
contra los invasores persas hasta el fin de la Guerra del
Peloponeso (404 a. C.).
Período Helenístico, desde finales del siglo IV a.C., a partir
del reinado de Alejandro Magno (336-323 a. C.), hasta la
conquista de Grecia por Roma, a mediados del II a.C.
Introducción histórica al arte creto-micénico
Cultura desarrollada a partir del III milenio a.C., y extendida por Asia Menor y por Grecia.
Momento de apogeo en torno al II milenio a.C.
Dividida en tres periodos minoicos (rey Minos): el más importante fue el Minoico medio (1600 a.C.).
Hegemonía micénica a partir de 1450 a.C.
Desaparición de la cultura creto-micénica en torno a 1250 a.C. Tras las invasiones dorias. (Guerra de Troya 1200 a.C.).
Principales ciudades:
En Creta: Knosos, Festos y Hagia Triada.
En el Peloponeso: Micenas y Tirinto.
Culturas minoica y micénica
Arquitectura creto-micénica
Primeras construcciones en madera, posteriormente, en
piedra.
Arquitectura megalítica.
Sistemas arquitrabados.
Empleo de la columna.
Estructuras con gran complejidad: numerosas
dependencias.
Tipos principales:
Palacios.
Ciudades-fortaleza.
Palacios cretenses
Complicado conjunto de dependencias que se desarrollan
laberínticamente en torno a un patio.
Sistemas adintelados.
Soportes: pilares cuadrados o columnas de fuste liso, de
forma troncocónica invertida, con capitel con equino y
ábaco cuadrado.
Recubrimiento con pinturas.
Palacios de Knossos, Festos y Hagia Triada.
El palacio de Knossos
El palacio de Knossos
El palacio de Knossos
El palacio de Knossos
El palacio de Knossos
Ábaco cuadrado Equino Fuste troncocónico
invertido
El palacio de Knossos
El palacio de Knossos
Ciudades-fortaleza en Micenas
Construcciones militares defensivas en un periodo muy belicoso.
Murallas ciclópeas: entradas monumentales, muros sólidos...
Sistemas adintelados.
Tirinto y Micenas (Puerta de los Leones).
Tumbas de tipo mediterráneo:
Cámara con corredor.
Cúpula por aproximación de hiladas.
Tesoro de Atreo.
Vivienda (Megarón): cámara rectangular, con antecámara y pórtico: antecedente del templo griego.
Micenas
Micenas, Puerta de los Leones
Micenas, Puerta de los Leones
Micenas, tumbas
Micenas, Tesoro de Atreo
Micenas, Tesoro de Atreo
Micenas, Tesoro de Atreo
Origen del templo griego
Tenía una SALA PRINCIPAL con 4 columnas que sostenían el techo en el que se abría
un lucernario cuadrado
Era un lugar
cerrado
precedido por un
PÓRTICO con
dos columnas, de
fuste en tronco
de con invertido.
El mégaron prehelénico
El mégaron prehelénico
2. ARQUITECTURA GRIEGA
DECIR ARQUITECTURA GRIEGA ES DECIR “TEMPLO”
¿Qué podemos deducir sobre la arquitectura griega, a
partir de esta imagen?
LA ARQUITECTURA
GRIEGA: EL URBANISMO
FUNDAMENTOS DE LA
ARQUITECTURA GRIEGA
SISTEMAS CONSTRUCTIVOS
EL TEMPLO GRIEGO TIPOLOGÍA DEL TEMPLO GRIEGO
LOS ÓRDENES
ARQUITECTÓNICOS
EL ORDEN DÓRICO
EL ORDEN JÓNICO
EL ORDEN CORINTIO
LAS GRANDES OBRAS DE LA ARQUITECTURA GRIEGA:
LA ACRÓPOLIS DE ATENAS
La arquitectura griega
Civilización
minoica
(Creta)
Civilización
micénica
•Palacios y ciudades
•Arquitectura arquitrabada
• Importancia de la columna
•Paredes decoradas con pinturas de
rico colorido
•Representaciones naturalistas•Plano urbano
ortogonal.
•Uso de grandes
sillares.
•Columna con basa,
fuste, equino y
ábaco.
•Frisos adornados con
relieves.
•Fortificación de las
ciudades (acrópolis).
•Muros ciclópeos.
•Entradas adinteladas a las
ciudades.
•Casa micénica: mégaron
(casa rectangular con
pórtico de columnas).
Precedente de la
columna dórica
Modelo para el
templo griego
Antecedentes de la arquitectura griega
• Medida
• Proporción
Escala
humana
BELLEZA
• Equilibrio
• Simetría
• Armonía
El ser humano y
su cuerpo son la
base del arte
griego.
Rasgos generales de la arquitectura griega
2. ARQUITECTURA GRIEGA
Aunque los griegos también construyeron algunas obras
monumentales, su arquitectura se caracteriza por la
medida y proporción, a escala humana, en aplicación
del principio de que el hombre es la medida de todas las
cosas.
El material preferido es la piedra: mármol, caliza... Los
sillares, tallados con mimo propio de los escultores, se
disponen en hiladas regulares, a hueso, unidos con grapas
metálicas.
Arquitectura y ciudad: el urbanismo La ciudad griega era concebida como una
obra de arte.
Atención a las perspectivas, relación con la naturaleza y topografía (ejemplos: Acrópolis de Atenas y santuario de Delfos).
El edificio es concebido como parte de un conjunto: lo que importa son sus valores plásticos dentro de ese conjunto.
Estaba organizada y diseñada para el disfrute de sus habitantes. Escala humana.
El arte ocupaba un lugar preferente en el bienestar ciudadano.
Función pública (civil y religiosa): progresivamente se adecuará a las necesidades de la democracia.
En la polis podemos distinguir diferentes zonas:
Ruinas del Ágora de Atenas
Acrópolis de la ciudad griega
Arquitectura y ciudad: el urbanismo
La ACRÓPOLIS era la parte alta
de la ciudad, un recinto fácilmente
defendible donde destaca el
templo, dedicado a la divinidad
protectora de la polis, y donde se
guardaba sus tesoros.
Arquitectura y ciudad: el urbanismo
EL ÁGORA, plaza principal de la ciudad dedicada a la actividad pública (función política y comercial), en la que se hallan:
Los edificios oficiales: Ecclesiasterón
Bouleuterión
Stoá
Prytaneion
Las construcciones recreativas (odeón, estadio, gimnasio, palestra, teatro) para el disfrute de los ciudadanos.
Reconstrucción del ágora de Atenas. A su
alrededor, junto a las casas de los
aristócratas, vivían artesanos y
comerciantes.
Arquitectura y ciudad: el urbanismo
El urbanismo griego
En la época helenística muchas ciudades nuevas adoptaron el planohipodámico u ortogonal, con el fin de racionalizar el espacio urbano.
La ciudad se desarrolla en cuadrícula, es decir, con una trama ortogonal o con las calles en damero. Los modelos más antiguos fueron planificados por Hipodamosde Mileto en Grecia, de ahí que este plano se conozca como trazado hipodámico: un trazado caracterizado por la regularidad y claridad, modelo difundido desde el urbanismo helenístico y romano hasta nuestros días.
2. ARQUITECTURA GRIEGA
"Quien investigue arquitectónicamente el templo griego,
buscando en primer lugar una concepción espacial, tendrá
que huir horrorizado, señalándolo amenazadoramente como
típico ejemplar de no-arquitectura. Pero quien se
acerque al Partenón y lo contemple como una gran
escultura, quedará admirado como frente a pocas obras del
genio humano (...). El mito que hace de Fidias más que de
Ictinos y Calícrates, el ideador del Partenón, parece
simbolizar el carácter meramente escultórico de la
edilicia religiosa griega en el curso de siete siglos de
desarrollo.”
La arquitectura griega
Fundamentos de la arquitectura griega Se rige por los mismos principios
que hemos visto para el urbanismo: Conjuntos proporcionados.
Arquitectura (el templo) para ser vista, contemplada.
El edificio se concibe como una escultura.
La belleza es, ante todo, proporcióny medida (la antítesis del colosalismoegipcio). Armonía visual.
A esa importancia de la armonía se debe la aparición de los órdenes.
Concebida desde la dimensión humana (por y para el hombre), aunque pueda servir para honrar a los dioses.
El edificio fundamental y materialización de los ideales estéticos griegos es elTemplo, concebido como residencia del dios, no como un lugar
de oración o recogimiento para los fieles; de ahí que su concepción del espacio
interior carezca de relevanciaarquitectónica: lo que importa es la
concepción del espacio exterior, su volumen.
Fundamentos de la arquitectura griegaEl modo en que estaban organizadas las polis griegas no facilitó el desarrollo de una arquitectura palaciega.
Sí permitió, sin embargo, el desarrollo de otros edificios: teatros, santuarios, gimnasios, etc., que combinan los ideales de belleza con soluciones prácticas de primer orden.
Teatro de Epidauro
Teatro de Atenas
Reconstrucción del Ágora de Atenas
Sistemas constructivosAdintelada o arquitrabada, de apariencia
equilibrada y serena (aunque conocían el
arco y la bóveda).
La columna (stylo) es el elemento
plástico característico; su tratamiento
(como una forma estética, más que de
sustentación) determina la creación de los
tres órdenes arquitectónicos griegos.
Los materiales constructivos utilizados
fueron la piedra arenisca, la caliza y, en la
época clásica, el mármol blanco del
Pentélico.
Las construcciones se policromaban de
rojo, azul, dorado…
Erecteion
Templo de Atenea Niké
La edilicia griega
El aparejo de los muros se hace con
sillares de tipo isódomo, perfectamente
cortados y uniformes, dispuestos a soga y
tizón, sin ningún tipo de argamasa, cogidos
con grapas de hierro.
2.1. Estructura arquitectónica
Los edificios griegos son arquitrabados: están
construidos utilizando los órdenes. Un orden
arquitectónico es un conjunto de tres elementos -
pedestal, columna y entablamento- cuyas formas,
proporciones y decoración se disponen según normas
fijas.
2.1. Estructura arquitectónica
Llamamos orden arquitectónico a un conjunto formado por tres elementos: pedestal, columna y entablamento.
El pedestal o crepidoma consiste en un basamento escalonado donde se sitúa el edificio. Los escalones inferiores se denominan estereóbatos y el superior estilóbato.
La columna es estriada, con acanaladuras en su fuste, y suele estar formada por tambores que se engarzan mediante encajes de plomo. En la parte alta de la columna se sitúa el capitel.
El entablamento reposa sobre el capitel. Está formado por el arquitrabe, el friso y la cornisa. Por último, el frontón triangular donde se ubica la escultura exenta. El edificio se remata con acróteras y gárgolas.
Partes del templo griego
Tejado a dos aguas
Entablamento
Naos
Pronaos
Crepidoma
Acrótera
Frontón
La aparición de los órdenes
En los templos griegos no hay dimensiones fijas, sino
relaciones fijas de proporción entre las diferentes
partes del edificio.
La búsqueda de la armonía visual del edificio, basada en
la medida y la proporción, condujeron a los griegos a la
creación del “ORDEN ARQUITECTÓNICO”.
El orden es la articulación de las partes fundamentales
del edificio en una serie de elementos, dotados de
función y formas determinados, unidos por reglas fijas
de proporción.
La aparición de los órdenes
Cada orden consta de tres partes:
Entablamento: es la
Parte sustentada del
edificio
Soporte: el elemento
Vertical de sustentación
Es la columna (stylo).
Basamento: es la parte
inferior y se divide en
escalones, siendo el
superior el estilóbato.
2.1. Estructura arquitectónica
El orden dórico
Es el más sobrio y sus proporciones son las más robustas; por
ello se le considera masculino. Nació en la Grecia peninsular, la
tierra de los dorios.
Origen del orden dórico «(Ión) conquistó el territorio de Caria y fundó allí ciudades
grandiosas... Estas ciudades, después de haber expulsado a los carios y a los Lélegos, llamaron Jonia a esta parte de la tierra a partir del nombre de su jefe lón y, después de haber señalado recintos consagrados a los dioses inmortales, empezaron a edificar templos. El primer templo.. que vieron construido así estaba en una ciudad de los dorios. Como quisieron poner columnas en este templo y no tenían la medida de las proporciones, investigaron cómo hacerlas para que no sólo fuesen aptas para soportar la carga, sino que también fuesen de aspecto agradable por sus proporciones. Midieron la huella de un pie humano y la relacionaron con su altura.Cuando supieron que el pie era la sexta parte de la altura de un hombre, transfirieron esta relación a la columna. Hicieron la altura del fuste, incluido el capitel, seis veces mayor que la anchura de su base. Así fue cómo la columna dórica aportó a los edificios las proporciones de un cuerpo varonil y su solidez y belleza».
2.1. Estructura arquitectónica
El orden dórico
La disposición de la columna (elemento arquitectónico sustentante) es:
Carece de basa; se apoya directamente sobre el estilóbato, el último escalón del crepidoma.
El fuste está formado por tambores, perfectamente ajustados. Su diámetro mengua desde el estilóbato al capitel y tiene un ligero éntasis o abombamiento en su tercio inferior. En la columna encontramos una relación proporcional entre el radio del primer tambor de la base (que sirve de módulo) y su altura. Este canon se mantiene con escasas variantes, de modo que la altura de la columna dórica oscila desde los 10 módulos de la época arcaica hasta los 14 de los templos clásicos. Por último, el fuste tiene también una serie de acanaladuras o estrías en arista viva, cuyo número varía de 14 a 26.
El capitel consta de una o varias molduras finas, el collarino; una moldura convexa de sección semicircular, llamado equino; y un paralelepípedo de base cuadrada, el ábaco, sobre el que descansa el entablamento.
El orden dórico
2.1. Estructura arquitectónica
El orden dórico El entablamento (elemento sostenido), se compone de tres
partes: arquitrabe, friso y cornisa. El arquitrabe, el dintel, está formado por bloques horizontales de
piedra lisa.
El friso, que se dispone sobre el arquitrabe, consta de triglifos y metopas. Los primeros son bloques rectangulares recorridos por una triple acanaladura vertical y con gotas en su base; entre ellos se colocan las metopas, pequeñas losas, también rectangulares, que suelen tener relieves decorativos. El número de triglifos de cada fachada es el doble que el de columnas, menos uno; las metopas son el doble que las columnas menos dos.
La cornisa es saliente, de perfil rectangular y tiene en su parte inferior unas tabletas aplanadas llamadas mútulos, rematados también por gotas.
El tejado es a doble vertiente y forma dos triángulos, frontones, en las fachadas del templo.
El orden dórico
Friso dividido en triglifos y metopas
Arquitrabe o dintel liso
Fuste estriado y con arista viva
(no es un bloque monolítico,
sino que está dividido en piezas;
cada una de las cuales se llama
“tambor”.
Sin basa
(el fuste descansa sobre el stilóbato)
Capitel sencillo
(compuesto por un ábaco
y un equino)
Cornisa
FrontónTímpano
CORNISA
FRISO
ARQUITRABE
CAPITEL
FUSTE
ESTILÓBATO
TÍMPANO
FRONTÓN
El orden dórico
El orden dórico
2.1. Estructura arquitectónica
El orden jónico
Nació en las costas de Asia Menor. Es de mayor esbeltez y
apariencia más ligera que el dórico, y se le consideraba
femenino.
Origen del orden jónico «Cuando decidieron levantar un templo en honor de
Diana, inventaron un nuevo estilo, dándole esbeltezal aplicar la misma proporción que para el estilo anterior, pero ahora la relacionaron con las pisadas de una mujer. Hicieron que la anchura de la columna fuera la octava parte de su altura, para que tuviera un aspecto más grácil. Después pusieron en su base un anillo a manera de calzado, y en el capitel colocaron como cabellera unos bucles rizados que le caían a derecha y a izquierda, y con ondas y guirnaldasadornaron la frente como si llevara flequillo. A lo largo de todo el fuste marcaron estrías como si fueran los pliegues de las estolas que llevan las matronas. Asíhicieron el modelo de los dos estilos de columnas, uno de belleza severa, sin adornos, varonil, y el otro con la figura, la ornamentación y la proporción femenina... Y como los primeros que lo usaron fueron los jonios, se le llamó estilo jónico».
2.1. Estructura arquitectónica
El orden jónico
La columna:
Tiene basa. La más usual es la llamada ática que combina dos
molduras convexas (toros) y una cóncava (escocia).
Su fuste no tiene éntasis y se halla recorrido por 24 estrías en arista
muerta o pulida. La altura oscila entre 16 y 21 módulos.
El capitel está formado por collarino, equino con dos grandes espirales
o volutas a los lados, y un ábaco reducido. El equino se suele decorar
con ovas, mientras que las volutas y el ábaco llevan frecuentemente
decoración de perlas.
El entablamento está compuesto por un arquitrabe dividido en
bandas en resalte (llamadas platabandas), un friso, liso o con relieves, y
la cornisa con los frontones.
El orden jónico
Basa ática
(consta de dos toros
Separados por una escocia)
Fuste cilíndrico
estriado
(monolítico, de una
pieza)
Capitel con 2 volutas,
(Decorado con una línea
De ovas y un cordón de
Perlas)
Arquitrabe
(dividido en 3 franjas
Horizontales escalonadas)
Friso, decorado
Con relieves
El orden jónico
2.1. Estructura arquitectónica
El orden corintio
Surgió tardíamente, en el V a.C., y se impuso en la etapa
helenística. Es una variedad del orden jónico. El capitel
tiene como decoración una doble fila de hojas de acanto en la
parte inferior, y en la superior rosetas y hojas grandes
enroscadas, los caulículos. Un ábaco sirve el apoyo al
entablamento.
Origen del orden corintio «El tercer estilo, llamado corintio, imita la esbeltez
virginal, porque su forma recuerda los adornos más bellos de una doncella, representada con los miembros más esbeltos a causa de su tierna edad. Cuentan que el descubrimiento de este capitelfue así.- una doncella de Corinto, ya en edad de casarse, se puso enferma y murió.. Su nodriza cogió los juguetes con los que la muchacha jugaba cuando estaba viva, los colocó en un cestito y, llevándolo a su tumba, lo puso encima y, para que todo aquello se conservase más tiempo al aire libre, lo tapó todo con un ladrillo. Este cestito quedó colocado por casualidad encima de una raíz de acanto. Más tarde, la raíz de acanto, a pesar de tener encima este peso, en primavera sacó hojas y brotes, y estos brotes, creciendo por los lados del cestito y por los costados del ladrillo, doblaron por el peso en sus extremos superiores formando volutas».
El orden corintio
El orden corintio
El Orden Corintio tiene basa y el fuste es muy esbelto. El capitel tiene pequeñasvolutas, y entre ellas presenta hojas de acanto. Se acentúan los elementosdecorativos en el friso y la cornisa.
El más ornamental de los cinco órdenes clásicos, desarrollado por los griegos en el siglo IV a.C., pero empleado con mayor profusión en la arquitectura romana.
Similar en muchos aspectos al orden jónico, pero generalmente de proporciones mas estilizadas y caracterizadoespecialmente por un capitel en forma de campana profunda, decorado con hojas de acanto y un ábaco con lados cóncavos.
Comparación órdenes arquitectura
Comparación órdenes arquitectura
Las cariátides y atlantes
Otro tipo de soporte utilizado en Grecia. Se sustituyen las columnas por esculturas femeninas, generalmente cuando soportan entablamentos jónicos. Si las esculturas son masculinas se denominan atlantes.
Cariátides
2.2. Elementos decorativos
El edificio griego se decora con:
Relieves y esculturas en las metopas dóricas, en los frisos
jónicos y en los frontones. A veces en las columnas jónicas, en
sustitución de los fustes, encontramos figuras de mujer,
llamadas cariátides.
Motivos seriados, como rosetas, palmetas, ovas, perlas, grecas...,
adornando las molduras.
Acróteras, es decir, figuras de monstruos en las cornisas.
Las gárgolas, canalones en forma de cabezas de animal que
disimulan los desagües en las cornisas.
También tuvieron policromía, aunque ha desaparecido.
Decoración de un templo griego
2.3. Correcciones ópticas Para evitar las sensaciones deformantes producidas por la vista humana y
conseguir que la apariencia de los edificios fuese armónica y perfecta, los griegos aplicaron, sobre todo en época clásica, una serie de correcciones ópticas de las que el ejemplo arquetípico es el Partenón: El crepidoma está milimétricamente abombado.
Las columnas no son todas iguales, sino que las del centro de la fachada tienen unos centímetros más de altura que en las esquinas. Como consecuencia, las líneas horizontales del entablamento no son rectas, sino ligeramente curvas en la parte central.
La distancia entre las columnas es menor en las esquinas.
Las columnas se inclinan ligeramente hacia el interior, para evitar la sensación visual de que se abalanzan hacia el espectador.
Las columnas de los ángulos son más gruesas porque de no ser así parecerían más pequeñas.
El fuste del orden dórico tiene éntasis, para evitar que parezca estrecharse en el centro.
En el orden jónico, los capiteles angulares son algo diferentes para no romper la armonía.
Correcciones ópticas de El Partenón
2.4. Tipos de edificios
La práctica totalidad de la arquitectura griega estaba
destinada a ubicarse en un marco urbano. Las principales
ciudades griegas tenían una serie de edificios y lugares
que revelan la importancia concedida a la vida ciudadana y
comunitaria: los más importantes eran el templo, el teatro
y el ágora o plaza pública.
2.4. Tipos de edificios
Los templos
El edificio más representativo, el arquetípico del arte griego, fue
el templo. Era la casa en que se guardaba la imagen del dios.
Los fieles, aunque podían acceder libremente al interior del
templo, no se reunían allí para las ceremonias del culto, sino
que éstas se celebraban en el exterior ante un altar.
El templo griego
Origen del templo griego
Los orígenes: el megarón
prehelénico, construido de
madera.
La fachada es el elemento
principal del templo, donde se
crean los llamados órdenes
arquitectónicos.
Origen del templo griego
Era la parte principal de
un palacio, destinado a
actos religiosos y
políticos.
Era un lugar cerrado
precedido por un pórtico
con dos columnas, de
fuste en tronco de con
invertido.
El MEGARÓN Micénico
Origen del templo griego
Tenía una SALA PRINCIPAL con 4 columnas que sostenían el techo en el que se abría
un lucernario cuadrado
Era un lugar
cerrado precedido
por un PÓRTICO
con dos columnas,
de fuste en tronco
de con invertido.
El mégaron prehelénico
2.4. Tipos de edificios
Los templos
La planta más frecuente era la rectangular, derivada del
mégaron. Tiene columnas exteriores: si se limitan únicamente
a la fachada principal, el templo es próstilo; cuando las tiene en
el frente y en la parte posterior es anfipróstilo; si las hay
alrededor de todo el templo es períptero; y es díptero, si tiene
doble hilera de columnas en su torno. Por el número de
columnas de la fachada, el templo puede ser dístilo, tetrástilo,
hexástilo, octástilo... También usaron, aunque excepcionalmente,
la planta circular rodeada de columnas (templo monóptero).
Partes del templo griego
Partes del templo griego
Tejado a dos aguas
Entablamento
Naos
Pronaos
Crepidoma
Acrótera
Frontón
Templos según la disposición de las
columnas
Templos según la disposición de las
columnas
Templos según la disposición de las
columnas
Tetrástilo: cuatro columnas.
Hexástilo: seis columnas.
Octástilo: ocho columnas
Tipología del templo según el número de
columnas en la fachada
2.4. Tipos de edificios
Los templos
El interior del templo rectangular suele tener tres partes:
pronaos o vestíbulo, naos o cella (sala de la estatua), y
opistodomos, la cámara para guardar las ofrendas.
Crepidoma
Pronaos
Pórtico de entrada
ColumnataNaosOpistódomos
Planta tipo de templo griego
Planta tipo de templo griego
Planta rectangular. Disposición interior: de una a tres naves. Pronao (vestíbulo
abierto); Nao o cella (la capilla del dios) ; opistódomo (vestíbulo análogo en el lado
opuesto, que podía servir para guardar el tesoro del dios).
2.4. Tipos de edificios
Los templos
Los exteriores. Los templos griegos eran construidos para
ser admirados desde fuera, en el ámbito urbano, como si de
inmensas esculturas se tratara. Por eso se cuida más el
volumen exterior que el espacio interior. Les interesa la
envoltura del edificio, la visión general que del templo obtiene
el espectador. El templo griego posee más valores escultóricos
que arquitectónicos.
Partes del templo griego
2.4. Tipos de edificios
El teatro
Consta de una plataforma donde se desarrolla la acción
(escena, skené); gradas para los espectadores en forma de
herradura (koilon), adaptadas a la pendiente de una colina; y,
entre la escena y el graderío, se dispone una orchestra circular
para el coro, de donde parten las escaleras que dividen como
radios el graderío.
LA ESCENA era el espacio rectangular situado detrás de la
orquesta donde se movían los actores.
LA ORQUESTA
era el espacio
circular donde
actuaba el coro
El teatro griego
EL PROSCENIO
era el espacio
detrás de la
escena dedicado
a almacenes.
EL AUDITORIO
era el espacio
para sentarse
2.5. Ejemplos de arquitectura griega
Los templos más antiguos son de la época arcaica como
el de Hera en Paestum, en la Magna Grecia, y el de
Apolo en Corinto, en la Grecia peninsular, ambos de
orden dórico.
Templo de Hera en Paestum
Templo en Selinonte
Templo de Apolo en Corinto
Templo de Aphaia en Egina
2.5. Ejemplos de arquitectura griega
De la etapa clásica son el Templo de Zeus en Olimpia y
los edificios de la Acrópolis de Atenas. Destruida tras las
Guerras Médicas, la Acrópolis, fue reconstruida por iniciativa
de Pericles, en el siglo V a.C., utilizando mármol pentélico. En
ella se encuentran los Propileos (entrada monumental); el
Erecteion (de orden jónico), cuya peculiar planta se debe a
que ocupaba un lugar sagrado; el pequeño templo de Atenea
Niké Áptera (jónico); y el Partenón, dedicado a la diosa
Atenea Parthenos, patrona de los atenienses. Fue edificado por
Ictinos y Calícrates entre 447 y 432 a.C. Es de orden dórico,
octástilo y períptero, y constituye el prototipo del arte griego
por la armonía de sus proporciones y las sofisticadas
correcciones ópticas.
Templo de Zeus en Olimpia
Templo de Zeus en Olimpia
La Acrópolis
La Acrópolis
La Acrópolis
Partenón
Atenea
NikéErecteion
Propileos
Acrópolis de Atenas
Acrópolis de Atenas
Acrópolis de Atenas
Erecteion
Partenón
Atenea
NikéPropileos
Acrópolis de Atenas
Los Propileos
Los Propileos Sobre los restos de los propileos
levantados en época de Pisístrato, Pericles le encarga al arquitecto Mnesiklés la construcción de un nuevo acceso a la Acrópolis. Mnesicles supo resolver magistralmente el problema de la topografía. Dos terrazas superpuestas, divididas por un corredor transversal con columnas jónicas, daban lugar a cuatro estancias rectangulares (uno de ellos, corresponde a la famosa pinacoteca).
Los Propileos
Los Propileos
Erecteion
Erecteion
También destaca de la
Acrópolis el templo del
Erecteion, construido en el
siglo V a.C. (421-406 a.C.)
en mármol por el arquitecto
Mnesicles. Es quizá el templo
más bello de orden jónico.
Tiene un pórtico hexástilo y
forma rectangular. Su planta
es muy irregular al tener que
adaptarse a las desigualdades
del terreno. En el lado sur se
encuentra la parte más
conocida, llamada la “tribuna
de las cariátides”, ya que las
columnas jónicas han sido
reemplazadas por
representaciones femeninas.
Erecteion
Templo compuesto, dedicado a tres dioses:
Poseidón, Krekrops y Athenea. Su disposición
Es de planta rectangular, con un pórtico de
Orden jónico hexástilo. Destaca el pórtico de
Las Cariátides. Su constructor fue Mnesicles.
Erecteion
Erecteion, pórtico
Tribuna de las Cariátides
Tribuna de las Cariátides
Tribuna de las Cariátides
Templo de Atenea Niké
Templo de Atenea NikéTemplo de Atenea Niké o Niké Áptera:
pequeño templo de orden jónico, anfipróstilo y
tetrástilo, con dos pilares entre las antas en
lugar de columnas, también conocido como
templo de Niké Áptera o de la Victoria Áptera,
se encuentra en un promontorio adelantado en
la parte sur occidental de la Acrópolis y se
dispuso construirlo con el tratado de paz con
los persas, pero no se inició hasta el 421 a.C., a
cargo de Calícrates.
El Partenón
El Partenón
Templo dórico griego edificado en tiempos de Pericles para reconstruir en la Acrópolis de Atenas.
Dedicado a Atenea, patrona protectora del Ática, destruido por los persas en los años 480 y 479 a.C.
Arquitectos: Ictino y Calícrates.
Fidias dirige todas las obras que se realizaban en la Acrópolis.
El Partenón
El Partenón
El Partenón
El Partenón
El Partenón
El Partenón
El material utilizado es mármol del Pentélico, cuyos bloques eran tallados finamente y
colocados “a hueso”.
Fue cincelado de arriba abajo y posteriormente coloreado.
El Partenón
El Partenón
El Partenón
Capitel,
arquitrabe y
friso
Orden
dórico:
estrías en
arista viva
El Partenón
El Partenón
El Partenón La planta de estructura
rectangular dividida en tres espacios (pronaos, naos o cella y opistódomos) a los que se añade, y es uno de los aspectos de su originalidad, un nuevo recinto, el Partenón o Salas de las vestales formada por cuatro columnas jónicas;
Es un templo anfipróstilo y Hexástilo en ambos pórticos, el anterior o pronaos y el posterior o opistodomos, de estilo dórico, aunque éste se ha fundido con otros elementos jónicos.
El Partenón
La cella está dividida en tres naves separadas por una doble fila de columnas superpuestas en dos pisos, formando una galería circundante en cuyo centro se colocaba la gran imagen de oro y marfil (criselefantina) de la diosa Atenea Parthenos realizada por Fidias.
La innovación introducida en el Partenón es la sala cuadrada donde estaban las doncellas vírgenes de la diosa, el Partenón que ha dado nombre a todo el edificio.
El Partenón
El Partenón
La fachada se
inclina hacia
atrás
Diferentes
intercolumnios
Éntasis
Columnas laterales más anchas
Correcciones ópticas de El Partenón La búsqueda de la armonía visual determinó la utilización de
ciertos recursos técnicos que corregían las alteraciones ópticas que todo edificio produce al ser contemplado: La curvatura del entablamento y del estilóbato hacia arriba, para
evitar el efecto de pandeo, de vencimiento por el centro.
La inclinación de las columnas hacia adentro para impedir la sensación de caída, y así crear el llamado efecto piramidal.
El éntasis (ensanchamiento) del fuste de las columnas, para reducir el efecto de concavidad que producen las columnas de lados rectos.
La mayor anchura de las columnas de los lados (que se recortan nítidamente en el horizonte), para anular el achatamiento óptico que se produce en ese punto.
Desigual distancia de los intercolumnios (espacio entre columnas).
Todas estas alteraciones permitían corregir los defectos ópticos que perturban toda creación articulada sobre líneas horizontales y verticales, como era el templo griego.
Correcciones ópticas de El Partenón
Correcciones ópticas de El Partenón
El Partenón
El Partenón, desde su construcción, permaneció XXI siglos sin grandes alteraciones, salvo las realizadas para transformarlo en:
Iglesia bizantina (levantamiento de un ábside en el pronaos, y apertura de accesos).
Mezquita con un minarete en el opistodomos.
En el siglo XVII pasó a ser polvorín (en 1687, explotó sobre él una granada que prácticamente derribó los elementos estructurales básicos).
Las esculturas de los frontones que aún quedaban fueron en los primeros años del siglo XIX, vendidas al embajador británico Lord Elgin, quien en el año 1816 las donó al Museo Británico.
En el año 1894 un terremoto produjo deterioros en el entablamento y columnata
En 1921 y 1929 se inician algunas restauraciones, que hace posible la reconstrucción de toda la parte septentrional.
El Partenón, reconstruido en Nashville
(EE.UU.)
2.5. Ejemplos de arquitectura griega
En este período, el urbanismo, adquiere gran
importancia y coexisten dos tipos de planos: el plano
ortogonal de Hipódamos de Mileto. Es normal
también en la ciudad griega diferenciar bien el centro
cívico de la zona de viviendas. El primero es el lugar de
concentración de los ciudadanos y en él destaca el ágora
o plaza amplia en la que se enmarcan los grandes edificios;
en cuanto a las viviendas, suelen ser sencillas y sus
dependencias giran en torno a un patio central con
columnas.
Plano de Hipódamos de Mileto
2.5. Ejemplos de arquitectura griega
De la etapa clásica, pero ya del siglo IV a.C., son la
Linterna de Lisícrates, en Atenas, y el Teatro de
Epidauro.
Tholos del Santuario de Delfos
Tenía un peristilo
formado por dos
anillos con
columnatas circulares
concéntricas:
la exterior de 20
columnas dóricas y
la que rodeaba el
interior de la Cella
eran 10 columnas
corintias, muy
próximas al muro
pero no estaban
adosadas
Construido entre el 390 y el 380 a.C.
Linterna de Lisícrates
De carácter conmemorativo, es el primer
monumento de orden corintio en el exterior del
edificio, del 334 a.C.
LA ESCENA era el espacio rectangular situado detrás de la
orquesta donde se movían los actores.
LA ORQUESTA
era el espacio
circular donde
actuaba el coro
El teatro griego
EL PROSCENIO
era el espacio
detrás de la
escena dedicado
a almacenes.
EL AUDITORIO
era el espacio
para sentarse
Teatro de Epidauro
Teatro de Epidauro, planta
2.5. Ejemplos de arquitectura griega
En el periodo helenístico se difundieron las formas helénicas por el antiguo Imperio Persa, pero a su vez el arte griego se impregnó de la estética de los pueblos conquistados. Por influencia oriental, se acentuó la decoración y se tendió al colosalismo. Los órdenes se emplearon con mayor libertad, dándose preferencia al corintio. Alejandría, ciudad fundada por Alejandro Magno y trazada según el tipo griego de plano regular hipodámico, era célebre por la Biblioteca, el Museo y el Faro, edificios hoy desaparecidos. De época helenística son el Olimpeion en Atenas y el Altar de Zeus, de la Acrópolis de Pérgamo. Entre las obras monumentales destacó el desaparecido Mausoleo de Halicarnaso.
Templo de Zeus Olímpico en Atenas
(Olimpeion)
Templo de Zeus Olímpico en Atenas
(Olimpeion)
Templo de Zeus Olímpico en Atenas
(Olimpeion)
Altar de Zeus en Pérgamo
Altar de Zeus en Pérgamo
Altar de Zeus en Pérgamo
PLANTA (38 x 36 m de lado) casi
cuadrada, constituida por una gran
escalinata que rodea la construcción; una
amplia plataforma donde se dispone el ara
o altar, y dos brazos o antepechos que
avanzan hacia el espectador y encuadran el
altar.
En ALZADO la escalinata es muy
prolongada en la parte frontal del edificio, y
un inmenso zócalo decorado con relieves, y
que sirve de soporte a una columnata de
orden jónico que a su vez actúa como
pantalla visual ocultando el altar de los
sacrificios.
La enorme elevación del podium y la poca
altura de las columnas tiende también a
exagerar la sensación de la volumetría
exterior de todo el conjunto.
Altar de Zeus en Pérgamo
Altar de Zeus en Pérgamo
Mausoleo de Halicarnaso
Construido en forma de templete
jónico períptero, sobre un alto
podium decorado con frisos
escultóricos y rematado con una
pirámide escalonada, del 352 a.C.;
Un encuentro con la armonía: el número de
OroEl número de oro, sección áurea o proporción áurea, es uno de los conceptos matemáticos relacionados con la naturaleza y con el arte. Se denomina con la letra griega(Phi), en memoria del escultor griego Fidias. Está presente en el crecimiento de las plantas, las piñas, la formación de caracolas... y por supuesto en cualquier estudio armónico del arte.
La sección áurea es la división armónica de una segmento en media y extrema razón. Es decir, que el segmento menor es al segmento mayor, como éste es a la totalidad. De esta manera se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo y sus segmentos. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea.
El número áureo aparece en las proporciones que guardan edificios, esculturas, objetos, partes de nuestro cuerpo.
Un ejemplo de rectángulo áureo en el arte es el alzado del Partenón griego.
Euclides (c. 300-265 a. C.) lo definió así:
«Se dice que una línea recta está dividida en el extremo y su proporcional cuando la línea entera es al segmento mayor como el mayor es al menor.» (Euclides, Los Elementos).
3. ESCULTURA GRIEGA
¿Qué podemos deducir sobre la escultura
griega, a partir de estas imágenes?
BELLEZA
EXPRESIÓN MOVIMIENTO
VOLUMEN
EL CUERPO HUMANO
DESNUDO
La escultura como búsqueda y expresión del
ideal de belleza griego
3. ESCULTURA GRIEGA
La escultura griega constituye uno de los capítulos más
brillantes de la historia del arte universal. Gran parte de
las piezas originales se han perdido, pero disponemos de
multitud de copias romanas, que si bien no son más que
un pobre reflejo de la escultura griega, han provocado la
admiración en generaciones de amantes del arte.
3.1. Características
Los principales materiales fueron el mármol, cincelado
y pulido, y el bronce, fundido a la cera perdida. Las obras
de mármol recibían policromía, que casi nunca se ha
conservado pero de la que quedan restos. La mayor parte
de las esculturas de bronce se ha perdido, dada la
posibilidad de refundirlas; de las más importantes
conservamos copias romanas hechas en mármol. También
realizaron obras en terracota y en metales preciosos,
como las llamadas crisoelefantinas (de oro y marfil).
3.1. Características
El tema principal de la escultura griega es la figura
humana en representaciones de dioses, héroes, atletas,
etc. Su realización plástica no se mantiene invariable sino
que evoluciona y avanza. Desde la rigidez y frontalidad
de las obras arcaicas, se progresó en la búsqueda del
movimiento, del desarrollo en el espacio y de la
relación proporcional entre las partes del cuerpo.
Una vez conseguida la forma arquetípica en la etapa
clásica, el camino condujo a la expresión del
sentimiento en el periodo postclásico y al patetismo y
emoción de algunas escuelas helenísticas.
La escultura griega. Características
1
2
3
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5
6
7
El tema principal de la escultura griega es la figura humana en representaciones de dioses, héroes, atletas, etc. Su realización plástica no se mantiene invariable sino que evoluciona y avanza. Desde la rigidez y frontalidad de las obras arcaicas, se progresó en la búsqueda del movimiento, del desarrollo en el espacio y de la relación proporcional entre las partes del cuerpo. Una vez conseguida la forma arquetípica en la etapa clásica, el camino condujo a la expresión del sentimiento en el periodo postclásico y al patetismo y emociónde algunas escuelas helenísticas.
Belleza es proporción
3.1. Características
La escultura griega tiende al naturalismo idealizado:
son figuras carentes de defectos, arquetipos perfectos que
buscan la belleza ideal.
3.1. Características
Idealización expresivaContrapposto
La evolución del ideal de belleza a través de
la escultura
Las raíces son orientalizantes y presentan una clara influencia egipcia.
La constante evolución hizo que pronto se distanciara de los modelos iniciales, creando un mundo de formas nuevo y original.
Los artistas griegos partieron de lo ya realizado por asirios, babilonios y egipcios, para desarrollar su propio lenguaje, definido por una permanente búsqueda de nuevassoluciones para representar la figura humana.
La evolución del ideal de belleza a través de
la escultura
La representación de la figura humana
como encarnación de la belleza física y
el equilibrio espiritual.
La representación del hombre atlético y bien
proporcionado se corresponde con el ideal
varonil del hombre guerrero y
deportista.
La belleza se concibe como medida,
proporción entre las partes (el Canon).
La anatomía humana se representa de
forma armoniosa e idealizada.
Estamos, por tanto, ante la plasmación de un
IDEAL DE BELLEZA
ANTROPOMÓRFICA.
La evolución del ideal de belleza a través de
la escultura
El artista griego busca la expresión, entendida
como la exteriorización de los
sentimientos; en la expresión se funde la
dimensión espiritual del hombre con su
cuerpo.
Pero se trata, también, de una
EXPRESIVIDAD IDEALIZADA, donde
sólo cabe la quietud y la serenidad de
ánimo, el equilibrio perfecto entre la
belleza física y la belleza espiritual. Será
en la época helenística cuando el artista
rompa este corsé expresivo para plasmar los
sentimientos humanos de forma realista y
menos idealizada.
La evolución del ideal de belleza a través de
la escultura
El artista griego, partiendo de la rigidez y el estatismo oriental que evidencian las primeras esculturas del período arcaico (Kouroi y Korés), tratará de REPRESENTAR EL MOVIMIENTO. Ensayará todas las posibilidades plásticas del dinamismo: figuras que se doblanpara adaptarse al marco arquitectónico (muros, frontones, etc.), grupos donde las figuras se relacionan de forma dinámica; representación de la tensión muscular, la flexibilidad de los miembros, la agilidad, etc. La representación del movimiento reforzará los valores expresivos de la escultura griega.
La evolución del ideal de belleza a través de
la escultura
El artista griego se mostrará profundamente
preocupado por la REPRESENTACIÓN
DEL VOLUMEN.
Pronto romperán con la frontalidad
egipcia. Concebirán la escultura como una
forma que debe ser contemplada desde
todos los ángulos y puntos de vista
posibles.
De ahí que la mayor parte de la escultura
griega sea exenta (salvo los frisos con
relieves de los muros o los conjuntos de los
frontones).
La evolución del ideal de belleza a través de
la escultura
Los MATERIALES empleados por los
artistas griegos son: la piedra caliza
(talla) en la época arcaica y el bronce
(modelado a partir de la técnica de
la cera perdida) y mármol blanco
en la plenitud del clasicismo.
Muchas de las obras griegas que
conocemos nos han llegado a través de
copias romanas en mármol de
originales en bronce.
3.2. Evolución de la escultura
Etapa arcaica (siglos VIII a VI a.C.)
Las imágenes de culto más antiguas fueron las Xoana, de
madera, pero no quedan restos. El repertorio del escultor
griego arcaico incluye fundamentalmente dos temas: el hombre
desnudo y la mujer vestida.
3.2. Evolución de la escultura
Etapa arcaica (siglos VIII a VI a.C.)
El Kouros es una representación en piedra de un hombre joven desnudo. Tiene carácter votivo, es decir de agradecimiento a los dioses, por el triunfo en una competición atlética. La influencia egipcia es manifiesta en el volumen cerrado y en la frontalidad: aunque los kouroi están representados de pie y adelantan la pierna izquierda, su cuerpo es rígido y los brazos están pegados al cuerpo con los puños cerrados. Su anatomía es precaria: los músculos son planos o apenas modelados, a veces tan sólo marcados por surcos incisos; los ojos aparecen almendrados y prominentes y el pelo tiene trazos geométricos. Muestran una mueca en los labios, la sonrisa arcaica, que parece querer dotarles de una vida que los hace inconfundibles con las obras egipcias. Entre los ejemplos más conocidos están el Kouros de Anavyssos, el Moscóforo y el Efebo de Kritios.
Descripción de un kouros
Punto de partida: la concepción egipcia: rigidez y
frontalidad. Monumentalidad.
Las figuras se presentan con los brazos pegados al
cuerpo y la pierna izquierda ligeramente
adelantada. Son como bloques cerrados, de donde
la figura humana apenas puede desprenderse.
Simetría en la composición, evitando torsiones y
giros de la figura.
Disposición geométrica de los cabellos.
Ojos almendrados y globulares.
Rigidez de las articulaciones.
Sonrisa arcaica.
Representación naturalista de la figura humana:
modelado de los músculos, tratamiento de las rodillas.
Kouros de Anavyssos
El Moscóforo
El Moscóforo
Procede de la Acrópolis de Atenas. La figura masculina
aparece en posición de kouros, pero difiere en el ternero y
en la posición de los brazos para sujetarlo, y en que lleva un
manto adherido a la espalda y es barbado. Es el primer
grupo escultórico de la escultura griega. Los ojos son
incrustados de vidrio, y la barba, el pelo, el manto y el
ternero estaban pintados. Aún sigue criterios no
naturalistas.
El Moscóforo
Efebo rubio
Efebo critio
3.2. Evolución de la escultura
Etapa arcaica (siglos VIII a VI a.C.)
La Koré aporta soluciones para la representación de la
anatomía femenina vestida. Las más antiguas son la Dama de
Auxerre y la Hera de Samos, ambas del siglo VII a.C. Durante
la segunda mitad del siglo VI a.C. se realizaron en Atenas
numerosas figuras femeninas para exvotos en los templos de la
Acrópolis. Son las Korai de la Acrópolis. En ellas, la sonrisa
arcaica o el cabello, trenzado geométricamente, se
complementa con los pliegues de la ropa que caen paralelos o
en abanico. Visten a la moda jónica, con una túnica fina (chiton)
y un manto (himation).
Descripción de una koré
Estatuaria votiva (figurillas de terracota o piedra que se
depositaban en la tumba a modo de ofrenda), de pequeñas
dimensiones.
El cuerpo humano casi se reduce a un tablero de mármol,
con un leve estrechamiento a la altura de las caderas y un
ligero abultamiento en el pecho. El carácter de bloque
cerrado es aún más evidente.
Son figuras poco expresivas, con una tendencia a la
idealización estática.
Su cabellera está formada por rígidas guedejas. Sigue la
moda egipcia de representar la cabellera en diferentes pisos.
El geometrismo es, como en el caso de las figuras masculinas,
el rasgo más característico de estas imágenes.
Dama de Auxerre
Hera de Samos y Kore del Peplo
3.2. Evolución de la escultura
Periodo clásico (siglos V y IV a.C.)
La mayoría de las obras de este periodo se conocen por copias
romanas. Se suele hablar de tres etapas:
En la primera mitad del siglo V a.C. se produjo la transición al
clasicismo. La escultura comenzó a liberarse del arcaísmo,
eliminando la sonrisa y los ojos almendrados, y buscó el movimiento
mediante un incipiente desarrollo de la figura en el espacio. Podemos
constatarlo en el Poseidón del Cabo Artemision, figura de bronce
que muestra el contraste entre el movimiento de las extremidades y
la rigidez del torso. A esta etapa, denominada también estilo Severo,
pertenecen el Auriga de Delfos, los Frontones del templo de Zeus
en Olimpia y el Trono Ludovisi.
La transición al clasicismo
EL CAMINO HACIA LA PERFECCIÓN
Impulsada por los relieves que se realizan en
torno al año 500 a.C. en los frontones de los
templos de Egina y Olimpia.
Son muestras de escultura compositiva,
donde las figuras comienzan a acoplarse al
espacio arquitectónico. Son un ejemplo del
avance hacia formas naturalistas, la
representación moderada de los sentimientos,
con integración de ritmos compositivos.
En ellos las figuras adoptan actitudes naturales,
pero aún rígidas, contrarrestadas por los
primeros apuntes de movimiento. Esta mayor
flexibilidad se completa con una mayor
variedad temática. Representación de ninfa.
Trono Ludovisi (Roma)
Trono Ludovisi
Trono Ludovisi
Relieve de tres caras encontrado en Roma. Representa el nacimiento de Venus del
mar y a dos adoradoras: una matrona que quema incienso y una muchacha desnuda
(primer desnudo femenino del arte griego) que toca la flauta.
Poseidón
Auriga de Delfos
Auriga de Delfos
Auriga de Delfos
Formaba parte de un grupo de cuadriga, pero solo
se conserva el personaje que conducía el carro y
parte de éste. Es de bronce, y fue realizada en
honor de Polizalos, tirano de Gela (Siracusa) en
los juegos délficos del 474 a.C. Está fundida en
hueco, y fue fundida en varias piezas (falda, parte
superior del torso, extremidades, cabeza y rizos
laterales ). Su autor fue Pitágoras de Regio. La
cabeza y el tronco giran claramente hacia la
derecha, aunque la composición del cuerpo queda
escondida bajo los pliegues espesos de la túnica. le
falta aun movilidad y el peso del cuerpo está
distribuido de forma uniforme, pero ha logrado la
tensión. Los brazos, manos y pies son naturalistas,
pero el cabello casi es geométrico‚ muy arcaizante.
Quedan restos de la diadema de plata y de cobre
en los labios. Los ojos insertos de vidrio de color.
La cara inexpresiva. Su altura es de 1’80 m.
Frontón del templo de Zeus en Olimpia
3.2. Evolución de la escultura
Periodo clásico (siglos V y IV a.C.)
La mayoría de las obras de este periodo se conocen por copias romanas. Se suele hablar de tres etapas:
La plenitud del Clasicismo se alcanzó en la segunda mitad del siglo V a.C. La escultura griega clásica busca la belleza ideal en la armonía y proporción. El cuerpo humano desnudo se concibe como un edificio unitario, aunque sus partes deben mostrar también con claridad sus líneas fronterizas.
El primer escultor del clasicismo fue Mirón, un broncista cuya obra maestra es el Discóbolo. Pese a que algunos escritores romanos consideraban que el Discóbolo era una obra artificiosa, es indudable que Mirón dio un paso importante en la representación del movimiento. El atleta aparece en la transición entre las dos trayectorias opuestas de un movimiento pendular. Contrasta la tensión de los músculos de las piernas y los hombros con la fría serenidad del rostro, como si el esfuerzo no afectase a la expresión. Otra de sus obras fue el grupo de Atenea y Marsias.
El DiscóboloEl discóbolo o lanzador de disco,
desarrolla su movimiento en un instante fugaz.
El estudio anatómico: músculos perfectamente definidos, aunque algo
planos.
A pesar del dinamismo compositivo, la obra es bastante inexpresiva, no hay
relación alguna entre la tensión muscular y el esfuerzo físico que se le
supone al atleta en el momento de máxima concentración y la expresión
del rostro, que parece ajeno a lo que el cuerpo ejecuta.
Es la expresión del interés por la representación del cuerpo
humano en movimiento. La figura humana se representa ya por sí
misma, no como un exvoto o representación de la divinidad.
El Discóbolo
La composición es muy atrevida, curvilínea en espiral, contrapesada por las líneas quebradas de brazos y piernas. Esta composición multiplica los puntos de vista, logrando transmitir la sensación de instantaneidad.
Atenea y Marsyas
3.2. Evolución de la escultura
Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) Policleto era un broncista de Argos que escribió un tratado, Canon, sobre
las proporciones armónicas del cuerpo humano. En el Doríforo, que
conocemos únicamente por copias romanas, aplica los principios
expuestos en el libro. Es una escultura que responde a planteamientos
geométricos: la cabeza es muy esférica y la vertical que divide el centro del
rostro se compone de tres segmentos iguales (frente / nariz / boca y
barbilla). El estudio de proporciones es riguroso, de modo que la cabeza es
la séptima parte del cuerpo. La figura muestra un ritmo deambulatorio
como si estuviera entre un paso y el siguiente. La postura es de
contraposto con equilibrio compensado: el torso presenta una ligera
inclinación hacia el lado derecho y la cabeza gira en la misma dirección. El
punto de vista es todavía bastante frontal, pero incorpora el espacio al
retrasar la pierna izquierda y adelantar el brazo que sostiene la lanza. En el
Diadúmeno, anatomía y postura están tratadas con mayor libertad.
El Doríforo
Su máxima preocupación son las proporciones del cuerpo humano y la ponderación de sus masas en las actitudes. Teoriza sobre ello en su
obra: “El Kanon” (La Norma).
Para este gran escultor la belleza reside en la armonía (Symetria) del cuerpo humano.
La representación del cuerpo humano alcanza su plenitud. El joven es un perfecto estudio de
la anatomía humana (idealizada), en estado de perfección y plenitud.
El Doríforo
Policleto: la búsqueda del canon idealLa belleza es un juego sutil de proporciones
(canon): las dimensiones de la cabeza representan 1/7 del cuerpo.
La geometría determina ciertos criterios en la representación y composición de la figura humana:
el pliegue inguinal (un semicírculo) y el tórax, son sendos segmentos de circunferencia cuyo
centro sería el ombligo.
Policleto: la búsqueda del canon ideal
La composición es asimétrica: uso del contrapposto
(ligera curvatura de la cadera y pierna izquierda adelantada).
Perfecta plasmación del equilibrio físico y espiritual. Un
equilibrio dinámico que logra llenar el vacío a su
alrededor y multiplicar los puntos de vista.
Diadúmeno
Didadúmeno
3.2. Evolución de la escultura
Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) Fidias representa la culminación del clasicismo por su maestría en el
equilibrio compositivo y en la idealización de las formas, por la serena
expresividad de los rostros, por la solemne majestuosidad de sus dioses,
por la perfección de sus paños mojados. Dirigió las obras de la Acrópolis y
realizó la estatua de Atenea Parthenos a la que los atenienses rendían
culto en el Partenón. Pero, acusado de robo, huyó a Olimpia, donde
esculpió el Zeus Olímpico, en oro y marfil, que según los textos antiguos
era la obra más perfecta de la escultura griega.
Atenea Parthenos
Zeus de Olimpia
Atenea Promacos
Atenea Lemnia
3.2. Evolución de la escultura
Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) Dirigió la decoración escultórica del Partenón, donde puso de moda la
técnica de los paños mojados. El programa iconográfico consistía en tres
temas superpuestos jerárquicamente: los frontones, la zona más alta, se
reservaron a los dioses; en las metopas, en altura intermedia, aparecían los
héroes atenienses; en el friso, la parte inferior, estaban representados los
hombres, los ciudadanos atenienses participando en la procesión en honor
a su patrona. Los frontones están dedicados a Atenea: en el oriental se
representa su nacimiento; en el occidental, la disputa con Poseidón por el
patronazgo de la ciudad. Las noventa y dos metopas tienen temas
relacionados con el héroe ateniense Teseo: amazonomaquia, gigantomaquia
y centauromaquia. El Friso de las Panateneas, situado en la parte alta
exterior del muro del templo, representa la procesión de las fiestas
Panatenaicas, en que el pueblo de Atenas ofrendaba un velo a la Diosa. Es la
culminación del equilibrio ideal fidíaco, por la armónica fusión de cuerpos y
vestimentas, por el ritmo solemne y variado del relieve procesional, por la
expresión serena de rostros y gestos.
La decoración de El Partenón
E
S
W
N
La decoración de El Partenón
Relieves del Partenón: frontón y metopas
Metopa del Partenón: lucha de centauros y
lapitas
Metopa del Partenón: lucha de centauros y
lapitas
Metopa del Partenón: lucha de centauros y
lapitas
Metopa del Partenón: lucha de centauros y
lapitas
La decoración de El Partenón, metopas y
friso de las Panateneas
La decoración de El Partenón, metopas y
friso de las Panateneas
Friso de las Panateneas, procesión
Friso de las Panateneas, asamblea de los
dioses
Fiesta de las Panateneas
Frontón del Nacimiento de Atenea
Los frontones destacan por su sabia composición y la belleza y grandiosidad
de las actitudes.
Figuras del frontón del Partenón
Démeter y Perséfone, figuras del frontón del
Partenón
Las Parcas, figuras del frontón del Partenón
3.2. Evolución de la escultura
Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) De la plenitud clásica se conservan también algunas obras anónimas,
como los guerreros de Riace. Pero quizás la más hermosa es la Niké
atándose la sandalia, excepcional ejemplo de paños mojados, que adornó
el pretil del templo de Niké Áptera.
Guerreros de Riace
Niké atándose la sandalia
3.2. Evolución de la escultura
Periodo clásico (siglos V y IV a.C.)
En el siglo IV a.C. entramos en la crisis del clasicismo
Tras las guerras del Peloponeso, Atenas dejó de ser el
centro artístico, que pasó a las ciudades jónicas del Asia
Menor. La crisis se manifestó en el creciente agnosticismo,
y en la escultura; los dioses perdieron la serenidad de
Fidias y parecen hombres realizando acciones
intrascendentes; también aparece el desnudo femenino.
Las formas se estilizan, se multiplican los puntos de vista
(Lisipo) y se empiezan a expresar sentimientos intensos
(Scopas).
3.2. Evolución de la escultura
Periodo clásico (siglos V y IV a.C.)
Praxíteles, ateniense, fue escultor de mármoles. Acentúa el
contraposto de Policleto creando la curva praxitélica, sinuosa y
rítmica, que hace que las figuras parezcan inestables e
indolentes. Fue escultor de dioses, pero humanizados,
despojados de majestad y de grandeza. Buscó la belleza ideal,
pero la impregnó de hedonismo. Difumina las aristas de los
cuerpos modelando con gran suavidad y dando lugar a
texturas esfumadas. El claroscuro del cabello, realizado a
trépano, los rostros algo melancólicos, los cuerpos blandos y
voluptuosos, son otros rasgos característicos de su estilo. Se
conservan copias del Apolo Sauróctono y de la Afrodita de
Gnido; el Hermes con Dionisio niño de Olimpia es
considerado, aunque no unánimemente, obra original.
1
4
3
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Canon de Praxíteles
Apolo Sauróctono
Se representa al
dios como
adolescente
matando un lagarto
(lanzándole un
dardo) que sube
por el tronco que,
de ese modo,
además s de servir
de soporte, queda
integrado en la
composición. La
obra original fue en
bronce, sin embargo
otras obras las
realizó en mármol .
Afrodita de Cnido
Hermes con Dionisos
3.2. Evolución de la escultura
Periodo clásico (siglos V y IV a.C.)
Scopas trabajó sobre todo el mármol. Su obra, de marcado
patetismo, influyó en algunas escuelas helenísticas. Cimentó su
prestigio en la representación de héroes de tragedia. Pretendía
representar las emociones del alma y por ello sus personajes
son muy expresivos. Esculpe los ojos rehundidos, la boca
entreabierta, la frente saliente, el cuerpo movido y tenso, como
queda patente en los relieves del Mausoleo de Halicarnaso y
en la Ménade furiosa.
Scopas, trabajos para el Mausoleo de
Halicarnaso
Ménade herida
3.2. Evolución de la escultura
Periodo clásico (siglos V y IV a.C.)
Lisipo aportó como novedades un tipo humano más esbelto
(el cuerpo es ocho veces la cabeza), y el dominio del espacio a
través del movimiento en tres dimensiones y de la variedad de
puntos de vista. Obras suyas son el Apoxiomenos, el Ares
Ludovisi, se le atribuye la estatua de Heracles Farnesio en
bronce y varios retratos de Alejandro Magno,
Apoxiomeno
El Apoxiomeno representa a un
joven atleta quitándose la grasa y el
polvo de después de la
competición. No lo representa en
una actitud heroica sino vulgar. Es
de esbeltas proporciones, y parece
que creó un nuevo canon con la
cabeza más bien pequeña y las
extremidades muy alargadas. Es
importante que la estatua ya tiene
una concepción espacial: se puede
observar desde distintos puntos de
vista. El efecto es de movimiento
atrapado: la separación de los pies
no solo ayuda a producir esa
sensación sino que sirve al mismo
tiempo para equilibrar la acción de
los brazos.
Canon de Lisipo, de 7 cabezas y 1/2
Ares Ludovisi
Hércules Farnesio
3.2. Evolución de la escultura
Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I
a.C.)
En la época helenística la cultura griega se difundió por Asia y
Egipto, y, debido al contacto con las culturas orientales,
absorbió elementos que la transformaron. La escultura, en
concreto, aunque presenta variedad de escuelas y hasta de
estilos, buscó mayormente el ardor y la intensidad, acentuó la
expresividad, los valores espaciales y, en suma, los aspectos
sensoriales. Parece seguir la idea aristotélica de que el arte es
catarsis (purgación de las pasiones, desahogo); estas ideas
llevan incluso a justificar la fealdad. Podemos encontrar cuatro
escuelas diferenciadas:
La etapa helenística (siglos IV – I a.C.)Período de gran amplitud
cronológica y geográfica, donde la tradición griega se impregnará e
impregnará, a su vez, de la cultura de los territorios que formaron parte del
Imperio de Alejandro Magno.
Tradición clásica y orientalismose fundirán para crear y expresar, a
través del arte, una nueva concepción de la vida.
Se pierde, además, la unidad estilística de la época clásica. Nuevos focos y escuelas artísticas se suman a Atenas, como Rodas, Alejandría o
Pérgamo.
Retrato de Alejandro Magno
La etapa helenística (siglos IV – I a.C.)
Principales características:
• Abandono del canon de
proporcionalidad
• Se acentúa el movimiento
• Se abandona la idealización expresiva
• Varían los temas hacia lo cotidiano e
intrascendente
• Se sustituye el ethos por el pathos
• Skiagraphía (sombreado) y
Skenographía (perspectiva)
Vieja ebria
El Pathos helenísticoUn profundo realismo lo impregna todo. Se
prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas superficies clásicas; el
dramatismo de las expresiones a los rostros tranquilos; la fealdad, a veces monstruosa, a la
belleza clásica.
Predominan las obras “barrocas”, caracterizadas por un intenso movimiento y tensión, aunque
algunos artistas repiten y conservan los ideales clásicos.
Pathos ≠ ethos
3.2. Evolución de la escultura
Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I
a.C.)
A lo largo de toda esta etapa helenística existe una corriente
clasicista que tuvo su centro en Atenas y en el Peloponeso, con los
seguidores de los principales escultores del s. IV a.C. A esta escuela
pertenecen el Niño de la espina y el Torso Belvedere. Clasicista,
con un recuerdo ecléctico de Praxíteles y de Lisipo, es la Afrodita
(Venus) de Milo, actualmente en el Louvre, caracterizada por el
acentuado contraposto.
El EspinarioLos escultores abandonan a los dioses como tema exclusivo y se entregan a la observación de personajes, acciones y gestos cotidianos.
Los temas son humildes o grotescos, pero expresivos: La vejez; lo feo, como imperfección; la niñez. Todos estos temas habrían sido considerados indignos durante la época clásica.
Torso Belvedere
Se mantiene el profundo interés por la
anatomía que caracteriza al arte griego,
desde un punto de vista técnico.
La insistencia en delimitar cada uno de los
músculos en tensión produce desnudos
con un claroscuro inédito en la escultura
griega.
Torso Belvedere
Venus de Milo
Venus de Milo
La Venus de Milo presenta la grandiosidad
majestuosa de la que carecen la mayoría de
las Afroditas helenísticas.
Esta Afrodita es el ejemplo máximo de este
arte ecléctico, sublimado aquí por la
serenidad y la armonía de las
proporciones.
Combina, así, la serenidad y grandiosidad
del estilo de Fidias y la armonía de
Praxíteles.
Venus de Milo
Vieja ebria
Hermafrodita dormido
Luchadores
Pugilista
3.2. Evolución de la escultura
Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I
a.C.)
En cuanto a los retratos vemos en el retrato de Séneca esos rostros
realistas que se recrean en los defectos físicos, o en el retrato de
Homero donde el autor (anónimo) se recrea en la representación de
la vejez, o en el retrato del tirano Lisímaco de Tracia donde el autor
se recrea en la fealdad.
Retratos
Séneca
Homero
3.2. Evolución de la escultura
Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I
a.C.)
La Escuela de Pérgamo cultivó con preferencia lo patético y lo
heroico. Destacan las estatuas de los gálatas que adornaban un
monumento situado en el ágora de la acrópolis pergamasca. El centro
lo ocupaba el jefe suicidándose tras matar a su esposa; alrededor,
cuatro galos moribundos arrastran su dolor. Se conservan
fragmentos del Altar de Zeus en Pérgamo, cuyos relieves
representan, con un estilo expresivo y dinámico, la lucha mítica de los
dioses y los gigantes por el dominio del Olimpo.
Galo suicidándose
Gálata moribundo, escuela de Pérgamo
Esculpido hacia el
230 a.C. su temática
es típicamente
helenística: ya no se
representa la
confrontación de
fuerzas en la lucha,
sino el momento de
la muerte o el
suicidio. Se
prescinde de la
alegría de los
victoriosos, solo el
dolor y el orgullo
de los enemigos que
se expresan con
patético realismo.
Gálata moribundo, escuela de PérgamoEn él se observan una
mezcla de realismo y de
tradición ideal: la
desnudez heroica (los
galos llevaban pantalones),
se combina con rostros
con bigote y sin barba, el
cabello desigual y los
torques, todo ello
cuidadosamente señalado.
Reproducción realista del
cuerpo. Estas estatuas son
creadas espacialmente y
pueden observarse todo
alrededor. La obra
también es una copia del
siglo II d.C.
Gálata moribundo, escuela de Pérgamo
Relieves del Altar de Zeus en Pérgamo
Las victorias de sus reyes, en la
primera mitad del siglo III frente a
los Galos invasores del mundo
helenístico, dan lugar a que se labren
una serie de esculturas y grupos
conmemorativos de estas guerras.
Los relieves del Altar de Zeus en
Pérgamo representan, con una altura
de 2’5 metros las luchas entre los
dioses y los gigantes, en él las
formas anatómicas se distorsionan y
se exageran formando torsiones
violentas y dolor en los rostros. Fue
realizado a mediados del siglo II a. C.
y se conserva en Berlín.
Relieves del Altar de Zeus en Pérgamo
Construido sobre una terraza, el altar de
Pérgamo sigue un esquema poco habitual; en
lugar de un friso bajo con columnata, nos
encontramos un enorme podio, con un
fabuloso friso de altísimo relieve y una
majestuosa escalera. En lo alto del todo,
domina la columnata jónica de escasa altura.
Dentro del friso se desarrolla la gran escena
de la lucha del principio del tiempo: los
dioses, representantes del orden, contra los
gigantes, fuerzas del desorden y del caos
(Gigantomaquia).
Todos los artistas que trabajaron en el relieve,
procedentes de diferentes ciudades (Pérgamo,
Atenas, Tralles, Rodas), consiguieron mantener
la unidad de estilo en toda la obra.
3.2. Evolución de la escultura
Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I
a.C.)
La Escuela de Rodas se caracterizó por la complejidad compositiva
y el movimiento contrastado. Tenía en su haber el famoso y gigantesco
Coloso de Rodas. Del Laooconte y sus hiijos se conserva una copia
hecha en torno al año 50 a.C. Fue encontrada en unas excavaciones,
durante el Renacimiento, y restaurada por Bernini. Es un grupo
ultrarrealista, de intenso patetismo, claro antecedente de la escultura
barroca. La Victoria de Samotracia, obra original del s. II a.C., nos
muestra el movimiento de los ropajes sacudidos por el viento sobre
un cuerpo terso y vibrante.
De la isla de Rodas proviene también el grupo escultórico del Toro
Farnesio realizado en el siglo II a.C. En él vemos a un grupo de figuras
intentando capturar y dominar al animal mitológico.
Coloso de Rodas
Fauno Barberini
Victoria de Samotracia
Victoria de Samotracia
Victoria de Samotracia
Laocoonte y sus hijos
Se encontró en el año 1506 y
conmocionó todo el arte renacentista del
siglo XVI. Se fecha en el siglo I a.C. y se
cree que fue realizado por los artistas de
Rodas Agesandros, Polydoros y
Athenodoros. Fuerte expresividad y
patetismo, sobre todo de Laocoonte, que
sufre por el dolor físico y por ver
desaparecer a sus hijos (episodio de la
Guerra de Troya, en el que el sacerdote
troyano Laocoonte no quiere dejar entrar
el caballo a Troya. Poseidón, que ayuda a
los griegos, manda unas serpientes que lo
estrangulan. Los troyanos creen que es un
castigo divino por dudar del regalo, y lo
aceptan). Sus poderosas musculaturas
están en plena tensión y se logra un
efecto contrastado de claroscuro.
Laocoonte y sus hijos
Laocoonte y sus hijos
Toro Farnesio
Monumentalismo, dinamismo
expresividad y teatralidad son
también rasgos escultóricos del
periodo helenístico.
3.2. Evolución de la escultura
Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I
a.C.)
Escuela de Alejandría. Alejandría se convirtió, con los Ptolomeos,
en un importante centro económico, cultural y artístico. Sin embargo
en sus obras falta la grandeza barroca de las escuelas de Rodas o de
Pérgamo. Abundan las estatuillas de terracota que representan temas
cotidianos. Existe también una corriente más elitista a la que
pertenece el Grupo del Nilo y numerosas estatuas de Afrodita que
recuerdan a Praxíteles.
El Nilo
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