Almanaque Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial Desde la creación de los derechos de autor al esencialismo orgánico Por Jenifer Monje Aranda Historia del Diseño 2011
Almanaque Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial
Desde la creación de los derechos de autor al esencialismo orgánico
Por Jenifer Monje Aranda
Historia del Diseño 2011
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial
INTRODUCCION …………………………………………………………………………………………………….. PAG 1
LINEA DE TIEMPO ………………………………………………………………………………………………… PAG 2
1- 1826- MOBILIARIO PATENTADO ……………………………………………………………………………... PAG 3-5
2- 1850- ART AND CRAFT …………………………………………………………………………….................... PAG 6-10
3- 1860- CRAFT REVIVAL ……………………………………………………………………………...................... PAG 11-14
4- 1870- MOVIMIENTOS ESTETICOS ………………………………………………………………………….. PAG 15-21
5- 1890- ART NOUVEAU ………………………………………………………………………………………….... PAG 22-25
6- 1897- SEZESSION ………………………………………………………………………………………………… PAG 26-28
7- 1897- JUGENDSTIL ………………………………………………………………………………………………… PAG 29-31
8- 1900- FORDISMO …………………………………………………………………………………………………. PAG 32-36
9- 1900- VANGUARDISMO …………………………………………………………………………………………. PAG 37-47
10- 1907- WERKBUND (DWB) ………………………………………………………………………………………. PAG 48-51
11- 1910- EXPRESIONISMO …………………………………………………………………………………………… PAG 52-56
12- 1914- CONSTRUCTIVISMO ……………………………………………………………………………………… PAG 57-60
13- 1915- READY MADE ……………………………………………………………………………………………… PAG 61-63
14- 1917- NEOPLASTICISMO (de stilj) ……………………………………………………………………………. PAG 64-67
15- 1919- BAUHAUS ……………………………………………………………………………………………………. PAG 68-71
16- 1920- INTERNATIONAL STYLE ……………………………………………………………………………… PAG 72-74
17- 1920- SURREALISMO …………………………………………………………………………………………... PAG 75-79
18- 1925- ART DECO …………………………………………………………………………………………………. PAG 80-85
Índice
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 2
19- 1928- DYMAXION (RICHARD BUCKINSTER FULLER) ………………………………………………. PAG 86-92
20- 1930- DISEÑO ORGANICO ……………………………………………………………………………………. PAG 93-96
21- 1930- STREMLINE MODERNE ……………………………………………………………………………….. PAG 97-100
23- 1930- SWEDICH MODERNE ………………………………………………………………………………….. PAG 101-103
24- 1930- KITSCH ……………………………………………………………………………………………….…….. PAG 104-106
25- 1940- DISEÑO ITALIANO ………………………………………………………………………………………. PAG 107-110
26- 1950- DISEÑO ESCANDINAVO ……………………………………………………………………………….. PAG 111-114
27- 1950- POP ART ………………………………...………………………………………………………………… PAG 115-120
28- 1950- HARD EDGE …………………………………………………………………………….………………… PAG 121-123
29- 1953- ESCUELA ULM ………………………………………………..…………………………………………. PAG 124-127
30- 1958- OP ART ……………………………………………………………………………………………………. PAG 128-130
31- 1960- DISEÑO RADICAL (ANTIDISEÑO) ………………………………………….…..…………………… PAG 131-135
32- 1960- ARTE PSICODELICO …………………………..…………………….………………………………… PAG 136-139
33- 1960- SPACE AGE …………………………………………………………….………………………………… PAG 140-142
34- 1965- MINIMALISMO ……………………………………………………………………………………………. PAG 143-146
35- 1966- ARCHIZOOM ……………………………………………………………………………………………… PAG 147-149
36- 1966- SUPERSTUDIO …………………………………………………………………………………………… PAG 150-152
37- 1968- GRUPO 9999 …………………………………………………………………………………………….. PAG 153-154
38- 1970- GRUPO STRUM …………………………………………………………………………………………. PAG 155-157
Índice
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial
39- 1970- DISEÑO RETRO …………………………………………………………………………………………. PAG 158-160
40- 1973- GLOBAL TOOLS …………………………………………………………………………………………. PAG 161-163
41- 1977- GRUPO ALCHIMIA ………………………………………………………………………………………… PAG 164-165
42- 1978- HIGH TECH ………………………………………………………………………………………………… PAG 166-170
43- 1978- POST INDUSTRIALISMO …………………………………………………………………….….…….. PAG 171-173
44- 1980- ECODISEÑO ………………………………………………………………….……………………….…….. PAG 174-178
45- 1980- GRUPO MEMPHIS ………………………………………………………………………………..……… PAG 179-182
46- 1988- DESCONTRUCTIVISMO ………………………………………………………………………………… PAG 183-186
46- 2000- ESCENCIALISMO ORGANICO ………………………………………………………………………. PAG 187-189
CONCLUSION ……………………………………………………………………….……………………………….. PAG 190-191
Índice
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 1
A través del paso de los años hemos sido los espectadores pudiendo sentir, ver, tocar, oler,
saborear y ser participes generadores de tendencias mediante ideas o las mismas acciones y desempeños de cada una de las culturas,
convergiendo e introduciendo en nuestras memorias estas experiencias y experticias; es lo que
conocemos hoy como Historia. Entonces es en este concepto de la historia donde día a día se producen cambios involucrando en ello todas nuestras formas
de vida, y las consecuencias de nuestros actos, dando paso así a nuevas tendencias y tecnologías
que con el paso de los años van acaeciendo modas y derogando las formas de ver y concebir la vida que van siendo un obstáculo para lograr llevar a
cabo las aspiraciones de las nuevas generaciones y las necesidades que la misma humanidad a ido
desarrollando y auto-exigiendo.
Es para el entendimiento y la envoltura del Ser en las delicias que expenden las genialidades de los
mentores, en este caso de las expresiones e invenciones del ser humano, entregando al lector
solo un ápice de lo que puede llegar a ser y de lo que ha sido la Historia del Diseño Industrial.
Introducción
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 4
El mobiliario patentado, procedente de inventores
anónimos, posee una larga cola de modelos. Ya en 1826, hubo una patente británica, para evitar mareos
en el mar. Entre 1850 y 1893 EE.UU. tendrá una gran profusión de patentes, entre 1850 y 1940 una serie de sillas de «máquinas de coser» (basada en principios científicos para evitar muchas dolencias
de la postura), sillas para máquinas de escribir, quirúrgicas, dentales, de barberos y dental-hidráulica.
Adaptables a la fisiología, todas ellas iban a la par de los «asientos reclinables de los ferrocarriles» (el
«pullman» es el sobreviviente de aquella larga historia). El vagón de ferrocarril en Europa, estaba
construido bajo el principio de que las masas merecían escasa consideración (más del 80% de los viajeros se sentaban apiñadamente en toscos
bancos de madera), tan solo los estratos más altos de la sociedad podían asegurarse un cierto nivel de
confort.
En el siglo XIX, gran parte de Estados Unidos era un territorio virgen, existían pocas ciudades
construidas. En el 1804 Chicago era un fuerte, más adelante se parcela y se empieza a construir, la ciudad avanzaba y se hacía más fuerte, el sueño
americano de libertad e individualismo se solidificaba.
Se comienza a crear un tipo de mobiliario catalogado como mobiliario patentado: muebles móviles, adaptables y funcionales, cada idea se
patentaba para no ser copiada. Los pioneros en crear este tipo de muebles, austeros y funcionales,
fueron los integrantes de la Comunidad Shaker, creada en 1840. Liderados por una mujer inglesa,
Ann Lee, los Shaker fueron una de las numerosas sectas utópicas que emigraron al Nuevo Mundo a
finales del siglo XVIII. Creían en un deseo de uniformidad de estilo en todas sus comunidades.
Los pueblos Shaker estaban caracterizados por la extrema simplicidad en sus construcciones,
edificaciones construidas en base a “una arquitectura sin adornos”.
1826 Mobiliario Patentado
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 5
Los Shaker construían muebles y utensilios no sólo
para su uso personal sino también para la venta. Era una forma de vida y de distracción junto con
su alto conocimiento sobre plantas, especialmente medicinales, jardinería, mermeladas y semillas. Impulsados
por sus creencias religiosas, los Shaker buscan la perfección a
través de la austeridad. Por ello, su artesanía adopta las formas sencillas, claras,
atractivas y útiles propias de la obra bien hecha, siendo la armonía de las
proporciones su característica más notable y peculiar. Son
muebles muy funcionales, sin adornos
superfluos. Crearon muebles adaptables con
nuevos “gadgets” como por ejemplo pequeñas ruedas en las patas para
facilitar su desplazamiento.
Se les considera los pioneros en crear muebles minimalistas. Se
puso de moda este tipo de mueble porque engloba la idea americana de comodidad, confort y el control de la silla, tú tienes el control y se
adapta ella a ti. Transmite una sensación de superioridad, a la vez que se crea una
silla única ya que cada uno tiene sus necesidades, la silla se adaptará a cada una de ellas y se
crearan diferentes modelos.
1826 Mobiliario Patentado
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 7
Arts and crafts (artes y oficios) es un movimiento social y estético surgido en Inglaterra a mediados
del siglo XIX, que pretendía rescatar la importancia de lo artesanal frente a la creciente mecanización y
la producción en serie.
Este movimiento artístico tuvo sus bases en las ideas de John Ruskin (1819-1900), el crítico de arte más
influyente de su época, quien pertenecía a la corriente romántica en su concepción de artista como profeta y maestro inspirado. Abogaba por un renacimiento
del gótico y se puso en contra de los efectos de la revolución industrial. Influenciado por el arte gótico,
publico una enorme cantidad de libros sobre literatura, pintura, arquitectura, escultura, estética y otros muchos sobre temas sociales. Sus ideas se
popularizaron a través de sus libros e influyeron en el movimiento modernista naciente llamado Arts and
Crafts, que empezaba a caracterizarse por un retorno a la naturaleza, formas graciosas, onduladas,
delicadas, donde frecuentemente se ven reflejadas las formas de la naturaleza en flores, insectos, aves,
peces e incluso en animales mitológicos como los dragones.
El mayor exponente e impulsador fue William Morris, poeta y diseñador
originario de Gran Bretaña quien se inspiró en la cultura de la edad
media. A través de su obra literaria, teórica y artística intentó la
renovación de la cultura recuperando el espíritu de las artes y oficios medievales. Como
diseñador y artesano, su obra ejercería gran influencia en el diseño de libros, en el arte de la impresión, en las artes visuales y en el diseño
industrial del siglo XIX. Su ideario social, de signo utopista, quedó recogido en escritos teóricos y en
novelas como Noticias de ninguna parte (1890).
1850 Art and Craft
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 8
Principios del Art & Craft:
Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más
importantes:
1. Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.
2. Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas.
3. Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.
4. Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.
5. Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.
6. Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.
Diversas asociaciones simpatizantes fueron creadas durante la segunda mitad del siglo XIX. Arthur
Mackmurdo fundó en 1882 la Century Guild (taller de interiorismo), la primera asociación en rebelarse contra los utensilios a la manera gótica. En 1908
crea una especie de reserva para artistas y artesanos labradores que no pudieron resistir la
competencia de las empresas con una producción en serie de gran calidad y menor precio.
1850 Art and Craft
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Desde el punto de vista de la acción el Arts &
Crafts experimentó un empuje importante en 1861 cuando William Morris fundó la empresa Morris,
Marshall, Faulkner and Company, conocida generalmente como Morris and Company. En 1890
Morris fundó la Kelmscott Press, una imprenta artesanal de la que salieron tiradas reducidas de
algunos de los libros impresos más cuidadosamente producidos de toda la historia, y que fue capaz de ejercer una poderosa influencia sobre las grandes
editoriales comerciales durante varias décadas.
Este movimiento pronto fue imitado y hasta plasmado en papel como fue el caso de la obra titulada “Consejos sobre el gusto doméstico en
mobiliario, tapicería y otros detalles”, escrita por el arquitecto, también originario de Gran Bretaña,
Charles Eastlake, cuyo libro se transformó en una joya de la historia de la decoración.
Mobiliario
1850 Art and Craft
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Decorativo
Papeles tapiz
Joyería
1850 Art and Craft
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Los inicios de esta tendencia, Craft Revival,
comienzan a mediados del sigo XIX con el retorno de la artesanía tradicional, la simplicidad y la
honestidad en los diseños, que busca un trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el
artista y su cliente; tras la industrialización de Gran Bretaña, proveniente del Art and Craft.
A mediados del siglo XX, cuando los procesos de fabricación ofrecían mayores posibilidades, el
diseño y la producción fueron distanciándose cada vez más y las técnicas artesanales bajaron su
popularidad, generando productos de baja calidad, malas terminaciones debido a la fabricación
industrializadas de estos.
Grandes expositores del Craft Revival actual son John Makepeace y Wendell Castle, tendencia
que conservan las técnicas artesanales, trabajando la madera, manteniendo todas sus propiedades a través de sus obras como diseñadores y en sus
escuelas de artesanía. Durante los años ochenta, el Craft Revival se abrió paso estilísticamente con el
post modernismo, así algunos diseñadores como Fred Baler (1949) mezclaron el virtualismo técnico con formas extravagantes para crear objetos que
son completamente opuestos al “Mobiliario para Buenos Ciudadanos” que defendían William Morris y
Ruskin, grandes expositores del Art and Craft (artes y oficios).
1860 Craft Revival
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 13
" Como diseñador, mi papel ahora es comparable a la de un compositor y director de orquesta con instrumentistas de trabajo altamente cualificados para interpretar 'el resultado'”
John Makepeace
Su medio preferido es la maravillosa variedad de bosques que crecen en los bosques y jardines.
Trabaja con artesanos independientes
que han sido miembros del Estudio Pacífico en los
últimos 30 años. Las 3 actividades principales
para las que necesita muebles están sentadas en
la recolección y la protección de las cosas, donde cada uno presenta diferentes aspectos funcionales y estructurales.
Mientras que las maderas más comunes se producen en cantidades comerciales e
industrializadas, su interés para sus trabajos se centra en el uso de los árboles autóctonos de
carácter excepcional.
Su constante búsqueda de conceptos mas elocuentes para sus muebles; sus más libre, más
ligero, más fuerte y más esculturales formas más adecuadas para su función y más expresivo de lo
que es único acerca de cada comisión son sus principales principios para la creación de cada uno de sus diseños y que lo han llevado a ser uno de
los grandes diseñadores de los últimos tiempos.
1860 Craft Revival
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 14
Wendell Castle
Escultor, diseñador y educador dedicado al rubro por más de cuatro décadas. Influyente artista de trabajo prolijo y especialmente bello,
desarrollando muebles hecho a mano, de diseño moderno como
una forma de arte más importante. Sus piezas audaces
y elegantes, a menudo orgánicas, están hechas de maderas preciosas y bellas, plásticos,
chapas, metales y con acabados innovadores, presentes en éste, su estilo contemporáneo sin tiempo. Su
expresión de color y materiales exóticos han llevado al reconocimiento de Castle dentro de los artistas.
1860 Craft Revival
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La característica fundamental del siglo XIX y principios del siglo XX son sus fuertes cambios
anunciados y gestados en el pasado pero que sin embargo se efectuarían en el futuro. Estos cambios se vieron envueltos en todos los ámbitos de la vida y el conocimiento del hombre; revoluciones de todas las índoles tendrían su lugar en ello. La ciencia y la
economía se retroalimentarían, el término " científico" , acuñado en 1833 por William Whewell, sería parte fundamental del lenguaje de la época; la
economía sufriría dos fuertes revoluciones industriales, la primera acaecida entre 1750 y 1840,
y la segunda entre 1880 y 1914. En política las nuevas ideas del anterior siglo sentarían las bases para las revoluciones burguesas, revoluciones que
se explayarían por el mundo mediante el imperialismo y buscarían alianzas con el movimiento obrero al que, para evitar su triunfo le cederían el sufragio universal; el arte demoraría en iniciar el
proceso de vanguardización pero quedaría
cimentado en movimientos como el impresionismo y en arquitectura y diseño el modernismo dentro de
todo sería la principal característica en el desarrollo de objetos y productos que lidiarían por
mucho dentro del área de los estilos y modas acrecentadas dentro de los futuros años de avance
de la industrialización.
1870 Movimientos Estéticos
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 17
REVOLUCION INDUSTRIAL
Es el periodo histórico comprendido entre la segunda mitad del siglo XVIII y principios del XIX,
dividido en dos etapas: la primera del año 1750 hasta 1840, y la segunda de 1880 hasta 1914.
Inicialmente Inglaterra y luego el resto de la Europa continental, sufriendo el mayor conjunto de
transformaciones socioeconómicas, tecnológicas y culturales de la Historia. La economía establecida en el trabajo manual fue remplazada por otra dominada por
la industria y la manufactura.
La Revolución comenzó con la mecanización de las industrias textiles y el adelanto de los procesos del
hierro. La expansión del comercio fue beneficiada por la mejora de las rutas de transportes y posteriormente
por el nacimiento del ferrocarril.
A mediados del siglo XIX, en Inglaterra se realizaron una serie de transformaciones dentro de las cuales las
más relevantes fueron:
1. La aplicación de la ciencia y tecnología permitió el invento de máquinas que mejoraban los procesos productivos.
2. La despersonalización de las relaciones de trabajo: se pasa desde el taller familiar a la fábrica.
3. El uso de nuevas fuentes energéticas, como el carbón y el vapor.
4. La revolución en el transporte: ferrocarriles y barco de vapor.
5. El surgimiento del proletariado urbano.
1870 Movimientos Estéticos
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1870 Movimientos Estéticos Maquina a vapor
Ferrocarril a vapor
Producción en serie
Barco a vapor
Trabajo industrializado
Tendencias Estéticas
Arts and Crafts
La concepción de este movimiento se vio expresada en Inglaterra aproximadamente en las décadas de
mediados del Siglo XIX. Esta tendencia haciendo honores a su nombre es llamada Artes y Oficios,
defendiendo el diseño y la destreza manual. Siendo uno de los movimientos que renegaban la industrialización
de productos y de la producción en serie de la era victoriana, resultado de la Revolución Industrial.
Exponente más reconocido
Williams Morris
Mobiliario Arquitectura
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Exponentes más reconocidos
Modernismo es el término con el que (en España e Hispanoamérica) se designa a una corriente de
renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. En distintos países recibió
diversas denominaciones:
- Art Nouveau (en Bélgica y Francia), - Modern Style (en los países anglosajones), - Sezession (en Austria), - Jugendstil (en Alemania y países nórdicos), - Nieuwe Kunst (en Países Bajos), - Liberty o Floreale (en Italia).
Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los
estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como
los rupturistas (realismo o impresionismo)
Modernismo
Por Víctor Horta Casa Taseel
Interior Casa Taseel
Henry Van de Velde Por Henry Van
de Velde Por Henry Van de Velde
Víctor Horta
1870 Movimientos Estéticos
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Sezession
Es el término con el que se conoce a varios movimientos artísticos de finales del siglo XIX,
identificados historiográficamente con el modernismo, y caracterizados por la voluntad rupturista de un grupo
de artistas que pretendían fundar un arte nuevo, moderno y libre, frente a las instituciones oficiales, que
veían como tradicionales y anquilosadas.
Exponente más reconocido
1870 Movimientos Estéticos
Gustav Klimt
No sólo pretendían reformar el arte sino también recuperar un estilo de vida más sencillo y menos
condicionado por los imperativos comerciales. Compartían el optimismo de la juventud y un gran respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su
obra. Los detallados estudios ayudaron a comprender mejor la naturaleza, lo que permitió a
los diseñadores del Jugendstil dotar a su obra de un gran sentido del dinamismo y de un fuerte
desarrollo orgánico.
Exponente más reconocido
Jugendstil
Richard Riemerschmid
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Nieuwe Kunst
Es la denominación que la historiografía del arte da al estilo local identificado con el modernismo, Jugendstil o Art Nouveau en los Países Bajos (finales del siglo XIX
y comienzos del siglo XX).
No se aplicó hasta los años 1960, y se restringe su uso para designar al modernismo típicamente holandés,
al que popularmente se da el nombre de Slaolie. La decoración más habitual del Nieuwe Kunst consiste en
el empleo de una figura geométrica en series de bloques, o bien plantas y animales muy estilizados.
Exponente más reconocido
Vanguardismo
Se puede reconocer a través de varios movimientos de vanguardia ya sea de representación o
expresión artística, en teatro, pintura, literatura, cine, música, etc. Estos movimientos artísticos renovadores,
en general dogmáticos, se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX, desde donde se
extendieron al resto de los continentes, principalmente América. Surgen diferentes ismos, tales como el
futurismo, dadaísmo, cubismo, orfismo, constructivismo, ultraísmo, surrealismo, entre otros.
Víctor Horta
1870 Movimientos Estéticos
Piet Mondrian
Dadaísmo
Expresionismo
Cubismo
Futurismo Fauvismo
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Muchas fueron las influencias que contribuyeron a
su nacimiento, desde el Neogótico hasta el Exotismo y desde el Historicismo hasta el Simbolismo, pero
se considera relevante el Arts and Crafts, de William Morris, definido también como el primer Art
Nouveau inglés que desarrolló una personalidad claramente precursora.
Es un estilo de carácter complejo e innovador que se dio en el arte y diseño europeos pero
particularmente en las artes decorativas, como reacción contra la industrialización y la tecnología dominantes durante las dos últimas décadas del
siglo XIX y la primera del siglo XX. Desde 1890-1893, se habló por toda Europa de Art
Nouveau que es como se le llamó en Francia, aunque se le denominó Modern Style en Inglaterra. Sezession o estilo secesión en Austria. En Bélgica este movimiento era denominado Coup de Fouet
(latigazo), por la fluidez de las líneas de los diseños. En Alemania y Austria se llamó Jugendstil, por la revista de Munich Jugend. En Francia también se
llamó style Guimard, por el arquitecto Henri Guimard, que diseño en 1899 las verjas
ornamentales de las bocas del metro de parís, aunque también se le aplicó el termino descriptivo
Style Noulle (estilo fideo o tallarín). En España se lo denomino modernismo, y los italianos lo llamaron
Lo Stile floreale, o Lo Liberty, por los almacenes Liberty de la regent Street londinense, celebre en la época por vender tejidos con diseños modernistas.
Características formales
Sus rasgos estilísticos más característicos fueron el
uso obsesivo de líneas sinuosas, ondulantes y flameantes, la ornamentación estilizadamente vegetal
y policromada, y el recurso a efectos decorativos cargados de refinamiento, historicismo y simbolismo.
Las formas vegetales onduladas, llamas, olas en movimiento y cabellos sueltos eran los motivos más
característicos.
Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores
(Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo
siglo. Por ello utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el
cartelismo, la impresión...
1890 Art Nouveau
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 24
A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista
ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.
Materialidad y aplicaciones
El modernismo se manifiesta en el diseño de
ilustraciones de libros, de tejidos, de cristalería y de muebles. De estos materiales decorativos se pasó al
empleo de la fayenza, los vidrios de colores, la terracota y los chapeados.
En arquitectura, el hierro y el vidrio sencillo eran materiales favoritos, así como las vidrieras de
colores y el estuco. Los ornamentos arquitectónicos y del mueble tal vez son los únicos que siguen una
simetría, impuesta quizá por una armonía estructural. Los arquitectos del Modern Style cubrían los muros en acero y cristal de sus
edificios con una decoración curvilínea, movida, que tomaba como modelo la flora o las cintas
ondulantes; pero, en cuanto a estructura, seguían los principios del funcionamiento formulado por Henry
Van de Velde (1863-1957), Víctor Horta (1861-1947) y Paul Hangar (1861-1901), y que querían romper,
de una vez por todas, con ese estilo
cosmopolita que se utilizaba para la arquitectura civil, un grecorromano recargado y para la
arquitectura religiosa, un neogótico. Se plasmaría especialmente en las construcciones utilitarias (fábricas, almacenes, estaciones, puentes),
sobre todo gracias a la amplia aceptación del nuevo material: el hormigón armado.
Exponentes más reconocidos
1890 Art Nouveau
Casa del Pueblo Mansión Solvay
Víctor Horta
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1890 Art Nouveau
Henry van de Velde
Héctor Guimard
Antoni Gaudí
Otto Wagner
Karl-Ernst-Osthaus-Museum
Entradas al metro de París
Casa Batló
Sagrada Familia
Casa Milá
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Modernismo en España Art Nouveau en Bélgica y Francia
Modernstyle en Inglaterra
Sezession en Australia Jugendstil en Alemania
Liberty o Floreale en Italia
El movimiento más conocido de la secesión es la Sezession de Viena capital de Austria formado en
1897, por un grupo de artistas, que aspiraron al renacimiento de las artes y artesanías optando por
formas más abstractas y puras en los diseños de los edificios, el mobiliario, el vidrio y el metal. Para ello trataron de reunir a los simbolistas, naturalistas y
modernistas de la época.
Movimiento que surgiría como protesta de la generación más joven hacia el arte tradicional de
sus antepasados, una “separación” del pasado hacia el futuro.
Exponentes más reconocidos
1897 Sezession
Gustav Klimt
Joseph Maria Olbrich
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1897 Sezession Egon Shiele
Koloman Moser
Alfred Roller
Joseph Hoffmann
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Modernismo en España Art Nouveau en Bélgica y Francia
Modernstyle en Inglaterra Sezession en Australia
Jugendstil en Alemania Liberty o Floreale en Italia
Líneas sinuosas y juguetonas que se enredan, suben y bajan, mujeres transformadas en pájaros, formas asimétricas, arabescos que parecen volar por las esquinas de una mesa o por las fachadas
de los edificios; todo un mundo de formas exquisitas y bellas, estaba al alcance de una
sociedad en pleno auge. El descubrimiento de las artes decorativas infundía
un respiro de ligereza en la vida de cada día, no solo pretendían reformar el arte sino también
recuperar un estilo de vida mas sencillo y menos condicionado por imperativos comerciales.
Compartían el optimismo de la juventud y un gran respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su
obra.
El maravilloso juego de líneas ornamentales que se lanzaban a hacer ceramistas, cristaleros, ebanistas,
joyeros y artistas, los llevaba a construir obras con una estructura propia más libre, que les permitía
escapar del espíritu racionalista de los diseñadores precursores del Bauhaus.
Objetos de todo tipo que embellecen y facilitan la vida cotidiana, como un vaso o un tapiz, un reloj o un vitral, aparecen como testigos de una época de
grandes cambios y nuevas técnicas en el arte.
El Museo Bellerive de Zúrich consagra una novedosa exhibición dedicada a uno de los estilos
que mejor revelaron el sentir y las preocupaciones artísticas en Europa hacia finales del siglo XlX, el
llamado Jugendstil. La muestra que se lleva a cabo en el Bellerive está concebida a partir de las colecciones que, gracias a
donaciones o ventas, fueron enriqueciendo los acervos del Museo de las Artes Decorativas, hoy
Museo del Diseño de Zúrich.
1897 Jugendstil
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 31
En Alemania, este nuevo estilo se oponía a la política artística oficial del Imperio promovida desde
Berlín, y muchas regiones de autonomía cultural, como desde Múnich, Darmstadt, Weimar y Hagen,
adoptaron con entusiasmo el Jugendstil.
Exponentes más reconocidos
1897 Jugendstil
Richard Riemerschimd
Bruno Paul
Bernhard Pankok
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 33
El Fordismo fue un suceso importante ocurrido en Estados Unidos en el siglo XX surgió gracias
a la Revolución Industrial que hizo posible la invención de la maquina a vapor, logrando
trabajar mejor el metal, y producir objetos en serie mejorando eficiencia en la producción y aumentando las ganancias por las ventas en
serie.
El término Fordismo, viene de Henry Ford, un fabricante de automóviles estadounidense, quien
con la producción en cadena logro una combinación y organización general del trabajo
altamente especializada y reglamentada a través de cadenas de montaje, maquinaria especializada,
salarios más elevados y gran número de trabajadores. Modelo de producción que resulta
rentable siempre que el producto pueda venderse a un precio relativamente bajo en relación a los salaros promedio. Estrategia
utilizada posteriormente en forma extensiva en la industria de numerosos países, hasta el año
1970 (cuando fue remplazada por el Toyotismo).
Historia del Fordismo En los tiempos antiguos antes del siglo XX el automóvil era un artículo de lujo, muy caro y solo estaba para el alcance de los ricos, su costo era equivalente al precio de una casa, y su mantenimiento también tenía
precios muy elevados.
Fue en este contexto donde Ford crearía una nueva idea de producción, ve la gran
oportunidad de sobresalir en administración de empresas y cambiar para siempre el mundo
occidental. Piensa que; al bajar los costos del producto aumentarían las ventas y recaudaría
más dinero, pero para esto necesitaría una producción en masa que le ayudara a ahorrar tiempo de producción (horas hombre), Dando paso él junto a 11 inversionistas a la FORD
MOTOR COMPANY en 1903.
1900 Fordismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 34
El 12 de agosto de 1908, la
fábrica de la Ford Motor Company de la ciudad
norteamericana de Detroit, fundada cinco años antes por el industrial Henry Ford, puso a la venta el primer modelo
Ford T
Causas del Fordismo. 1. La producción de autos con elevados precios 2. El poco alcance de la gente a adquirir un auto.
Objetivos de la producción fordista. 1. Aumentar la productividad. Otorgando mejores
salarios y dejando a los trabajadores en un puesto fijo.
2. Mayor producción en menos tiempo. 3. Incrementar la ganancia por medio de la
reducción del costo de producción.
Rasgos característicos del fordismo. Automatización de los procesos: Se fraccionan las etapas del proceso productivo para que sean lo más simples posible y se puedan ejecutar con la mayor velocidad de forma repetitiva. Economía de escala: El gran volumen de producción permite reducir costos en materias primas, así como vender el producto a menores precios. Salarios fijos: El trabajo se valora en función del tiempo, ya que no hay un factor de calidad o cantidad que pueda venir determinado por el trabajador, éste no puede producir más o menos que lo que marca el ritmo de la cadena de montaje, ni tampoco puede producir un trabajo mejor o peor que otros. En consecuencia, se establece un salario. Estandarización: Es más fácil optimizar la elaboración de un único producto con pocas o ninguna variante.
1900 Fordismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 35
Cadena móvil del montaje: El producto se va desplazando mediante la cadena por cada fase en la que los operarios realizan las tareas que corresponden. El concepto clave es el de ritmo de producción y viene determinado por la velocidad de la cadena.
Mercado nacional: Se expandió el mercado nacional, la construcción de una clase media capaz de acceder a la compra de los bienes de consumo fabricados.
Sindicalismo de clase: A pesar de que Ford prohibió los sindicatos en sus fábricas, el Fordismo proporcionó en la práctica un gran poder a los trabajadores, por la relativa facilidad para alterar o detener el ritmo de producción con una huelga y sus consecuencias para la empresa.
Crisis del Fordismo Este modelo entra en crisis en los años 70 del siglo XX, debido a que las empresas comienzan
la búsqueda de nuevas soluciones de organización que pudiesen afrontar las variables
de la sociedad por esos días.
El final del sistema de cambio fijo de moneda: Basado en la divisa del oro, se presenta la paridad variable en la economía, lo que introduce un factor de variabilidad en el precio de materias primas. La crisis del petróleo: La crecida del precio del petróleo condiciono el aumento de los costes de productividad.
1900 Fordismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 36
La internacionalización: El incremento del coste del trabajo aumento gracias a la conflictividad laboral, lo que dio paso a una búsqueda, por parte de las empresas, de mercados laborales menos costosos. Así mismo las empresas fordistas buscaban mercados laborales que no tuvieran relación con su empresa, llevando a la deslocalización y a la subcontratación. La fragmentación de la demanda: La saturación del mercado nacional y la perdida de la capacidad adquisitiva de los trabajadores, llevo a la producción orientada a la exportación hacia mercados no fordistas, es decir a empresas que no producían objetos para la venta.
1900 Fordismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 38
Se manifestó a través de varios movimientos que
desde diferentes planteamientos, abordando la renovación en todos sus sentidos, desplegando
recursos que quiebren o distorsionen los sistemas mas aceptados de representación o expresión artística como el teatro, pintura, literatura, cine,
arquitectura, diseño, música, etc. Estos movimientos artísticos renovadores se produjeron en Europa en
las primeras décadas del siglo XX, desde ahí se extendieron al resto de los continentes,
principalmente hacia América, en donde se enfrentaron al modernismo.
La característica primordial del vanguardismo es la LIBERTAD DE EXPRESION, manifestándose alterando la estructura de las obras, abordando
temas tabú y desordenando parámetros creativos. Con una actitud provocadora atacaba todo lo
producido anteriormente que se desechaba por desfasado, al mismo tiempo se reivindicaba lo
original, lo lúdico, desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento.
En la pintura ocurría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto, suprimiendo la
personificación, expresando la agresividad y la violencia, violentando las formas y colores
estridentes. Surgieron diseños geométricos y la visión simultanea de varias configuraciones de un
objeto.
Surgieron diferentes Ismos, como propuesta contraria a supuestas corrientes envejecidas y
propusieron innovaciones radicales de contenido, lenguaje y actitud vital. Provienen de diferentes
corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores
comunes como: la lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad, innovación,
audacia y libertad de la forma, además del carácter experimental y la rapidez con que suceden las
propuestas.
1900 Vanguardismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 39
Impresionismo
Es un movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico, de hecho se considera como el punto de
partida del arte contemporáneo. Partió del desacuerdo de temas clásicos y escogieron la
pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana con una representación del mundo espontanea y
directa, para lograr esto se centraron en los efectos que produce la luz en los objetos, eliminando
detalles minuciosos y tan solo surgieron formas.
Exponentes más reconocidos
1900 Vanguardismo
Frédéric Bazille
Gustave Caillebotte
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 40
Expresionismo
Un movimiento dominante en el arte alemán desde 1910 hasta 1930 se aplicaba a un arte en que el
autor expresa con el mayor vigor posible su propia visión del mundo, abandonando las ideas
tradicionales del naturalismo, distorsionando y exagerando la forma y color que expresan las emociones del artista, pretendiendo conmover al
espectador para lo cual utiliza la figura y el trazo violento demostrando el ritmo de los sentimientos.
Exponentes más reconocidos
1900 Vanguardismo
Ernst_Ludwig_Kirchner
Erich Heckel
Karl Schmidt
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 41
Fauvismo
Movimiento pictórico francés se desarrollo entre 1904 y 1908 aprox. Desarrollado por un grupo de
pintores que creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento
condiciono su forma de pintar. No busca la representación naturalista, sino realzar el valor del color en si mismos. Por ello, rechazaron la paleta
de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para
crear mayor énfasis expresivo.
Exponentes más destacados
1900 Vanguardismo
Henri Matisse Andre Derain
Maurice Vlaminck
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 42
Cubismo
Movimiento significativo de la pintura occidental rompe con toda la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de ver la naturaleza,
conmocionando a todo el mundo del arte, el cubismo es un arte creado, un nuevo lenguaje y
estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. Es un arte mental no solo en las
formas sino en la concepción de la obra.
Exponentes más destacados
1900 Vanguardismo
Pablo Picasso
George Braque
Juan Gris
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 43
Dadaísmo
Este movimiento surgió con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico,
antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se
presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda
tradición o esquema anterior.
Exponentes más reconocidos
1900 Vanguardismo
Kurt Schwitters
Tristán Tzara
Marcel Duchamp
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 44
Ultraísmo
Movimiento literario nacido en España en 1918, con la declarada intención de enfrentarse al modernismo,
que había dominado la poesía en lengua española desde fines del siglo XIX. La expresión
" trabajos ornamentales" era una clara referencia al modernismo rubendariano, al que los ultraístas
consideraban recargado de adorno y sin sustancia. El ultraísmo coincidía con las otras vanguardias en
eliminar el sentimentalismo.
Exponentes más destacados
1900 Vanguardismo
Guillermo de la Torre
Rafael Cansinos Assens
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 45
Surrealismo
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la
que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o
figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el
mundo de los sueños.
Exponentes más reconocidos
1900 Vanguardismo
Vladimir Kush
Salvador Dalí
Max Ernst
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Estridentismo
El estridentismo movimiento literario poético, nació de la mezcla de varios ismos. Se dio
entre 1922 y 1927 y se caracterizó por la modernidad, el cosmopolitismo y lo urbano, así
como por el inconformismo, el humor negro, el esnobismo, lo irreverente y el rechazo a todo lo antiguo. Su antecedente inmediato fue el futurismo
ruso.
Exponentes más destacados
1900 Vanguardismo
Manuel Maples Arce
Diego Rivera
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 47
Existencialismo
Movimiento filosófico que postuló fundamentalmente que son los seres humanos, en forma individual, los que crean el significado y la esencia de sus vidas. Este movimiento generalmente describe la ausencia
de una fuerza trascendental; esto significa que el individuo es libre y, por ende, totalmente
responsable de sus hechos, sin la presencia de una fuerza superior que pudiera determinarle en su
actuar. Esto les atribuye a los humanos el crear una ética de responsabilidad individual, apartada de cualquier sistema de creencias externo a él. Esta articulación personal del ser es el único camino
existente para superar, generalmente, a las religiones, que tratan del sufrimiento, la muerte y el
fin del individuo.
Exponentes más destacados
1900 Vanguardismo
Pascal
Friedrich Nietzsche
Martin Heidegger
Jean Paul Sartre
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 49
Alemania a fines del siglo XIX quería surgir en el
mercado del diseño industrial que competía con grandes potencias como Inglaterra y Estados
Unidos. Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina con una importante teoría. Para
este fin envía a Herman Mathesius como un cazador de estilos, a Inglaterra a estudiar y
aprender sobre el movimiento de Artes y Oficios impulsado por William Morris.
Herman Mathesius fue un arquitecto, escritor y diplomático alemán que criticó el movimiento de
artes y oficios pero que impulsó sus ideas en Alemania al crear junto con Peter Behrens la
Deutscher Werkbund En el año 1903 en Inglaterra conoce y se ve
ampliamente influenciado por William Morris y lleva sus ideas a Alemania fundando en 1907 en Múnich la Werkbund, una asociación mixta de arquitectos,
diseñadores y artistas. Debe tenerse en cuenta que la Werkbund gozó del
privilegio de la polémica, del debate, de las contradicciones. Es más, en los primeros años del
siglo se señalaba que era una " asociación de íntimos enemigos" , en la que convivían artistas
como Henry van de Velde o Bruno Taut, tradicionalistas y artesanos como H. Tessenow y partidarios de la tipificación de la forma, de los
objetos, de la arquitectura, como H. Muthesius, Peter Behrens o Walter Gropius. La
Werkbund también presenció el conflicto entre el expresionismo y el racionalismo, anticipando y
coincidiendo así con la misma Bauhaus.
A pesar de que estaba inspirado principalmente en el movimiento de Morris, se distanciaba al admitir la
utilización de la máquina y del proceso industrial. Esta asociación se dividía en dos partes: una
encargada de la producción del diseño (producción mecánica en masa) y en la preservación de la
expresión artística industrial.
La Werkbund fue uno de los establecimientos que impulsó el Racionalismo en la forma, se basó en la producción en serie quitando la ornamentación pero
sin dejar de lado la estética en sus diseños.
1907 Werkbund (DWB)
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 50
La Deutscher Werkbund se fundaba en la filosofía
de Gesamkultur; una actitud para mejorar el mundo en función del hombre, el progreso social a través del uso de la máquina, del arte y de la artesanía.
Su principal lema era " Vom Sofakissen zum Städtebau" (desde los cojines de los sofás a la
construcción de ciudades) indica su amplio abanico de intereses. El grupo se dividió en dos partes: una que defendía la estandarización y la tipificación de
los productos (encabezada por Muthesius), la eliminación de todo ornamento, el desprendimiento de la individualidad artística y la forma-función y otra (encabezada por Henry Van de Velde) que
daba lugar a la primacía de la expresión individual.
Peter Behrens intentaba situarse entre los dos extremos pero sus trabajos se inclinaban a seguir a
Mathesius.
La Werkburn trabajaba ya en el dominio de diseño industrial. Se veía en las páginas de los anuarios de
la Werkburn reproducciones de fábricas, de muebles, de lámparas, de locomotoras del
Maffeiwerke de Münich, ferrocarriles eléctricos, buques, reproducciones del avión de Rumper,
puentes de hormigón armado, puentes colgantes de acero, etc. Esto hizo que se empezara a hablar ya de la “forma alemana” que despojaba a los objetos
de los agregados superfluos.
La Werkbund para la arquitectura representó la defensa de la construcción de acero, hormigón y vidrio. Fue clausurado por el nacionalsocialismo, pero sobrevivió hasta nuestros días con varias
transformaciones.
A partir de las ideas de la Werkbund nace la Bauhaus, escuela de artes y oficios de Alemania,
también se extendió prontamente a Suiza donde se fundó la Swiss Werkbund.
1907 Werkbund (DWB)
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 51
Caricatura de Karl
Arnold sobre la polémica del congreso del
Werkbund de 1914: Van de Velde propone la silla
individual, Muthesius propone la silla tipo, y el
carpintero hace la silla para sentarse.
1907 Werkbund (DWB)
Deutshe Werkbund
Cartel exposición Werkbund en Colonia
1914
Centenario de la Werkbund
Modelo con 16, Carl Pott, estilo clásico en el año 1935. Werkbund
Bruno Taut. Pabellón del Vidrio. Exposición del Deutscher Werkbund en Colonia, 1914
Teatro exposición Werkbund
Diseño de Peter Behrens
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 53
El Expresionismo es un flujo artístico que busca la expresión de las emociones y los sentimientos del
autor más que la representación de la realidad objetiva, desarrollado principalmente en Alemania.
Muestra el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. El lado
oculto de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las
grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser
humano. La angustia existencial es el principal generador de su estética.
El objetivo es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través
de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva.
No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.
La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, un conflicto interior. De aquí que los
personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también
supuso para los artistas una gran fuente de inspiración.
Precedentes del Expresionismo
Encontramos algunas raíces del Expresionismo en las pinturas negras de Goya, que rompe con las
convicciones con las que se representaban las anatomías para sumergirse en el mundo interior. Si n embargo, los referentes inmediatos son Van Gogh y
Gaugain, tanto por la técnica como por la profundidad psicológica.
1910 Expresionismo Vanguardismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 54
Otro grupo de gran influencia es el simbolismo, entendido como la búsqueda en la cual el artista,
limitando la pintura objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos
subjetivos, las fantasías y los sueños.
El Expresionismo se inicia con un periodo preliminar representado por el belga Ensor y el
noruego Munch.
Exponentes mas destacados.
1910 Expresionismo
Edvard Munch
James Ensor
Vanguardismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 55
Expresionismo en Alemania
En 1905 se constituye en Drede el grupo Die Brücke (El Puente), manifestantes con una técnica basada en la intensidad de las siluetas y las masas cromáticas, prefiriendo los tonos oscuros, ahincando la plasmación de las angustias interiores del hombre
y sus preocupaciones existenciales.
En el grupo Die Brücke, influido por Múnich, destacan Nolde y Kirchner. Son artistas
comprometidos con la situación social y política de su tiempo.
En 1911 Se formo en Múnich el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul), recibió un importante aporte internacional sobre todo del cubismo y el futurismo, ya que lo integraron numerosos artistas extranjeros.
Además del alemán Franz Marc, encontramos al ruso Kandinsky, al suizo Klee, a August Macke y a
Gabriel Münter entre otros.
El arte del Jinete azul es más exquisito, subjetivo y espiritual que el de Die Brücke. Les importa más el
cómo de la representación que el qué.
Los artistas creían que el significado y el sentido de cada cuadro están en manos del propio
espectador. El artista da forma a la emotividad en su obra y a su vez el cuadro causa en quien lo
observa determinados sentimientos.
La Primera Guerra Mundial destruye las agrupaciones, pero el Expresionismo no se extingue,
al contrario, los desastres y la crueldad de la guerra incita a otros artistas a traducir el dolor
provocado.
El austriaco Oskar Kokoschka (1886-1980) con su personalidad vigorosa, busca la expresión a través
de la pasta y el color. En La noria del viento trasciende lo puramente figurativo y anecdótico
para expresar contenidos interiores a través de sus composiciones.
En Francia, Georges Henri Rouault (1871-1958) es un ejemplo de cómo se puede pasar del fauvismo
al Expresionismo sin cambiar los aspectos formales, simplemente con un cambio en la concepción.
A partir de 1950, los norteamericanos se apropiarán del nombre en lo que se ha conocido como el
Expresionismo Abstracto.
1910 Expresionismo Vanguardismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 56
Expresionismo Abstracto.
Su principal representante es Jackson Pollock, quien recogió toda la tradición vanguardista europea y la combino con un cierto espíritu americano, creando un mundo pictórico nuevo, donde lo importante es
el acto de pintar. Sienta los principios de una nueva forma de entender la pintura.
Introdujo materiales que nunca hasta entonces habían sido considerados como propios del lenguaje pictórico: pasta espesa con arena, vidrios molidos….
La materia pasa a ser por si misma un elemento sustancial de la obra pictórica. Con Pollock concluye
un proceso en el que el lenguaje pictórico de la abstracción se desvincula totalmente del objeto real.
Características artísticas
Emplea la abstracción de forma absoluta. Pintura instintiva. Las obras carecen de un plan prestablecido en las que no parece haber ni principio ni fin.
Emplea la técnica del Driping, ya utilizado por los indios del Oeste americano, que consta en derramar, dejar gotear, o lanzar pintura sobre el lienzo sin tensar para que formara las más sorprendentes configuraciones.
Exponentes más destacados
1910 Expresionismo
Oskar
Kokoschka
Ernst_Ludwig_Kirchner
Vanguardismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 58
El constructivismo nace en Rusia imbuido en las
ideas de la revolución que, en nombre del proletariado, habían llevado a cabo. Este proceso se
salda con una profunda crisis social y económica como consecuencia de la Segunda Guerra Mundial
y la propia revolución Rusa, cerrándose de esta manera una era de la historia y se abre una época
para la humanidad. Aunque la revolución plástica había precedido a la revolución política. El
rayonismo y el simultaneísmo se desarrollaron antes de 1918, abriendo el camino del constructivismo.
La Revolución Soviética buscó nuevas formas de expresión relacionadas con la aspiración de
suplantar el sistema capitalista por esquemas más democráticos de producción y distribución de
bienes. Con esta finalidad, artistas como Vladimir Tatlin, Kasimir Malevich, Alexander Rodchenko, Wassily Kandinsky, Naum Gabo y El Lissitzky
promovieron una estética y una aproximación al diseño que, entre otras cosas, se asociaba a la
producción industrial y decía adiós al ornamento complaciente.
El término constructivismo aparece por primera vez en 1920 en el Manifesto realista de Gabo Diem y
Pevsner. Alexei Gan utilizó la palabra como el título de su libro “Constructivism”, impreso en 1922. Aplicó el constructivismo a su trabajo, mientras que
su abstracción geométrica se debió, en parte, al suprematismo de Kasimir Malevich.
A partir de entonces se dividen en dos tendencias: Una liderada por Tatlín y Rodchenko, la cual tiene un carácter utilitario. En 1921 lideraron, junto a 25 artistas, la renuncia al “arte por el arte” e hicieron
un llamado a los artistas para que dejaran de producir cosas inútiles, para dedicarse al diseño
industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad
comunista.
La segunda visión del constructivismo es simplemente estética y defiende la libertad de
creación. Esta llegó a Europa en 1921 y 1922 y estuvo representada por Kandisky, Malevich, Gabo y
Pevsner que defienden lo subjetivo en la obra de arte.
1914 Constructivismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 59
Características del movimiento
Del mismo modo que los futuristas, los constructivistas rusos se fijaban como meta una
“reconstrucción” de la sociedad, lo que les condujo a un interés por la arquitectura, el diseño utilitario y la
escenografía.
A partir de los años veinte, el arte en Rusia se convierte en una edificación, en un producto más. El constructivismo implica que la obra de arte sea una construcción, que se articule como un edificio y se
realice siguiendo métodos análogos.
Sus composiciones son construidas matemáticamente.
Los motivos no son ni objetos reales ni fantasías libres del artista.
La valoración del espacio y el componente espacio/tiempo eran fundamentales.
La inspiración estaba basada en la producción técnica desde un punto de vista estético.
Abandonaron el ámbito puramente material y se dedicaron a todos los ámbitos artísticos: diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones.
Utilizaban colores como el naranjo, rojo, azul, amarillo, negro y blanco (generalmente siempre en los mismos tonos, tanto en afiches como en objetos).
Las obras aludían a elementos modernos que simbolizan el progreso, las estructuras geométricas y las formas pesadas.
Exponentes más destacados
1914 Constructivismo
Kasimir Malevich
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 60
1914 Constructivismo
Vladimir Tatlin
Alexander Rodchenko
Wassily Kandinsky
Naum Gabo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 62
El Ready Made (“ya hecho”) expresión que se
impuso en 1915 por Marcel Duchamp en nueva York, se logra definir como un arte o práctica
artística donde se crea una obra la que es realizada a partir del uso de los objetos cotidianos que
carecen de valor artísticos en sí mismos, pero que al ser presentados fuera de su contexto habitual
toma otro sentido del arte. Es así como transforman este objeto cotidiano en una obra de arte casi inmediatamente, este objeto se modifica
pero no al extremo donde llegue a ser irreconocible pudiendo así clasificar al objeto encontrado como
modificado, interpretado o adaptado.
Los Ready-Mades nunca habrían existido de no ser por el movimiento dadaísta. Es un movimiento
antiartístico que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía
Dentro de este movimiento uno de sus exponente fue Marcel Duchamp (28 julio 1887- 2
octubre 1968), artista y ajedrecista francés quien en 1915 impuso la expresión de Ready-Made.
Según Duchamp, el Ready-Made es una manifestación perfecta del no-arte indiferente
visualmente y con una ausencia total del buen o mal gusto, para Duchamp lo importante al crear una
obra de arte es el gusto de quien la observa, no tanto si es bueno o malo ya que siempre habrá quienes encuentren buena a mala una obra, lo
importante es que le genere interés, gusto por verla lo que posteriormente determinará la calificación de
buena o mala dependiendo de la opinión de la mayoría de los observadores.
La obra de Duchamp ejerció una importante influencia en la evolución del movimiento Pop Art,
Surrealismo y Dadaísmo. En 1913 concibió una obra a partir de una rueda de bicicleta colocada sobre una banqueta de cocina, fue uno de los primeros ejemplos de arte cinético. Luego en 1915 presenta
un urinario de loza puesto al revés titulado Fontane.
1915 Ready Made
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 65
Constituido en Leinden, Holanda el De Stijl fue un
movimiento integrador de las distintas artes que buscan una total renovación estética del entorno
humano basada en valores plásticos nuevos universales y más puros. Fue la sencillez del estilo
lo que dio el nombre a la revista “de Stijl” (El estilo).
Las bases teóricas de esta nueva estética fueron formuladas por Mondrian, lo que posteriormente fue
llamado neoplasticismo. Decretó dentro de la conceptualización, un arte objetivo, es decir,
revelador en la estructura interna de la realidad sensible, capaz de establecerse como un lenguaje
plástico, de validez universal.
El planteamiento básico de este movimiento queda perfectamente claro en una frase de uno de sus
creadores, Doesburg, quien dijo: " Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el
estilo” en 1917 Teo Van Doesburg junto a Piet Mondrian fundaron la revista “De Stijl” principal difusor del movimiento en cuyo primer artículo salió publicado
el manifiesto neoplasticiano defendiendo la abstracción y la simplificación.
Características del movimiento
La intención del Neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la
naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y caprichosas, pero que, sin embargo, es de una
regularidad absoluta.
Búsqueda de la renovación estética. Lenguaje plástico objetivo y como consecuencia, universal.
Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente).
Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la esencia. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.
Planteamiento totalmente racionalista.
1917 Neoplasticismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 66
Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.
Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las formas y los colores.
Uso de pocos colores. Colores planos, de carácter saturado o puros (primarios: amarillo, azul, rojo) y tonal o neutros (blanco, negro y grises).
Empleo de fondos claros. Pinturas: equilibradas, ordenadas, optimistas, alegres.
Es una orientación artística antitrágica: arte no como expresión purgativa de sentimientos trágicos interiores del artista, sino como metáfora visual de armonía espiritual.
Exponentes más destacados
1917 Neoplasticismo
Piet Mondrian
Theo Van Doesburg
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 67
1917 Neoplasticismo
Bart van der Leck
Vilmos Huszár
Georges Vantongerloo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 69
El origen de la Bauhaus se
remonta años antes de su creación (antes de la Primera Guerra
Mundial), cuando desempeñando Henry Van de Velde el cargo de director de la Escuela Ducal de
Artesanía y de la Escuela Ducal Superior de Artes Plásticas, ambas en Sajonia,
dejo como sucesor, a Walter Gropius, el cual, consiguió plenos poderes para
reorganizar las dos escuelas.
Bauhaus fue fundada en 1919 en Weimar, Alemania, Se desata la concepción de esta escuela por la fusión llevada a cabo por Walter Gropius, de la
Escuela Ducal de Artesanía y de la Escuela Ducal Superior de Artes Plásticas.
Bauhaus se basó en los principios de William Morris y en el movimiento Arts & Crafts. En la escuela se
buscaba la colaboración tanto de los profesores como de los alumnos para la proyección de
trabajos de diseño.
Entonces Bauhaus se basó en la experimentación, en que el artista y el arquitecto deben ser también
artesanos.
En 1928 Walter Gropius abandona la escuela y asume como director Hannes Meyer. Junto con él se implementa una
nueva organización de la escuela, compuesta por 4 departamentos
principales:
Arquitectura Publicidad Acabado (producción de madera y metal) Tejidos
Dos años mas tarde de la dirección de Hannes Meyer, asume la
responsabilidad Ludwig Mies van der Rohe, quien era el director de la
escuela de arquitectura.
1919 Bauhaus
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 70
Bauhaus en Weimar 1919
Bauhaus en Dessau 1925, cambio de cuidad por problemas políticos.
Bauhaus en Berlín 1932, donde en 1933 se produce el cierre de la escuela por
el régimen nazi, produciendo un éxodo de
los diseñadores que trabajaban en ella, surgiendo nuevas escuelas en distintos lugares del mundo (La New Bauhaus).
Exponentes más reconocidos
1919 Bauhaus
Walter Gropius
Henry van de Velde
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 71
l
l
l
l
l
1919 Bauhaus
Marcel Breuer
Wassily Kandinsky
Paul Klee
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 73
El Estilo Internacional fue un estilo más que nada
arquitectónico. Donde se produjo la formación de la arquitectura moderna surgiendo entre los años
1920 a 1930 fue impulsado por un pequeño grupo de destacados arquitectos, entre ellos Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Charles
Edouard Jeanneret, Peter Behrens.
Los autores identificaron tres principios:
La expresión del volumen en lugar de masa. El énfasis en el equilibrio y no de la simetría preconcebida.
La expulsión de la ornamentación aplicada.
Este movimiento comenzó en primer lugar por la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de estilos que estaban en boga a finales del siglo XIX, pues se basaban en características y elementos de diversos estilos y periodos, sin obedecer la relación entre forma y utilidad de las edificaciones.
1920 International Style
Además de la aparición acelerada de la industrialización, que comenzó a crear necesidad de nuevos tipos de edificaciones; por ejemplo: edificios
de oficinas, bloques de apartamentos, nuevas fábricas más espaciosas.
Como otro factor de importancia podemos nombrar los enormes avances técnicos de la ciencia de los
materiales y la construcción, permitiendo la invención del hormigón armado y avances en
aleaciones de acero.
Exponentes más destacados
Ludwig Mies van der Rohe
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 74
Walter Gropius
Charles Edouard Jeanneret – Le Corbusier
Peter Behrens
1920 International Style
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 76
¿Cómo puedo ser libre?
Es la gran pregunta que se hace este movimiento, muchas obras de arte son metáforas de libertad,
nos muestran el libre juego de la mente y los sentidos y son modelos de elección. Tomó del
Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazo su carácter negativo y destructivo, en
cambio el surrealismo aspiraba a ser el instrumento de libertad, quería ser como los revolucionarios y evangelizadores que prometen la salvación por un acto de fe. Por lo tanto, había algo más en el que simplemente una parodia solemne de las amenazas
revolucionarias tenía algo en común con una religión, tenía dogmas y rituales, tenia mártires y
santos, tenia un círculo de fieles y un papa.
Por esos días en París, cuna del surrealismo, vivía un joven estudiante de medicina convertido en
poeta su nombre era André Bretón y en los años 20 se transformo en una de las grandes
fascinaciones del arte moderno, inspiraba una
devoción fiel, en buena parte por que era muy inventivo, muy perceptivo y muy moral, actitudes no muy corrientes en los círculos culturales de Francia
o de cualquier otro sitio.
El sueño era el instrumento. El inconsciente nos habla en los sueños, la mente soñadora era la
verdad sin legislar y también era la neurosis la forma permanente y voluntaria de los sueños. En esto Bretón y su circulo formaban parte del gran movimiento intelectual cuyo motor era la obra de
Sigmund Freud, pero realmente no eran freudianos y no hay pruebas de que Freud los tomara en
serio, como tampoco de que Stalin llegara a tener noticias de los masoquistas esfuerzos de los
surrealistas para ponerse al servicio del comunismo en los años 30. Bretón era un jefe de clan natural
y pronto adquirió la devoción de un grupo amablemente caricaturizado por Max Ernst en
1922.
1920 Surrealismo Vanguardismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 77
Se distinguen dos modos de hacer arte surrealista:
1. Una que defendía el automatismo, aquí las ideas y las asociaciones de imágenes surgen de manera rápida, espontanea, fluida, sin hacer caso para nada de la coherencia y el sentido. Se encontraban en boga los surrealistas abstractos como Joan Miró y André Masson, quienes creaban universos figurativos propios.
2. La otra forma de surrealismo era en donde creían que la figuración naturalista podía ser un recurso igual de valido. Donde los surrealistas figurativos como Salvador Dalí, Rene Magritte, Paul Delvaux, Estefano Viu o Yves Tanguy, se interesaban por los sueños y el realismo mágico.
Técnicas y métodos
La fotografía, la cinematografía y la fabricación de objetos, tomadas del Dadaísmo.
El collage y el ensamblaje de objetos incongruentes.
El forttage (dibujos logrados por el roce de superficies rugosas contra papel o lienzo).
Técnica del “Cadáver Exquisito” o la pintura automática (varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver el trabajo del anterior, logrando imágenes interesantes e ilógicas).
Automatismo (cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control).
Inspiración en el pensamiento oculto y prohibido, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes.
1920 Surrealismo Vanguardismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 78
Preferencia por los títulos largos, equívocos, misteriosos.
Decalcomanía (técnica pictórica, consiste en aplicar acuarela opaca negra sobre un papel, el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, despegándolas antes de que se seque).
Grattage (técnica que consiste en raspar los pigmentos de pintura ya secos sobre la superficie de madera o lienzo).
Imágenes de la pintura surrealista Formas abstractas o figurativas simbólicas que intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.
Animación de lo inanimado. Aislamiento de fragmentos anatómicos. Elementos incongruentes. Metamorfosis
Máquinas fantásticas Relaciones entre desnudos y maquinaria. Evocación de caos. Representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías.
Realidades oníricas. Universos figurativos propios.
Exponentes más reconocidos
1920 Surrealismo
André Bretón
Vanguardismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 79
1920 Surrealismo
Joan Miró
Automatismo Surrealista
André Masson
Surrealismo Figurativo
Salvador Dalí
Rene Magritte
Vanguardismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 81
El período llamado Art Decó se manifestó entre las
dos guerras mundiales, entre 1920 y 1939. Teniendo periodos diferentes correspondientes a
dos líneas estéticas de estilos; una es el ZigZag y la otra llamada Stream Line.
Este movimiento surge en la exposición
Internacional de las Artes Decorativas, Realizada en París en 1925. Conocido en general como un
movimiento artístico decorativo o diseño ilustrativo. Se utilizo principalmente en mobiliario, joyería,
vestimenta, cerámica y diseño de interiores. Sus formas estilizadas transmitían elegancia y
sofisticación. El Art Decó se inspira en las corrientes artísticas
de principio del siglo XX, por ejemplo: el constructivismo, cubismo, futurismo, el racionalismo
de la Bauhaus y del propio Art Nouveau del que evoluciona.
En los años 20 se vivió una modernización en la sociedad; la igualdad de sexos, la emancipación de la mujer, sombreros encasquetados, hombreras en vestidos cortos, etc; alcanzando así una expresión
de mujer dinámica que al igual que el hombre despeña un nuevo papel en esta renovada sociedad.
El cambio también se avoco al estilo de esa época siendo característico en el Art Decó el uso de líneas rectas, con diferentes combinaciones, el
chapado, las curvas aparecen con frecuencia, se utilizan las líneas en sentido geométrico; el
hexágono y el octágono son las figuras geométricas mas utilizadas.
Aparecen nuevos materiales en la decoración del mobiliario y sorprendentes combinaciones; por
ejemplo: el cromo, la baquelita, resinas sintéticas y moldeables, plásticos utilizados de múltiples maneras,
en el chapeado de muebles se utilizan exóticas maderas, además de conchas de tortuga, pieles de serpientes, de tiburón o del pez espada. Productos enfocados para el consumo de la alta sociedad, sin
embargo, la población de clase media desea consumir estos objetos de diseño exclusivo, los talleres y la industrias empiezan a producir en masa, productos copiados e inspirados en los
originales que solo se vendían en grandes almacenes y boutiques, estos tiempos de consumo
provoca que el comercio sea decorado atractivamente para atraer la atención del
consumidor, la publicidad es una nueva ciencia donde el cartel toma gran importancia.
1925 Art Decó
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 82
El Art Decó era casi puramente decorativo, por lo que se lo considera un estilo burgués, que a pesar
del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara
identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución
Industrial.
Exponentes más reconocidos
1925 Art Decó
Paul Poiret Louis Majorelle
André Groult
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 83
1925 Art Decó
Pierre Chareau
Jacques Émile Ruhlmann
Tamara de Lempicka
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 84
Dentro del Art Decó existen dos líneas estéticas:
1. El ZigZag
Mayormente desarrollado en Europa en la primera etapa entre 1920 a 1930. Se basó más en las
referencias de las culturas pasadas que se pusieron de moda por descubrimientos arqueológicos. Egipto,
Mesopotamia, Mesoamérica, la cultura Inca. Resalta en su decoración los triángulos
encadenados, superpuestos, líneas y composiciones geométricas en movimiento.
Exponentes más destacados
1925 Art Decó
Claude Beelman
Donald Parkinson
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 85
2. El Stream Line Tuvo su origen en Estado Unidos, en la década de 1930 a 1940. El factor desencadenante fue la depresión económica de 1929. Todo empezó con los nuevos aviones de línea aerodinámica,
las locomotoras y los automóviles. El Lockheed Orion de 1930 se diferenciaba con
claridad de los pesados aviones de chapa ondulada, donde tuvo su apogeo en 1937,
representa la recuperación económica después del “crack” bursátil del 29.
Los principales motivos decorativos son las líneas curvas aerodinámicas, horizontales y
abstractas.
Exponentes más reconocidos
1925 Art Decó
Raymond Loewy
Henry Hohauser
Lawrence Murray Dixon
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 87
Nació el 12 de julio 1895 en Massachusetts,
Estados Unidos y fallece el 1 de julio 1983 en Los Ángeles, California.
Sus años de formación coinciden con una época de gran innovación tecnológica y de expansión
industrial. Durante su juventud se instruyo sobre diseño analizando los barcos veleros y su
estructura, su pensamiento esta con la máxima utilidad con un mínimo de materiales, que queda
como la esencia de los trabajos de Fuller a lo largo de su vida.
De 1913 a 1915 estudia matemáticas en la Universidad de Harvard siendo expulsado dos veces de la institución, al no poder con la mente creativa
de Fuller.
En 1917 interrumpe su cotidianidad para enlistarse en la armada en la Primera Guerra Mundial.
Experiencia que contribuiría positivamente en su formación fortaleciendo sus conocimientos
marítimos, matemáticos y logísticos, y empezando a formar su “concepción teórica”.
Sin una educación formal en diseño, su acercamiento a este campo vino por medio del matrimonio, cuando se casa con una estudiante
de arte e hija del arquitecto James Monroe Hewlett.
Durante esos años muere su primera hija, hecho que Fuller atribuye a las condiciones poco salubres
que caracterizaban la vivienda de esa época. A consecuencia de esto, empieza a trabajar en el campo de la construcción, con la ambición de mejorar la calidad de la vivienda en general.
1928 DYMAXION Richard Buckminster Fuller
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 88
Su primer paso en dirección al diseño fue publicar dos ensayos, en los cuales presentó su filosofía de diseño al cual definía como, " Desarrollar soluciones
para satisfacer necesidades reales de la humanidad”, e incluyó unos esquemas para vivienda
industrializada que denominó Casa 4D.
Al igual que Le Corbusier, Fuller concibe la vivienda como una " máquina para vivir" , pero Fuller va
más allá y la define como “un sistema para satisfacer las necesidades humanas de protección
contra los elementos, privacidad e higiene”. En los mencionados ensayos, Fuller propone un
diseño específico para vivienda industrializada: una torre con las áreas habitacionales suspendidas de
un mástil central. La razón por la cual propone suspender los pisos es para lograr una estructura más ligera y fácilmente transportable de la fábrica
al sitio de elección. La planta de los pisos en la Torre 4D era hexagonal y todos los servicios
estaban incorporados al mástil.
En la selección de materiales Fuller demostró su gran capacidad para innovar con respecto a los
materiales que implementó:
Aluminio en el mástil. Plástico en ventanas Losetas inflables de hule para los pisos.
Con respecto a las estructuras; deseaba la utilización de ensambles en fábricas para el transporte completo
de las unidades a cualquier parte del mundo por dirigible. El concepto de transportar las unidades por
dirigible era una extensión de su interés en artefactos aéreos. En 1927 Fuller ya anticipaba cómo, en un
futuro próximo, las aeronaves facilitarían el transporte a cualquier punto del planeta, sin necesidad de
transbordos. Fuller estaba logrando su propósito de hacer de la
vivienda una máquina para vivir asequible a la población de su país, por lo que ofrece ceder las
patentes que tiene sobre la vivienda 4D al Colegio de Arquitectos de Estados Unidos para su mayor
difusión, pero la directiva del Colegio no sólo rechaza el ofrecimiento sino además pasa una resolución
estipulando que está en contra de cualquier diseño reproducible.
1928 DYMAXION Richard Buckminster Fuller
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 89
Fuller no se desanima y desarrolla la versión de
vivienda unifamiliar del edificio4D, a la que denomina la casa Dymaxion.
Aunque ninguno de sus diseños para vivienda pasa de la etapa de anteproyecto, el baño unitario de
plástico moldeado provoca el interés de la industria de sanitarios. En 1940 desarrolla un prototipo que incluye una regadera de agua atomizada e inodoro
seco. A pesar de que varias compañías habían apoyado las investigaciones del baño integral, ninguna se aventuró a lanzarlo al mercado. En 1940, se le da la oportunidad de realizar este concepto de vivienda.
El diseño fue bautizado Unidad Dymaxion Desplegable, pues el concepto era producir albergues
transportables. La producción llegó a ser de mil unidades por día, pero en la Segunda Guerra Mundial
la producción se limitó por la escasez de materia prima, sin embargo, estas unidades encontraron
múltiples usos durante la guerra.
Dinámica + máxima tensión
El concepto Dymaxion es una contracción de las palabras dinámica y máxima tensión en ingles,
acuñada en 1928. Fuller se entusiasmó con la palabra y la empleó para muchas de sus invenciones en las
siguientes décadas, como la casa Dymaxion, el coche Dymaxion y el mapa Dymaxion, pues refleja su
filosofía de diseño.
Auto Dymaxion
En concepto y diseño este automóvil era muy diferente a otros de la época. La primera versión fue
construida en 1934, el vehículo era totalmente aerodinámico. El sistema estructural, materiales y
modo de fabricación también simulaban los
de un avión de la época, el motor
estaba montado en la parte posterior con
tracción delantera. El coche tenía solamente tres ruedas. Esto le brindaba
un alto grado de maniobrabilidad.
1928 DYMAXION Richard Buckminster Fuller
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 90
Casa Dymaxion
Aproximadamente en 1944, Fuller se puso a trabajar con
la compañía Beech Aircraft Corporation en Wichita, Kansas.
Ahí diseña y construye un prototipo de vivienda que fue
denominado la casa Wichita. Este prototipo representa la maduración de los conceptos para
vivienda industrializada que Fuller había trabajado por casi dos décadas.
La casa Wichita era de forma circular y la estructura íntegra estaba suspendida de un mástil central, esta vez la vivienda estaba próxima al terreno y
anclada al mismo.
Los avances en metalurgia y plásticos permitieron que la
estructura fuera más fuerte y liviana que los diseños anteriores.
Mapa Dymaxion
En el ámbito universitario Fuller enfoca sus energías en la investigación de la geometría
estructural. El estudio de volúmenes lo lleva al tetraedro, el cual es la estructura más estable y más resistente a la compresión. Combinando 20
tetraedros se forma un icosaedro, el cual se aproxima a la esfera. Este tipo de estructuras
presenta la mejor relación entre volumen, contenido y resistencia, puesto que las fuerzas se reparten de manera pareja por toda la estructura. Fuller llamó a
este tipo de estructuras: estructuras geodésicas. Las estructuras geodésicas son un ejemplo por
excelencia de la máxima eficiencia en uso de materiales: la esencia de la filosofía de diseño de
Buckminster.
1928 DYMAXION Richard Buckminster Fuller
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 91
Mapa mundial aire océano Dymaxion
El mapa que usa como base para presentar la distribución de factores alrededor del mundo es otra innovación. Se trata de una proyección de la esfera
terrestre sobre un icosaedro, lo cual minimiza la distorsión al aplanar el globo terrestre, por lo que la
representación de las masas terrestres es más exacta.
En 1956 Fuller diseña el Pabellón de los Estados Unidos para una exhibición industrial en Kabul,
Afganistán. La estructura era un domo de 30 m de diámetro, construido con tubos de metal y lona. El
domo fue diseñado y fabricado en un plazo de seis semanas, las partes transportadas en avión y fue
erigido por trabajadores locales en 48 horas.
Paradójicamente, la estética (cualidad menospreciada por Fuller en su filosofía de diseño)
contribuyo al éxito de las estructuras geodésicas. La calidad estética de las estructuras, es decir sus proporciones, simetría, textura, ligereza y volumen, no son el resultado del genio o capricho artístico del diseñador. Estas cualidades fluyen de la base
matemática que las conforma y los materiales utilizados.
1928 DYMAXION Richard Buckminster Fuller
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 92
Las características intrínsecas de las estructuras geodésicas en especial su economía, ausencia de
soportes internos, erección en corto plazo por mano de obra no especializada, ligereza y fácil
transportación, así como calidad estética, generan demanda para este tipo de estructuras en el ámbito
civil.
Estilos influenciados por Richard Fuller
Las influencias llegaron a diferentes estilos de diseño, tal como el High-Tech, que surgió en la
arquitectura de los setenta inspirada en el formalismo geométrico del movimiento moderno y
el diseño radical de Fuller. También fue un defensor más del eco-diseño, ya que en los años
veinte promovió una “ciencia del diseño” basada en la idea de ofrecer pureza estética gracias al
pensamiento; “lo máximo, con lo mínimo”.
Richard Fuller
“La función del diseñador es encontrar soluciones a necesidades humanas, soluciones que puedan servir
a la mayor parte de la humanidad posible”.
" El diseño debe resolver, no imponer”.
1928 DYMAXION Richard Buckminster Fuller
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 94
Es un movimiento del diseño que en su primera
fase se desarrolló entre 1930 y 1960, y luego desde los años ‘90 al presente.
El diseño orgánico es un enfoque holístico y humanizado del diseño. En ese enfoque orgánico
fue crucial la manera en que los elementos, como objetos o muebles, conectaban visual y
funcionalmente con el contexto de su emplazamiento interior y el conjunto del edificio. También era importante cómo los interiores se integraban con la totalidad del esquema y cómo
el propio edificio lo hacía con su entorno, mediante la armonía de sus proporciones, los
materiales y el color. Donde las curvas suaves y sinuosas se opusieron al rígido formalismo
geométrico del estilo internacional. Uno de sus principales exponentes Alvar Aalto,
le preocupaban las conexiones funcionales, espirituales y emocionales de sus muebles con los
usuarios individuales. Sus ideas tuvieron un alto impacto, sobre todo en los EE.UU, cambiando el rumbo del diseño hacia el movimiento orgánico
moderno: de este modo, diseñadores como Eero Saarinen y Charles Eames crearon sillas, muebles
realmente revolucionarios, no sólo por la tecnología de punta que utilizaron en la estructura,
sino también por el concepto de contacto y soportes continuos, promovido mediante las formas
orgánicas ergonómicas y refinadas del asiento.
A principios de los años noventa, impulsado por un mejor conocimiento de la ergonomía, la
antropometría, los avances en el diseño y la creación por computación, el diseño orgánico
emergió con más fuerza que nunca. Independientemente del material empleado, ya sea natural o plástico, el diseño orgánico expresa toda
su potencia cuando su sensual y emocional vocabulario formal conecta con el usuario de
manera subliminal, apelando directamente a su sentido innato de la belleza natural.
1930 Diseño Orgánico
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 95
Exponentes más destacados
1930 Diseño Orgánico
Alvar Aalto
Ray Esmes
Eero Saarinen
Arne Jacobsen
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 96
1930 Diseño Orgánico
Ross Lovegrove Frank Lloyd Wright
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 98
Movimiento también nombrado como Styling, fue una variación del estilo de diseño Art Deco, que surgió durante la década de 1930, que tuvo sus
inicios en el contexto histórico del período la crisis económica que se produjo en los Estados Unidos debido a la depresión de finales de
la década de 1920 Poseía un estilo arquitectónico, que fue el primer
estilo en incorporar luz eléctrica en las estructuras. El cual se enfatizaba en formas curvas, largas y
suaves líneas horizontales y la presencia de elementos y formas náuticas.
Si bien era considerado un gran estilo de arquitectura, también era un estilo importante en el diseño industrial, ya que fue aplicado a las formas de muchos productos de la época, por su lenguaje
conceptual claro y preciso. Con el objetivo de captar interés en los
consumidores y compradores, se apeló a un cambio en la estética y forma del estilo predominante en el
área de la arquitectura y el diseño industrial de aquella época.
Se propuso un cambio de formas que fuera acorde al nuevo mundo que estaba surgiendo en ese
entonces.
Este nuevo enfoque tuvo la influencia del futurismo, el cual glorificaba los conceptos relacionados con
velocidad y además estaba basado en investigaciones técnicas y científicas, orientadas a
lograr superficies y formas que ofrecieran una menor resistencia al avance para aplicaciones
ingenieriles.
En el área del diseño industrial se popularizó gracias a diseñadores como Norman Bel Gedes. El estilo se extendió tanto en los Estados Unidos que
ha llegado a ser considerado como sinónimo de diseño industrial estadounidense de las décadas de
1930 y 1940.
1930 StreamLine Modern
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 99
En la Arquitectura
Un ejemplo claro es el vestíbulo del Strand Palace Hotel (1930), salvado de la demolición del Victoria and
Albert Museum en 1969, marcó uno de los primeros usos de la luz interior del
vidrio arquitectónico, y casualmente fue el primer interior de estilo aerodinámico que se conserva en
un museo. A pesar de que el estilo se usó principalemnte en edificios comerciales, existen
algunas viviendas de este estilo. La Casa de Lydecker en Los
Ángeles, construida por Howard Lydecker, es un ejemplo de
diseño aerodinámico en arquitectura habitacional.
En el Diseño Industrial El Streamline se aplica a aparatos como relojes
eléctricos, maquinas de coser, pequeños receptores de radio y aspiradoras. Sus procesos de fabricación son mayormente desarrollados por materiales como
el aluminio y baquelita (primera sustancia plástica totalmente sintética).
En comparación con Europa en 1930, en EEUU había un mayor enfoque en el diseño como un
medio para aumentar las ventas de productos de consumo. La racionalización y un futuro
prometedor.
Esta esperanza resonó con la clase media norteamericana, el principal mercado para los
productos de consumo. Una amplia variedad de productos, desde neveras hasta sacapuntas,
1930 StreamLine Modern
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 100
Características del movimiento
Orientación horizontal. Bordes redondeados, ventanas esquineras y ladrillos de vidrio.
Ladrillo de vidrio. Ventanas ojo de buey. Uso de hierro cromado. Paredes de superficie lisa, generalmente estuco. Azoteas lisas con remate. Ondas o rectas horizontales en las paredes. Colores suaves y apagados: predominio de pinturas color tierra, blanco opaco y beige como base, y colores brillantes u oscuros en las molduras para contrastar.
Exponentes más destacados
1930 StreamLine Modern
Raymond Loewy
Norman Bel Geddes
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 102
Suecia 1930
En la década de los 30, predominaba en EEUU formas y diseños estilizados paralelamente con el
estilo Art Decó, los que se propagaron a gran parte del mundo. Las tendencias en los países
escandinavos, lograron desvincularse de los postulados característicos del diseño estadounidense. A partir de esto surgió durante la década de los 40
y los 50, el apogeo de un estilo bastante distinto: Swedish Modern.
En 1930, la pintura, el diseño grafico y la arquitectura moderna entraron al país con la
corriente del funcionalismo y desde entonces las obras de pintores, diseñadores y arquitectos suecos han ganado una buena reputación. Sin embargo, su arte tradicional aun se conserva, siendo su mejor
ejemplo las artesanías fabricadas en las zonas rurales y comercializadas en las ciudades e incluso exportadas a otras partes del continente. Algunas
de las más populares incluyen las estufas de cerámica, obras hechas de vidrio y con tallas en
madera.
Estilo que promulgaba la minoracion de material, como material popular se dio el apogeo del plástico,
material que permitía gama de colores y formas, dando a luz objetos que oscilaban entre la función
y la diversión. Dentro de algunos años se le dio utilización, por ciertos diseñadores, a la fibra de
vidrio, material de gran diversidad formal, también se utilizaba la espuma de poliuretano.
Estilo predomínate de formas onduladas, alargadas y orgánicas, con un parecido exuberante al diseño orgánico, gracias al uso del material similar, de
hecho algunos de los más destacados diseñadores del diseño orgánico pueden verse además como
diseñadores del estilo Swedish Modern.
Exponentes más destacados
1930 Swedish Modern
Eero Saarinen
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 103
1930 Swedish Modern
Alvar Aalto
Eero Aarnio
Bruno Mathsson
Verner Panton
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 105
Lo kitsch empezó a ser definido como un objeto
estético empobrecido con mala manufactura, significando más la identificación
del consumidor con un nuevo estatus social y menos con una respuesta estética genuina. El sacrificio de una vida estética convertida en
pantomima, usualmente, con el interés de señalar un estatus social.
Lo kitsch es una imitación estilística de formas de un pasado histórico prestigioso o de formas y
productos característicos de la alta cultura moderna, ya socialmente aceptados y estéticamente
consumidos.
Tal vez un ejemplo clásico de ello es la arquitectura y el arte decorativo desarrollado en el
área de Los Ángeles en California durante las décadas 10 al 30 del siglo XX, cuando la zona vivió un gran desarrollo económico debido a la agricultura
y el éxito de la industria cinematográfica de Hollywood, lo que creó una
generación de gente emigrada de Europa recién adinerada que intentaron recrear el estilo de los
nobles europeos.
Esto dio pie a la creación de mansiones en las que se mezclaban caóticamente estilos como
el barroco, florentino, gótico y el rústico. Este estilo fue llamado Californiano; en la decoración se crearon piezas estrambóticas, como chimeneas de más de tres metros
de altura, falsos escudos nobiliarios, tapetes de oso, espejos gigantescos con marcos de falsa madera
tallada estofada realizados en plástico o cuadros idílicos de falsos antepasados que decoraban sus paredes. Se llegó al exceso de comprar antiguos castillos europeos que eran trasladados piedra por piedra a los Estados Unidos o bien comprar títulos nobiliarios en subasta.
La palabra se popularizó en los años 1930 por los
teóricos Clement Greenberg, Hermann Broch, y Theodor Adorno, que intentaban definir lo avant-
garde y el kitsch como opuestos. En aquella época, el mundo del arte percibía la
popularidad del kitsch como un peligro para la cultura.
1930 Kitsch
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 106
Los argumentos de los tres teóricos confiaban en una definición implícita del kitsch como una falsa
consciencia, un término marxista que significa una actitud mental presente dentro de las estructuras del capitalismo, que está equivocada en cuanto a
sus propios deseos y necesidades. Los marxistas suponen que entonces existe una
separación entre la situación verdadera y su fenomenología.
Theodor Adorno percibía esto en términos de lo que él llamaba la industria cultural, donde el arte es
controlado y planeado por las necesidades del mercado y es dado a un pueblo pasivo que lo
acepta. Lo que es comercializado es un arte que no cambia y que es formalmente incoherente, pero que sirve para dar a la audiencia ocio y algo que mirar.
El arte - para Adorno - debe ser subjetivo, cambiante y orientado contra la opresiva estructura
del poder. Él clamaba que el kitsch es parodia de la catarsis, y también parodia de la conciencia
estética.
Tendencia Kitsch
1930 Kitsch
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 108
En la historia del diseño italiano, desde los años 40
hasta la fecha, se puede observar que ha ido reflejando todos los acontecimientos que han
sucedido en Italia, ya sea políticos, culturales, etc. Cuando uno habla de
diseño italiano hay muchos objetos de la vida diaria que son una muestra del éxito comercial que ha tenido,
como lo demuestran el Fiat 500, el sacacorchos de Alessi diseñado por Alessandro Mendini, la máquina de escribir Valentina de Olivetti diseñada por Ettore
Sottsass, las motos Vespa y Lambretta, y la cafetera Moka, que forma parte de todos los
hogares en Italia. Es por esto que los italianos hablan del diseño democrático, ya
que son capaces de diseñar objetos que, con la correcta elección de los materiales,
pueden venderse masivamente
En Italia también hay un diseño industrial que opera con excelentes resultados en sectores de la
industria manufacturera, medios de transporte,
electrónica de consumo, instrumentos de informática, comunicación y electrodomésticos.
Hay dos corrientes principales del diseño italiano:
1. Una es el diseño inteligente, rígido y
formalmente disciplinado que es El Bel Design 2. La otra es un diseño que elude cada vez más
la función de los objetos que serian los Movimientos de contracorriente.
1. El Bel Design Italiano
A principios de los 60 Italia arrebato el dominio al diseño escandinavo como estilo internacional.
A mediados de los 60 comienza el momento clave de experimentos con materiales nuevos por parte de arquitectos y diseñadores italianos por ejemplo los materiales sintéticos que tomaron la delantera
Mientras que en Alemania los diseñadores estuvieron más orientados hacia la economía en Italia adoptaron una posición crítica y distanciada
frente a ella.
1940 Diseño Italiano
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 109
El Bel Design italiano esta marcado principalmente
por innovaciones técnicas y creativas que han acabado tipificando algunas clases de productos.
2. Movimientos de contracorriente
En el diseño italiano también es importante el compromiso de los diseñadores en movimientos políticos. En los años 60 se formaron diferentes
grupos en Florencia y Milán que con sus proyectos conceptuales ejercieron una influencia decisiva en el
diseño. Esta época coincide con el movimiento Hippie en
Estados Unidos, el tedio por la creciente civilización alcanzo también a círculos artísticos que influidos
por los escritos de Freud abogaban por comunidades abiertas libres de represión e
intentaron vivir según esos modelos ideales. Fue un momento marcado por movimientos de protesta
estudiantiles entre ellos se encuentran: Studio Alchimia, Superstudio, Grupo Strum, Archizoom,
Grupo9999, Memphis.
Exponentes más reconocidos
1940 Diseño Italiano
Andrea Branzi
Ettore Sottsass
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 110
Andrea Branzi
1940 Diseño Italiano
Michelle de Lucchi
Gio Ponti
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 112
Es un estilo que se gestó y produjo
principalmente en Noruega, Suecia, Finlandia y Dinamarca sin dejar de ver la influencia que ejerció
el diseño holandés en los años 50.
El peso del aporte que genero el finlandés Alvar Aalto, es incuestionable. Porque además de
arquitecto, él se desarrollo como un excelente diseñador, con objetos, muebles, lámparas y
elementos para la arquitectura de gran valor plástico e innovador en cuanto a tecnología y
tipologías formales. El leguaje de lo orgánico es el que se le ha asignado a la obra de Alvar Aalto y
es tal vez esta corriente o manera de ver las formas; la que definitivamente ha puesto el sello al
diseño escandinavo.
Intentando definir al diseño orgánico podríamos decir que las características de todo organismo es
el hecho de dejarse percibir como tal, es decir como un sistema, con un crecimiento, con las
partes caracterizadas, pero con continuidad, sin ensambles o uniones, que se percibe como un
todo y en donde cada parte denota la función.
En diseño las continuidades formales, han sido posibles gracias al desarrollo de ciertas tecnologías,
ya que sugieren la construcción del objeto. Otra característica de lo orgánico en el campo del
diseño, parecía der el uso inteligente de materiales naturales, por ejemplo la madera maciza que
cuando puede ser curvada toma características orgánicas.
La estrategia del diseño escandinavo en su etapa inicial, fue el uso de madera laminada curvada
esto le introdujo el grado de novedad necesaria para ser introducido; luego en una segunda etapa uso los plásticos encontraron en lo orgánico su
lenguaje.
La característica de lo orgánico esta planteada también en la relación entre las partes; si las partes
funcionan, funciona el todo y si funciona el todo este es armónico.
1950 Diseño Escandinavo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 113
Este estilo de diseño se caracterizaba por ser simples y sencillos, con una clara inclinación al
minimalismo y la funcionalidad, siempre enfocándose a la producción en masa y costos poco elevados, democratizando el diseño industrial, es por estas cualidades que dice ser la base del modernismo.
Cabe destacar la necesidad de época y disponibilidad de nuevos materiales y métodos de
producción, en los cuales están la madera, plástico, vidrio, aluminio o acero.
Los diseñadores consiguieron introducirse en los distintos mercados con artículos que se convirtieron
en símbolos de modernidad y buen gusto, algunos de los cuales aún se fabrican y venden hoy en día
como clásicos o antigüedades.
Exponentes más reconocidos
1950 Diseño Escandinavo
Alvar Aalto
Arne Jacobsen
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 114
1950 Diseño Escandinavo
Verner Panton
Mats Theselius
Stefan Lindfors
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 116
Para introducirnos en la época del Pop art y
comprender mejor el movimiento, podemos tomar como referencia, qué en los años 50’ la sociedad
pasaba por un periodo post guerra, pero que empezaba a recuperarse de la represión,
restricciones, falsedades y tragedias. A su vez los artistas reaccionan a los dominantes ideales
del Expresionismo abstracto. Aunque, el arte pop también continúa con algunos aspectos de este, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte,
sobre todo en obras de grandes proporciones. El pop se opone a lo abstracto mediante el realismo y lo racional. Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el
objeto de arte final. Sin embargo el Arte Pop descarga de la obra de arte, toda la filosofía anti-arte del Dada y encuentra una vía para construir
nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho
con sus ready-mades.
Se refirió al arte popular que estaba creando la publicidad, carteles y revistas y el diseño, y que
tenía como objetivo principal los intereses colectivos del pueblo.
El Pop Art como estilo comenzó a ser avistado en pequeños vástagos de diseño en los años 50 en
Reino Unido, después de algunos años se divisó el estilo ya como un movimiento de diseño importante,
dándole el nombre de Pop Art a mediados de los años 50, teniendo su auge en los finales de estos
años.
.Es el resultado del estilo de vida, una manifestación plástica de una cultura caracterizada por la
tecnología, la moda y por el consumo donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en
serie. El pop art se apropió de las técnicas de la producción masiva, basadas en la fotografía, el
diseño y la imprenta.
1950 Pop Art
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 117
Características del movimiento.
Rechazo al expresionismo abstracto, a este movimiento artístico lo consideraban excesivamente intelectual y apartado de la realidad objetual.
Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.
Temática extraída de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: cómics, revistas, periódicos sensacionalistas, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo.
Ausencia del planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples " motivos" que justifican el hecho de la pintura.
Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que las combina con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al
empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles.
Representación del carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitivo.
Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra: flores de plástico, botellas… en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (Neo dadaísmo).
Preferencia por las referencias al status social, la fama, la violencia y los desastres, la sexualidad, el erotismo, los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo. Formas y figuras a escala natural y ampliada. Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático.
1950 Pop Art
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 118
Técnicas
Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los artistas. Mezclaron diferentes elementos y objetos volcándolos en texturas y colores, nunca antes usados, convirtiéndolos en verdaderas obras de artes.
Los representantes del Pop Art utilizaron diferentes recursos en la realización de sus obras que iban desde el silkscreen, el óleo, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva además de utilizar collages y fotografías, todas ellas cargadas de ironía e irreverencia frente a una sociedad cada vez más industrializada.
Incluyeron además esculturas, así como tiras de cómic, latas de sopa, cerveza o señales de tráfico. Los materiales como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado.
El grupo independiente
El grupo independiente fundado en Londres en 1952, es reconocido como el precursor del
movimiento pop art. Era un grupo de jóvenes artistas entre ellos pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que hacían frente a la visión modernista de la cultura así como la perspectiva
tradicionalista de ver las Bellas Artes. El pensamiento del grupo se centraba en la cultura
popular y la aparición de ellos en elementos comerciales, películas, tiras cómicas, ciencia ficción
y la tecnología.
1950 Pop Art
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 119
Exponentes más reconocidos
1950 Pop Art
Richard Hamilton
Roy Lichtenstein
Tom Wesselmann
Andy Warhol
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 122
La procedencia del movimiento pictórico
denominado “Hard Edge”, que significa pintura de borde duro, una tendencia desarrollada en la década
de 1950 y 1960, en el cual, el arte está estrechamente relacionado con la abstracción post-
pictórica y la pintura campo de color, en él se describe un estilo abstracto que combina la
composición clara de la abstracción geométrica con el color intenso, además de formas atrevidas de la
pintura de campos de color, cabe destacar que dentro de este movimiento se encuentra la
influencia de la Bauhaus (1919-1933), ya que se vislumbra en este movimiento ya destacado,
profundas raíces en la tradición de esta escuela alemana de arte, arquitectura y diseño.
A comienzos del siglo XX la urgencia de generar productos masivos, con el fin, de satisfacer las
necesidades de un mercado cada vez más globalizado impulsó que los talleres de arte se
interesasen y convirtiesen en diseñadores industriales, creando así productos que fueran
funcionales y atractivos para el mercado
manteniendo un costo de baja producción, producto de los problemas sociales y económicos que
amenazan en aquella época a Europa y al resto del globo. De este modo comienzan a ser utilizados materiales comunes y baratos como el vidrio, la
madera, el metal y formas tales como el círculo, cuadrado, triángulo, además de los colores básicos, elaborando un producto que representaba un costo
industrialmente bajo.
A esta innovadora producción industrial se le denominó como modernidad internacional,
predominando la función por sobre la forma y estrechando a la arquitectura con la industria, y las
ciencias con las necesidades humanas.
Es así como el objetivo de la escuela de Bauhaus fue obtener diseños para todos los niveles
económicos, creando objetos que escapaban de la clásica estética ornamental, siendo poseedores de
líneas y formas limpias, claras, geométricas, y sencillas, desarrollando así una serie de artículos
prácticos, baratos y atractivos, los cuales definieron las ciudades y los hábitos cotidianos.
1950 Hard Edge
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 123
El impulso técnico e industrial que extendió esta
escuela alemana, propagó un nuevo estilo renovador, desechando la ornamentación y priorizando de lleno
la sencillez, permitiéndole al diseño gráfico recibir influencias de nuevos movimientos culturales,
especialmente los cercanos a los años 60.
Exponentes más destacados
1950 Hard Edge
Frank Stella
Ellsworth Kelly
Morris Louis
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 125
La HfG, Escuela Superior de Ulm fue una escuela universitaria de diseño radicada en ULM, Alemania.
Fundada en 1953, entre otros, por Inge Airche-Scholl, Otl Aicher y Max Bill, este último, este
último primer rector de la escuela. La HfG de ulm gano
rápidamente el reconocimiento
internacional. Durante su funcionamiento fueron investigados y
puestos en prácticas nuevos enfoques en el diseño, dentro de: Comunicación Visual, Diseño Industrial,
Construcción, Informática, y más tarde de Cinematografía. El edificio de la HfG fue diseñado por Max Bill y sigue siendo, hoy en día un edificio
importante y funcional dentro del campus de la universidad de Ulm. La Escuela hfm de Ulm fue
una de las más progresistas instituciones de enseñanza del diseño y el diseño ambiental en las
décadas de los 50s y 60s, pionera en los estudios y del perfil profesional del diseñador de hoy en día.
La historia de la HfG se formó por medio de la innovación y el cambio, en concordancia con la
propia imagen de si misma de escuela como una institución experimental. Esto dio lugar a
innumerables modificaciones en el contenido, la organización de las clases y a los continuos
conflictos internos que influyeron en la decisión final del cierre de la HfG en 1968.
Max Bill, el primer rector
Max Bill fue arquitecto, pintor, escultor, diseñador grafico, tipográfico
e industrial, publicista y educador suizo.
Estudio en la Kunstgewerbeschule de Zurich y en la Bauhaus de Dessau. Fue el primer rector de la escuela
HFG de Ulm y formo parte del grupo “abstraction-creation” desde 1932 a 1937. Organizo la
exposixion circulante “Die gute From” en 1949.
1953 Escuela ULM
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 126
Desarrollo histórico
Durante su funcionamiento fueron investigados y puestos en práctica nuevos enfoques en el diseño,
dentro de los departamentos de: Comunicación Visual, Diseño Industrial, Construcción, Informática, y
más tarde de Cinematografía.
Las disputas internas sobre la dirección de los planes de estudios, dieron lugar a una operación de
prensa en 1963 para atacar contra la HfG. El parlamento de Baden-Wuerttemberg, debatió
reiteradamente si la escuela merecía las subvenciones. Los problemas eran cada vez más frecuentes. Luego de la afiliación de la HfG a la
escuela de ingeniería, el precursor de la universidad, las subvenciones federales fueron suprimidas y la
situación financiera se volvió insostenible. Durante 1968 algunos profesores fueron despedidos
debido a la difícil situación financiera y el número de clases se vio reducido. En noviembre, el
parlamento regional votó a favor para retirar toda la financiación, en consecuencia, la escuela fue
cerrada en medio de protestas a finales de ese mismo año.
A pesar de su corta existencia de tan solo 15 años sus repercusiones tras su clausura fue similar a la
Bauhaus.
Hasta la fundación de la HfG de Ulm, no había ninguna sistematización del diseño. La escuela fue
pionera en la integración de la ciencia y el diseño, y de una pedagogía del diseño basada en la ciencia: la
reflexión sobre los problemas, los métodos de análisis y de síntesis, la elección y fundamentación
de alternativas proyectuales, el acento en las disciplinas científicas y técnicas y una estrecha
relación con la industria. Muchos de los criterios desarrollados en Ulm son todavía válidos, sobre
todo en el área de diseño tecnológico. Otros fueron poco prácticos y
fueron superados. Pero la HfG subsiste
como ícono de la historia del diseño.
1953 Escuela ULM
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 129
La expresión Op Art corresponde a la abreviación del término Optical Art. El Op Art surge a finales
de la década de 1950, en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Este consiste en efectos
cromáticos y formales dinámicos. Busca producir la ilusión de movimiento y vibración, mediante la
interacción de formas geométricas y colores puros, es más bien un estilo pictórico.
El Op Art, con sus sorprendentes propuestas ópticas, estimula la participación perspectiva del
espectador y añade a la abstracción geométrica de los años veinte un elemento lúdico que ha
conseguido hacer sus creaciones muy populares y aceptadas rápidamente por el público por sus
estudiadas formas que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.
Características formales
Repetición de formas simples. Efectos vibrantes. Efectos de profundidad. Efectos de dinamismo.
Confusión entre el fondo y el primer plano.
Evolución matemática del arte abstracto. Resultado: espacio tridimensional en movimiento. Hábil uso de luces y sombras. Exagerado sentido de la profundidad.
Exponentes más destacados
1958 Op Art
Víctor Vasarely
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 130
1958 Op Art
Yaacov Agam
Bridget Riley
Carlos Cruz Diez
Zanis Waldheims
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 132
El Diseño Radical (también llamado Antidiseño o
Contradiseño) fue un movimiento desarrollado entre los años 1960 y 1970 en Europa, representado
principalmente por el grupo inglés Archigram y los grupos italianos Archizoom, Superstudio, Grupo
Strum, Grupo9999 y Global Tools.
Estos grupos de Diseño Radical aparecen en respuesta al rechazo de las normas racionales del
movimiento moderno del estilo predominante de Italia llamado “Bel Design”, el cual esta orientado al
poder adquisitivo de grupos sociales que exigían exclusividad de las piezas.
Radicalmente crítico con la tecnología avanzada, el interés comercial, y el consumismo ya establecido en la sociedad, el movimiento de Diseño Radical
defendía el diseño de evasión.
Lo que planteó este estilo como concepto fue que la idea debía ser más importante que la forma e hizo una liberación estética en sus diseños lo que
llevó a una exageración o indiscriminado amontonamiento de colores, formas, texturas y
teniendo el uso libre de la historia. Esto lo hizo convertirse en un éxito popular y les dura mientras
produzca novedad.
En contra de los preceptos racionales que defendía el movimiento moderno se situó el antidiseño, una
tendencia que pretendía validar la expresión creativa individual a través del diseño.
Es la disciplina libre y satisfactoria de ejercer el diseño. Es no tener reglas ni normas para crear,
usando materiales que estén al alcance de nuestras manos y sin necesidad de hacerle estética al
mundo, si no que plasmando personalidad en ello.
El antidiseño tal y como se llamaba en aquella época se vio dentro de la corriente de la liberación sexual. Los modelos de la época fueron marcados
por líneas más locas, menos estrictas. El plástico se convierte en la forma favorita de los grandes
diseñadores que dan prioridad a las formas redondas y desmedidas y a los colores ácidos.
1960 Diseño Radical
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 133
El Diseño Radical buscaba nuevas técnicas no industriales para validar y potenciar la creación
individual. Brindándole características exuberantes, tales como:
Estaban en contra del capitalismo y el consumismo.
En contra de utilizar el diseño como estrategia de ventas.
Cuestionaban la definición del “buen diseño”. Apoyaba la ornamentación y la decoración. Influencias del Arte Pop en la utilización de colores atrevidos y materiales novedosos.
Influencias del Art Deco, Kitsch y del Surrealismo.
Exponentes más destacados
1960 Diseño Radical
Archigram
Archizoom
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 134
1960 Diseño Radical
Superstudio
Ettore Sottsass
Alessandro Mendini
Andrea Branzi
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 135
1960 Diseño Radical
Alessandro Guerriero
Michelle de Lucchi
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 137
Definición de Arte Psicodélico.
Todos los esfuerzos artísticos van dirigidos a proyectar el mundo interior de la psiquis, que
pueden ser considerados " psicodélicos" . De todas formas en el lenguaje común la expresión Arte Psicodélico se refiere sobre todo al movimiento
artístico de la contracultura de los sesenta aunque después tuvo renacimientos especialmente en los
noventa retomado por el movimiento Rave y ayudado por las nuevas tecnologías de la
computación. Las artes visuales psicodélicas existieron paralelamente a la Música psicodélica.
Posters de conciertos, portadas de discos, shows de luces, murales, revistas de historietas, periódicos
underground y más, reflejaban no sólo los patrones caleidoscópicos de las alucinaciones en LSD, sino
también sentimientos sociales, políticos y espirituales revolucionarios inspirados por estos estados
psicodélicos de conciencia. De todas formas en el lenguaje común la expresión.
Contexto histórico.
El Arte Psicodélico nace en un contexto histórico donde predominaban las drogas, el arte abstracto y
un sentimiento de liberación: los años 60. La época de los hippies, rock lisérgico y liberación de la mente. La música es importante a la hora de
contextualizar el movimiento del arte y diseño psicodélico. La música, así como el arte, en esa época estaba fuertemente influenciada por los
estados alterados de la conciencia que se lograban con las drogas alucinógenas de moda entre los
hippies y otros bohemios de la época: el LSD. Los artistas psicodélicos se ponían al servicio de la
música, queriendo explicar mediante su arte, lo que los músicos quisieron expresar con esa música, llena de sonidos letargosos y alucinantes. Todos
esos sonidos materializados, expresados mediante las técnicas del collage, repetición, patrones
caleidoscópicos, mutación y malversaciones de la realidad, todo conjugado en una expresión, una
forma de comunicar que fue llamada Psicodelia.
1960 Arte Psicodélico
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 138
Cabe destacar que el arte psicodélico tiene una raíz
muy fuerte con el surrealismo que es un movimiento anterior a la psicodelia. El cual se trataba básicamente de lo mismo, deformar la
realidad basándose en sueños o la simple imaginación del autor. La diferencia entre el
surrealismo y la psicodelia es que en la psicodelia se aprecian ciertos detalles estéticos que son
logrados bajo las influencias de las drogas psicotrópicas.
Características del movimiento
Colores brillantes y/o altamente contrastantes. Patrones parecidos a un caleidoscopio, fractales o inspirados en los diseños persas conocidos en inglés como paisley pattern. Mutación de objetos y/o patrones y algunas veces collage.
Extrema profundidad del detalle, o estilización del detalle.
Inclusión de motivos fosfénicos y otros fenómenos entrópicos.
Exponentes más reconocidos
1960 Arte Psicodélico
Peter Max
Mati Klarwein
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 139
1960 Arte Psicodélico
Storm Thorgerson
Alex Gray
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 141
La era espacial es un período de tiempo que abarca las actividades relacionadas con la carrera
espacial , la exploración espacial , la tecnología espacial y los desarrollos culturales influidos por
estos acontecimientos. La era espacial se considera en general que comenzó con el Sputnik (1957). Por
otra parte se argumenta que esta era una nueva dimensión a la Guerra Fría.
Esta locura por la conquista del espacio llego al diseño y la decoración, durante la década de los años 60 se desarrollo un modelo de decoración basado en el futurismo y en todo lo que tuviera que ver con las naves espaciales y las formas
geométricas. Surgió la domótica en el hogar y todo parecía tener un aspecto del año 3000.
Sin duda el Space Age resulta vistoso y visualmente espectacular, dándole estas
características los siguientes estándares de diseño:
Color blanco de base principalmente, combinando con rojo, negro o el naranja.
Muebles y objetos redondeados y con formas extravagantes simulando naves espaciales.
Uso de plateados y metal para lámparas y alguna decoración.
Usan materiales como el plástico y fibras de vidrio, por su gran capacidad formal y estilística.
1960 Space Age
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 142
Exponentes más destacados
1960 Space Age
Anderson Horta
Karim Rashid
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 144
El surgimiento del minimalismo fue a finales
de la década del 60 en New York, con orígenes en Europa, gracias al prestigioso Arquitecto y
Diseñador Industrial Ludwig Mies Van Der Rohe.
Expresa sus primeras ideas acerca de la pureza de las formas (precursoras de minimalismo), durante el
periodo en el cual fue director de la Escuela de Artes y Diseño Bauhaus, en Alemania a finales de
los años 30.
Es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas
geométricas simples, tejidos naturales y un lenguaje sencillo, que pretende obtener del
objeto mediante la expresión elemental del arte en su cuidada y reducida aplicación, grandes
obras de gran funcionalidad y estilismo, propio de la sencillez y el no abuso de recursos.
El minimalismo como tal alcanza su madurez en la década del 70, como una forma innovadora a los
estilos recargados de la época (aludiéndose al POP ART) y la saturación comunicacional dentro del
universo estético.
El minimalismo no solo influencio en la decoración y la arquitectura, sino también en la pintura, la
moda y la música.
Es la tendencia a reducir a lo esencial. El minimalismo puede considerarse como la corriente
artística contemporánea que utiliza la geometría elemental de las formas. Las formas son las que
establecen una estrecha relación con el espacio que las rodea. Para ello el artista se fija sólo en el
objeto y aleja toda connotación posible.
Las obras del minimalismo buscan la sencillez y la reducción para eliminar toda alusión simbólica y
centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color, la escala, el volumen o el espacio
circundante.
1965 Minimalismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 145
Características formales
Abstracción total: las obras operan sólo en términos de color superficie y formato.
Economía de lenguaje y medios. Producción y estandarización industrial. Uno literal de los materiales. Austeridad con ausencia de ornamentos. Purismo estructural y funcional. Orden Geometría elemental rectilínea. Precisión en los acabados. Reducción y síntesis. Máxima sencillez Concentración. Desmaterialización. Ausencia de contenido formal o de estructuras relacionales.
Carácter “opaco. Superficies enfáticas monocromáticas.
Expositores más reconocidos
1965 Minimalismo
Ludwing Van Der Rohe
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 146
1965 Minimalismo Philippe Starck
Richard Serra
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 148
Asociación italiana de diseño y arquitectura fundada en 1966 en Florencia por los
arquitectos Andrea Branzi, Paul Deganello, Máximo Morozzi y Gilberto Coretti, éstos fueron acompañados por los diseñadores Dario Bartolini
y Lucía Bartolini en 1968.
Fueron influenciados inicialmente por las visiones utópicas de grupo arquitectónico inglés Archigram, su nombre es una clara referencia a
éste grupo, ya que su revista Nº4 se llamó ZOOM!
Su diseño refleja la búsqueda de un diseño urbano nuevo, flexible y tecnológico. Se
dedicaron a diseñar exposiciones, trabajos arquitectónicos y diseño de objetos. Opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la
función social y cultural de la arquitectura, transforma la tecnología en “fantatecnología” para ponerlo al servicio del Diseño Radical.
Opuesto al racionalismo y a la supremacía del diseño sobre la función social y cultural de la
arquitectura, el antidiseño puso énfasis en el estudio
de las necesidades de los individuos por sobre cualquier otra consideración. Inspirados en el Art Nouveau, el art déco, el pop-art y el arte kitsch,
realizaron una serie de diseños de tono irreverente que cuestionaban la funcionalidad y buen gusto del
diseño anterior (como la Silla Mies, de 1969). También concibieron proyectos de ciudades utópicas
del futuro, donde la tecnología liberaría al ser humano del trabajo manual.
Ellos trabajaron en las instalaciones de exposición y la arquitectura e interiores diseñados y productos.
Archizoom fue polémica en el discurso y la práctica en este período de radicalismo social. En 1972, se
declaró el " derecho a ir contra una realidad que carece de" significado " ... para actuar, modificar, la forma y destruyen el medio ambiente circundante
En resumen Estaban en contra del capitalismo y el consumismo. Cuestionaban la definición del «buen
diseño”. Continuaron con la tradición del pop art de usar colores atrevidos y materiales novedosos.
Utilizaron lo kitsch y lo pop para combatir las líneas elegantes por las que el diseño italiano era
reconocido mundialmente.
1966 Archizoom Diseño Radical
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 149
Influenciados por la arquitectura inglesa del grupo Archigram.
Su diseño refleja la búsqueda de un diseño urbano nuevo, flexible y tecnológico, utilizando nuevos materiales como poliuretano, ABS, y nuevas
técnicas en tapicería. Iban en contra de una realidad a la que faltara
«significado»
Actualmente, el aspecto más apreciado es la alta calidad gráfica de los proyectos. Se disolvieron
en 1974 para seguir carreras separadas.
Proyectos del Archizoom
1966 Archizoom Diseño Radical
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 151
En Florencia 1966, un grupo de arquitectos
radicales fundan SUPERSTUDIO. Adolfo Natalini y Cristiano Toraldo di Francia se conocieron en la
Facultad de Arquitectura en la Universidad de Florencia. Más tarde, se les unirían Piero Frassinelli
y Alessandro y Roberto Magris. En esa época, el diseño en Italia perdía su esencia, convirtiéndose en
un diseño vacío hecho para las masas. La arquitectura era la más afectada con el uso
descontrolado del espacio. Bajo el caos de la vida moderna, SUPERSTUDIO
se oponía completamente a los fundamentos de una cultura de consumo, se negaban a ser parte del
engranaje industrial y a convertirse en una máquina consumista. Sus propuestas de escape eran creaciones de ciudades sin la existencia de
jerarquías sociales, en las cuales todas las personas tenían un espacio simple y modesto para vivir sin necesidad de generar objetos en masa. Proponían
una interacción más directa con el medio ambiente.
SUPERSTUDIO criticaba a las masas modernistas a través de la foto collage, cortometrajes y
exhibiciones. En 1969, concibe los Histogramas de Arquitectura: diagramas elementales de una
arquitectura conceptual, generados a partir de la deformación de una cuadrícula, posibilitando sin
esfuerzo una arquitectura, un objeto, un mueble e incluso un entorno. Al poco tiempo, realiza la serie Il Monumento continuo, un proyecto de gran poder
crítico en el que reflejaba lo absurdo del planeamiento urbano contemporáneo.
Proyectos del Superstudio
1966 Superstudio Diseño Radical
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 154
Organización de carácter didáctico establecida en Florencia, estaba interesada en el papel del teatro como escenario para el arte y la arquitectura se puso en marcha en colaboración con superstudio
1978. Se relaciona con el estudio publicado de Robert Venturi Learning en Las Vegas, que
consideraba que la choza decorada o las fachadas de los rascacielos podían colabora de manera efectiva al enriquecimiento de la imagen de la
ciudad. También con la Piazza di Italia de Charles Moore en Nueva Orleans.
En 1968, el grupo 9999 ya reivindicaba la
arquitectura virtual a través de una transformación profunda del Ponte Vecchio mediante proyecciones
varias utilizándolo de fondo. De esta manera cambiaban el paisaje urbano de una ciudad histórica como Florencia para transformarla completamente
mediante lo que ellos denominan como Arredo urbano (o Mobiliario urbano).
Imágenes de los proyectos de cambios
1968 Grupo 9999 Diseño Radical
Cambio en Florencia
Cambios en Venecia
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 156
Fundado en Turín a finales de los 60. Uno de los colectivos del diseño radical de Turín que ayudó a
sentar las bases del antidiseño y la aparición del postmodernismo de los ochenta por Giorgio Goretti, Pietro Derossi, Carla Giammarco, Riccardo Rosso y
Maurizio Vogliazo, su nombre corresponde a la abreviatura jocosa de uno de los objetivos
fundamentales del grupo, la creación de una arquitectura instrumental (architettura strumentale,
en italiano). Los miembros del Grupo Strum tuvieron una activa participación en la difusión teórica de las ideas del antidiseño, Protagonizando seminarios, conferencias
y escribiendo artículos que pretendían acercar al gran público las bases filosóficas de sus
innovadoras propuestas. El grupo tuvo una participación importante y recordada en la exposición " Italy. The New
Domestic Landscape" , celebrada en 1972 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde
presentaron el asiento " Pratone" (gran pradera), realizado en espuma de poliuretano e inspirado en
las monumentales esculturas de " Pop art" realizadas por Claes Oldemburg.
Esta pieza tuvo el destacado honor de ser una de
las pocas obras del antidiseño italiano que superó la etapa de prototipo y que llegó a comercializarse, ya
que fue fabricada por la empresa Gufran. El movimiento del antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo
llevado al límite.
1970 Grupo Strum Diseño Radical
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 157
del racionalismo llevado g
1970 Grupo Strum Diseño Radical
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 159
El termino diseño retro fue utilizado por primera
vez a mitad de los años sesenta el cual refiere a la tendencia del diseño popular a adoptar estilos de
otras épocas. En los años sesenta y a principios de los setenta existió un inmenso renacimiento del interés por el arte victoriano y el art nouveau. Por ejemplo, la
tipografía de feria victoriana se utilizó mucho en los carteles pop y en las portadas de discos.
El estilo retro se basa en una vuelta a modelos y diseños del pasado, incorporando los avances
tecnológicos actuales. La fusión de lo “neo” y lo “vintage” produce el estilo decorativo retro.
Resurgen tendencias de épocas pasadas en el mundo de la decoración, y lograr unos interiores
logrado de estilo retro es una de las características de la alta decoración actual.
Diseño retro, una tendencia actual
El diseño retro se impone como una tendencia actual y surge en espacios y galerías dedicadas a recodar la esencia del mobiliario del pasado para
adaptarlo al estilo de vida moderno, actualmente se le rinde un homenaje por parte de algunos
coleccionistas que deciden recuperarlas del olvido para darles una nueva cara, por medio de la
restauración.
Este movimiento está muy influido por el “Mod”, que es una subcultura que aparece durante los
años 60 en Inglaterra. Los primeros “mod” fueron jóvenes cuyas familias trabajaban en la industria textil, y siempre se han caracterizado
por ir impecablemente vestidos. Se consideraban unos dandis modernos y tenían predilección por
las Vespas o las Lambrettas, el Pop Art, las películas de la Nouvelle Vague Francesa, los
trajes italianos de corte estrecho y la música de Small Faces o The Who.
1970 Diseño Retro
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 160
Los grandes diseñadores apuestan por este estilo;
desde el diseñador gráfico en los anuncios publicitarios, el diseñador de moda en las
propuestas de los desfiles, el diseñador industrial en los ‘‘showroom’’ de automóviles y por supuesto el
diseñador de interiores en el mobiliario y los complementos decorativos.
Lo retro es sinónimo de ‘‘vintage’’ ó ‘‘revival’’. Es un ‘‘flash back’’ hacia las décadas de grandes éxitos
del pasado siglo, retomando lo relevante de esos tiempos y adaptándolo a los nuestros.
Son característicos de este estilo las formas geométricas, los círculos y los rectángulos con una combinación de colores vibrantes que se utilizan en
esmaltados, tapizados, alfombras e incluso en empapelados.
Los colores más representativos en un ambiente retro son las combinaciones de marrón - marfil, ocres - pasteles y las más atrevidas mezclas de
turquesa - fucsia - verde lima, utilizadas en estampados tremendamente psicodélicos.
El rojo ó el negro combinados con el blanco, también son utilizados comúnmente para recrear un
ambiente de este estilo.
Exponentes más reconocidos
1970 Diseño Retro
Jonathan Adler
Todd Oldham
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 162
Rechazando los proyectos racionales del movimiento moderno, el antidiseño pretende validar la expresión creativa individual a través del diseño.
El antidiseño se convirtió en una fuerza de vanguardia a finales de los sesentas, cuando se
formaron varios grupos de diseño radical en Italia. Estos grupos consideraban que la modernidad ya no estaba en sintonía con la vanguardia y en el
habían dejado de ser una fuerza cultural impulsora, sometida a los intereses industriales en la estrategia
descarada del comercio consumista.
Radicalmente crítico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en la sociedad, el
movimiento antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras súper estructuras intentaban
demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite. Los diseñadores y grandes artistas entre
ellos Ettore Sottsass y Andrea Branzi fueron unos de los fundadores de esta escuela, llamada
GLOBAL TOOLS creada en 1974, funcionando hasta 1978, es una escuela de antiarquitectura y
antidiseño que buscaba nuevas técnicas no industriales para potenciar la creación individual, marcó el fin de la etapa del antidiseño. Escuela donde aparecieron dos nuevas agrupaciones de
diseño radical; Grupo Memphis y Alchimia.
« La aldea global » Se comenzó a utilizar este término cuando la nueva
tecnología hizo posible la comunicación virtual inmediata con cualquier parte el mundo.
Los avances tecnológicos produjeron cambios muy relevantes en la penúltima década del siglo XX. La
era de los ordenadores había llegado definitivamente, y se utilizaban programas cada vez
más complejos en muchos de los procesos de diseño de productos que tradicionalmente se habían
dibujado o hecho a mano. Así como el disco compacto aparece revolucionando la industria
musical desde 1982. La nueva tecnología ofrecía también a los
diseñadores numerosas y diferentes posibilidades de manejar la composición y reproducción de imágenes. Surge el fenómeno del marketing.
1973 Global tools
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 163
Proyectos de la Global Tools
1973 Global tools
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 165
Studio Alchimia Agrupación fundada en Milán en 1977
por el arquitecto Alessandro Guerriero, el estudio tenía como objetico ofrecer a los
diseñadores una posibilidad de exponer proyectos que no se habían destinado a
la industria. Entre sus miembros se encontraba Alessandro Mendini, Michele
de Lucchi y Andrea Branzi. En 1979 por gestiones de este grupo, se presento la colección
Bauhaus, con trabajos de Mendini y Sottsass. Sottsass y algunos diseñadores de su entorno
consiguieron que el diseño italiano se convirtiera en una especie de fuegos artificiales de ideas. En
1976 se había creado en Milán Studio Alchimia, como estudio de diseño grafico; en 1978 se
convirtió en el centro de la vanguardia posradical en torno a Ettore Sottsass.
Estos experimentaron teorías y fundamentos artísticos e intelectuales del diseño, muy osadas
para aquel momento. Apostaban por el “rediseño” y
el “diseño banal” que proporciono numerosas ideas en el Studio Alchimia. Sottsass, quería llegar más lejos y considero que dichas teorías restringían la creatividad,
el buscaba ir más allá y por lo tanto abandono el grupo.
Proyectos del grupo Alchimia
1977 Alchimia Global Tools
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 167
Arquitectura High-Tech
En los años 70 surge un nuevo movimiento llamado arquitectura high-tech que se apoya en la Alta Tecnología que quiere incorporar la tecnología
moderna en las construcciones obteniendo como resultado un elemento estético.
Su Nombre es otorgado gracias al libro The Industrial Style and Source Book for The Home,
publicado en 1978 por Joan Kron y Suzanne Slesin.
La arquitectura futurista del Archigram dio paso al origen ideológico de este movimiento por que
utilizaba básicamente la misma tecnología del acero, el vidrio y el concreto pero aplicados de una
manera diferente.
Sus principales exponentes son Richard Rogers, Norman Foster, Nicolás Grimshaw o Michael
Hopkins, quienes lograron convertir los elementos tecnológicos del edificio en elementos estéticos
efectivos. La primera estructura high-tech data de 1779 fecha
de la construcción del primer puente de hierro forjado sobre el río
Severn en Inglaterra.
Otros ejemplos son la torre Eiffel y los edificios de cristal construidos para las exposiciones mundiales
de Londres en 1851 y de París en 1889.
Su mayor aporte fue el de crear elementos nuevos, evidenciando la complejidad de la técnica
constructiva de una forma ordenada pero con motivos funcionales, utilizando materiales sintéticos
tales como el plástico, paredes de cristales y estructuras de acero. El high–tech va tras la
búsqueda de una liviandad, movilidad y transparencia sobre sus estructuras.
Este movimiento se desarrollo principalmente en Europa y Norte América. Después de la destrucción
de muchos edificios durante la Segunda Guerra Mundial. Lo que el avance científico y tecnológico
provoco un gran impacto en la sociedad.
Lo que llevo a que surgieran instrumentos tecnológicos, que se implantaron rápidamente dentro de la sociedad lo que genero una mayor aceptación
por estas estructuras estéticamente fuera de lo común para la época con construcciones con sus elementos de construcción totalmente a la vista.
1978 High Tech
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 168
Uno de los
principales ejemplos del high-tech lo encontramos en
París en el edificio centro Georges
Pompidou, de los arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers. Que nos
muestra elementos auxiliares a la vista como escaleras mecánica, ductos de ventilación. Dando
nos como resultado que la ingeniería y la arquitectura están en un delicado equilibrio.
Con la crisis del petróleo de 1973, muchos de estos edificios se volvieron imposibles de mantener por el
Alto uso de materiales metálicos y vidrio que no solo implicaron en un veloz envejecimiento sino en
un enorme gasto energético.
En los años 90 en la Conferencia Internacional de Florencia sobre la energía solar en la arquitectura y
el urbanismo fundan el grupo READ generó un resurgimiento de la arquitectura high-tech que tenía
como una de sus finalidades, el uso de energías
renovables en la construcción, proponiendo proyectos amigables para el medio ambiente.
Dando a entender como la evolución del movimiento high-tech, pasando a renombrase como Eco-Tech, y
actualmente arquitectura sustentable.
Características formales
Sus orígenes formales se encuentran en el Tardomoderno.
Afán por enseñar las estructuras, el acero, concreto, vidrio y mostrarlos como parte estética de la edificación.
Encuentra sus orígenes ideológicos en el Archigram. Llevando al extremo las teorías y el estilo de sus predecesores.
Se apoya en los avances tecnológicos para denotar su imagen.
Ha introducido a los ingenieros en los proyectos arquitectónicos (no solo en los procesos constructivos, sino también en la expresión de la imagen en la arquitectura).
1978 High Tech
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 169
Exponentes más reconocidos
Norman Foster
Sir Richard Rogers
Renzo Piano
1978 High Tech
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 170
El High-Tech en el Diseño.
La alta tecnología aplicada en los objetos, Busca que la estética y la funcionalidad encuentren un
equilibrio utilizando elementos propios de la industria. Es decir llevar el uso de materiales
prefabricados para ubicar de una manera rápida, segura y limpia, los sistemas modulares.
Características del estilo high-tech
Se destacan los colores puros y lisos, como el negro, blanco o rojo. Se restringe el uso de estampados, utilizando el crudo o gris para elementos estructurales.
Espacios luminosos, abiertos, prácticos y totalmente simétricos.
Funcional y versátil. Materiales limpios como el cristal, plástico o acrílico.
Uso de materiales amigables con el medio ambiente.
Uso de componentes técnicos y funcionales en la construcción.
Proyectos de diseño
1978 High Tech
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 172
Emergió en el Reino Unido después de la caída del “FORDISMO” (producción en línea) y la fabricación masiva de los años 60’s y 70’s.
De una economía industrial se pasó a una de servicios, donde los diseñadores comenzaron a
desarrollar diseños limitados y piezas únicas.
Libres de las restricciones del proceso industrial los diseñadores y creativos comenzaron a enfocar su trabajo de una forma totalmente diferente, ya que tenían mayor libertad de acción y apostaron por este concepto más libertino para el enfoque
de sus trabajos.
Sus más reconocidos exponentes son Ron Arad y Tom Dixon, donde sus obras se convierten en
íconos a medida de que se alejan de la estandarización industrial mediante la creación de
piezas inacabadas.
Dixon comenzó a producir y comercializar ediciones limitadas de muebles soldados, como la silla S-
Chairy PylonChair.
Opuestos a la organización y al orden inanimado del movimiento moderno, el postindustrialismo llegó con el concepto de “arte utilizable” y, en consecuencia,
hizo posible un nuevo tipo de diseño.
Caracteristicas del movimiento
Objetos producidos en lotes cortos para sectores e individuos determinados.
Diseño únicos sin miedo a homenajear su pasado industrial.
Opuesto al orden del Movimiento Moderno.
1978 Postindustrialismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 173
Exponentes más reconocidos
1978 Postindustrialismo
Tom Dixon
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 175
El ecodiseño es una versión ampliada y mejorada de las técnicas para el desarrollo de productos, a
través de la cual la empresa aprende a desarrollarlos de una forma más estructurada y
racional.
El ecodiseño conduce hacia una producción sostenible y un consumo más racional de recursos.
El concepto de ecodiseño está contemplado en la agenda de negocios de muchos países
industrializados, y es una preocupación creciente en aquellos en desarrollo.
Desde que el hombre se separo del mundo natural y comenzó a crear el artificial, diseña y produce
artefactos y semiartefactos, que en sí mismos no pueden ser considerados ecosistemas, pero que
están destinados a formar parte interactiva de ecosistemas de la naturaleza al integrarse a ellos. Si ha ecodiseñado habrá previsto los impactos y
contra impactos ambientales que provocarán dichos productos; si sólo ha diseñado, probablemente no
habrá tomado en cuenta tales interacciones y sus consecuencias.
La historia del diseño ecológico parte de la revolución industrial. Antes todos los bienes de
consumo usualmente se hacían por artesanos con materia prima de la región; o sea eran sostenibles.
Con la revolución industrial esto cambia, se crearon centros urbanos y por primera vez la producción
en masa hizo que los productos estuvieran al alcance de la mayor parte de la población. Lo que trajo como consecuencia el uso indiscriminado de
los recursos naturales, así como la creación de derivados para sustituir estos recursos tales como
el plástico y el PET entre otros. Hay muchos productos que ocasionan daños permanentes como: los celulares, controles, cámaras (y el uso constante
de las baterías). Los empaques que se tiran a la basura en cuanto el producto es desempacado. Refrigeradores y sus sistemas de enfriamiento.
1980 EcoDiseño
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 176
Para que un producto sea sostenible debemos tener en mente que los recursos naturales sugieren tres
reglas básicas en relación con los ritmos de desarrollo sostenible:
Ningún recurso renovable deberá utilizarse a un ritmo superior al de su generación.
Ningún contaminante deberá producirse a un ritmo superior al que pueda ser reciclado, neutralizado o absorbido por el medio ambiente.
Ningún recurso no renovable deberá aprovecharse a mayor velocidad de la necesaria para sustituirlo por un recurso renovable utilizado de manera sostenible.
5Rs DEL ECODISEÑO (LAS NUEVAS 3 R)
En mayo del 2006, una discusión en on 2-Global acerca de cuantas Rs caracterizan el Eco-Diseño de un producto / servicio / embalaje / cosa, hecho
por el hombre, concluyo que las 3Rs ya no era suficientes para el ecodiseño y las aumentaron a 5 Rs. Esto significa que si un diseño tiene en cuenta
Reciclar, Reusar, Reducir, Recuperar y Respetar realmente merece la etiqueta ECO.
Recuperar: Uso de materiales que ayudan a invertir el daño eco-social, o añaden valor al capital natural.
Respetar: Se consciente de cómo un artículo repercute en las economías, sociedades y ecosistemas de origen, búsqueda del ‘todos ganan’.
Reducir: Reducción de la necesidad de materiales para una función, incluyendo: menos material usado, menos peso para el transporte, menos energía de fabricación, menos energía de almacenaje, menos energía de uso, reducción de la toxicidad.
Reusar: Reutilización de objetos o diseño de objetos de manera que sean fáciles de reutilizar.
Reciclar: Crear un artículo que se vuelva a la cadena de recursos, que tenga un sistema fácil y robusto para la recuperación de sus materiales, y que use materiales reciclados, siempre que sea posible. Bajo estos supuestos también podríamos añadir ‘RECICLA las cosas que RECUPERAS’.
1980 EcoDiseño
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 177
Metodología del diseño ecológico
Los proyectos de diseño ecológico requieren una visión organizativa donde todos los actores del
proyecto colaboren y realicen su trabajo simultáneamente.
La aplicación de los criterios de diseño ecológico afecta a todas las fases de producción: adquisición de
materias primas, producción y ensamblaje de componentes, distribución, venta, uso, reparación y
desecho.
Selección de materiales de bajo impacto. Reducción de la cantidad de material usado. Selección de técnicas de producción ambientalmente eficientes.
Selección de técnicas de distribución ambientalmente eficientes.
Reducción del impacto ambiental en la fase de utilización.
Optimización del Ciclo de Vida. Optimización del sistema de Fin de Vida. Optimizar la función (nuevas ideas de producto).
Exponentes más reconocidos
1980 EcoDiseño
Elsbeth joy Nielsen
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 180
El grupo fue fundado por Ettore Sottsass en diciembre de 1980, y se resolvió
que los integrantes se reunirían otra vez con sus diseños en febrero
de 1981. El resultado fue un debut altamente aclamado en el " Salone
del Mobile” de Milán, la feria de mobiliario más prestigiosa del mundo.
El grupo, que contó eventualmente con Michele de Lucchi, Matteo Thun, Javier Mariscal, Marco
Zanini, Aldo Cibic, Andrea Branzi, Bárbara Radice, Martine Bedin,George J. Sowden y Nathalie
du Pasquier, se disolvió en 1988.
El movimiento era una reacción contra los diseños " caja negra" post-Bauhaus de los 1970s y tenía
un sentido del humor del que carecían los diseños negros, pulidos y aburridos de esa época. Una
época de minimalismo, en la que los productos tales como máquinas de escribir, edificios, cámaras, vehículos lucían todos parecidos y carecían de
personalidad e individualismo. En cambio, Memphis ofreció piezas brillantes,
coloridas e impactantes.
Los colores que usaban contrastaban con los negros oscuros y marrones del mobiliario Europeo. La palabra
Buen Gusto no se asociaba normalmente con los productos de Memphis. Esto hacía sugerir que el
diseño de Memphis era muy superficial, aunque el grupo intentó desarrollar una nueva y creativa
aproximación al diseño.
El 11 de diciembre de 1980, Ettore Sottsass organizó una reunión con algunos diseñadores
famosos, para formar un grupo de diseño colaborativo. Se llamó Memphis después de que la
canción de Bob Dylan, " Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again" sonara repetidamente
durante esa tarde. Su inspiración estaba nutrida de otros movimientos
como Art Deco y Pop Art, estilos como el Kitsch de 1os 1950s y temas futurísticos. Sus conceptos estaban rígidamente en contraposición con el supuesto " Good Design" (Buen Diseño),
fuerte en Alemania.
1980 Memphis Global Tools
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 181
Conceptos teóricos
El concepto de diseño de Memphis se basaba en una mezcla de estilos, colores y materiales del siglo
20. Se posicionó más como una moda que como movimiento académico y esperaba borrar
el International Style donde el Posmodernismo había fallado, prefiriendo más un renacimiento y
continuación absoluta del Modernismo, que una mera relectura de éste.
El Grupo Memphis integró a diseñadores que crearon una serie de productos altamente
influenciadores de los años 1980s. Estaban en desacuerdo con ajustarse a la época y desafiaron la
idea de que los productos debían seguir formas, colores y texturas convencionales.
El trabajo del grupo de Memphis se ha descrito como vibrante, excéntrico y ornamental. Fue
concebido por el grupo para ser un “capricho” que, como todas las modas, acabaría muy rápidamente.
En 1988, Sottsass disolvió el grupo.
Influencias y legado
Mientras que Memphis influenció a diseñadores tales como Philippe Starck, la continua subida
del Minimalismo en los años 90 consideró una vuelta a la “seriedad”.
En Argentina el fenómeno se sentiría más tarde, con la fundación por parte de Ricardo Blanco y
junto con otros diseñadores, el grupo Visiva, produciendo objetos que se alienaban con la
estética del Grupo Memphis.
1980 Memphis Global Tools
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 182
Proyectos del grupo Memphis
1980 Memphis Global Tools
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 184
El descontructivismo, también llamado descontruccion, es una escuela de arquitectura que
nació a finales de la década de los 80. Tiene su base en el movimiento teórico-literario también
llamado desconstrucción. El nombre también deriva del descontructivismo ruso que existio durante la década de 1920 de donde retoma alguna de su
inspiración formal.
Existen referencias adicionales en el descontructivismo a varios movimientos del siglo XX: la interacción modernismo/postmodernismo,
expresionismo, cubismo y el arte contemporáneo.
Exposición MOMA 1988: Deconstructivist architecture
Philip Jhonson, el creador y organizador de esta exposición, reunió a ciertos arquitectos de aquella
época, los cuales no guardaban grandes semejanzas, sólo algunos de ellos estaban relacionados a la
filosofía de Derrida*; pero tenían un hilo de conexión, su concepto de diseño respecto a la forma, deformaban y jugaban con el espacio, con
este grupo formó esta exposición nombrándola deconstructivista. Los arquitectos que presentaron sus trabajos fueron Peter Eisenman, Zaha Hadid,
Daniel Libeskind, Frank Gehry, Rem Koolhaas, Bernard Tschumi y la cooperativa CoopHimmelblau. En su momento ninguno de estos arquitectos quiso
ser llamado deconstructivista. Como tendencia, el deconstructivismo no llego más allá de la
imaginación comerciante de Johnson, por lo que se le cuestiona si es un verdadero movimiento y/o
escuela arquitectónica. Pero se podría decir que finalmente esta exposición logró materializar el
movimiento y ganar fama, y también dio aires de notoriedad para los participantes de esta.
1988 Descontructivismo
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 185
Caracteristicas del movimiento
Se caracteriza por la fragmentación, el proceso de diseño no lineal, el interés por la manipulación de las ideas de la superficie de las estructuras y, en
apariencia, de la geometría no euclídea, (por ejemplo, formas no rectilíneas) que se emplean para
distorsionar y dislocar algunos de los principios elementales de la arquitectura como la estructura y la envolvente del edificio. La apariencia visual final de los edificios de la escuela deconstructivista se caracteriza por una estimulante impredecibilidad y
un caos controlado.
Súper Imposición en diagonal de formas rectangulares o trapezoidales.
Contrastes entre las imágenes retorcidas. Abandono de la vertical y la horizontal. Rotación de los cuerpos geométricos alrededor de ángulos pequeños.
La fragmentación.
Exponentes más reconocidos
1988 Descontructivismo
Philip Johnson
Frank Gehry
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 186
1988 Descontructivismo
Zaha Hadid
Daniel Libeskind
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 188
El esencialismo es un enfoque del diseño que se
ocupa de la organización lógica de aquellos elementos totalmente necesarios para la realización
de un objeto concreto. En este sentido, el esencialismo se basa en un concepto moderno:
obtener el máximo a través de lo mínimo. Se trata de una corriente bastante próxima al diseño
ecológico. El origen del esencialismo se remonta a la ciencia del diseño DYMAXION (dinámica
+máxima eficacia) que promovió Richard Buckminster Fuller en los años veinte y sus
innovadores proyectos subsiguientes basados en el uso de la mínima cantidad de energía y materiales.
Una perspectiva esencialista del diseño se suele basar en una lógica de construcción de orientación
tecnológica, y por tanto tiene muchos puntos en común con las escuelas de diseño funcionalista y
racionalista.
El esencialismo ha caracterizado el trabajo de muchos de los principales diseñadores industriales del siglo XX, aunque el vocabulario formal de sus
diseños ha variado frecuentemente de forma considerable.
El esencialismo, visto como una evolución del movimiento moderno, puede adoptar tanto formas geométricas como orgánicas; no existe un estilo
definido. El diseño de Dieter Rams, por ejemplo, no posee las mismas cualidades estéticas que un diseño de Charles Eames, pero ambos pueden
considerarse modernos y completamente esencialistas. Algunos diseñadores industriales
contemporáneos, como Jasper Morrison y Konstantin Grcic, adopta una perspectiva
prácticamente utilitaria al diseñar productos esencialistas de gran pureza estética.
El esencialismo, esta cada vez mas ligado al diseño orgánico y aun nuevo naturalismo formal, como se
puede ver en la obra de Ross Lovegrove.
El esencialismo, que requiere un conocimiento profundo de la estructura, la naturaleza de los
materiales y las técnicas industriales, es sin duda el enfoque mas adecuado para el siglo XXl.
2000 Esencialismo Orgánico
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 189
Exponentes más reconocidos
2000 Esencialismo Orgánico
Ross Lovegrove
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 190
Por medio de la investigación y después del hundimiento y enfrascarme en este camino lleno de conocimientos, en esta gama de estilos, movimientos
y aconteceres que dan paso a lo que nosotros conocemos como historia y especialmente en este
extenso trabajo - a simple vista - sobre el “avance” y cambios que pudimos observar en la línea formal
y conceptual del Diseño Industrial, y van plasmándose desde hace millones de años y con
grandes proyecciones hacia el futuro.
La observación presente en el avance de las tecnologías y las nuevas proposiciones formales y
conceptuales de los conservadores del diseño durante esta larga línea de cambios, es de gran importancia por el desempeño que cumple en la
renovación de ideas, gracias a los personajes que hemos estado estudiando tenemos hoy en día
grandes capacidades de tratamiento de nuevos materiales, nuevas formas y una capacidad de
recepción nueva, que va de acuerdo con el progreso de la historia y los cambios
generacionales, de ideales, los cambios sociales, que se pueden observar en las acciones y
aconteceres que día a día vemos en todo el mundo. Surge la necesidad de las personas en
resguardarse en nuevas concepciones de objetos o nuevos ideales, lo que nos lleva a concebir esta
gran gama de estilos y movimientos de diseño, los que están estrechamente relacionados con los
movimientos sociales, aun cuando en este momento vemos un decaimiento de la importancia en la
concepción de objetos “artesanalmente”, con lo que me refiero a la producción individual o mas bien en
baja cantidad, producciones que sean con un sentido de expresión y proyección unilateral del
diseñador, que aquel forme parte de su diseño y se entregue en pleno hacia él.
Por el comportamiento de la sociedad que necesita del consumo, vemos el realce de la producción en
masa, de ventas en supertiendas, objetos uniformes e igualitarios para todos, donde no se ve reflejada
calidad, ni expresión 100% proyectada al usuario, si no que a una masa de usuarios, no dando opciones
Conclusión
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 191
en momentos a personas que buscan exclusividad,
no por un asunto de estatus social, si no, que muchas veces es por una búsqueda de
identificación, o de sentir que tal o cual diseño es especial, y en ese “especial” tener una importancia
como consumidor y usuario del producto.
Es por este acontecer, que el Diseño Industrial como acción de vida, necesita una reformulación,
además de los individuos consumidores, que necesitan una nueva capacidad de valorar este tipo de producciones, no solo ver los objetos como un producto, si no, que como una extensión de cada
cual, por la importancia del papel que cumplen en el espacio en donde nos desenvolvemos.