Actividad sobre la escultura griega

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Ana Galván Romarate-Zabala Historia del Arte: Grecia ACTIVIDAD SOBRE LA ESCULTURA GRIEGA LEE ATENTAMENTE Y CONTESTA EL CUESTIONARIO SOBRE ESTE TEXTO -La escultura en Grecia alcanzó un extraordinario desarrollo, comparable e incluso superior al de la propia arquitectura. -El punto de partida de la escultura griega es la naturaleza. El hombre fue el eje de la misma, consecuencia lógica del carácter antropocéntrico de esta cultura. Su principal modelo será el joven atleta masculino, "imagen y medida del hombre". -La temática oscila entre los temas mitológicos-religiosos hasta retratos, pasando por escenas de la vida cotidiana. Éstas se plasmarán tanto en bulto redondo como en relieve, siendo la función de la escultura de carácter religioso en general, pues se trata de esculturas ligadas al culto, y aparecen en los templos. Sin embargo, su función puede ser también conmemorativa y funeraria. -Materiales: En un principio debieron realizar las piezas en madera, más tarde se harán en piedra, mármol fundamentalmente, siguiendo una evolución similar a la de la propia arquitectura. En menor medida usaron también el bronce. También utilizaron la terracota (: barro cocido) y materiales preciosos como el oro y marfil (las piezas realizadas con oro y marfil se llaman crisoelefantinas y consistía en sobre un alma de madera montar elementos de marfil esculpido, que representaban el cuerpo y placas de oro para la vestimenta. Esta técnica la utilizó Fidias para realizar la estatua de Atenea Partenos que se conservaba en el Partenón). Con estos materiales se realizaban unas esculturas donde las superficies están bien trabajadas, las texturas son lisas, finas y pulidas. -El escultor griego estudia el cuerpo humano, se preocupa del movimiento y la relación armónica entre los elementos. Busca plasmar la belleza física y el equilibrio espiritual, por lo que belleza, proporción, armonía y movimiento definirán la escultura. Los esquemas compositivos variarán con el tiempo pues pasamos de figuras rígidas y estáticas a otras en la etapa clásica que aunque también son de composición cerrada presentan ya movimiento en contraposto o movimientos serenos y equilibrados, para llegar al helenismo y encontrarnos con composiciones abiertas y dinámicas donde domina el movimiento en acción. -Copias romanas: la mayor parte de la escultura griega la conocemos a través de copias romanas, ya que los originales se han perdido. -Policromía: Toda la escultura, a excepción de los bronces, se policromaba. La estatua blanca nace en el Humanismo, al creer, erróneamente, que las clásicas habían sido así. -La importancia del escultor: Es importante también recordar que casi todas las piezas estaban firmadas, el arte, por tanto, deja de ser anónimo, demostrando con ello la valoración de la creación artística individual. -Al igual que en la arquitectura, existen diversas etapas:

· Período arcaico: del S.VII al 500 a.C. · Período de transición o Estilo Severo: del 500 al 475 a.C.· · Período Clásico: del 480 al 313 a.C. · Período Helenístico: del 313 al 146 a.C.

-Los orígenes de la escultura griega son orientalizantes: en sus primeros momentos reflejan la influencia de la escultura egipcia, sin embargo, su evolución constante dio lugar al desarrollo de

formas originales que se apartan de los primeros modelos. -La escultura griega va a experimentar una profunda evolución, desde formas muy hieráticas, rígidas e inexpresivas, hasta conseguir arquetipos o cánones ideales por su perfección técnica y formal, dentro del más elegante naturalismo. En su etapa final, la helenística, tenderá a una mayor expresividad y dinamismo. -En la prehistoria griega encontramos ya unos ejemplares interesantísimos de escultura llamados los "ídolos de las Cícladas". Son estatuillas del tercer milenio antes de Cristo, hechas fundamentalmente en mármol y otras en terracota pintada como el famoso "tañedor de lira" de aproximadamente el 2700-2300 a de C. Acompañaban a los muertos en sus tumbas y presentaban los aspectos físicos y atributos sexuales poco marcados. -En la época arcaica (hasta el siglo V a de C) dominan las representaciones de Kuros (Kuroi en plural) y Koré (Korai en plural). Los Kuroi representan a jóvenes desnudos de aspecto atlético. Son estatuas funerarias que conmemoraban al vencedor de los juegos olímpicos, el atleta o héroe. Suponen el ideal de belleza masculino. Tienden a formas rígidas, geométricas y hieráticas acusando la ley de frontalidad de influencia oriental. Presentan influencias de la escultura egipcia como demuestra el carácter de

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bloque con el que es concebida la obra, por la posición de los brazos, pegados al cuerpo, las manos cerradas, el tratamiento del cabello en forma de peluca, la geometrización del cuerpo y la inexpresividad. El torso tiene forma triangular. Una de las piernas está adelantada en un intento inútil por sugerir el movimiento. Los rostros son de líneas duras, en ellos los ojos son de forma almendrada y se pintan el iris y las pupilas. Presentan la llamada sonrisa arcaica, algunas veces más que sonrisa parece una mueca. Los rasgos anatómicos son muy esquematicos. Son figuras arquetípicas, no se pueden considerar retratos Estas esculturas están realizadas en mármol. -Las Koré (Koroi en plural) son el equivalente femenino de los kuroi. A diferencia de los kuros aparecen vestidas, envueltas en una larga túnica, encima de la cual se coloca un largo manto o un corto chal. En Grecia el desnudo femenino es tardío, de ahí la importancia del vestido y la ornamentación. El ideal femenino se asimila a una vestimenta digna. Se demuestra una gran técnica y habilidad en el tratamiento del pelo, cuerpo y tela. -En estos ropajes se disponen infinidad de pliegues, en paralelo, zig-zag o en abanico. Los pliegues

son muy rígidos sin la menor posibilidad de sugerir movimiento. Algunas aparecen con un brazo doblado delante del pecho, gesto que tiene un significado ritual. Son seguramente sacerdotisas y se encontraban en los santuarios.

la dama de Auxerre -En la Acrópolis de Atenas hubo gran cantidad de ellas dedicada a la diosa Atenea. Una de las kores mejor conservada en la llamada dama de Auxerre . -Las primeras esculturas de Kuroi y Koroi solían ser de notables dimensiones pues imitaban los modelos egipcios y podían llegar a alcanzar hasta los 9 metros. Posteriormente, se van haciendo de menor tamaño. Por otro lado, a medida que vamos avanzando hacia finales del siglo VI a de C, estas esculturas presentan una mayor libertad de ejecución a la vez que anuncian la llegada de nuevos tiempos. Hera de Samos → - Época clásica (siglo V a. C): a partir del establecimiento de la democracia en Atenas, el arte gira hacia un mayor humanismo. En este período aparecen los grandes maestros y cada uno de ellos aporta modelos y tipologías nuevas. Es

el momento de mayor esplendor de la escultura griega. Se produce una mayor destreza en el tratamiento de las formas, principalmente en el estudio anatómico, que alcanza gran perfección. El ideal de belleza se alcanzará a través de la relación que debe existir entre las diferentes partes del cuerpo y el todo y por la proporción entre ellas, es decir a través de la aplicación de un canon o medida. Es la norma matemática que determina medidas y relaciones de los miembros del cuerpo humano. Los griegos emplean como módulo la cabeza: en las esculturas de Policleto (1/7), en las de Lisipo (1/8), etc. -Se pierde la rigidez de la época arcaica y las figuras adoptan posturas más relajadas y naturales, reforzados por la aparición del movimiento. La composición predilecta será el contraposto: la figura descansa sobre una pierna y flexiona la otra dejándola en reposo; la descarga del peso sobre un lado produce un desnivel en las caderas y en el eje vertical de la estatua. Se rompe así, la ley de la frontalidad. Esta será la postura predilecta en el arte clásico. Otra característica será el idealismo y el equilibrio: se tiende a la creación de figuras humanas idealizadas. Los escultores más destacados del Clasicismo fueron Mirón, Fidias y Policleto. Mirón -Fue un gran broncista, aunque conocemos sus obras a través de las copias realizadas en mármol por los romanos. Los estudios de Mirón se centran en el estudio de la anatomía en movimiento y representa a sus figuras en posturas llenas de dinamismo. Sin embargo, sus esculturas son un tanto inexpresivas. Su obra más relevante es el “Discóbolo”. -El Discóbolo ↓ que se conserva es una copia romana en mármol del original en bronce del Mirón, que se fecharía entre los años 460 y 450 a de C (siglo V a de C). Es una de las obras más reproducidas de la Antigüedad y está

también descrita en muchos textos literarios. Es exenta o de bulto redondo. Representa a un atleta justo en el momento de lanzar el disco. El autor decide congelar un segundo clave, el instante de máxima torsión cuando el atleta concentra toda su fuerza en el giro. La disposición es muy atrevida: sorprende al atleta cuando impulsa el disco hacia atrás. Ello obliga a una composición en espiral. Esta composición multiplica los puntos de vista, se rompe así con la ley de frontalidad y de la simetría, a la par que se acentúa el dinamismo. -El idealismo característico de la época clásica, no sólo se refleja en el estudio anatómico del cuerpo humano sino también en un rostro idealizado: no hay conexión entre su rostro inexpresivo y el esfuerzo físico que está realizando. Su cabellera tiene rasgos arcaicos. En su momento fue una figura coloreada aunque los colores se han perdido. -Es una obra con influencias en el arte arcaico, en los Kuroi y Korai y en esculturas de transición a la época clásica como el Auriga de Delfos.

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-Esta bellísima obra ejerció una gran influencia en la escultura griega, romana y renacentista. Policleto

-Policleto, contemporáneo de Fidias, fue, a la vez que escultor -sobre todo broncista-, un gran teórico: fijó la proporción, el ritmo y la simetría del cuerpo humano en un canon o prototipo investigando las proporciones más armónicas. Él instauró el canon de las siete cabezas (la altura del cuerpo debe ser siete veces mayor que la de la cabeza).

-Las principales esculturas de Policleto son el Doríforo, el Diadumeno, Héracles y la Amazona herida.

-El Doríforo: El Doríforo –quiere decir “portador de lanza”. También se la llama el Canon (porque se considera la plasmación de su teoría griega acerca de las proporciones). Se trata de una estatua de tema atlético, característico encargo de una clientela aristocrática para ofrecer a los santuarios. Para algunos autores es la representación de Aquiles. El desnudo es símbolo de belleza física, moral y espiritual. El hombre desnudo adquiere la consideración de héroe. El punto de partida para la realización de esta obra fueron los

Kouroi y Apolos Arcaicos a la vez que debe mucho a los avances de la obra de Mirón, a partir de estas influencias se convertirá en un modelo de belleza varonil. El Dorífero muestra un cuerpo de proporciones matemáticas y vigorosa musculatura. La altura del cuerpo es de siete cabezas y el rostro aparece dividido en tres partes iguales. Está concebido para ser visto de frente. El peso cae en una pierna y el sentido de la marcha se contrapone a la dirección de la mirada, de modo que se rompe la monotonía de “la ley de frontalidad” mientras se conserva cierto estatismo. Es el contraposto. La inclinación hacia la derecha de la cabeza del Doríforo da el toque final a la estatua; describe una suave curva en forma de "S" invertida, sistema muy apreciado en el período gótico y utilizado para conferir armonía a las estatuas de la Virgen. Dicha inclinación mejora el perfil de la estatua.

-Esta escultura ejerció una influencia posterior en las obras de Praxiteles, Lisipo, en el Helenismo, en el arte romano. También su influencia perdurará en el David de Donatello, en Miguel Angel y en el Neoclasicismo.

-El Diadúmeno, también de Polícleto representa a un atleta atándose a la cabeza la venda de la victoria. El contraposto es más acusado y tiene una mayor curvatura en el eje del torso. Su expresión es también de concentración y serenidad, con los ojos cerrados y el cuerpo relajado. Esa paz, esa armonía y la belleza de unos cuerpos extraídos de la realidad pero llevados a la perfección, divinizados por su belleza, eso es lo que caracteriza al clasicismo. Fidias

-Atenas impone en el siglo V a de C su liderazgo cultural en escultura a través de la figura de Fidias, cuya influencia marcará el arte griego durante toda su época. Es el gran escultor del Clasicismo.Su actividad se centra en torno a la Acrópolis, pues Pericles lo convirtió en el coordinador de las obras del Partenón. -Lo que más destaca en Fidias es su tratamiento de los ropajes. Es la técnica llamada de “paños mojados” que deja traslucir la anatomía a través de las vestimentas. Con esta técnica acentúa el juego de la luz y dinamiza las figuras. Los principales ejemplos de Fidias son las esculturas de la Atenea Promacos, Atenea Partenos, el Zeus de Olimpia y las esculturas del Partenón (frontones, frisos y metopas).

← La escultura de la Atenea Partenos (hoy perdida) era una estatua de más de doce metros de altura realizada en marfil y oro (crisoelefantina) y se conservaba en la naos del Partenón. -Los temas que representa en el Partenón son episodios mitológico-religiosos en los que simboliza el triunfo del orden y la racionalidad frente a las pasiones y el caos, aluden al triunfo de los griegos sobre los persas en las guerras médicas. Los relieves fueron pintados en vivos colores. -La temática se distribuye de la siguiente manera: *En los frontones: -El Nacimiento de la Diosa Atenea (frontón oriental) -La lucha de Atenea y Poseidón por el dominio de la ciudad de Atenas (frontón occidental). * En las 92 metopas: -La gigantomaquia: lucha de los dioses contra los titanes. -La guerra de Troya -La centauromaquia: lucha de los lapitas contra los centauros.

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-En el friso del Partenón realizó la decoración escultórica de “la Procesión de las Panateneas”: las panateneas son las doncellas que llevan un presente a la diosa Atenea. El regalo es un “peplos” (túnica) tejida por ellas mismas.

Junto a las doncellas desfilaba toda la ciudad (ciudadanos a caballo…), figuras portando ofrendas en carros y conduciendo animales para el sacrificio. La ceremonia de la entrega es observada, desde sus asientos por los doce dioses principales del Olimpo. En la obra destaca la variedad de actitudes y movimientos, aunque siempre dentro de la serenidad y moderación del estilo clásico. Las formas se superponen y crean sensación de profundidad. El tema del friso es novedoso. Hasta entonces, dioses, semidioses y héroes habían protagonizado las escenas que representaban en los templos pero con Fidias, toda la Atenas de su tiempo queda eternizada. -Estos relieves constituyen la culminación del estilo clásico, por

la armonía de las figuras, la composición equilibrada, el tratamiento de los cuerpos de cánones proporcionados y delicada anatomía, las formas elegantes y por la captación psicológica de los personajes que se alejan de la inexpresividad. Praxíteles -Praxíteles es un escultor del siglo IV a de C. Trabaja preferentemente el mármol. Da una visión humanizada de los dioses. Es el escultor de las formas flexibles, con curvas suaves y sensuales, y del desnudo. El claroscuro juega un papel importante en su obra. El peinado lo realiza a grandes mechones, acentuando los contratastes lumínicos. Entre sus obras destaca *la Venus de Cnido. Nos ha llegado por una copia romana. Representa a la diosa del amor saliendo de las aguas del mar de cuya espuma nació según el mito más conocido. Fue una escultura famosísima en época de Praxíteles y tuvo una enorme influencia en el arte griego y romano posterior. Aparece ensimismada, algo ausente. No eran frecuentes los desnudos femeninos en el arte griego anterior y sólo a partir del siglo IV a de C es concebible una visión sentimental y sensual del cuerpo femenino. *Hermes con Dioniso niño es otra de sus esculturas: recoge el momento en el que Hermes y Dioniso descansan en un viaje, donde las ninfas cuidarían al pequeño dios. El cuerpo de Hermes se inclina hacia Dioniso –el dios del vino- para ofrecerle unas uvas. La figura de Hermes forma una curva bastante acusada que suele aparecer en las esculturas de Praxíteles y se denomina curva praxiteliana en un gesto de cierto abandono. Para mantener el equilibrio de la figura el artista ha introducido un elemento de paisaje (un árbol) que aparece cubierto con el manto de Hermes. Es una escultura en mármol pulido. La anatomía es perfecta, proporcionada y armónica. Es una obra perteneciente al clasicismo tardío. -El camino iniciado por Praxíteles en la escultura tuvo su continuidad en el Helenismo y el mundo romano, incluso en

el Renacimiento, Barroco y Neoclasicismo. Lisipo -Lisipo: fue el mejor broncista de Grecia. Fue un artista de renombre, retratista oficial de Alejandro magno, pero su tema preferido eran los atletas. Pertenece al clasicismo tardío (la primera mitad del siglo IV a de C). Perfeccionó el canon (alargamiento de los miembros, reducción de la cabeza). Es un canon más naturalista que el de Policleto. ← El Apoxiomenos es su obra más conocida. Representa a un atleta que se retira la grasa del cuerpo después del ejercicio gimnástico con ayuda de un utensilio curvado llamado “estrígile”. No se conserva el original de Lisipo, que era de bronce y que se fecharía hacia el 330 a de C. La copia que conservamos se encuentra en el Museo Vaticano de Roma. Con esta obra se completa el proceso de pérdida de frontalidad que comenzó en el arcaísmo. Parece ágil, en pleno movimiento.

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Scopas -Scopas: Escultor y arquitecto del siglo IV a de C. En sus esculturas muestra los distintos estados anímicos: amor, pasión, desesperación, tragedia y patetismo. -Realizó esculturas de Ménades: las Ménades o bacantes eran las mujeres adeptas a los ritos dionisíacos que danzaban de manera desenfrenada, fruto del alcohol. Vemos un cuerpo en movimiento que se arquea tanto que casi llega a la convulsión. El dinamismo y la violencia de esta figura se alejan de los presupuestos clásicos y se acercan más al helenismo.

Ménade→ -Etapa helenística (siglo IV al I a de C) -Denominamos Helenismo o etapa helenística a la etapa final de la civilización griega. Durante este periodo la cultura helena se extiende gracias al Imperio de Alejandro Magno, recibiendo influencias orientales. Esta etapa se prolonga hasta época romana. Con el Helenismo se produce la universalización de la cultura griega. -Durante el Helenismo la escultura abandona ya definitivamente el equilibrio clásico y adopta otras características: la representación del dolor, el movimiento, la grandeza, el dramatismo e incluso la fealdad. Se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas posturas. Mientras que en el clasicismo los temas eran religiosos y sólo al final se introduce con Lisipo el retrato, con el helenismo se amplia, los temas son infinitos. ← Venus de Milo Hay varias escuelas helenísticas: -ESCUELA DE ATENAS: Niño de la espina, Venus de Milo y el torso Belvedere.

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-ESCUELA DE RODAS: la Victoria de Samotracia, Laocoonte, ← La Victoria de Samotracia formaba parta de un conjunto espectacular, un santuario con la proa de un barco ante la cual la figura alada evocaba impetuosa, una victoria naval. -El Laocoonte: grupo escultórico de mármol del siglo II a de C. → Se conoce esta obra a través de una copia romana, pero el original debió estar realizado en bronce con la técnica de la cera perdida. -Recoge un episodio de la guerra de Troya en el que Laocoonte, sacerdote de Apolo, muere

estrangulado por serpientes marinas enviadas por Poseidón para que no revelara el secreto del caballo de Troya (los griegos, escondidos en el interior de un caballo de madera, pretendían engañar al enemigo y entrar en la ciudad asediada). -La composición es abierta, dinámica, se conforma a través de diagonales. La escultura ofrece varios puntos de vista. -La luz es parte importante en la obra, resbala sobre la superficie y crea debido a los escorzos de las figuras fuertes efectos de claroscuro. Este claroscuro se acentúa en el pelo y la barba que han sido trabajados a trépano. La expresión es realista. Los rostros expresan un fuerte dramatismo el cual queda expresado por las bocas entreabiertas siguiendo el estilo de Scopas. En cuanto a los cuerpos hay que destacar el estudio anatómico perfectamente logrado principalmente en la figura de Laocoonte. Su realización se atribuye a Paliodoro, Agesandro y Atenodoro. La

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escultura tiene como antecedentes el clasicismo tardío, la influencia de Scopas. La obra ejerció una gran influencia en el arte romano, en el Renacimiento y el Barroco (Bernini). La obra fue descubierta en el siglo XVI en Roma, estando presente Miguel Angel, que quedó impresionado con el dramatismo de la obra. Le influyó entre otras obras en el Moisés y en los Esclavos. -ESCUELA DE PERGAMO: Altar de Zeus (hoy perdido). Era un altar al aire libre para hacer sacrificios a los dioses. Otras esculturas de esta escuela son Afrodita agachada y El niño de la oca: representa a un niño atrapando una oca, una especie de versión cómica de las clásicas esculturas de luchas que eran frecuentes desde el arcaísmo. -ESCUELA DE ALEJANDRIA en Egipto: Figuras grotescas, enanos contrahechos, pícaros, tanagras, etc. (influencia de Egipto y Praxíteles). CUESTIONARIO:

1. Señala cuál es la temática habitual de la escultura griega. 2. ¿En qué consiste la técnica “crisoelefantina”? 3. Averigua que quiere decir el vocablo “contraposto”. 4. En sus orígenes la escultura griega tuvo influencias de… 5. ¿Qué eran los “ídolos de las Cícladas”? 6. Conocemos cómo eran muchas esculturas griegas gracias a… 7. Señala los puntos en común entre los Kuroi y las Korai. 8. Cita varios escultores destacables de la antigua Grecia. 9. Explica las características generales del friso del Partenón llamado “la procesión de las

Panateneas”. 10. ¿Quiénes eran las “ménades”? ¿Qué importante escultor griego las representó en una de

sus célebres obras? 11. Durante la etapa helenística surgieron varias escuelas escultóricas, señala cuáles fueron

destacando sus principales ejemplos.